jueves, 27 de octubre de 2011

‘Il maestro di musica’ e ‘Il Don Chisciotte’ Intermezzi di Padre Giovanni Battista Martini -TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA

Renzo Bellardone

TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA. 22 OTTOBRE 2011 ore 20,30 ‘Il maestro di musica’ e ‘Il Don Chisciotte’ Intermezzi di Padre Giovanni Battista Martini. ACCADEMIA DEGLI ASTRUSI Direttore Federico Ferri. Laura Polverelli - Olimpino/Nerina. Aldo Caputo - Tamburlano/Don Chisciotte. Matteo Belli - Sancho Panza. Regia - Gabriele Marchesini. Scene - da bozzetti di Dario Fo. Aiuto scenografo - Stefano Iannetta. Luci - Daniele Naldi. L’Accademia degli Astrusi’ prende gusto alle Prime Assolute.

Ammirato da Mozart e formatore del maestro di musica di Gioacchino Rossini, Padre Giovanni Battista Martini (Bologna 1706-1784) dell’ordine dei Frati Minori Conventuali, ha lasciato un patrimonio inestimabile di libri, manoscritti e partiture ora patrimonio del Museo Internazionale e Biblioteca della Musica di Bologna. Seppur le sue composizioni siano state apprezzate sia durante la sua vita che a posteriori, la loro attuale riscoperta e valorizzazione è dovuta al minuzioso lavoro dell’Accademia degli Astrusi tramite il suo direttore Federico Ferri che, scoperti anche degli inediti, dal 2009 ha creato il ‘Festival Martini’ con concerti nei luoghi simbolo di Bologna, città natale del compositore. Nella serata del 22 ottobre al Comunale di Bologna vengono presentati in prima assoluta per l’epoca moderna (come pure in prima assoluta sono le incisioni di altri brani di Padre Martini), i due intermezzi ‘Il Maestro di musica’ ed a seguire ‘Il Don Chisciottte’ nell’edizione critica di Daniele Proni e Federico Ferri anche direttore che con direzione attenta e puntuale -esplicito frutto di ricerca e studio- conduce l’orchestra con gesto ampio e vigorosamente descrittivo, con molta attenzione anche per il palcoscenico. Il primo intermezzo si presenta come un cammeo incastonato come una pietra preziosa; musica molto leggiadra è ben interpretata sia attorialmente che vocalmente da una mai deludente Laura Polverelli –Olimpino’ ovvero lo studente di musica e da Aldo Caputo –Tamburlano- ovvero il maestro di musica. Polverelli riesce a modulare anche suoni del tutto inconsueti che accentuano il divertente dell’intermezzo e Caputo non certamente da meno emette con sicurezza e tiene la scena con padronanza. Canto talvolta impervio e di non immediata lettura è stato reso con virtuosistica piacevolezza. E’ un piacere assistere ad una Prima che può configurarsi in una prima assoluta ed ancor più piacevole sentirla eseguita da un’orchestra sempre più affermata nel repertorio.Decisamente gradevole e coinvolgente in un divertissement raffinato con buone voci e bei suoni ‘Il Don Chisciotte’ si avvale per le scenografie di bozzetti all’uopo creati dal premio Nobel Dario Fo che tratteggiati in azzurro/grigio ben si stagliano sullo sfondo aranciato creato con le luci di Daniele Naldi. Ancora Laura Polverelli nella frizzante interpretazione della femminilmente astuta Nerina ed Aldo Caputo, un timoroso Don Chisciotte manovrato da un grottesco, ma scaltro Sancho Panza interpretato dal mimo Matteo Belli che chiuderà l’intermezzo stando sopra ai due personaggi a guisa di burattinaio che gestisce i suoi fantocci. Questo intermezzo potrebbe anche essere considerata una vera e propria ‘operina’ che grazie alla clownesca regia di Gabriele Marchesini ed alle scene di Stefano Iannetta strappa più di un divertito sorriso…..il cavallo è una semplice sella sopra ad un’altalena, ma Nerina cavalca un cavalluccio a dondolo…e modificherà il costume a scena aperta acquisendo in quel momento magiche facoltà …. che scaturiranno in veste di polverina dalla sua bacchetta magica..  Si sa che Padre Martini era ghiotto di cioccolato e ne sia lodato il cielo, avendo trasmesso nella sua musica tutta l’euforia ricavata da esso e scherzosamente si potrebbe pensare che prima della performance anche Federico Ferri, Laura Polverelli, Aldo Caputo e Matteo Belli ne abbiano anche loro abusato, considerata la vivacità interpretativa nei singoli ruoli. La Musica vince sempre.

miércoles, 26 de octubre de 2011

Le donne di Vivaldi en Buenos Aires

Foto: Sonatori

Gustavo Gabriel Otero

Como fin del Ciclo 2011 del Mozarteum Argentino se presentó, en el Teatro Colón de Buenos Aires, el espectáculo ‘Le donne di Vivaldi’ ideado por el maestro Francesco Fanna y por Myriam Zerbi. La estructura es sencilla pero de buena factura: alternar obras orquestales y vocales de Antonio Vivaldi con el relato de algunos momentos de la vida del músico en especial su relación con las heroínas salidas de su pluma y con las intérpretes de su música. En la sutil complementación de elementos musicales se alternaron tres conciertos y tres arias interpretadas por cada una de las tres solistas para finalizar con un fragmento del Beatus vir interpretado a trío por las cantantes. Los textos escritos por Myriam Zerbi y leídos y recitados por Filippo Plancher aportaron datos y simpáticos relatos. Lamentablemente un descomunal acople del equipo de audio al iniciarse el relato -luego de concluir la primera intervención solista de la orquesta- desorientó al público. Más cuando el relator ingresando por la platea gritaba ‘Fue él’. Luego todo marchó bien pero es dable remarcar que en un teatro lírico con la acústica del Colón no es necesario amplificar las voces habladas. En la faz musical el concierto se inició con el conjunto Sonatori de la Gioiosa Marca interpretando el Concierto para cuerdas en Re menor de Antonio Vivaldi. Lo que permitió apreciar el perfecto color original de una agrupación historicista especializada en el género, la afinación exacta, la rítmica precisa y el cuidado equilibrio de la agrupación véneta. En el trascurso de la velada la agrupación ofreció el Concierto para flauta piccolo en Do mayor, que cerró la primera parte electrizando al público por la justeza de la interpretación y por la excelencia de la solista -Dorothée Oberlinger- quien deslumbró por la naturalidad del sonido, por la justeza en las agilidades y por la perfección en la articulación además de deslumbrar por su altura, juventud y natural belleza. Y luego inició la segunda con el Concierto para laúd, RV 93, donde se lució Ivanno Zanenghi.

En todos los casos, así como acompañante de las solistas, los Sonatori de la Gioiosa Marca reivindicaron su justa fama internacional.  En otros momentos actuaron como solistas Giorgio Fava en violín y nuevamente Ivanno Zanenghi pero como solista de mandolina, mostrando siempre seguridad y musicalidad. La mezzosoprano argentina Susanna Moncayo von Hase aportó su bellísimo color vocal y su timbre acontraltado para interpretar Fingi d’avere un cor de Arsilda, regina di Ponto; Ho il cor già lacero de Griselda y Sovente il sole de Andromeda liberata. Por su lado la soprano italiana Gemma Bertagnolli mostró perfecto estilo y coloraturas límpidas y brillantes en sus interpretaciones de La speranza verdeggiando de Orlando finto pazzo, Armatae face, et anguibus de Juditha triumphans y Ombre vane, ingiusti orrori de Griselda. Mientras que la mezzosoprano, originaria de Novara, Manuela Custer demostró perfecto dominio escénico, gracia y simpatía a la par de perfección técnica, flexibilidad en el registro, belleza vocal y seguridad en las coloraturas en sus interpretaciones de Misero spirto mio de Ottone in villa, Transit aetas de Juditha triumphans y Nel profondo cieco mondo de Orlando Furioso –sin dudas su mejor momento de la noche. En todo momento brilló la concertación del maestro Francesco Fanna para brindar una noche de acercamiento a Vivaldi diferente y de gran calidad.

lunes, 24 de octubre de 2011

Così fan tutte en Los Ángeles

Foto: Robert Millard

La colorida producción escénica de Nicholas Haytener importada desde el festival de Glyndebourne y un grupo vocalmente homogéneo de reconocidos cantantes, fueron la llave para reintroducir de manera satisfactoria a este teatro, la comedia mozarteana que no era escenificada localmente desde 1996. El punto más débil de la función se lo atribuyó la estática e impasible dirección escénica de Ashley Dean, quien fue incapaz de extraer de manera convincente la comicidad natural contenida en la obra. El elenco fue encabezado por el bajo Ildebrando D’Arcangelo, un Gugliemo con voz de portentosa emisión y colorida musicalidad, divertido y carismático por naturaleza; y por la soprano Aleksandra Kurzak, que interpretó correctamente el papel de Fiordiligi y convenció, sobretodo por su ágil y nítida línea de canto. Saimir Pirgu, dotó de elegancia interpretativa al papel de Ferrando mientras que la mezzosoprano Ruxandre Donose, dio relieve al personaje de Dorabella gracias a su oscura coloración y a una emisión técnicamente impecable. Correcto en su interpretación vocal, pero carente de autoridad escénica y malicia se mostró Lorenzo Regazzo como Don Alfonso. Radiante, juvenil y astuta fue la Despina de Roxana Constantinescu, joven mezzosoprano de notables cualidades. Con entusiasmo y energía, James Conlon manejó los tiempos y las dinámicas de la partitura de la que extrajo lucidez musical y un sonido uniforme. RJ




Eugenio Onegin en la Ópera de Los Ángeles

Foto: Robert Millard

La impresión que quedó en el ambiente después de la primera representación escénica local de esta opera rusa, con la que dio inicio el nuevo ciclo lírico de Los Ángeles, fue que la obra se llamaba en realidad Tatiana. Si, porque la soprano ucraniana Oksana Dyka, dando vida a este personaje, realizó su debut estadounidense mostrando una ambición y una voracidad escénica poco habitual en este teatro, con la que conquistó al publico. Con luminosa voz de brillante tonalidad e intensa pasión, recibió una estruendosa ovación después de su conmovedora escena de la carta. El barítono Dalibor Jenis, pareció guardarse la arrogancia y el ímpetu que requiere el personaje de Onegin hasta el final de la función, si bien su desempeñó fue de menos a mas y su voz es lucida y profusa, su desempeño total no paso de ser mas que discreto. El tenor Vsevolod Grivnov prestó al personaje de Lensky un elegante y grato cantó lírico, pero su frialdad y pasividad escénica llego a ser por momentos exasperante. La mezzosoprano Ekaterina Semenchuk, bordó una chispeante y juvenil Olga, muy comprometida con el papel, en un repertorio que se adapta muy bien a la aterciopelada y oscura cualidad de su voz. Correctos estuvieron el resto de los personajes, y sobresaliente el Gremin del sólido bajo James Creswell. La dirección escénica de Francesca Gilpin paso inadvertida en la elegante producción, y vestuarios, de Steven Pimlott, del Covent Garden de Londres, que creó imágenes sugestivas, como la del lago o la pista de patinaje sobre el escenario, pero cuyo reducido espacio en otras escenas entorpeció el movimiento de los bailarines y artistas. Con su mano experta y rigurosa, James Conlon extrajo la musicalidad, pero sobretodo la exuberancia contenida en la partitura. RJ

UNA EXPOSICIÓN DE LOS BALLETS RUSOS DE DIAGHILEV, ENTRE LAS JOYAS DE LA PROGRAMACIÓN CULTURAL DE CAIXAFORUM MADRID

Fotos: Traje para la esposa del bufón de Chout, después de Mikhail Larionov, traje, 1921 © V&A ; Serge Lifar y Alexandra Danilova a Appolon musagete, 1928, mostrando la primera versión de vestidos diseñados por Coco Chanel. Foto: Sasha © V&A Images

Alicia Perris

La Obra Social “La Caixa” presenta la programación de su centro social y cultural en Madrid para la temporada 2011-2012, con una propuesta pensada para todos los públicos. Grandes exposiciones sobre Delacroix, en colaboración con el Museo del Louvre, Los Ballets Rusos de Diaghilev, Piranesi y el mejor arte contemporáneo y los tesoros arqueológicos de Arabia saudí protagonizan la nueva temporada en un Madrid marcado por la crisis y el spleen típico de todos los finales de verano.

La presentación estuvo a cargo de personalidades de la institución como Elisa Durán, directora general adjunta, Ignasi Miró, responsable del área de cultura de La Caixa que dio inspiradas referencias de la idiosincrasia francesa hablando de “La libertad guiando al pueblo” de Delacroix, icono ideológico de la Francia revolucionaria, e Isabel Fuentes, directora de Caixaforum, Madrid.

El Departamento de Comunicación de la Caixa, puso, como siempre, toda su colaboración y entusiasmo para transmitir a los presentes la seducción y el atractivo de una temporada de campanillas en el madrileño Paseo del Prado.

Situada en la conocida zona cultural de la capital de España desde 2008, esta sede cultural presenta Los Ballets Rusos de Diaghilev, 1909-1929. Cuando el arte baila con la música., que traerá el espíritu innovador de Serge Diaghilev y su prestigiosa compañía de danza.

A través de 200 objetos que incluyen carteles, vestuario, elementos para las coreografías y escenografías, el visitante se adentrará en los comienzos del 2012, en la noción de obra de arte total propugnada por Diaghilev. Artistas de vanguardia como Picasso y Matisse, músicos como Stravinsky y Ravel, escritores tan importantes como Jean Cocteau, presentes en la muestra, participaron de este afán innovador con el objetivo de desarrollar el lenguaje visual a través de la coreografía, la escenografía y la expresión musical.

Diaghilev sigue siendo un mito inabarcable desde los tiempos en que su compañía de danza daba la vuelta al mundo. Sus artistas eran seres tocados por las manos de los dioses, que evocaban, como Nijinsky, la pasión y el estremecimiento de lo inexpresable.

“Soy como vos, no hago nada, pero soy indispensable”, se atrevió a decirle Diaghilev a Alfonso XIII. Esta exposición, que viene del Victoria & Albert Museum de Londres, ofrece una visión rica y completa del artista, mecenas, creador y dionisíaco representante de genios como la Pavlova o Vaslav Nijinsky.

Hace pocos veranos también Montecarlo, la sede invernal de la compañía, ofreció una exposición sobre los Ballets Rusos, al borde del mar, lo que demuestra que Europa sigue sintiendo la nostalgia y la ensoñación que aquellos pioneros del arte moderno y total regalaron a un continente que iba a desgarrarse y a dar un giro copernicano con las revoluciones y las guerras.

Diaghilev desplegó también una estrecha colaboración con España, donde encontró refugio durante la I Guerra Mundial. Es conocida su relación con José María Sert, Miró, Falla o con Picasso que le diseñó los trajes en 1917 para Parade.

“Profundizar en los cimientos de nuestra cultura y ofrecer las claves que permitan entender las grandes transformaciones sociales de nuestros días” son el objetivo de una institución que sigue siendo fiel a sí misma desde que abrió su primer centro en Palma de Mallorca, en el edificio proyectado por Lluis Domènech i Muntaner.

Una extensa temporada con propuestas de todo tipo, que incluirá música antigua y personalidades y formaciones destacadas de las músicas de todo el mundo, que no dejará de lado la creación electrónica y experimental, cerrarán las propuestas de Caixaforum para este nuevo curso que se inicia. Así, desde octubre a julio, estaremos en Madrid, seguramente, más alertas en lo cultural y menos solos.

martes, 18 de octubre de 2011

CIERRE DE TEMPORADA: LE DONNE DI VIVALDI EN EL TEATRO COLÓN‏ - MOZARTEUM ARGENTINO

Foto: Sonatori

MOZARTEUM ARGENTINO PRESENTA: SONATORI DE LA GIOIOSA MARCA  CON LA DIRECCIÓN DE FRANCESCO FANNA Y LA PARTICIPACIÓN DE LAS SOLISTAS GEMMA BERTAGNOLLI, soprano, MANUELA CUSTER, mezzosoprano. SUSANNA MONCAYO VON HASE, mezzosoprano.

Culminando la Temporada 2011, el Mozarteum Argentino presenta a la destacada agrupación italiana, Sonatori de la Gioiosa Marca, dedicada a la interpretación de música barroca con  instrumentos originales. Con la dirección de Francesco Fanna, la actuación de la soprano  Gemma Bertagnolli y las mezzosopranos Manuela Custer y Susanna Moncayo von Hase, tres destacadas artistas especializadas en la ejecución de este repertorio, este conjunto  ofrecerá Le Donne di Vivaldi: un programa dedicado a la figura del genial  compositor veneciano, a través del cual se podrán escuchar algunas de sus más bellas creaciones instrumentales y vocales. Las funciones tendrán lugar en el Teatro Colón.

lunes 24 (1º ciclo) y martes 25 (2º ciclo) de octubre  // 20:30 horas  TEATRO COLÓN

PROGRAMA LE DONNE DI VIVALDI

ANTONIO VIVALDI Concierto para cuerdas en Re menor, RV 127

Ottone in villa, RV 729. Misero spirto mio

Arsilda, regina di Ponto, RV 700. Fingi d’avere un cor

Orlando finto pazzo, RV 727. La speranza verdeggiando

Juditha triumphans, RV 644. Transit aetas y Armatae face, et anguibus

Concierto para flauta piccolo en Do mayor, RV 443

Concierto para laúd, RV 93

Griselda, RV 718. Ho il cor già lacero y Ombre vane, ingiusti orrori

Andromeda liberata, RV-Anh117. Sovente il sole

Orlando Furioso, RV 728. Nel profondo cieco mondo

Beatus vir, RV 597. In memoria aeterna

SONATORI DE LA GIOIOSA MARCA. Con una trayectoria de más de 25 años dedicándose a la interpretación de música antigua con instrumentos de época, esta agrupación nació en la ciudad de Treviso, en el Véneto, zona que durante el Renacimiento era conocida como la “Marca Gioiosa”. Este ensamble de cuerdas que de acuerdo a las obras a interpretar se presenta también como orquesta de cámara, ha desarrollado un vasto repertorio que comprende obras de finales del siglo XVI hasta el clasicismo, especializándose particularmente en la música tradicional del Véneto. Más allá de sus ya legendarias interpretaciones de las obras maestras de Vivaldi, Sonatori, se ha dedicado al redescubrimiento de la gran tradición musical italiana del siglo XVII. Como parte de esta iniciativa, el grupo ha realizado numerosas grabaciones de la “Musiche per Archi della Repubblica di Venezia”, proyecto que llevan adelante junto a la Westdeutscher Rundkfunk Köln (WDR). Sus discos han sido editados por los sellos Erato, Warner Classsics, Decca, RCA/Sony BMG, Divox, Opus 11, Arcana, Naxos, Arts, Stradivarius, Rivo Alto y Nuova Era.

FRANCESCO FANNA  Violinista, director coral, orquestal y operístico, Francesco Fanna ha sido el Director Principal y Artístico de la Orquesta “Filomusica del Cenacolo Musicale Ambrosiano”, y también colaborador musical de la Orquesta y del Coro de la “Nuova Polifonica Ambrosiana” de Milán, con quien ha realizado exitosas giras por Inglaterra, Corea y Japón. Ha dirigido a diversos organismos orquestales en Italia y el exterior: la Orquesta Sinfónica de Bari, las orquestas “I Pomeriggi musicali”, “Angelicum” y “Milano Classica” de Milán, la Orquesta Sinfónica “Haydn” de Bolzano y Trento, la Orquesta Sinfónica de San Remo, la Orquesta “Filarmonia Veneta”, la Orquesta Sinfónica Abruzzese, la Orquesta Sinfónica Siciliana, las orquestas filarmónicas de Niza y de Ploiesti, los Ensembles “Accademia di San Rocco” de Venecia, “Pian&Forte” de Milán, "Sonatori de la Gioiosa Marca", “Virtuosi di Praga”, “Los Solistas de Moscú-Montpellier”, la Orquesta “Guido Cantelli” de Milán, la Orquesta “Accademia musicale di San Giorgio” de Venecia y la Orquesta de Cámara de Ginebra.

GEMMA BERTAGNOLLI, soprano. Considerada en la actualidad como una de las intérpretes de referencia en lo que hace a la música del barroco italiano, Gemma Bertagnoli, ha colaborado con los más reconocidos especialistas en dicho repertorio: Concerto Italiano, Giovanni Antonini-Giardino Armonico, Fabio Biondi-Europa Galante, Ottavio Dantone-Accademia Bizantina, Diego Fasolis, René Jacobs, Ton Koopman, Trevor Pinnock, Christophe Rousset, Federico Maria Sardelli, Freiburger Barockorchester, Akademie für Alte Musik Berlin, entre otras agrupaciones y artistas destacados. Su carrera se inició tras obtener los más altos galardones en el Concurso AsLiCo y recibir el Premio Mozart en el Concurso Viñas de Barcelona. Desde entonces se ha presentado en las principales salas internacionales entre las cuales se incluyen el Teatro alla Scala de Milán, el Maggio Musicale Fiorentino, el Théâtre des Champs Elysées, la Accademia Nazionale di Santa Cecilia, el Concertgebouw de Amsterdam, y el Festival de Salzburgo, colaborando con personalidades de la talla de Riccardo Muti, Lorin Maazel y Zubin Mehta.

MANUELA CUSTER , mezzosoprano. Originaria de Novara, Manuela Custer debutó operísticamente en el rol principal de Elisabetta, Regina d´Inghilterra de Rossini, en el Teatro Regio de Torino, sala a la cual ha retornado recientemente en el rol de Cherubino de Las Bodas de Fígaro y La Cenerentola de Rossini. Artista que destaca por su versatilidad, Manuela Custer ha obtenido recientemente excelentes críticas por su interpretación de obras tales como la Sankt-Bach Passion de Mauricio Kagel para la Radio de Lipsia y la aclamada pieza Le bel indiferent de Marco Tutino en el Teatro Stabile de Torino. Su discografía incluye las óperas La rimembranza, La partenza, Il primo dolce affanno, L´esule di Granata, Pia de´Tolomei, Il diluvio universale, Elisabetta Regina d´Inghilterra, Zelmira y Maria Stuart todas realizadas para el sello Opera Rara; Juditha Triumphans para Warner y Arminio para Virgin Classics.

SUSANNA MONCAYO VON HASE , mezzosoprano. Nacida en Buenos Aires, Susanna Moncayo inició su formación como cantante con su madre, Dorothée von Hase, prosiguiendo luego sus estudios en Roma, Madrid y Basilea. Prosiguió su carrera en el Conservatorio Superior de Música de París donde fue alumna de William Christie en la cátedra de Música Antigua y de Régine Crespin en Canto Lírico, durante un período de cuatro años, egresando con el Primer Premio. Se dedica actualmente a la ópera, el oratorio, la música de cámara y al repertorio popular argentino. Ha grabado varios discos, algunos de ellos premiados por la crítica internacional especializada. Susana Moncayo colabora regularmente con el Istituto Vivaldi di Venezia y cantó en el festejo de los 800 años de la Basílica de San Marco, en Venecia.












José Carreras encanta a cerca de 10 mil personas en Chile junto a la argentina Marina Silva

Foto: José Carreras en concierto

Johnny Teperman.

Cerca de 10 mil personas ovacionaron al tenor español José Carreras tras su presentación en el Movistar Arena, la que marcó su regreso a Chile luego de una prolongada ausencia de cerca de dos décadas. Acompañado de la joven soprano argentina Marina Silva, distinguida en 2010 como "Revelación" por la Asociación de Críticos Musicales del vecino país, Carreras ofreció una presentación de dos horas de duración, en que abarcó principalmente temas románticos de música popular, latinoamericana e italiana, además de zarzuelas y algunos trozos de ópera. El astro de la lírica hispana subió al escenario acompañado de 65 músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional, que fueron dirigidos por el maestro español David Giménez. Tras el espectáculo, el público se manifestó feliz y muy satisfecho con lo que presenció y escuchó. Si bien Carreras acusa el paso de los años, mantiene la potencia y finura de su voz. en este concierto tuvo momentos muy brillantes y junto a su partner argentina, debieron salirmás de media docena de veces a cantar luego de completada su programación, incluso a interpretar junto al público, el famoso "Brindis" de la ópera "La Traviata" de Verdi. El cantante español fue muy aplaudido con la famosa ária "Ya mis horas felices" de la zarzuela "La del Soto del Parral" de Soutullo y las canciones "Granada" de Agustín Lara y "Core n'grato" de Salvatore Cardillo.Además, "El Sueño Imposible" de "El Hombre de la Mancha", de Mitch Leigh. La soprano trasandina Marina Silva mostró una gran voz y una magnífica coloratura y se lució con temas de las óperas "Y Vespri Siciliani" de Verdi y "Gianni Schicchi" de Puccini, además de otros temas como "Las Hijas de Cádiz" de Leo Delibes, "Júrame" de María Grever y un paisaje de "My Fair Lady" de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe.






Plácido Domingo se presentará en julio del 2012 en la ópera Il Postino en Santiago de Chile

Foto: Charles Castrono - Il Postino / Robert Millard

Johnny Teperman

El tenor Plácido Domingo será la gran atracción de la próxima temporada del Teatro Municipal. Además, dará un concierto gratuito en Movistar Arena. Hace un año se estrenó mundialmente en el Los Angeles Opera House, y ahora se anunció su llegada a Chile. La obra "Il Postino" de Daniel Catán con Plácido Domingo y la soprano chilena Cristina Gallardo-Domâs, será el plato fuerte de la temporada 2012 del Teatro Municipal, y el regreso, tras 45 años, del famoso tenor español en un evento lírico. Domingo interpreta en la ópera escrita por el fallecido compositor mexicano Daniel Catán, quien a su vez se basó en la novela "Ardiente Paciencia", de Antonio Skármeta, al poeta Pablo Neruda, y su presencia en el recinto capitalino será el debut de la obra para Sudamérica, los días 9, 12 y 14 de julio de 2012. Hoy, con la presencia del Alcalde de Santiago, Pablo Zalaquett, el Presidente del Banco Santander, Mauricio Larraín (auspiciador del evento), Andrés Rodríguez, Director General del Teatro Municipal de Santiago y el propio Skármeta, se oficializó la llegada del montaje y se anunció además que Domingo realizará en su vsita un concierto gratuito en Movistar Arena, el día 17 de julio de 2012. "Es un gran orgullo tener de vuelta a Plácido Domingo, uno de los más grandes tenores de la historia de la lírica mundial, con una ópera que además tiene un gran significado afectivo para Chile", dijo Zalaquett, y agregó que "gracias a nuestro convenio con el Banco Santander, 12 mil chilenos tendrán la oportunidad única de ver a Plácido Domingo en vivo en el Movistar Arena, en el concierto gratuito que realizará el artista". "Il Postino" se presentará en el país casi con su elenco original que debutó en Los Angeles. Vale decir con la soprano nacional Cristina Gallardo-Domâs, en el papel de Matilde Urrutia, el tenor Charles Castronovo, como el cartero Mario, y la soprano Amanda Squitieri, en el papel de Beatrice. Junto a ellos, estará el chileno Javier Arrey, ganador del concurso Operalia 2011. La ópera está basada en la recordada película homónima de Michael Radford que fue nominada a cinco premios Oscar, y a la vez, en la obra de Antonio Skármeta, "Ardiente paciencia". La obra se exhibió exitosamente en Los Ángeles, Viena y París, y a Santiago, llega además como un homenaje póstumo a Catán, fallecido hace pocos meses.  "Plácido Domingo y Daniel Catán están haciendo algo heroico y pionero: hacer ópera en español", dijo en la conferencia Skármeta, quien agregó que la obra "tiene un preciso equilibrio entre humor, política y comedia", finalizó. Las funciones de Il Postino serán el 9, 12 y 14 de julio (elenco principal), y 2 funciones con un elenco estelar, los días 10 y 13 de julio.

Le NOVE SINFONIE DI BEETHOVEN, Torino Teatro Regio

Foto: Gianandrea Noseda / Teatro Regio di Torino

Renzo Bellardone

Le NOVE SINFONIE DI BEETHOVEN  Torino Teatro Regio . Giovedì 6 ottobre 2011.Orchestra del Teatro Regio di Torino. Direttore Gianandrea Noseda. Coro del Teatro Regio di Torino. Direttore Caludio Fenoglio. Voci soliste. Maria José Siri - Albert Dohmen – Anna Maria Chiuri – Kor-Jan Dusseljee

“L’ottava e la nona sinfonia di Beethoven” …e sull’ultima nota la nostalgia si fa già sentire!

Beethoven ha portato nel mondo musicale una rivoluzione pari a quella di Copernico nel mondo scientifico. Beethoven eredita tutto il patrimonio conferitogli da Haydn, ma la sua creatività lo porta a creare un ibrido musicale dettato dalla classicità del suo maestro e dalla sua intima ispirazione e frenetico desiderio di innovazione.  Delle Nove Sinfonie, l'ottava è una delle più trascurate, ma non dimentichiamo che Glenn Gould e Igor Stravinsky dicevano che questa è la più bella della sinfonie, avendone colto l’impalpabile essenza!! Nell’affascinante tonalità in Fa maggiore, Beethoven dà libero sfogo alla sua ispirazione con una sinfonia moderata, ma piena di enfasi e di grande entusiasmo.  La nona (Patrimonio dell’Umanità) è una sinfonia demoniaca, ma questo carattere diabolico viene sconfitto dal senso religioso del compositore in una ieratica subliminazione capace di creare temi di originalità unica che ancora oggi stupisce anche il più disinibito ascolto, stordito dai richiami di una tromba che pare giungere dall’Inferno (cit. Noseda) . Quando tutto sembra perso, nasce in lontananza un tema considerato il più bello di tutta la musica che è stata scritta fino ad ora: un inno, un tema umile, semplice, affascinante, sublime, armonicamente in re maggiore, è un vero e proprio tema con variazioni che sfociano nella serenità di violoncelli e contrabbassi in sottovoce. Di tema in tema si giunge alla voce profonda del baritono che intona ‘O Freunde!..’ catapultando tutti nella piccolezza dell’essere umano di fronte alla potenza universale. La grande Orchestra del Regio seguendo il gesto ampio, sicuro e sanguigno del Maestro Gianandrea Noseda rende al mondo il capolavoro beethoveniano su un luccicante vassoio di cristallo da cui si riflettono tutte le brillantezze della partitura. Noseda vive la Musica e la Musica rivive con lui in un reverenziale omaggio al grande compositore. Il Coro del Regio è una delle migliori formazioni nel panorama lirico e sotto la raffinata ricercatezza di direzione del Maestro Fenoglio si riconferma tale anche in questa occasione. Le voci soliste sono tutte di grande espressività: Maria José Siri (in sostituzione di Nicola Beller Carbone) sostiene il ruolo con sicura professionalità; Anna Maria Chiuri ha la voce di bel colore ambrato; Albert Dohmen pennella di scuro e profonda intensità, mentre Kor-Jan Dusseljee si presenta con buon timbro e buon fraseggio. Sull’ultima nota, la nostalgia si fa già sentire!! La Musica vince sempre.

La Didone en direct ce soir sur Arts Flo Media !‏


lunes, 17 de octubre de 2011

Daniel Barenboim, Music Director of the Teatro alla Scala


From the 1st of December 2011 Daniel Barenboim will serve as Music Director of the Teatro alla Scala. Maestro Barenboim takes on this commitment with La Scala until December 31st 2016; he will be involved for 15 weeks a year (about four months) preparing operas, concerts and tours. It is a source of satisfaction and pride to the General Manager Stéphane Lissner the establishment of a close relationship with one of the greatest conductors of our time, who has given a tremendous impulse to the Theatre during the last five years of collaboration. With this choice Daniel Barenboim has made an important decision for his activities at the international level. An extensive European project will arise from this new collaboration; it will strengthen the Scala from the inside while opening new perspectives for the Theatre on the international scene.





IMPONENTE ELEKTRA DE STRAUSS EN EL TEATRO REAL DE MADRID

Fotos: Javier del Real - Manuela Uhl, Christine Goerke

Alicia Perris

Elektra de Richard Strauss. Tragedia en un acto en lengua alemana. Libreto de Hugo von Hofmannsthal. Nueva producción en el Teatro Real, procedente del Teatro San Carlo de Nápoles. Del 30 de septiembre al 15 de octubre. Ficha artística: Director musical: Semyon Bychkov. Director de escena: Klaus Michael Grüber, Realizadora: Ellen Hammer, Escenógrafo y figurinista Anselm Kiefer, Director del Coro: Andrés Máspero. Clitemnestra: Jane Henschel/Rosalind Plowright. Elektra: Christine Goerke/Deborah Polaski. Chrysotemis: Manuela Uhl/Riccarda Merbeth. Egisto: Chris Merrit. Orestes: Samuel Youn y elenco. Coro y orquesta Titulares del Teatro Real.

Una obra viril, masculina, falócrata. Es el ámbito del hombre, de Agamenón, el poderoso Átrida que va a la guerra de Troya y a la vuelta de diez años, al regresar, es asesinado por su esposa Clitemnestra y su amante, Egisto. Una nube de sangre enturbia las paredes del palacio real. Antes, el rey y padre de Elektra, había asesinado a su hija Ifigenia, como obligado tributo a los dioses. Elektra sin embargo, reclama la venganza para poder limpiar, como si se tratara de un Hamlet femenino, al que recuerda, la muerte de su progenitor. Desaparecido Orestes de la escena, la hermana trata de convencer a Chrysotemis, dulce y tierno exponente de su condición de mujer que solo quiere ser amada y tener hijos “aunque sea con un pastor” de asesinar al padrastro y a la madre impía y este objetivo se convierte en la gran aspiración de su vida, una existencia rota por la pérdida, la falta de deseo vital y el peso inconmensurable de la ausencia paterna. La escenografía y el vestuario son en esta ocasión digno exponente de la austeridad y la conventual apariencia de los actores del drama. Una especie de cárcel blanquecina contextualiza la acción y da sí cabe aún más dramatismo a los acontecimientos del hecho teatral. Los cantantes realizan un trabajo fundamental en esta ópera, dura, descarnada, donde la propia aridez visual es la demostración del exceso emocional y psíquico. Hay dos tríos femeninos que engrandecen la ópera y se esfuerzan durante la hora y cincuenta minutos (no hay descansos) en que se desarrolla la trama: Christine Goerke (Elektra), Jane Henschel ( Clitemnestra) y Manuela Uhl (Chrysotemis) y en otro elenco Deborah Polaski, Rosalind Plowright y Ricarda Merbeth.  Todas ellas avezadas intérpretes de ópera alemana, (Wagner y Strauss) renombradas en el ámbito internacional, algunas conocidas con anterioridad por sus colaboraciones con el Teatro Real, como Jane Henschel (en Mahagony) o Manuela Uhl en el rol de Marie en Die tote Stadt. El director musical, Semyon Bychkov, de origen ruso, persigue con ahínco la excelencia y tiene una trayectoria notable, vivió en muchos lugares y viaja por muchos sitios haciendo de esa trashumancia la riqueza multicultural de su calidad interpretativa.  Como explica muy bien Erika Bornay, el personaje de Elektra, como muchos otros de la antigüedad griega, básicos y fundacionales en la consecución de la cultura que tiene su origen en Grecia y Roma y todas sus constelaciones, ha sido estudiado y recordado por numerosos autores, cada uno de los cuales le concedió un perfil y unas características propias: O´Neill, Sartre, Giraudoux, Pérez Galdós y el Hugo von Hofmannsthal (Viena 1874-1929), que firma el libreto de esta ópera de Strauss, teniendo como inspiración la obra homónima de Sófocles. Psicoanalítica donde las haya ésta es una historia que estudió también Sigmund Freud porque aparece como la quintaesencia de los vínculos afectivos entre padres e hijos, más concretamente en este caso, la relación filial padre-hija. No está lejos de la recreación de la ópera, la propia relación que mantuvo Strauss con su madre, una mujer con enfermedad mental, que tuvo que ser recluida en una clínica psiquiátrica cerca de Munich, justo en el momento en que el compositor empieza a esbozar su ópera y las casualidades, no existen, más bien las causalidades.  Hay también en el argumento un perfume reconcentrado de toda la obra de Nietzsche, Karl Kraus e incluso Jung y una reverberación de los fuegos fatuos que jalonan el declive irrevocable del Imperio Austro-Húngaro con sus miserias y oropeles. Tiempos de descomposición social, la Elektra que se presenta ahora en el Teatro Real, acompaña la decadencia de una monarquía dual que reinó durante siglos, arrastrando todo un universo de ideas, sentimientos, filosofías, arte y política con ella. Es la vigencia plena de la literatura y el zeitgeist de los griegos, en la envoltura carnal y moribunda de la Viena fin de siglo y sus enfermedades. Elektra no es sensual y cautivadora como Salomé, el otro gran personaje de Strauss. Mujer que ha perdido sus atributos solo puede realizarse paradójicamente en el ejercicio del sacrificio y la muerte. Theodor W. Adorno lo explicó de esta manera: “Ha recogido Richard Strauss todo el brillo de la época, reflejándolo en el espejo de su música: ha perfeccionado el aspecto exterior de la música y la ha hecho transparente como el cristal…” (1924). Un hallazgo.

viernes, 14 de octubre de 2011

La Orquesta Barroca de Granada presenta su nueva producción discográfica el 15 de octubre.

Fotos: Darío Moreno y el tenor David Hernández

Massimo Crispi

La Orquesta Barroca de Granada (OBG) vuelve al escenario y presenta un atractivo CD en el Auditorio Manuel De Falla de Granada. La histórica y preciosa sede de la Orquesta Ciudad de Granada, lugar que tiene una acústica envidiable y que le fue amablemente concedida por el Ayuntamiento de Granada.  El director del ensamble barroco, el clavecinista y pianista Darío Moreno, también fundador de esta orquesta en 2007 y quien desde entonces promueve cada paso, cada exhibición, cada descubrimiento. La orquesta española crece constantemente en calidad, a pesar de las dificultades que España está atravesando durante este periodo así como por la falta de interés de muchas instituciones públicas y privadas por la cultura y la música en general. Una ciudad como Granada, perla artística no solo de España si no de Europa y el mundo, debería ser el más fuerte defensor de esa orquesta que juega un enorme papel de divulgador de obras. Por ciudad entendemos no solo las instituciones oficiales, como el ayuntamiento (que, si recordamos, prestó su colaboración con la disponibilidad del Auditorio) la provincia y la región, además de las grandes sociedades productoras locales, de los productores de vino, de aceite, desde alimenticias hasta las grandes cadenas y empresas turísticas, y desde los industriales hasta los comerciantes individuales. Esa es el alma de Granada y esas también son las instituciones reales que deberían defender y sostener cada paso de una joya tan preciosa. Darío Moreno, andaluz obstinado, sigue por su camino y continua su búsqueda y su ruta en los rincones mas secretos de la belleza, desvelándolos con su gracia y su generosidad. Y, a pesar del momento tan poco favorable para la cultura y la música actual en España, Moreno supo demonstrar como la OBG pueda enfrentarse a realizar producciones por si misma, confiando en sus propias fuerzas y en sus valientes músicos, que la convierte quizas en la única orquesta barroca en España, en hacer todo sin la ayuda de las instituciones. De esa manera este joven director nos demostró que no se debe permitir la agonía de la belleza y que, al contrario, el cultivarla y propagarla produce ventajas para todos, dandonos así una gran lección de vida y cultura. La mayoría de los músicos de la OBG, entre los mejores que hay hoy en España, han trabajado también en otros grupos de prestigio como la Orquesta Barroca de Sevilla, European Union Baroque Orchestra, Royal Academy of Music Baroque Orchestra, Musica Aeterna de Bratislava y muchos otros, con directores como Fabio Biondi, Christopher Hogwood, Rinaldo Alessandrini, Harry Christopher, Frans Brüggen, Robert King y Ton Koopman. 

El ultimo fruto de ese camino musical llegó hoy con ese CD “Ciel e terra”, totalmente compuesto de música y arias de Georg Friedrich Händel, por la casa discográfica IBERIA ESTUDIO. Pero, ojo, es un CD de arias para tenor. Generalmente las arias mas famosas de Händel son para soprano y contralto, porque a la época las vedettes de la ópera eran los castrados y las sopranos femeninas. Pero, si en Londres aparecía un valioso tenor, como Annibale Pio Fabri o Francesco Borosini, Händel escribía para ellos los papeles principales o incluso modificaba otros escritos anteriormente hechos para sopranos masculinos. Así nacieron Bajazet, Alessandro il Grande, Grimoaldo y muchos otros personajes, destacando las características vocales de aquellas verdaderas estrellas. En su producción de oratorios las cosas cambiaron: a menudo el personaje principal no era más el de soprano o el contralto si no el tenor. Judas Maccabeus, Jephtha, Samson, tres de sus máximos oratorios donde coinciden el titulo y el nombre de los protagonistas, tuvieron el afortunado encuentro con el tenor John Beard, muy amado por Händel y que siempre estuvo cerca del compositor en los momentos mas difíciles y de mayor desconsuelo. El CD comprende algunos fragmentos instrumentales como la Ouverture de “Giulio Cesare” y las danzas de “Alcina”, además unas de las arias mas famosas para tenor: “Urne voi” de “Il Trionfo del Tempo e del Disinganno” y “Così la tortorella” de “La Resurrezione”, los dos oratorios italianos de Händel, unas arias de las operas “Alcina”, “Rodelinda”, “Tamerlano”, “Acis and Galatea”, y otras de oratorios “Brich Brüllen der Abgrund” de la “Brockes Passion” y “The Princes applaud” de la “Alexander’s Feast”. El tenor protagonista de este notable trabajo es el barcelonés David Hernández Anfrúns, especialista del repertorio barroco y de una carrera en constante desarrollo. El concierto de la presentación de ese CD se realizará el sábado 15 octubre 2011, como ya se señaló en el Auditorio De Falla de Granada, España. Entradas a 12 euros.





jueves, 13 de octubre de 2011

LLEGA POR PRIMERA VEZ A MÉXICO LA ÓPERA IL POSTINO DE DANIEL CATÁN

- Obra basada en una película del mismo nombre y en la novela Ardiente paciencia de Antonio Skármeta

-Ópera moderna de aliento romántico, historia humana y humanista de una música cercana a Giacomo Puccini.

- Estrenada en Los Ángeles en septiembre de 2010, con Plácido Domingo en el papel de Pablo Neruda

El Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), en colaboración con el Festival Internacional Cervantino y la Embajada de Estados Unidos en México, presentan por primera vez en nuestro país, este jueves 13 y domingo 16 de octubre, la ópera Il Postino (El cartero) del compositor mexicano recientemente fallecido Daniel Catán, basada en la película del mismo nombre y en la novela Ardiente paciencia de Antonio Skármeta.

Daniel Catán nació en la ciudad de México. Estudió filosofía en la Universidad de Sussex e hizo su doctorado en música en la Universidad de Princeton. Fue el primer compositor mexicano cuyas óperas fueron representadas exitosamente en los Estados Unidos. Además de óperas compuso música orquestal, música de cámara y música para cine.

El libreto es la historia de un humilde cartero de nombre Mario Ruoppolo, que tiene por único cliente al gran poeta chileno Pablo Neruda durante su exilio en una isla italiana. A medida que se estrecha la relación entre ambos, Neruda le descubre al cartero el maravilloso mundo de la poesía y, a la vez, como conseguir el amor de su amada Beatriz. En Il Postino, Daniel Catán creó una ópera moderna de aliento romántico, aludiendo a muchas tradiciones formales del género, y dotando a esta historia humana y humanista de una música que, en muchos aspectos, es cercana al mundo sonoro de Giacomo Puccini.

Il Postino fue estrenada en Los Ángeles en septiembre de 2010, con Plácido Domingo en el papel de Pablo Neruda. En la premier europea, en diciembre del año pasado, el reconocido tenor protagonizó a Pablo Neruda, en el Theater an der Wien.

El actual montaje contará con la dirección musical de Israel Gursky, nacido en Tel-Aviv, Israel. Se graduó de la Manhattan School of Music y de la Universidad Stony Brook, donde obtuvo su doctorado. Recientemente ha sido ganador de un premio de realización por la Fundación George Solti. Es miembro de la Manhattan School of Music y actualmente reside en Nueva York. Durante la temporada 2010-11 regresó a la Ópera de Los Ángeles para presentar Las bodas de Fígaro. El verano pasado dio un concierto con Plácido Domingo y Virginia Tola en Quebec.

Cristina Gallardo-Domâs, soprano. Nació en Santiago de Chile y comparte las nacionalidades chilena y española y reside en Valencia. En 1993 debutó como Suor Angelica en el Festival de Spoleto y un año después en el Teatro alla Scala de Milán con La Rondine. Ha sido aplaudida en los más grandes escenarios internacionales: Metropolitan Opera de Nueva York, Covent Garden en Londres, Viena, París, Berlín, Los Ángeles, Múnich, Zúrich, por mencionar solo algunos. Entre sus grabaciones destacan: Bel Sogno, recital de arias de ópera dirigido por Maurizio Barbaccini, Il trittico (Sour Angelica) dirigido por Antonio Pappano, Aida dirigida por Nikolaus Harnoncourt, Obras Sacras de Verdi dirigida por Riccardo Chailly. En DVD, Turandot del Festival de Salzburgo dirigida por Valery Gergiev, Il trittico (Suor Angelica) del Concertgebouw dirigida por Riccardo Chailly, La bohéme del Teatro alla Scala de Milán dirigida por Bruno Bartoletti y Simon Boccanegra de la Ópera de Viena bajo la batuta de Danielle Gatti y Lela, recital de canciones gallegas dirigido por Fernando Briones. Ha sido galardonada con varios premios como el Laurence Olivier Award, por su interpretación de Madama Butterfly en la Royal Ópera House, el Puccini Internacional Award, el Premio Internacional Luigi Illica y el Premio Plácido Domingo. Ha sido distinguida con las más altas condecoraciones culturales de su país: la Cruz Gabriela Mistral, la Gran Cruz Apóstol Santiago o la Medalla de Oro del Instituto Cultural de Providencia. Es Doctora Honoris Causa por la Universidad Nacional Andrés Bello de Chile. Debutó en México, en el Palacio de Bellas Artes, en 1999 como Mimì de La bohème de Puccini.

Ron Daniels, director de escena. Director de teatro, ópera y cine, nacido en Brasil, donde fue miembro fundador del afamado Teatro Oficina en Sao Paulo. Fue director artístico de The Other Place Theatre y del teatro experimental del Royal Shakespeare Theatre en Stratford-upon-Avon, Inglaterra, donde fue nombrado director asociado honorario de la compañía, después de 15 años de dirigir obras como Hamlet, A Midsummer Night’s Dream, Henry V, Richard II y Pericles, entre otras. Su trabajo en ópera incluye Il Re Pastore y Così fan tutte de Mozart en Boston, Arizona y Pittsburgh, Carmen de Bizet en la Grand Opera de Houston, Opera Pacific y Michigan, Madama Butterfly y Tosca de Puccini en la Ópera de San Francisco, Opera Pacific, Ópera de Austin, Colorado, Florida, Ópera Nacional de Washington y el Teatro Municipal de Río de Janeiro, Brasil, The Turn of the Screw de Britten en la Berkshire Opera, La forza del destino de Verdi en San Francisco, e Il Postino de Daniel Catán, que se estrenó mundialmente en la Ópera de Los Ángeles con Plácido Domingo y posteriormente se escenificó en el Theater an der Wien de Viena y el Châtelet Theatre de París. Entre sus compromisos futuros están el musical Sweeney Todd, y las óperas Pagliacci de Leoncavallo e Il tabarro de Puccini para el Theatre St Louis y Die Entführung aus dem Serail de Mozart en Niza. Su primera película, The War Boys, se estrenó en el HBO Latino Film Festival en Nueva York en 2009.

El tenor Israel Lozano nació en Madrid e hizo sus estudios con la soprano Emelina López y el famoso tenor Alfredo Kraus. Estudió en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en España. Hizo su debut operístico a los 22 años como Conde de Almaviva en El barbero de Sevilla de Rossini en el Auditorio Nacional Sinfónica de Madrid.

El tenor Vicente Ombuena nació en Valencia, estudió canto y piano en el Conservatorio de Valencia. En 1991 hizo su debut en el Munich State Opera en la nueva producción de Nabucco de Verdi.

La reconocida soprano Amanda Squitieri ha representado importantes papeles. En la temporada 2009-2010.Squitieri fue vista como Susanna en Las bodas de Fígaro con la Ópera Nacional de Washington y como Zerlina en Don Giovanni con la Ópera de Palm Beach. Representó el papel de Ana en A little night music, en el Teatro de la Ópera de Saint Louis en una producción dirigida por el famoso diseñador de moda Isaac Mizrahi.

lunes, 10 de octubre de 2011

"DON PASQUALE", LA MEJOR ÓPERA CÓMICA DE DONIZETTI, RETORNA A LA ESCENA LIRICA CHILENA

Foto: Teatro Municipal de Santiago


Johnny Teperman 
Con la conducción musical del italiano Antonello Allemandi, y la dirección de escena de Fabio Sparvoli, esta ópera narra las desventuras de un anciano millonario que, para desheredar a su sobrino, se casa con una jovencita que luego le resulta insoportable.  Don Pasquale (título original en italiano; en español Don Pascual), ópera bufa en tres actos con música de Gaetano Donizetti, y libreto en italiano, de Giovanni Ruffini y el propio compositor, adaptado del texto de la ópera italiana Ser Marco Antonio, escrito por Angelo Anelli para Ser Marcantonio (1810) de Stefano Pavesi.

Reparto.- Don Pasquale: Alessandro Corbelli / Luis Gaeta* Norina: Laura Giordano / Patricia Cifuentes* Doctor Malatesta: Bruno Taddia / Patricio Sabaté* Ernesto: Juan Francisco Gatell / Patricio Saxton*  Notario: Gonzalo Araya *Ópera Estelar. Orquesta Filarmónica de Santiago  Director: Antonello Allemandi. Coro del Teatro Municipal. Director: Jorge Klastornick. Director de Escena: Fabio Sparvoli. Escenografía: Giorgio Ricchelli. Iluminación: José Luis Fiorruccio
Vestuario: Patricia Toffolutti

La soprano italiana Laura Giordano en la versión internacional y la chilena Patricia Cifuentes en su contraparte estelar, sobresalieron en ambos elencos y con características similares. Ellas son jóvenes, de bellos físicos y cantan muy bien. Además qjue teatralmente sacaron provecho a su picardía. Lucieron sus proporcionadas anatomías en la escena de la bañera y mostraron su energía y severidad cuando torturaban al pobre de Don Pasquale. Esta versión del año 2012 de la obra de Donizetti se vio algo descolorida en su versión internacional. El barítono Alessandro Corbelli, famoso en todo el mundo, no se exigió al máximo para su simpático rol, aunque teatralmente se esforzó por hacerlo mejor. En cambio, el Don Pasquale del argentino Gaeta, se vio más equilibrado en su personaje, más comprometido con su rol y consiguió un buen resultado.En cuanto a los tenores que personificaron al apasionado Ernesto, el argentino Juan Francisco Gatell, mostró una voz fina, pero sin grandes matices, mientras que el chileno Patricio Saxton, tuvo momentos de mucha calidad, como un fiel intérprete verdiano. 

El rol de Malatesta tuvo buenas caracterizaciones en el italiano Bruno Taddia y al cantante nacional Patricio Sabaté quien ya ha dado muestras de su clase en recientes versiones anteriores de la misma opera. Ambos, en todo caso, se luicieron en el duo bufo junto a Don Pasquale, en el trabalenguas durante la parte final ("aspetta, aspetta").  El barítono chileno Gonzalo Araya (notario), mostró dotes histriónicas aceptables, aunque sobreactuó en las cortas escenas de su participación. La regie de Favio Sparvelli, pasable y con algunos aciertos, como la sexy escena de la bañera, muy apropiada para este ápoca.La escenografía de Giorgio Richelli, dfemasiado `plana, muy seria y poco imaginativa. Al cambiar en el acto final, se trasformó en un jardín-laberinto, que le impedía al público una correcta visión de los actores cantantes.  Antonello Allemandi fue un correcto director orquesta, muy entusiastay movedizo para seguir la acción que sucedía sobre el escenario y la Orquesta Filarmónica de Santiago, a nivel de su prestigio. La obertura de la obra, que es muy descriptiva para ir anticipando las escenas que se sucederán, se constituyó en una tan extensa, como aplaudida introducción. El coro profesional del Municipal qjue dirige Jorge Klastoernick, a gran altura, como siempre.

domingo, 9 de octubre de 2011

Interview mit Manuela Uhl (soprano)

Photo: Manuela Uhl - Chrysothemis - Elektra Teatro Real de Madrid © Javier del Real; Salome - Montpellier; Elektra; Der Freischutz © Andre Rival,  Gertraud.

Manuela Uhl feierte in den Opern von Richard Strauss große Erfolge als Salome, Kaiserin, Chrysothemis und Danae an wichtigen Opernhäusern, wie der Deutschen Oper Berlin, dem Teatro Real Madrid, dem Nationaltheater München, der Opera de Nice, der Opera de Montpellier, den Maifestspiele Wiesbaden, den Festspiele Baden-Baden, in Kiel und Lübeck. Wagners Senta sowie Elisabeth und Venus sang sie u.a. an der Deutschen Oper Berlin, in Peking, an der Deutschen Oper am Rhein, in Kopenhagen u.a., die Freischütz Agathe u.a. an der Deutschen Oper Berlin und dem Teatro Maestranza Sevilla. Marie/Marietta in Korngolds „Tote Stadt“ war sie in Palermo und Madrid. Dabei arbeitet sie regelmäßig mit Dirigenten, wie Christian Thielemann, Pinchas Steinberg, Antonio Pappano, Kent Nagano, Semyon Bychkov, Lorin Maazel, Raphael Frühbeck de Burgos, Leopold Hager, Donald Runnicles, Ulf Schirmer u.a. Der Schwerpunkt liegt auf Partien der deutschen Spätromantik und der klassische Moderne, die neben stimmlicher Strahlkraft, hohe musikalische Differenzierungsfähigkeit auch das mädchenhafte Aussehen einer singenden Schauspielerin erfordern. Manuela Uhl kommt vom Bodensee und hat in Salzburg, Zürich und Freiburg studiert. Von 1995 an war sie am Badischen Staatstheater Karlsruhe engagiert und sang hier das 1. Sopranfach. An den Bühnen der Landeshauptstadt Kiel erweiterte Manuela Uhl ihr Repertoire um große Partien der Spätromantik. Seit der Spielzeit 2006/2007 ist Manuela Uhl der Deutschen Oper Berlin verbunden und tritt regelmäßig in den großen Partien vorwiegend von Strauss und Wagner auf und gastiert an wichtigen Opernhäusern im In- und Ausland. Im Konzertbereich singt Manuela Uhl vorwiegend in den Werken von Strauss („Vier letzte Lieder“), Schönberg, Mahler (8. und 4.), Verdi Requiem, sowie Beethoven 9. Sinfonie Es sind zahlreiche CDs und DVD erschienen, auf denen Manuela Uhl Hauptpartien singt.

......Manuela hat freundlicherweise zugestimmt, das Interview, in dem wir uns über Beruf und Privates unterhalten, zu veröffentlichen.

Wie und warum sind Sie denn Opernsänger geworden?

Als Kind habe ich schrecklich gern Klavier gespielt und noch lieber gesungen. Dabei konnte ich
Gefühle erleben, verarbeiten und ausdrücken. Auch Gefühle, die ich im echten Leben noch nicht hatte. Die Zukunft stellte ich mir bunt und wild gemustert vor. Nebeneffekt der Singerei war, dass ich den Alltagsfrust....ja, das haben Kinder auch schon....besser durchhalten konnte. Dazu interessierten mich Menschen.Ich hörte gerne zu, auch alten Geschichten und Lebenserinnerungen. Wenn andere das dann als tödlich langweilig empfanden, erfand ich mir ungesagte, spannende Details dazu. Gemalt und gelesen habe ich auch viel. In Büchern kann man Dinge erleben, die ein Leben in einer kleinbürgerlichen Familie einem Kind nicht bieten kann. Realität und Phantasie konnte ich schwer trennen. Das alles hat mich dann, mit den üblichen Irrungen und Wirrungen, zu diesem Beruf geführt.

Na ja, so direkt wohl nicht. Haben Sie nicht auch Architektur studiert? … Irrungen..?

Ja, das Leben war dann noch bunter als ich es je erwartet habe. Ich suchte nach etwas Verlässlichem, etwas woran man sich festhalten kann. Architektur bietet Kreativität, basierend auf festen Regeln. Das Gesangsstudium und auch das Leben erschien mir damals so unfassbar, so beliebig. Übrigens gibt es viele Gemeinsamkeiten zwischen Architektur und Musik. Musik ist Architektur der Zeit. Ich habe versucht die zeitliche Komponente bei meinen Entwürfen zu berücksichtigen. Wie erlebt man einen Raum, was passiert beim Durchgehen, beim Erleben des Raumes..., Homophone und polyphone Fassaden hab ich entworfen... ja, sie lachen. Stimmt das geht jetzt zu weit.

Donald Runnicles, damals noch scheidender GMD in Freiburg, hat sie dann jedoch den Weg zur Oper einschlagen lassen.

Er war schon auf dem Sprung nach San Francisco. Gearbeitet habe ich mit ihm damals nicht. Er hat mich an seinen Nachfolger, Johannes Fritzsch verwiesen und dieser hat mich als Schwangerschaftsvertretung für seine Sopranistin engagiert.

Seit dieser Zeit kamen Sie von der Musik nicht mehr los. Es folgten große Opernhäuser , z.B, Karlsruhe, Leipzig, die Deutsche Oper Berlin, Nationaltheater München, die Staatsopern in Stuttgart und Hamburg, Teatro Real Madrid, Teatro Massimo Palermo, Tokyo, Sevilla, Nizza.... . Wie hat sich die Stimme damit entwickelt? Wie würden Sie heute Ihre Stimme beschreiben?

Es ist schwer, sich selbst zu beschreiben. Man sagt, die Stimme wäre klar und ehrlich im Klang. Sie würde mühelos durch das Orchester kommen und Farben und Gefühle direkt vermitteln.

Damit eignet sich die Stimme wohl gut für Strauss und Wagner? Welche Rollen umfasst Ihr ständiges Repertoire?

Das Kernrepertoire umfasst viele Partien der Romantik und Spätromantik. Von Richard Strauss: Salome, Kaiserin, Chrysothemis, Daphne, Danae, Aminta, von Richard Wagner: Elisabeth, Venus, Senta, bald auch die Elsa, Beethovens Leonore, Webers Agathe usw. Auch habe ich viel und sehr gerne die Oper der Spätromantik gesungen, z.B. auch Konrngolds Tote Stadt, die ich in Palermo und Madrid gemacht habe, aber auch Werke von Schreker, Zemlinsky, Krenek, Waltershausen und d´Álbert.

Und wie steht es mit dem italienischen Repertoire?

Ich habe Desdemona, Elisabetta, Violetta, Nedda und Liu gesungen. Das hat mir große Freude gemacht. Zudem ist das italienische Repertoire gesund für die Stimme und mir liegt diese unverstellte Leidenschaft.

Welche der Rollen hat Ihnen die Tür zu einer internationalen Karriere geöffnet?

Salome, Chrysothemis und Kaiserin

Drei sehr unterschiedliche Frauen. Identifizieren Sie sich mit einer dieser Rollen?

Es ist unerlässlich eine Rolle bis ins Detail zu erfassen, erfühlen und zu verstehen. Nur wenn Sie auch die kleinste Handlungsweise verstehen können, wird ihre die Figur zum Leben erwecken. Doch das reicht leider auch noch nicht. In der Vorbereitung und in Proben können Sie den Rollen emotional ganz auf den Grund gehen, später müssen Sie diese Gefühle verarbeiten. Man kann nicht auf der Bühne total von Gefühlen übermannt werden. Das ist mir leider auch schon passiert. Nein, jetzt kommt die Arbeit. Jetzt geht es darum, die richtige Form zu finden und zu halten. „ Immer Ergriffene sind selten Ergreifende“oder anders gesagt, wenn sich die Gefühle verselbstständigen, dann rührt man nur noch, berührt aber nicht mehr. Erst durch die künstlerische Überhöhung wirkt die Figur natürlich und wir können vergessen, dass ein normaler Mensch nicht singend durchs Leben schaukelt -sagen wir mal- die Idee ist: So zu singen, dass die Zuschauer vergessen, dass man singt.

Wer oder welches Geschehen hatte den größten Einfluss auf Ihre Karriere?

Christoph Seuferle hat mir, nachdem er mich zufällig in Kiel gehört hatte , die Salome in Montpellier angeboten. Das war ein Rollendebüt, mit viel internationaler Presse und auch gleich an einem so großen Haus, mit einer wunderbaren Besetzung: James Rutherford als Jochanaan, Gerhard Siegel als Herodes, Julia Juon als Herodias, Dirigat Friedemann Layer. Ich bin mir des großen Wagnisses, das er damit eingegangen ist wohl bewusst und habe mich zwei Jahre später, also 2007 sehr gefreut, als er der Operndirektor der Deutschen Oper Berlin wurde. Ich war da bereits ein Jahr Ensemlemitglied. Der Chefdramaturg der Deutschen Oper Berlin, Andreas K.W. Meyer, sowie die damalige Intendantin Kirsten Harms, haben mir wunderbare Partien anvertraut. Die Deutsche Oper Berlin, mit ihrem hervorragenden Chor, diesem farbigen Orchester und den vielen lieben Kollegen, betrachte ich als meine künstlerische Heimat. Um so mehr freue mich, dass ich auch unter der neuen Intendanz so schöne Rollen, wie z.B. die Elisabeth im Tannhäuser, Elsa, Irene im Rienzi und Chrysothemis singen werde. Ich habe übrigens, was viele nicht wissen, bereits unter Götz Friedrich mehrmals mit einer Hauptpartie an der Deutschen Oper gastiert. Auch damals habe ich mich dort sehr wohl gefühlt.

In Ihrem heutigen, freiberuflichen internationalen Sängerleben sind Sie sehr viel unterwegs. Wie kommen Sie damit zurecht?

Das ist das Schwerste für mich und das ginge nicht ohne meinen Mann. Er ist mir immer liebevoll, wohlwollend, jedoch auch kritisch zur Seite gestanden. Wir sind jetzt bald 20 Jahre verheiratet und haben drei wunderbare Buben. Mein Mann kann sich, als Radio- und Fernsehmoderator, immer wieder Freiräume schaffen. Dann kommt er und die Kinder mit mir mit. Klappt das gerade mal nicht, nutze ich jede Gelegenheit, um nach Hause zu fliegen. Ich brauche zwar nicht viele Menschen um mich, aber die Menschen die ich liebe vermisse ich schrecklich. Auf der anderen Seite haben wir wenig langweiligen“Alltag“. Der Wechsel zwischen intensivem Zusammensein und leidenschaftlichem Vermissen hat auch etwas. Das Leben bleibt spannend. Wenn ich allein unterwegs bin arbeite ich gerne rund um die Uhr um mich abzulenken. Ich freue dann um so mehr über anspruchsvolle Regie, die einen fordert.

Mögen Sie Regietheater oder bevorzugen Sie traditionelle Regie ?

…..durchdachte Regie! Der Regisseur sollte wissen, welche Schwerpunkte er setzen will, Musik verstehen können, und seine Personenregie sollte nachvollziehbar sein. Doch für letzteres ist ein Sänger heute auch selbst verantwortlich. Man muss immer wieder in den Dialog treten. Man muss zum Anwalt seiner Partie werden.

Wie passt man im Probenalltag auf seine Stimme auf? Auf was muss man in der Entwicklung seiner Stimme, vor allem bei Partien von Strauss und Wagner achten?

Nie mit dem Rücken zur Wand stehen. Man darf sich nicht auf einen Zweikampf mit dem Orchester einlassen. Ein Sänger ist für seine Stimme verantwortlich, nicht für die Dynamik des Orchesters. Bei vielen guten Kollegen kann man sehen, dass ein konzentriertes Mezzoforte besser trägt, als das Gegenansingen. Ich selbst passe auf ehrlich zu bleiben. Das bedeutet für mich, einen Klang oder eine übliche Stimmfarbe nicht zu imitieren, sondern die Emotion, die Aussage in mir selbst zu finden. Auch dann, wenn es mal nicht den Hörgewohnheiten entsprechen sollte. Das wäre nicht möglich ohne Stimmtechnik. Hier muss man permanent arbeiten. Das ist wie beim Segeln. Man hat ein Ziel, das man nicht aus den Augen lassen darf, muss aber immer wieder den Kurs korrigieren, gegen ankreuzen, das Ruder umlegen. Rückenwind ist selten.

Stichwort Segeln. Sie segeln gerne?

Ja, ich segle gerne mit meiner Familie auf TRISTAN, unserem Segelboot. Dort haben wir Zeit miteinander. Wir arbeiten gemeinsam daran, immer neue Ziele zu erreichen. In der Dänischen Südsee gibt es für und immer wieder Neues zu entdecken und doch haben wir mit dem Boot ein vertrautes Zuhause dabei. Die Senta habe ich übrigens beim Segeln einstudiert. Und wenn ich da manchmal ein bisschen seekrank werde, kann ich wohl besser als jede andere Senta nachvollziehen, dass der Hölländer nur eines will, an Land zur Ruhe kommen.

Gibt es darüber hinaus noch anders Interessen außerhalb des Berufes?

Alles was ich mit meiner Familie gemeinsam tun kann. Ich arbeite auch gerne in meinem Garten und gehe am Stand spazieren, wir wohnen direkt an der Ostsee. Wenn ich allein bin, dann male und lese ich, kämpfe gegen meinen Schachcomputer oder träume auch mal einfach vor mich hin.

Gibt es noch berufliche Träume? Wunschpartien?

Ich singe mein Traumrepertoire schon. Darüber hinaus freue ich mich auf die Els in Schrekers „ Schatzgräber“, die ich nächstes Jahr in Amsterdam zum ersten Mal singen werde.

Wir freuen uns auch darauf. Vielen Dank für das Gespräch. RJ