martes, 30 de diciembre de 2014

Tucson Desert Song Festival, Jan 15-Feb 1 - Tucson, Arizona

The Third Annual Tucson Desert Song Festival (TDSF), Jan. 15–Feb. 1, 2015, will bring together Tucson’s leading arts groups and internationally celebrated guest artists to explore the exquisite sorrow and defiant laughter of life and love, with Tamara Mumford and Anthony Dean Griffey featured in the rarely performed chamber orchestration of Mahler’s Das Lied von der Erde, Susan Graham singing the neglected Berlioz masterpiece La Mort d’Ophélie, and Katie Van Kooten, Heidi Grant Murphy and Angela Brower presenting the final trio from Der Rosenkavalier. All this, as well as the New York Festival of Song and Ravinia’s Steans Music Institute on Tour, Corinne Winters singing her first Tatiana in Arizona Opera’s Eugene Onegin, plus Carmina Burana and Poulenc’s Gloria!

Such leading vocalists as mezzo-sopranos Susan Graham, Tamara Mumford, and Angela Brower, sopranos Heidi Grant Murphy and Corrine Winters, and tenor Anthony Dean Griffey will perform with the Tucson Symphony Orchestra, UApresents, Arizona Opera, Tucson Chamber Artists, Arizona Friends of Chamber Music, Tucson Guitar Society and more.

The festival includes bookend concerts by the Tucson Symphony Orchestra of Poulenc’s Gloria and the final trio from Der Roenskavalier and Don Juan by Richard Strauss, and ending with the lustrous voice of Tamara Mumford and the virtuosic singing of Anthony Dean Griffey in Mahler’s Das Lied von der Erde (arr. Schoenberg), preceded by Mozart’s “Haffner” Symphony
.

Highly acclaimed mezzo-soprano Susan Graham will give a recital of Berlioz, Schubert, Cole Porter and other composers under the auspices of UApresents, and in its festival debut Arizona Opera will perform Tchaikovsky’s Eugene Onegin with guest stars Corinne Winters and David Adam Moore.

Rising young vocalists from the prestigious Ravinia Steans Music Institute on Tour will gather for a concert presented by the Arizona Friends of Chamber Music with soprano Simone Osborne and world-renowned pianist and Tucson Desert Song Festival’s Artistic Consultant, Kevin Murphy.

In a festival exclusive, the Tucson Guitar Society will bring together guitarist David Leisner and tenor Rufus Müller to perform the works of Benjamin Britten, Franz Schubert, David Leisner’s own works and Manuel de Falla.

TDSF guest artists will join with the University of Arizona School of Music to conduct master classes. Faculty and students will provide a series of lectures and recitals. All of these events are open to the public.  

For the third year, the festival will include a songwriting competition for students in grades K–12. Students are invited to submit original songs with melody and lyrics. A panel of UA School of Music educators will judge the submissions, and finalists will be invited to perform their compositions in a showcase recital at the UA School of Music on January 17, 2015. (The application deadline is November 24, 2014; materials may be found under the Education tab at TucsonDesertSongFestival.org.) Cash prizes are given to the top winners.

Also for the third year, TDSF is continuing its Adult Education Outreach program with a series of Preview Concerts that will be performed during November and December 2014. (*See dates below).

This year’s Preview Concerts will include University of Arizona School of Music graduate students, soprano Jenina Gallaway and baritone Seth Kershisnik, will present a varied program of songs and duets by Schubert, Strauss, Duparc, Poulenc, Duke, and Chausson as well as new trends in art song with Comic settings by Tom Cipullo, a haunting lullaby by Leo Edwards and poignant spirituals set by Moses Hogan.   The concerts are open and free to the public.

Tickets to festival performances are available through the individual participating organizations. More information about the 2015 festival is available at TucsonDesertSongFestival.org, and at 1-888-546-3305.

The mission of the Tucson Desert Song Festival is to elevate Tucson to a world-class destination for classical voice and music lovers by presenting three weeks of performances and events celebrating classical voice at its highest level. In collaboration with Tucson’s professional performing arts organizations, its annual offerings bring together local artistry of the highest quality with the world’s most promising vocal talent. Both synergetic and unique, the festival has merited recognition on a national level.

2015 TUCSON DESERT SONG FESTIVAL CALENDAR OF EVENTS


Opening Concert and Lecture 
Crowder Hall
Thursday, January 15, 2015 at 7:30 p.m.
Kristin Dauphinais, Associate Professor of Music, UA School of Music, assisted by UA voice students. 
Song:  From Salon to Stage, the Journey of a Genre
Open and free to the public.

Tucson Symphony Orchestra
Tucson Music Hall
Friday, January 16, 2015 at 8 p.m. & Sunday, January 18, 2015 at 2 p.m. 
George Hanson, conductor
Katie Van Kooten, soprano 

Heidi Grant Murphy, soprano
Angela Brower, mezzo-soprano
TSO Chorus, Bruce Chamberlain, director
Poulenc: Gloria. 
Strauss: Don Juan; 
final trio from Der Rosenkavalier
Tickets:  tucsonsymphony.org

Finalist Showcase Recital
TDSF Songwriting Competition 
University of Arizona Holsclaw Hall
Saturday, January 17, 2015 at 2:30 p.m. 
Information:  tucsondesertsongfestival.org/education/

Arizona Friends of Chamber Music 
Leo Rich Theatre
Sunday, January 18, 2015 at 3 p.m.
Ravinia’s Steans Music Institute on Tour
Simone Osborne, soprano
Kevin Murphy, pianist
Catherine Martin, mezzo-soprano
Michael Brandenburg, tenor
Tickets:  arizonachambermusic.org

UA School of Music
Holsclaw Hall
January 21, Wednesday, 12:00 p.m.
New Directions in Song
Hosted by Associate Professor of Music, Kristin Dauphinais, the program will feature works of contemporary art song with new trends and new discoveries, performed by UA vocal students.  Open and free to the public.

Tucson Guitar Society
Thursday, January 22, 2015 at 7 p.m. 
University of Arizona Holsclaw Hall
David Leisner, guitarist
Rufus Müller, tenor
Works of Benjamin Britten, Franz Schubert, David Leisner and Manuel de Falla
Tickets:  tucsonguitarsociety.org

Tucson Chamber Artists
  • Friday, January 23, 2015 at 7:00p.m.
Valley Presbyterian Church, Green Valley, AZ
  • Saturday, January 24, 2015 at 7:30p.m.
Catalina Foothills High School
  • Sunday, January 25, 2015 at 3:00p.m.
Grace St. Paul’s Episcopal Church 

Eric Holtan, conductor
Hugh Russell, baritone
Hye Jung Lee, soprano
Edwin Vega, tenor
Orff: Carmina Burana
Tickets:  tucsonchamberartists.org

Arizona Opera Hosts the New York Festival of Song
Saturday, January 24, 2015 at 7:00p.m.
Leo Rich Theatre
Corinne Winters, soprano
Steven Blier, pianist
Canción Amorosa: Songs of Spain
Tickets:  azopera.org

UApresents
University of Arizona Crowder Hall
Thursday, January 29, 2015 at 7:30 p.m. 
Susan Graham, mezzo-soprano
Malcolm Martineau, pianist

Berlioz: La Mort d’Ophélie; Schubert: Heiss mich nicht Redden, Op. 62, No. 2; Poulenc: Fiançailles pour rire; 
Cole Porter: The Physician (from Nymph Errant)
; Vernon Duke: Ages Ago
; other works to be announced.
Tickets:  uapresents.org

A pre-concert talk will be given at 6:30 p.m. by Dr. Matt Mugmon, musicologist in the UA School of Music, and will cover information about works on the evening’s program. The talk will be held in Room 146, School of Music building.

Arizona Opera
Tucson Music Hall
Saturday, January 31, 2015 at 7:30 p.m. & Sunday, February 1, 2015 at 2 p.m.
Tchaikovsky: Eugene Onegin
Steven White, conductor
Tara Faircloth, stage director
David Adam Moore - Eugene Onegin
Corinne Winters  - Tatiana
Zach Borichevsky - Lenski
Beth Lytwynec - Olga
Nicholas Masters - Prince Gremin
Robynne Redmon - Madame Larina
Susan Shafer - Filipievna
Andrew Penning - Monsieur Triquet
Calvin Griffin – Zaretski
Tickets:  azopera.org

Tucson Symphony Orchestra
Catalina Foothills High School
Saturday, January 31, 2015 at 8 p.m. & Sunday, February 1, 2015 at 2 p.m. 
George Hanson, conductor
Tamara Mumford, mezzo-soprano
Anthony Dean Griffey, tenor
Mozart: Symphony No. 35, “Haffner”; 
Mahler: Das Lied von der Erde (arr. Schoenberg) 
Tickets:  tucsonsymphony.org      
*Adult Outreach Preview Concert Dates:
  • Academy Village
Tuesday, November 11, 11:30am—12:30p.m.
  • Private home in Saddlebrooke Community
Wednesday, December 3, 7:00pm—8:00p.m.
  • St. Philips in the Foothills
Sunday, December 7, 2:00p.m. – 3:00p.m.

2015 TDSF GUEST ARTISTS*

Steven Blier
Zach Borichevsky
Angela Brower
Susan Graham
Anthony Dean Griffey
Hye Jung Lee
David Leisner
Malcolm Martineau
David Adam Moore
Rufus Müller
Tamara Mumford
Kevin Murphy
Simone Osborne
Hugh Russell
Katie Van Kooten
Edwin Vega 
Corinne Winters
 *Additional artists may be announced at a later date and are subject to change.

Participating Organizations

Arizona Friends of Chamber Music • Arizona Opera • New York Festival of Song • Ravinia’s Steans Music Institute on Tour •Tucson Symphony Orchestra • Tucson Chamber Artists • Tucson Guitar Society • UApresents • UA School of Music

viernes, 26 de diciembre de 2014

Renée Fleming to Make Broadway Debut in 'Living on Love'

Mark Kennedy AP Drama Writer
Opera star Renée Fleming will make her Broadway debut this spring, playing ? what else? ? an opera star. The four-time Grammy Award-winning soprano will star in the comedy "Living on Love" at the Longacre Theatre beginning April 1. "I've spent my life singing tragic characters, so to be able to make people laugh is an extraordinary joy," said Fleming. The comedy was written by two-time Tony Award winner Joe DiPietro ("Memphis"), adapted from "Peccadillo" by Garson Kanin ("Born Yesterday") and directed by three-time Tony Award winner Kathleen Marshall. Marshall and DiPietro worked together on Broadway's "Nice Work If You Can Get It." The play was seen this summer at the Williamstown Theatre Festival. In it, Fleming plays an opera diva whose conductor-husband starts to fall for a woman hired to ghostwrite his long-delayed autobiography. She retaliates by hiring her own ghostwriter, but also gets romantically attached. Fleming never anticipated making her Broadway debut because opera singers are trained very differently than Broadway belters and so never had it on her bucket list. "I would have assumed that my only road to Broadway would have been in a musical. And I knew that I couldn't sing eight shows a week ? we're trained in such a different way. Like weightlifters, we need those two days off," said Fleming. "So it wasn't on my list of things to do. Sometimes the most interesting things come out of the blue, in love and in life." Fleming, who has performed around the world and serenaded Queen Elizabeth and President Barack Obama, this year became the first opera singer to sing the national anthem at the Super Bowl. She received the National Medal of Arts, the highest honor the government gives to artists, in 2012. Before she tackles the comedy, Fleming is practicing her waltzing skills to be ready to perform "The Merry Widow" with The Metropolitan Opera, directed by Broadway's Susan Stroman with five-time Tony Award nominee Kelli O'Hara."In one, four-month period, to be acting while dancing and singing is definitely a test," Fleming said. Though she'll sing a little in the play ? she added some improvised a cappella singing to keep her voice fresh ? Fleming is concentrating on her acting skills, "Learning how to sing well takes a lifetime of effort. Then putting the singing aside is another whole thing," she said. "But we want to remain challenged in life, I think. And I'm certainly finding a way to do it."
http://www.reneefleming.com




jueves, 25 de diciembre de 2014

Susan Graham (mezzosoprano) Tucson Desert Song Festival, UA Presents - Arizona

Photo: B. Ealovega
James Reel - Tucson Desert Song Festival

Susan Graham is on the road this season with Berlioz. Graham’s schedule features his Roméo et Juliette in Los Angeles, Les Troyens in San Francisco, Les Nuits d’été in London and Mexico City, La Mort de Cléopatre in Brussels, and La Mort d’Ophélie nearly everywhere else—including in Tucson Arizona, during her Tucson Desert Song Festival recital for UA presents in January (01/29/2015).
Graham is hardly a one-composer mezzo—she’s taking time out this season for Mahler and The Merry Widow, and dots her song recitals with plenty of other material—but she is very closely associated with Berlioz and other French opera and art song composers. French is not the first language you’d expect a woman born in Roswell, N.M. and educated as an undergraduate in Texas to wrap her mouth around, but it seems to come naturally to Graham, who thinks it stands up perfectly well as a sung language to Italian, German or English. “French is my favorite language to sing in,” she declares. “It has a fluidity and capacity for expression, and is very liquid and romantic. As a little kid I used to dream about far-away, elegant, exotic places, and those dreams were always French-themed. French is my vocal happy place. Plus, the tessitura of most French music is comfortable for me, because it tends to fall into a high lyric mezzo range. Berlioz is my touchstone in that repertoire, because his heroines are written exactly for my voice.” As a Berlioz heroine, Shakespeare’s Ophelia may not be the first tragic figure who comes to mind, but she is the character with whom Graham enters her Tucson recital. “We chose La Mort d’Ophélie because the theme of the first half of the program is innocents and naives; Ophelia was the poor, sort of innocent, deranged girl who drowns. So we thought she fit in the first half as a sympathetic character. The text talks about Ophelia wandering along the riverside, singing, and she falls into the river but continues to sing, and ultimately her song is silenced.” Graham does not sing in character, but as narrator of the sad events. “It’s rather lyrical storytelling for Berlioz, without a lot of his usual dramatic orchestral outbursts, so it’s more about setting the tone for the death of this innocent young girl.” Graham devotes another part of her recital to music by a substantially different French composer: Francis Poulenc’s Fiançailles pour rire. Here, the texts mainly have to do with reflection and mood—the singer is thinking, rather than doing, but for Graham, her approach is the same. “Always, I am telling a story,” she says. “Each of those Poulenc songs is a little opera to me. The whole second half of the program is a reflection on a lot of the different kinds of love a woman can experience or observe and everything related to it, from sarcasm to drunken revelry to death, and most of that is right there in the Poulenc songs.” Returning to the subject of the concert’s first half—innocents and naives—Graham points out that she will offer a group of songs by six composers in three languages, all settings of texts about Mignon, the character in Goethe’s Wilhelm Meister’s Apprenticeship who is rescued from a brutal abductor and languishes with unrequited love for her rescuer. Mignon’s “songs“—poems scattered throughout the novel—have been set by several composers, most prominently Franz Schubert. Says Graham, “Those six songs concerned with one character make a fascinating mini-opera with a beginning, middle and end, and like any opera it’s taxing dramatically, psychologically and vocally. And that’s just the end of the first half.” What leads off the second half—what Graham calls “the bad girls portion of the concert“—is the scena Lady Macbeth written in 1970 by the British composer Joseph Horovitz, who wrote hardly anything else for voice; his catalog is dominated by ballet scores, orchestral and band pieces, chamber works, and music for a Tarzan movie. “Lady Macbeth is a riveting piece that encompasses three different scenes from Shakespeare’s Macbeth,” Graham says. “There’s the letter scene, and the part where she orders her husband him to go and kill the king, and her descent into madness. It’s dramatic and gripping and spooky and creepy.” The rest of the second half is lighter fare, including songs by the likes of Cole Porter and Vernon Duke—composers not really so different from Poulenc. Graham certainly doesn’t think she’s slumming by riffling through the Anglo-American pop songbook. “The only difference in my approach is that I put my comedy hat on; there’s not much comedy in Schubert,” she laughs. “I relax a little bit and tell the story more pointedly, and take more liberties with the rhythms. I can interact with the audience more directly. With the Mignon songs I’m inviting the audience into my world, but in the English and American songs it’s more like I’m coming out into the audience and sitting with them—figuratively—with a lot of winking and gossiping. Vocally, it’s more talky, there’s less vibrato, more of a pop style.” Graham began this season following a long stint in The King and I, and ends it with The Merry Widow. It might seem like more frivolous fare than Berlioz and Schubert, but it’s hardly a vacation for the mezzo. “The King and I is 10 times harder than any opera I’ve ever done, physically,” Graham declares. For her, musical theater and operetta is something she has long enjoyed, and she anticipates continuing to enjoy it long after her heavier classical repertoire is behind her. “The Merry Widow is something that could accompany me into the golden years of my career, along with things like [Offenbach’s] Grand Duchess of Gerolstein, when I’m not jumping on the furniture as Cherubino and Octavian anymore.” That said, Graham is not easing off anytime soon; this season includes Les Troyens, “which is Mount Everest for me,” she says, as well as touring with her Tucson recital. “It’s such a great program to sing,” she says. “It has everything: vocal challenges, and wonderful characters. And the characters who aren’t so well-defined, I make them up in my head, and I have very clear images of who they are and what each one is singing about. Each one is a different person with a different goal and message.” Graham herself approaches the material—and her career—with just one goal: “It’s all about communication, communicating an idea or a feeling not just vocally but any way I can. If I have to tap-dance to get the message across, I’ll do that, too.”

http://www.tucsondesertsongfestival.org/




lunes, 22 de diciembre de 2014

Manon Lescaut en el Palau de les Artes de Valencia

Foto: Palau de les Arts
Robert Benito - Opera World

La temporada lirica del Palau de les Arts se ha inaugurado un poco tarde pero a lo grande, con la ópera que le abrió las puertas del éxito a Puccini en su momento. Esta mujer salida de la pluma del Abate Prevost que cautivó ya antes a Massenet y antes a Auber lo hizo igualmente con Pucini cuyas palabras son dignas de recordar ante las reticencias de su editor Ricordi: “Manon es una heroína en la que creo y por lo tanto no puede dejar de ganar el corazón del público. ¿Por qué no van a existir dos óperas sobre Manon? Una mujer como Manon puede tener más de un amante. Massenet la siente como francés, empolvada y con minués. Yo la sentiré como italiano, con una pasión desesperada.” Y por desgracia fue esta pasión, este ingrediente que el de Luca quiso destacar el gran ausente en la representación de Valencia. La propuesta escénica era de lo más simple que se ha visto en este teatro, no sabemos si por voluntad o por necesidad pero excepto alguna pincelada muy conseguida como hacer del casco del barco del penúltimo acto con una presencia omnipresente y que se reconvertía con gran ingenio en la diligencia del primero por lo demás fue de pocas ideas y de un minimaismo casi ofensivo.No se puede decir lo mismo del movimiento escénico muy conseguido ya desde el primer cuadro de la plaza o en el penúltimo donde todo funciono con mucho dinamismo. Si la escenografía no fue lo más destacable el vestuario fue muy clásico y que contrastaba con el uso de las proyecciones que nos indicaban a pie de telón el avanzar espacial de la ópera muy conseguida y pedagógica. En cuanto a la parte musical es aquí donde esta propuesta de Valencia no convenció. Ninguno de los tres protagonistas llegó a un nivel de excelencia. La Manon de la soprano uruguaya María José Siri con una gran proyección internacional en estos últimos tiempos no supo dar en su debut europeo del rol la psicología cambiante de este personaje que va de la niña caprichosa del primer acto a la amante desesperada del último. Sabemos que es un reto difícil con la escritura orquestal de Puccini, pero no apreciamos más que una voz con un gran volumen pero faltada de expresividad. Sospechamos que puede triunfar con una Liu pero en absoluto con este papel que le viene grande en muchos aspectos y que al traspasar el registro medio para pasar al grave su voz queda sin timbre por un exceso de entubamiento que no aporta nada más que confusión de articulación y comprensión del texto. Hubo momentos que salvaron su participación como una correcta interpretación de su aria “In quelle trine morbide” y la otra gran aria del último acto “Sola, perduta, abbandonata” pero no por ello superaron estas impresiones expresadas anteriormente. El caballero Des Grieux fue interpretado por el tenor puertoriqueño Rafael Dávila que posee un gran instrumento que le permite enfrentarse al repertorio de tenor lírico y casi spinto con facilidad, con un canto depurado como apreciamos en el aria de presentación “Donna non vidi mai”,y el dúo del segundo acto “Oh, sarò la più bella!” o el final del tercero “Pazzo son!” donde vislubramos el único momento de entrega dramática de este cantante ya que su generoso instrumento no va acompañado de la misma dosis de teatralidad con una expresividad limitada y un movimiento escénico inseguro. Pero si la pareja protagonista a pesar de las reticencias señaladas tenían motivos para estar en esos roles no consideramos lo mismo del Lescaut del barítono mexicano Germán Olvera el cual carecía de la prestancia vocal y dramática del personaje. Tal vez en un futuro con otro repertorio y en otros coliseos pueda brillar pero aquí dar el salto del Centre de Perfeccionament a un rol principal pensamos que ha superado sus posibilidades, resultando poco definida su interpretación y de dificultad auditiva sus intervenciones. Del resto de los muchos partiquinos de la obra destacamos la Cantante de Mariam Battistelli que supo dar al Madrigal una expresividad que muchas veces pasa desapercibida. El coro no sabemos la causa, si fue la dificultosa comunicación desde la batuta y el escenario u otras razones, pero hubo desajustes que son la primera vez que lo apreciamos en esta formación. Esperemos que sea un mal de un día. Igualmente la orquesta de la Comunitat aunque mantuvo una calidad pero se percibió una musicalidad oscilante y a veces con unos volúmenes o dinámicas desmesuradas para lo que sucedía en el escenario. Esto nos lleva a hablar de la dirección del maestro Placido Domingo que no convenció pecando a veces de excesiva pasión desbocada y otras de una inexpresividad extraña. Evidentemente la noche se cerró con aplausos pero uno se pregunta si a veces la mitomanía de un nombre sea de un compositor o de un director puede envelar una realidad musical de calidad cuestionable. Todo el engranaje de la temporada se ha puesto en marcha y esperamos que estos primeros desajustes se corrijan en noches memorables como es la constante en el coliseo del Turia.

Maria Stuarda en el Liceu de Barcelona

Foto: Liceu de Barcelona
Robert Benito - Opera World
El viernes se vistió de gala nuevamente el Gran Teatre del Liceu para el estreno de una de las propuestas más interesantes de la temporada 14-15 del coliseo de las Ramblas, la segunda ópera de la trilogía donizettiana dedicada a la dinastía Tudor, Maria Stuarda. El éxito al final estuvo a la altura de las expectativas creadas para esta producción, un gran título que recuperó para este teatro la recientemente homenajeada Montserrat Caballé allá por 1969 y que se ha representado en más de de cuatro ocasiones diferentes desde entonces. El interés de la ópera como género radica evidentemente en su discurso musical con el apoyo de una trama teatral y literaria de validez relativa dependiendo de la época y la inspiración poética del libretista. En el caso de la ópera que nos ocupa existe un morbo añadido que es la ficción del encuentro-desencuentro de dos reinas históricas enfrentadas por el poder y el amor de un hombre, elementos típicos de la estética romántica en el que está basado el libreto al inspirarse Baldari en la obra homónima de Schiller como fuente de su reelaboración para la música de Donizetti.Esta trama donde la erótica del poder se confunde con la erótica más íntima necesita de una terna de grandes intérpretes. En esta ocasión el primer reparto de los dos propuestos ha cumplido las expectativas con creces. Una Joyce DiDonato en estado de gracia para la protagonista, Silvia Tro Santafé en una gloriosa Elisabetta y uno de los mejores tenores belcantistas del momento, Javier Camarena para el papel de Leicester. Algunos de los recelos que se podrían argüir en el aspecto musical y de la elección de estos cantantes sobretodo en la parte femenina sería la poca variedad tímbrica al interpretarse los roles reales por dos mezzos y no en la elección más tradicional de soprano para María y mezzo para Elisabetta, pero se ha de recordar a esta parte del público que el mismo Donizetti ya revisó la partitura para una de las primeras Stuardas, la Malibrán de gran tesitura pero de color más central. Y existen precedentes de esta misma elección en las brillantes representaciones de Dame Janet Baker en este rol. El problema que se pudo apreciar en la función es que aunque algunas partes del rol de María estaban bajados de tono los agudos de DiDonato no resultaban todo lo brillantes que hubiera sido deseables, pero por el contrario cada palabra, cada frase estaban llenas de una expresividad y de una musicalidad incuestionables haciendo la interpretación de la americana una propuesta magnífica siendo este rol un verdadero tour de forcé que esta cantante lleva ya años perfeccionando desde sus primeras incursiones como Elisabetta ara posteriormente pasar a interpretar María. Un poco de lo mismo se podría decir de la interpretación de la mezzo valenciana Silvia Tro cuya tesitura aguda a veces resultó excesivamente gritada, a veces con pérdida de afinación, pero compensó estos momentos con una configuración del personaje lleno de matices tanto a nivel musical como teatrales.La nueva estrella del firmamento tenoril, Javier Camarena que pudimos ver hace poco en el Real de Madrid en otro Donizetti de corte más cómico brilló en sus intervenciones con una línea de canto magnífica si bien e inexplicablemente sin ninguno de los sobreagudos que en su día se le permitieron a Flórez en este mismo escenario en la versión concertística del mismo título del año 2007. Tanto Michele Pertusi como Vito Priante y Ana Tobella en sus partes estuvieron muy correctos consiguiendo el reconocimiento del público con generosos aplausos a su labor. El coro sonó rotundo en sus intervenciones y con una gran implicación escénica en la escena final de la ópera. La orquesta titular supo seguir las indicaciones a veces con unos tempi quasi rossinianos sin perder la cohesión, si bien en algunos momentos las trompas se destacaron pero no por su pulcritud, mientras que en cambio el viento madera y de una manera especial el clarinete solista se unió con su solos en una interpretación absolutamente “belcantista”. El gran director italiano Maurizio Benini trasmitió emoción, lirismo, pasión, en cada pasaje evitando caer en la monotonía que conlleva ciertas partes de este repertorio convirtiendo esta representación en una velada inolvidable mezclando dramatismo y musicalidad, sosteniendo, apoyando los solistas cuidando los balances y los colores orquestales. La dramaturgia de la pareja regista de Patrice Caurier y Moshe Leiser ha optado en esta coproducción por actualizar la acción a nuestros tiempos excepto las dos protagonistas que visten de época. Esta idea no convenció a una parte del público si bien el resultado en absoluto se puede considerar una equivocación ya que a través de este salto temporal las cuestiones planteadas en la ópera, la rivalidad del poder, el asesinato de los poderosos e inocentes queda denunciado de una manera actual no como algo del pasado más oscuro de la historia, sino que como refirió la protagonista: la decapitación sigue hoy día en medio de nosotros con los asesinatos de los periodistas por los talibanes. Una noche para recordar y una velada belcantista recomendable para estas fiestas navideñas.

domingo, 21 de diciembre de 2014

Fidelio de Beethoven en la inauguración de la temporada del Teatro alla Scala de Milán.

Foto: Brescia&Amisano

Massimo Viazzo

Este Fidelio, que sella oficialmente el adiós a la Scala de Daniel Barenboim, no será recordado por la parte visual. Debora Warner confeccionó un espectáculo respetuoso del libreto, de la música y todo sumado estuvo cuidado al detalle, aunque no hubo ideas solidas, ni mucho menos momentos memorables. Todo lo que se vio en escena (por momentos un poco oscuro, aunque tratándose de una prisión allí se podía estar) es todo aquello que normalmente se espera de la obra maestra de Beethoven. De cualquier manera, estuvo interesante el rejuvenecimiento de la escena inicial entre Marzelline y Jaquino, que aquí estuvo más viva y creíble de lo habitual. El gran triunfador de la velada fue el Maestro Barenboim, quien estuvo por última vez en el podio scaligero como director musical, para dirigir la ópera inaugural de una temporada. El próximo 7 de diciembre del 2015 seremos testigos de Riccardo Chailly quien tendrá a su cargo la rareza verdiana Giovanna d’Arco. En cuanto a Barenboim, se apreció la energía de su sonido orquestal, la excavación del fraseo y la profundidad de la visión general. Muy interesante y de gran impacto dramático fue la elección al inicio de la ópera de Leonora n. 2, una de las cuatro oberturas elaboradas por Beethoven, rara de escuchar, para un inicio verdaderamente electrizante. Mirando a las voces, el papel de la protagonista le fue confiado a Anja Kampe, una artista de gran temperamento que cantó con sabiduría y tensión dramática, aunque al final de la ópera pareció un poco cansada. Klaus Florian Vogt dio a Florestan su timbre claro hecho de un sonido desteñido aunque no carente de harmónicos. Rudo y áspero estuvo Falk Struckmann (Pizarro), suave y musical Kwangchul Youn (Rocco) como vivaz y teatralmente creíbles en sus discusiones estuvieron los jóvenes Marzelline y Jaquino, interpretados respectivamente por Mojca Erdmann y por Florian Hoffmann. Al final, Peter Mattei interpretó con timbre rotundo y noble en la última escena el papel de Don Fernando, mientras que el Coro del Teatro alla Scala estuvo perfecto en cada una de sus intervenciones.

Fidelio - Teatro alla Scala, Milano

Foto: Brescia & Amisano

Massimo Viazzo

Questo Fidelio, il Fidelio che sancisce l’addio di Daniel Barenboim dalla Scala, non sarà ricordato per la parte visiva. Debora Warner confeziona uno spettacolo rispettoso del libretto, della musica e tutto sommato ben curato nei dettagli. Ma non ci sono idee forti, né tantomeno momenti memorabili. Tutto ciò che si vede in palcoscenico (a tratti un po’ troppo buio, ma trattandosi di una prigione ci può stare …), è quello che normalmente ci si aspetta dal capolavoro beethoveniano. Interessante comunque lo svecchiamento della scena iniziale tra Marzelline e Jaquino, qui più viva e credibile del consueto. Grande trionfatore della serata non poteva che essere lui, il Maestro Barenboim, per l’ultima volta sul podio scaligero a dirigere l’opera inaugurale della stagione in qualità di direttore musicale. L’anno prossimo, il 7 dicembre 2015, il testimone sarà preso da Riccardo Chailly alle prese con la rarità verdiana Giovanna d’Arco. Tornando a Barenboim, si è apprezzata l’energia del suono orchestrale, lo scavo del fraseggio e la profondità della visione complessiva. Molto interessante, e di grande impatto drammatico, la scelta di eseguire all’inizio dell’opera la Leonore n. 2, una delle quattro ouverture elaborate da Beethoven, di raro ascolto, per un inizio veramente elettrizzante. Venendo alle voci, il ruolo da protagonista è stato affidato ad Anja Kampe, un’artista di grande temperamento che ha cantato con consapevolezza e tensione drammatica anche se alla fine della recita è parsa un po’ stanca. Klaus Florian Vogt ha donato a Florestan la sua timbrica chiara fatta di suoni un po’ sbiancati ma non poveri di armonici, rude e aspro Falk Struckmann (Pizzarro), morbido e musicale Kwangchul Youn (Rocco), vivaci e teatralmente credibili nei loro litigi i due giovani, Marzelline e Jaquino, interpretati rispettivamente da Mojca Erdmann e Florian Hoffmann. Peter Mattei, infine, ha interpretato con la sua timbrica rotonda e nobile il ruolo di Don Fernando nell’ultima scena dell’opera, mentre il Coro del Teatro alla Scala è stato perfetto in ogni suo intervento.

“L’Europa Galante”, when Europeans go a-wooing – Massimo Crispi and Marco Rapetti in recital

The duo Enfants Terribles – Massimo Crispi, tenor and Marco Rapetti, piano –, are reputed for their quirky and unusual recitals. They do not follow any trodden paths, but find their own new ways through the lieder, songs and melodies repertoire. Surprising juxtapositions and combinations give a new outlook on well-known pieces, and less-known pieces come to light for the public’s delight. The recital given in Brussels on the 16th of December 2014 had for title “L’Europa Galante” and gave a survey of wooing tactics and stories through Europe. Massimo Crispi first thing put the public into “the mood for love” with a surprise: he asked the public to get to their feet, turn to their neighbor, and embrace each other. And before a public moved and softened to love, he began to sing. From Schumann’s “Widmung”, Mozart’s “An Chloë” and Schubert’s “Taubenpost” to Massenet and Gounod, and on to Britten: all through Europe Massimo Crispi showed his amazing talent of adopting languages and perfect diction that is better than many a native speaker’s, be it in English, German or French. He has total command of the text that he sings and brings to life every word and nuance. The lover of Mozart’s Chloë was almost expected to melt away, he was so “ermattet”, and the addressee of Gounod’s “Ce que je suis sans toi” would probably turn heel and instantly run back to the complaining lover. The vocal pieces were interspersed with piano solo pieces, like Liszt’s Liebestraum or Offenbach’s Barcarolle that closed the first part. Marco Rapetti played them with subtle sensitive intensity, and one would like to hear him again on a more adequate instrument. In the second part, dedicated to Italy, Massimo Crispi came totally into his own. His glorious warm voice, with its numerous inflections of sunshine and sea wind, soared like a gentle breeze over the lagoon of Venice in Hahn’s “Sopra l’acqua indormenzata”. Crispi brought passion and life to a woman’s jealousy in Donizetti’s “Lu tradimiento” and into Puccini’s romance “Sole e amore” and many more. The perfect performer, he charmed his public with wit and voice, and was only allowed to leave after two encores, a three-language version of “Dein ist mein ganzes Herz” and Tosti’s “Ideale”. A lovely performance and one would like to see and hear much more of this duo, preferably in  more adequate circumstances and surroundings. 

“L’Europe Galante”  – L’Europe fait sa cour: Massimo Crispi and Marco Rapetti en récital

Le duo Enfants Terribles – Massimo Crispi, ténor and Marco Rapetti, piano –, est connu pour ses récitals inhabituels et originaux.  Au lieu de suivre les chemins battus, ces artistes se frayent des nouveaux sentiers à travers le répertoire du lied, de la mélodie française, le song anglais. Des juxtapositions et combinaisons surprenantes donnent un nouveau regard sur des pièces bien connues, et des morceaux moins connues, recherchées avec soin, font la joie du public. Sous le titre “L’Europa Galante”, le duo a donné le 16 décembre 2014 un récital à Bruxelles, qui donnait un aperçu des différentes façons dont l’Europe fait sa cour. Dans un premier temps, Massimo Crispi avait une surprise pour mettre le public en “the mood for love”: il demandait aux spectateurs de se lever, de se tourner chacun vers son voisin, et de se faire la bise. Et devant un public ému et surpris, il commençait à chanter.  De  Schumann et sa  “Widmung” (dédicace), “An Chloë” de Mozart et la  “Taubenpost” (le pigeon voyageur) de Schubert, jusqu’à Britten, en passant par  Massenet et Gounod: à travers son Europe,  Massimo Crispi montrait son talent étonnant d’adopter totalement la langue dans laquelle il chante, avec une diction parfaite, meilleure que celle de bien de chanteurs dans leur langue maternelle, que ce soit en anglais, français ou allemand.  Il maitrisait totalement les textes qu’il chantait et donnait vie à chaque mot, chaque nuance. On aurait pu s’attendre de voir s’écrouler l’amant de Chloë, tant il était “ermattet” et la personne à qui est adressé “Ce que je suis sans toi” de Gounod aurait du se retourner et retrouver l’amant sur-le-champ.  Entre les pièces vocales, il y avait des morceaux pour piano solo, tel que le “Liebestraum” de Liszt ou la Barcarolle de Offenbach qui terminait la première partie.  Marco Rapetti les jouait avec une subtile intensité et chaleur sensible, on aurait voulu l’entendre sur un instrument convenable. La seconde partie était dédiée à l’Italie, et ici Massimo Crispi pouvait se donner totalement. Sa glorieuse voix chaude, avec ses nombreuses inflexions de soleil et vent de la mer, s’élevait comme une douce brise sur la lagune de Venise dans la sérénade de Reynaldo Hahn, “Sopra l’acqua indormenzata”.  Crispi infusait de vie et passion la jalousie d’une femme dans “Lu tradimiento” de Donizetti, ainsi que la romance de Puccini « Sole e amore » ou encore la « Mattinata » de Leoncavallo et bien d’autres.   Il est aussi un acteur et charmeur accompli. Le public lui était totalement acquis, et le laissait partir seulement après deux bis: un dernier tour de l’Europe avec « Dein ist mein ganzes Herz » en trois langues, et un dernier Tosti – « Ideale ».
Un très beau récital, dont l’on sort avec une seule envie: revoir ce duo rapidement, de préférence dans des circonstances et un lieu plus convenable. 

sábado, 20 de diciembre de 2014

Ariadne auf Naxos en el Teatro Solís de Montevideo

Foto: Teatro Solís de Montevideo 

Luis G. Baietti

El público en general ha sido menos receptivo de las Operas de Strauss que de los otros compositores alemanes (ni hablar de Wagner) y es una pena porque en el período central de su carrera compuso una sucesión de obras maestras que es una pena que, al menos fuera de Alemania y Austria) no disfruten del favor y el entusiasmo que merecerían. Entre l905 y 1918 Strauss compuso varios títulos trascendentales que figuran entre los más ricos textos de la historia del Teatro Lirico: SALOME, ELEKTRA, DER ROSENKAVALIER, ARIADNA AUF NAXOS Y LA MUJER SIN SOMBRA -Luego sus títulos se harán más y más intelectualizados dejando en el camino al público y entrando ya en la etapa que aún padece el arte lírico de divorcio entre el público y las obras de los compositores modernos, con muy pocas excepciones. El TEATRO SOLIS presentó esta ópera rodeándola de importantes garantías de calidad, , en un año donde los dos títulos ofrecidos llenaron baches en la programación habitual incluyendo operas que habían sido poco vistas por el público local ( Ariadna creo que es estreno absoluto para el país) El público, lamentablemente, faltó a la cita. Y en la noche del estreno era incómodo ver tantos claros en la platea, especialmente teniendo en cuenta la gran cantidad de personajes invitados que ocupaban las butacas que no estaban vacías. Es un claro llamado de atención para los que creen que los Teatros Estatales cuando montan Operas debieran dejar de lado el repertorio tradicional y concentrarse en autores contemporáneos, o a lo sumo acceder renuentemente a dar 1 o 2 títulos convencionales haciéndolos tolerables mediante puestas iconoclastas de los mismos. Según los defensores de esta tesis es la manera de atraer público nuevo al Teatro, pero hasta donde se ve lo que se está consiguiendo es espantar al público que se tenía. Y , claro, esto es aún peor en una ciudad como Montevideo que estuvo sometida durante años a una dieta digna de una modelo bulímica en cuanto a que se presentaba y que se veía. Pienso que en buena medida fallo ante todo la divulgación. No se consiguió llegar al público con el mensaje de que ARIADNA no es una ópera “ rarofila “ sino un bellísimo texto de un gran músico, con una invención melódica sin par y con un libreto muy atrayente a medio camino entre la tragedia y la auto sátira. La versión montada en el Solis con una muy buena dirección musical, contó con un elenco que osciló entre lo muy bueno y lo excelente. Hubo ovaciones merecidísimas para EIKO SENDA que fue una Ariadna deslumbrante vocalmente ,ofreciendo oleada tras oleada de sonidos de singular belleza e intensidad con un volumen vocal que nunca deja de impresionar. Eiko además está cada día mas “ oriental “ pero en el sentido uruguayo de la palabra. Se la ve más extrovertida, más latina en escena y eso eleva la temperatura dramática de sus interpretaciones. ADRIANA MASTRANGELO deslumbró también con un bellísimo timbre una extensión formidable (ES UN PAPEL QUE HA TENTADO A ALGUNAS SOPRANOS) y un impactante volumen de voz, amen de una gran actuación teatral. Magnífico desde todo punto de vista el Maestro de Música de HOMERO PEREZ MIRANDA que hizo creer a todos que nunca había cantado otro tipo de repertorio que este. Gran solvencia vocal de ERIC HERRERO como Baccus, un papel que suele ser la piedra del escándalo de los repartos por su difícil tesitura que pide un tenor dramático pero lo hace cantar toda la noche en el agudo. Impecable MERCEDES ARCURI , casi perfecta en su difícil aria del segundo acto, difícil por la extensión , la coloratura y la duración de la misma, uno de los escollos más complicados para una soprano coloratura ( EDITA GRUBEROVA Y NATALIE DESSAY prácticamente hacían demoler la Opera de Viena con las ovaciones que suscitaban después de cantar este fragmento ) Impecables las tres damas de GABRIELLA PACE, KAYCOBE GOMEZ y MARIELLA NOCETTI, especialmente las dos primeras que ejecutaron con precisión y belleza sus partes muy comprometidas en la zona aguda. Y estupendos FEDERICO SANGUINETTI,LUCAS DEBEVEC MEYER, BLAGOJ NACOSKI y ANDRES BARBERY como el equipo de comediantes.. Desopilante la creación de MARCELO OTEGUI, una verdadera gema teatral que divirtió y se divirtió en el papel del coiffruer y una alegría ver a FEDERICO MANCINI que recientemente triunfó como Rosillon en La Viuda de la ENAL haciendo sus primeras armas con el elenco mayor. Muy buena la participación actoral de JUAN ANTONIO SARAVI. Tengo sentimientos encontrados acerca de la conveniencia de haber hecho que dijera sus parlamentos en español y no en el alemán original. Por un lado permite que el público entre en contacto de una manera más inmediata con el texto. Por otro lado suena extraño un diálogo entre dos personas una de las cuales canta en alemán y la otra le responde hablando en español . La regie estuvo estupenda en el primer acto, salvo algún pequeño detalle ( por ejemplo : era necesario traer una escalera portátil para que Mastrangelo se subiera a ella y después bajara justo en uno de los momentos más difíciles de la partitura ¿?) Y en cambio no me gustó lo que hizo en el segundo. Al alterar la naturaleza de los personajes que acompañan a Zerbinetta que dejan de ser actores casi payasescos para ser señores enfundados en atildados trajes que cantan y bailan como si estuvieran en una comedia musical de Broadway, para mi acentuó el defecto principal de este acto que es su estatismo, que los cómicos usualmente interrumpen. PERO SOLO EL PLACER DE OIR DOS VOCES COMO LAS DE SENDA Y MASTRANGELO ya justificó la entrada. SI PUEDEN NO SE LA PIERDAN. 

Tosca en el Teatro Argentino de la Plata, Argentina


Foto: Teatro Argentino de la Plata

Luis G. Baietti

Había un cierto nerviosismo en cuanto a conocer este el primer trabajo de la nueva Directora Artística del Teatro como regisseur de Opera. Un nerviosismo que en el caso de la crítica especializada aún en el periodo de duelo por la partida de la Dirección Anterior, con cuyas preferencias estéticas fuertemente enraizadas en el modernismo tenían una mayor consonancia llegaba al escepticismo El nombramiento de la Directora, que no es del medio, habiendo hecho carrera como directora _teatral en Comedia Musical, provocó la ira de los profesionales de la critica musical, algunos de los cuales estaban dispuestos a considerar la puesta un desastre aún antes de haberla visto, lo cual se aproxima a la vieja anécdota del crítico teatral PAULO FRANCIS de Brasil que, enemistado con una actriz, comentó sobre su última obra de Teatro: NO LA VI Y NO ME GUSTO. En gran medida la Sra. Valeria Ambrosio eligió hacer ella misma, gratuitamente, la puesta de esta Tosca con el objetivo de mostrar que era capaz de dirigir una obra lírica como esta. Consiguió su objetivo ¿? En parte sí, en parte no. Por un lado fue magnífico el recurso a las proyecciones en pantallas que reconstruyeron la Iglesia el Palacio y luego el Patio del Catillo colocándonos como nunca en el ambiente. Por otra parte en algunas escenas se hizo un uso subjetivo de las proyecciones: cuando Tosca desconfía que fue traicionada por Mario, la escenografía se distorsiona y produce la imagen de un mundo visto por un esquizofrénico., cuando Scarpia entra en escena, la escenografía se torna blanco y negro dándole a la Iglesia un clima de prisión. En este proceso hubo algunas exageraciones como mostrar los ojos de las dos damas para ver si los ojos negros son mas o menos lindos que los azules, mientras el tenor canta su célebre RECONDITA ARMONIA, o mostrar escenas de tortura en el final. Pero en general la regie dentro de la escenografía se manejó con criterios tradicionales y lógicos y con absoluto respeto a la letra de la obra, lo cual es ya de por sí un milagro en los tiempos que corren. No hubo personajes que llegaran en bicicleta, rostros cubiertos por máscaras de gas, ciervos eviscerados en escena, terroristas árabes atacando, el Palazzo Fornece no estaba inundado, etc.etc. Hubo si algunos momentos en que se puso de manifiesto el espíritu de un director iniciante que quiere hacer demasiado, y que sólo el tiempo y la frecuentación con el género aplacarán : no me gusto la idea de los dos monaguillos cómicos, ni el dislate de todo lo que ocurre encima de la enorme mesa que preside el segundo acto, ni (y esto se ha vuelto un lugar común entre los directores) que Tosca cante el O MARIO NON TI MUOVERE cuando entre ella y Cavaradossi aun están los soldados que aún queriendo no podrían evitar oírla. Me gustó mucho en cambio toda la relación entre Scarpia y Spoletta (magistralmente actuado por Burghi, en que este tiene terror de comentarle un fracaso, y siembra en Scarpia la idea de valerse de Mario porque él sabe donde está Angelotti, recuperando el aire y hasta sintiéndose feliz cuando ve que ha reganado el favor del amo. Yo vi dos funciones, una con cada elenco, el Jueves y Viernes pasado (y debo agradecer la gentileza de la SRA.VIVIANA VIVES BOVARI QUE SE TOMÓ LA MOLESTIA DE GESTIONAR PARA MI LOS COCHES REMISE QUE AMBOS DÍAS ME TRAJERON DE VUELTA A BA cuando el Teatro suspendió el servicio de trasportes que brindaba en todas las funciones y que ahora sólo ofrecerá los Sábados y Domingos)- En la primera de las dos funciones se reiteraron los problemas técnicos con el computador que regía las proyecciones y hubo varias escenas en que el decorado despareció y fue sustituido por un mensaje de alerta.. El Viernes en cambio no hubo problemas de ninguna especie y todo transcurrió a la perfección. Decisiva participación del Coro en la escena del Te Deán excelentemente cantada y una gran labor de dirección de CARLOS VIEU que se ratifica como el mejor conductor de Opera de la región, un hombre que sabe imprimir fuerza a su orquesta, pero que sabe que no debe ahogar a los cantantes. Como él mismo definió en un reciente reportaje que le hice en el Sheraton de Montevideo y que está publicado en la sección correspondiente de la Revista, la orquesta es la que da el clima.. Claro que en eso también colaboró la regie que a la inversa de lo que hoy día es moneda corriente, comprendió cabalmente que los cantantes deben estar lo más cerca posible de la boca del escenario para que sus voces se proyecten mejor y no atrás del todo como si se quisiera ocultarlas. Punto para Ambrosio en este ítem. En el plano vocal TOSCA es el personaje con que sueña toda soprano lirco-spinto o aún lírica que se precie. Un papel donde hay que exhibir elegancia, autoridad (se trata de una diva) seducción, temperamento y una voz que pueda enfrentar las dificultades en las zonas graves y audaz exigidas. Estuvo mas cerca de cumplir con todo esto AMPARO NAVARRO soprano española que ya cantó I LOMBARDI e I DUE FOSCARI en el Colón y a quien yo vi en el TEATRO DE LA ZARZUELA cantando LA LEYENDA DEL BESO. Amparo es una gran música, muy buena actriz y tiene una voz que es muy agradable al oído salvo en el extremo agudo donde se torna estridente. De allí que sus peores momentos fueran en el enfrentamiento del segundo acto con Scarpia donde decididamente sonó muy tirante y en algún fugaz momento hasta a-musical. PATRICIA GUTIERREZ que andaba misteriosamente desaparecida de los Teatros Liricos tiene un buen registro grave y es mas claramente una soprano lirico-spinto si bien su voz suena hoy menos lozana que unos años atrás cuando su presencia era constante en el palco del Colón cuando había papeles que exigían un registro como el suyo. Y además las notas agudas son bastante estridentes hoy en día. Como actriz estuvo convincente si bien en un estilo más directo menos elegante que el personaje. JOSE AZOCAR sorprendió por la vitalidad de su voz, su espléndido registro agudo, el volumen, buenas condiciones de actor y estaba magníficamente vestido para parecer apenas un poco exigido de peso lo cual en el es un claro understatement , que en este caso podríamos traducir como eufemismo. Con los años su voz ha venido ganando un incómodo vibratto que se manifiesta algunos días más que otros. El Viernes casi no estuvo presente. JUAN CARLOS VASALLO ha progresado mucho desde la última vez que lo vi, o Puccini lo favorece porque cantó con una afinación inobjetable, muy lejos de su cuestionable participación en EL TROVADOR del Coliseo. Tiene un registro agudo de causar asombro (estudio con Corelli y se ve que no desperdició las lecciones) y llega con facilidad abajo. No hace mucho esfuerzo por usar la mezza voce. Y es un actor rudimentario. En otras palabras un verdadero diamante en bruto que si tuviera la fortuna de tener contratos en Italia pronto sería un interprete con pocos rivales en su cuerda, apeas adquiriera el refinamiento vocal y escénico que le faltan. LUIS GAETA asombró con una impecable versión de Scarpia. No son tantos los barítonos que llegan a la etapa de la carera en la que Gaeta se sitúa, cantándola con este grado de seguridad. Gaeta no posee una voz de gran volumen ni un temperamento adecuado para Scarpia, pero cantó el papel impecablemente y lo actuó con convicción- HERNAN ITURRALDE estuvo más cómodo en el papel por poseer al menos en esta etapa de la carrera una voz de mayor volumen y un temperamento mas adecuado. Con todo pareció también por momentos demasiado blando en la caracterización. FERNANDO SANTIAGO y SEBASTIAN SORRARAIN fueron dos impecables sacristanes. Convincentes los Angelotti de VICTOR CASTELLS y ORESTE CHLOPECKI (mas dura la voz del segundo, más flexible la del primero) Impecables los pastores de SONIA STELMAN y ANA LAURA MENENDEZ. Adecuadamente amenazadores los Cigarrones de FERNANDO ALVAR NUÑEZ y FELIPE CARELLI. Una curiosidad de la puesta se dio el Jueves ante la negativa de la soprano de arrojarse desde lo alto como manda la partitura, y en lugar de disimularlo como una vez hizo el Met con la Tosca de Caballe que obviamente no se tiraba, optaron por hacerla subir al cielo como si fuera un nuevo ángel, un final particularmente desaconsejable dada la figura de la cantante. En las dos funciones hubo un público entusiasta, que aplaudió con energía a todos los cantantes pero siendo mas efusivo con los dos tenores Quizás después de haber tocado fondo en cuanto a la afluencia de espectadores, el Teatro haya comenzado un largo proceso de resurgimiento

Anna Netrebko en el Palau de la Música Catalana en Barcelona

Foto: Antoni Bofill

Hèctor Mariñosa - La Vanguardia

Barcelona, 17 dic (EFE).- La soprano rusa Anna Netrebko, una de las cantantes líricas más reconocidas internacionalmente, ha emocionado y enamorado al público en su debut en el Palau de la Música de la capital catalana, donde hoy ha ofrecido un recital de arias de Giuseppe Verdi y de compositores veristas. Con las entradas agotadas desde hace meses, tras haber pospuesto el recital previsto para el pasado 21 de mayo a consecuencia de una enfermedad, Netrebko ha cumplido finalmente su compromiso con el público catalán con un programa dedicado en su primera parte a Verdi y una segunda que ha incluido piezas de Puccini, Giordano y Cilea. El amor en sus distintos estados de ánimo ha vertebrado el programa del concierto, vivido desde la esperanza ("Il trovatore"), el egoísmo ("Macbeth"), el hedonismo ("Manon Lescaut"), la pasión y los celos ("Otello") o el sacrificio ("Andrea Chénier"). La soprano ha escogido un programa con una galería de personajes femeninos en los que, junto a la calidad del canto, es importante subrayar el perfil psicológico de las heroínas, que traslucen fuertes dosis de inocencia, astucia, sensualidad o pasión. Dotada de una amplia tesitura y color de voz, poderosa y aterciopelada a la vez, la prima donna rusa ha desplegado sus amplios recursos vocales para dar vida a los distintos personajes que ha adoptado durante la velada y emocionar a un público más que entregado, que la ha obsequiado con constantes gritos de "Bravo" y "Brava". De este modo, en la primera parte del concierto Netrebko ha adoptado el papel de la Leonora de "Il trovatore" en "Tacea la notte placida...", de Lady Macbeth en "La luce langue" y de la Desdémona de "Otello" en "Già nella notte densa". Pero ha sido en la segunda parte del recital donde la soprano ha entusiasmado incluso más al público, especialmente con las arias "In quelle trine morbide", de "Manon Lescaut" (Puccini) y "La mamma morta", de la obra de Umberto Giordano "Andrea Chénier". Anna Netrebko ha actuado acompañada por la Orquesta Sinfónica del Vallès, bajo la dirección de Massimo Zanetti, y en dos de las arias por el tenor Yusif Eyvazov, asiduo acompañante operístico de la soprano rusa en los últimos tiempos y actual pareja de la diva tras su separación del barítono uruguayo Erwin Schrott. Ha sido precisamente con Yusif Eyvazok donde Netrebko ha dejado entrever sus reconocidas dotes interpretativas y dominio de la escena, dificultadas en el Palau por el reducido espacio en el que debía moverse la cantante. El idilio con el público catalán, y también con los muchos aficionados internacionales al bel canto que no han querido perderse su actuación en el Palau de la Música, se ha constatado con una interminables ovación final y el regalo de tres bises, uno de Yusif Eyvazon (Nessum dorma) y dos arias de Netrebko pertenecientes a las óperas "Rusalka" y "Adriana Lecouveur". Comentarios como "esto sí es un chorro de voz", "nunca había oído una voz así", "tiene una voz prodigiosa" o "es una de las grandes" atestiguan que el público se ha rendido a una Anna Netrebko que ha demostrado haber llegado a la madurez en plena forma. Dados sus numerosos compromisos en los teatros y festivales de ópera de todo el mundo, Anna Netrebko se prodiga poco en España y, así, no debutó en Barcelona hasta el pasado año, cuando protagonizó una memorable interpretación de la "Iolanta" de Chaikovski que hizo que el público del Liceu también se rindiera a sus pies.

http://www.lavanguardia.com/cultura/20141218/54421940058/anna-netrebko-enamora-al-publico-barcelones-en-su-debut-en-palau-de-la-musica.html