Marie, regina di Scozia (Mary, Queen of Scots) opera di Thea Musgrave all'Opera di San Francisco

Foto: Matthew Washburn/San Francisco Opera

Ramón Jacques

Con due settimane di ritardo, dopo la cancellazione di quattro recite e di un concerto a causa dello sciopero indetto per una vertenza salariale tra il teatro e l’orchestra, è iniziata la stagione della San Francisco Opera. Fortunatamente, le due parti hanno raggiunto un accordo soddisfacente e la programmazione procede ora regolarmente. Non è secondario soffermarsi sulle difficoltà economiche che attraversa il mondo dell’opera lirica in Nord America, dove teatri come quello di San Francisco — secondo negli Stati Uniti, per importanza, livello artistico e budget, dopo il Metropolitan Opera di New York — hanno progressivamente ridotto il numero dei titoli proposti in ogni stagione: quattro nel periodo settembre-novembre e due nella stagione estiva, oltre ad alcuni concerti. È tuttavia importante sottolineare quanto sia fondamentale mantenere buoni rapporti con le compagnie stabili, che rappresentano, in definitiva, le principali risorse e i punti di forza di un teatro. Per questo motivo, la seconda recita di Mary, Queen of Scots alla quale ho assistito è stata, di fatto, la prima rappresentazione del titolo nella stagione in corso. L’opera della compositrice scozzese Thea Musgrave (1928) fu commissionata dalla Scottish Opera e debuttò al Festival di Edimburgo il 6 settembre 1977. Era già stata rappresentata a San Francisco, sebbene non al War Memorial Opera House, sede della compagnia, bensì al Curran Theatre, il 12 aprile 1979, in una produzione della Spring Opera Theater, compagnia legata alla San Francisco Opera. Quella recita fu diretta dalla stessa Thea Musgrave, che divenne così la prima direttrice musicale ospite della compagnia e la prima donna a vedere una propria composizione rappresentata in prima esecuzione nella sua storia. Mary, Queen of Scots è la quinta delle undici opere composte finora dalla musicista, oggi novantottenne. La vicenda esplora la lotta per la sopravvivenza politica di una delle regine più emblematiche della storia, minacciata dalle ambizioni di tre uomini della sua cerchia, determinati a usurparne il potere. Il drammaturgo Friedrich Schiller, il compositore belcantista Gaetano Donizetti, così come diversi romanzieri e cineasti del Novecento, hanno costruito le proprie narrazioni intorno all’esecuzione di Maria Stuarda, ordinata dalla cugina Elisabetta I. Musgrave ha invece scelto di concentrarsi sul controverso regno della giovane Maria in Scozia e sulla sua costante lotta per conservare il trono, mentre tre uomini — il fratellastro James, conte di Moray, l'enigmatico conte di Bothwell e Lord Darnley, suo futuro marito, affascinante ma debole — cercano di manipolarla per impadronirsi del potere. Nel libretto, la compositrice alterna scene di tumulti popolari e intrighi di corte a momenti di tranquilla quotidianità legati alla maternità di Maria, che canta una ninna nanna al figlioletto (Sleep, little child), destinato a diventare Giacomo I, re di Scozia e d’Inghilterra. Progressivamente emerge la brama di potere di ciascuno dei tre uomini, insieme alla spregiudicatezza con cui ognuno cerca di ottenerlo. La protagonista riesce tuttavia a prevenire i loro tradimenti, affrontando persino la violenza e uno stupro, rappresentato in scena con crudezza. Alla fine dell’opera, rimasta senza sostenitori e priva di alternative, Maria fugge dalla Scozia in Inghilterra, abdica al trono e lasciando il figlio Giacomo I. Decenni più tardi, sarà giustiziata per ordine di Elisabetta I. Sul piano scenico, l’opera è stata presentata con l’allestimento proveniente dalla English National Opera di Londra, ideato nel 2025 per il debutto londinese del titolo e firmato, per ideazione e regia, da Stewart Laining. Il regista ha trasposto gli intrighi nel presente, inserendoli in un contesto di vita scozzese contemporanea segnato da conflitti identitari. Le luci di D.M. Wood e Mimi Jordan Sherin hanno creato un gioco di chiaroscuri, conferendo alla scena un’atmosfera cupa. La lettura di Laining, da lui stesso definita una sorta di versione semiscenica, improntata al minimalismo e all’austerità, non è però riuscita a stabilire un legame convincente e realistico con la vicenda. L’allestimento si basava su una grande struttura sovrastata da una copertura in tela, simile a un tendone, che occupava l’intera larghezza di un palcoscenico altrimenti spoglio. Una recinzione metallica correva lungo il proscenio, separando l’azione che si svolgeva sotto la copertura — caratterizzata da episodi concitati di violenza, insurrezioni e sommosse — da uno spazio più vicino alla buca orchestrale, nel quale Maria compariva in alcune scene, quasi immersa in una dimensione di intimità e riflessione. Sullo sfondo si muoveva una moltitudine di personaggi, tra coristi, comprimari e attori, armati anche di mitragliatrici. Una tale concentrazione di presenze in scena rendeva difficile distinguere il coro dai personaggi che avrebbero dovuto rappresentare il popolo scozzese, l’esercito o i gruppi nobiliari. Neppure i costumi contribuivano a chiarire la situazione: cappotti, giacche, maglioni e berretti invernali contemporanei facevano pensare piuttosto a un gruppo di esploratori o di sciatori. Anche gli abiti di Maria non suggerivano adeguatamente la sua appartenenza alla famiglia reale. Nel complesso, l’allestimento è apparso lontano dalla qualità che abitualmente contraddistingue le produzioni ospitate su questo palcoscenico. Sul piano musicale, invece, la partitura di Musgrave ha convinto per intensità, incisività, energia e vitalità. Nonostante la complessità della scrittura, la musica ha saputo sostenere e imprimere slancio agli avvenimenti tumultuosi della vicenda, conferendo loro urgenza drammatica e un lirismo progressivamente crescente. Le sonorità moderne si sono rivelate ricche di energia e capaci di comunicare con efficacia la tensione del dramma. Al suo debutto locale, la direttrice italiana Clelia Cafiero ha offerto una lettura convincente, governando con sicurezza le impegnative richieste ritmiche della partitura e mettendone in risalto i colori e il brio. La sua direzione ha restituito luminosità alla trama orchestrale, consentendo ai singoli strumenti di emergere con chiarezza senza perdere la coesione dell’insieme. Il soprano statunitense Heidi Stober è stato indubbiamente il fulcro della produzione. La sua voce ha acquisito corpo e quella solidità necessaria per affrontare un ruolo particolarmente impegnativo, già sostenuto nelle recite londinesi. Gli acuti penetranti si sono accompagnati a spiccate capacità drammatiche e attoriali. Uno dei momenti più riusciti è stata l’interpretazione dell’aria Alone, alone, I stand alone, resa con notevole vulnerabilità emotiva. Anche il resto dell’ampio cast ha fornito una buona prova, contribuendo al risultato vocale e musicale complessivamente positivo della serata. Il baritono inglese Thomas Mole, nei panni di James, fratellastro di Maria, ha delineato un personaggio minaccioso e subdolo, distinguendosi per chiarezza nella dizione inglese, fraseggio elegante e buona articolazione della parola. Il conte di Bothwell ha trovato nel tenore gallese Thomas Kinch un interprete vigoroso e incisivo, capace di conferire al personaggio adeguato rilievo. Il giovane heldentenor Christopher Sokolowski ha caratterizzato efficacemente sul piano scenico Lord Henry Darnley, figura debole, fragile e alcolizzata, in linea con le indicazioni del ruolo. La sua voce ampia e robusta si è distinta anche per la gradevolezza del timbro. Meritano una menzione anche il leggendario basso-baritono Philip Skinner, legato alla San Francisco Opera da una lunga carriera iniziata nel 1986, che ha conferito a Lord Gordon nobiltà, misura e sicurezza vocale; il basso inglese David Soar, interprete del cardinale Beaton; il mezzosoprano Sadie Cheslak nel ruolo di Mary Seton; il soprano Sofia Gotch in quello di Mary Beaton; Mary Hoskins, soprano, come Mary Livingston; e Alexa Frankian, anch’essa soprano, come Mary Fleming. Queste ultime quattro interpreti fanno parte del programma Adler Fellowship, dedicato alla formazione e alla valorizzazione dei giovani cantanti di particolare talento della compagnia. Il coro ha avuto un ruolo di rilievo nel corso dell’opera, confermandosi un complesso omogeneo e solido sotto la guida del direttore titolare John Keene. Numerosi applausi sono stati tributati ai solisti, mentre il pubblico presente ha manifestato la propria solidarietà ai componenti dell’orchestra, coinvolti nella vertenza che aveva ritardato l’avvio della stagione. Va infine ricordato che Mary, Queen of Scots non veniva rappresentata in un teatro statunitense dal 1981, quando era stata proposta dalla New York City Opera. Le recite di San Francisco costituiscono dunque un omaggio alla compositrice, assente per ragioni legate all’età avanzata, in vista delle celebrazioni per il suo centenario, che prevedono diversi concerti e riprese delle sue opere.