lunes, 15 de septiembre de 2014

Dido y Eneas de Purcell en el Festival MITO Settembre 2014 en Milán Italia

Foto: MiTo Settembre 2014 -Gianluca Platania

Renzo Bellardone

Expresividad, profundidad y pureza en el lenguaje musical son las connotaciones más evidentes de un concierto de alto nivel que se desarrollo con claras reminiscencias, más delicados sentimientos y la más turbia inquietud.  El concierto se llevo a cabo en la Basilica di Sante Maria Delle Grazie en Milán, como parte del Festival MITO Settembre 2014.  La conducción de Federico Ferri se distinguió por búsqueda de lo particular así como de la exaltación de una escritura rica de profundidad estilística.   Acostumbrado a afianzarse con difíciles partituras, no de repertorio, en este caso evidenció fuertemente sus características y calidad. L’Accademia degli Astrusi se ha cimentado por años con partituras reencontradas, poco o nunca ejecutadas mejor dicho, o con refinadas partituras como en este caso donde uno de los más limpios niveles de pureza fue alcanzado.  Anna Caterina Antonacci no requiere ser presentada como tampoco su colorido timbre que se tiñe también de cálidos colores ámbar.  Después de su magnífica Cassandra en Les Troyens, en la Scala,  aquí ofreció una esplendida Didone.  Yetzabel Arias Fernández con facilidad en los agudos y en los pasajes de registro alzó vigorosamente y con limpidez su voz hasta llegar a puntos sutilmente refinados.  Laura Polverelli, apreciada intérprete del repertorio, resultó una vez más convincente,  tanto por la marcada interpretación como la claridad en el fraseo y por la excelsa entonación.  Con actitud y con resolución afrontó también las partes más arduas requeridas por la voz y por el pathos. La miscelánea de colores y la perfecta simbiosis de coro, dirigido por Marco Berrini, resultó ser una prestigiosa y armoniosa integración.  ¡La Música siempre vence!

Dido and Eneas, Purcell - MiTo Settembre Musica 2014 Festival, Milano

Foto: MITO Settembre -  Gianluca Platania

Renzo Bellardone

MITO Settembre Musica 2014 Festival Internazionale della Musica. MILANO Basilica di santa Maria Delle Grazie, 8 settembre. Accademi degli Astrusi e Ars Antica ChoirFederico Ferri – direttore,  Marco Berrini – Maestro del coro Anna Caterina Antonacci, Yetzabel Arias Fernandez, Laura Polverelli.

Espressività, profondità e purezza di linguaggio musicale sono le più evidenti connotazioni di un concerto di alto livello che si racconta con chiari rimandi, i più delicati sentimenti, ed i più torbidi turbamenti. La direzione di Federico Ferri si è contraddistinta per la ricercatezza del particolare e l’esaltazione della scrittura ricca di profondità stilistiche. Avvezzo a cimentarsi con non facili partiture, non di repertorio,  in questo caso ha fortemente evidenziato le sue caratteristiche e qualità. L’Accademia degli Astrusi si cimenta da anni con spartiti ritrovati, mai o poco eseguiti piuttosto che con partiture raffinate come in questo caso, dove uno dei più limpidi livelli di purezza è stato raggiunto.  Anna Caterina Antonacci non ha bisogno di presentazioni e neppure il suo timbro variegato che si tinge anche di caldi colori ambrati. Dopo una magnifica Cassandra ne Les Troyens, ha qui offerto una superba Didone. Yetzabel Arias Fernandez,  facile negli acuti e nei passaggi di registro ha vigorosamente e con limpidezza  innalzato la voce fino a punte sottilmente raffinate.. Laura Polverelli, apprezzata  interprete nel repertorio, è risultata ancora  convincente sia per la marcata interpretazione che per la chiarezza  del fraseggio e per l’intonazione eccelsa. Con piglio e risolutezza ha affrontato anche i temi più ostici che han richiesto voce e phatos.  La miscellanea dei colori  e la perfetta simbiosi del coro, diretto da Marco Berrini, è risultata integrazione prestigiosa ed armoniosa. La Musica vince sempre.

viernes, 12 de septiembre de 2014

Aureliano in Palmira en Pesaro Italia, ROF 2014

Foto: ROF 2014

Massimo Viazzo

Este año el Rossini Opera Festival programó por primera vez Aureliano in Palmira, ópera que fue estrenada en la Scala  en 1813 y que cuenta con partes utilizadas posteriormente por Gioacchino Rossini en su siguiente obra: el Barbero de Sevilla, comenzando con su reconocida Sinfonía.   El ROF mostró a los apasionados que Aureliano en Palmira es una ópera que se debe conocer por su innegable belleza, en muchas de sus páginas. En esta edición, el festival de Pesaro ha trabajado con la edición crítica de la partitura, cuya elaboración le fue confiada a Will Crutchfield, quien también se le hizo cargo de la baqueta.  Crutchfield concertó la opera con rigor, gran escrúpulo y atención a cada detalle, aunque faltó un poco de teatralidad, en términos generales, a un espectáculo que fue poco cautivante en lo visual. La dirección escénica de Mario Martone pareció apenas esbozada al interno de una instalación escénica creada por Sergio Tramonti, que fue en realidad un poco anónima (una especie de laberinto con paredes divisorias que subían y bajaban).  El elenco vocal estuvo a la altura de la situación.  Michael Spyres (Aureliano) dotado de una sana voz de barí-tenor, cantó con gesto y seguridad. Estuvo notable en la dicción y en el canto declamado, y fueron electrizantes sus frases musicales más osadas. Jessica Pratt tuvo también un gran éxito personal. Su Zanobia fue la perfecta combinación de elegancia, nobleza y determinación. ¡Con que agudos!  Un escalón abajo estuvo la Arsace de Lena Belkina, aun así, la mezzosoprano ucraniana puso en evidencia empeño y dedicación a un papel difícil, que perteneció al mítico castrado Veluti, que sin embargo careció de audacia  en las partes más heroicas, así como una expresividad más genuina en las partes amorosas. La determinada y bien timbrada Publia de Raffaella Lupinacci surgió al final del resto del elenco que no fue más allá de ser simplemente correcto. Dempsey Rivera (Oraspe), Sergio Vitale (Licinio), Dimitri Pkhaladze (Gran Sacerdote) y Raffaele Costantini (Pastor).  La Orchestra Sinfonia G. Rossini no estuvo muy en forma y el Coro del Teatro Comunale de Boloña que tuvo algunos desfases de más.  

Aureliano in Palmira - ROF 2014

Foto: ROF 2014

Massimo Viazzo

Quest’anno il Rossini Opera Festival programmava per la prima volta l’Aureliano in Palmira, opera rappresentata alla Scala nel 1813 nota soprattutto per le parti riutilizzate da Gioacchino Rossini nel successivo Barbiere di Siviglia, a cominciare dalla celeberrima Sinfonia. Il Rof ha mostrato agli appassionati che Aureliano in Palmira è un’opera da conoscere per la indubbia bellezza di molte sue pagine. Anche questa volta il festival pesarese ha lavorato sull’edizione critica della partitura affidandone l’elaborazione a Will Crutchfield al quale è stata consegnata anche la bacchetta. Crutchfield ha concertato l’opera con rigore, grande scrupolo e attenzione ai dettagli. E’ mancata però un po’ di teatralità nella tenuta complessiva di uno spettacolo visivamente poco accattivante. La regia di Mario Martone è parsa solo abbozzata all’interno di un impianto scenico curato da Sergio Tramonti invero un po’ anonimo (una specie di labirinto costituito da pareti divisorie che salivano e scendevano). Il cast vocale è stato all’altezza. Michael Spyres (Aureliano), dotato di una sana voce di baritenore, ha cantato con piglio e sicurezza. Ragguardevole la dizione nel canto declamato ed elettrizzanti le sue frasi musicali più spericolate. Anche Jessica Pratt ha ottenuto un grande successo personale. La sua Zenobia era una perfetta combinazione di eleganza, nobiltà e determinazione. E che acuti! Un gradino sotto l’Arsace di Lena Belkina. Il mezzosoprano ucraino ha messo in evidenza comunque impegno e dedizione nel difficile ruolo che era stato del mitico castrato Velluti per una interpretazione a cui però è mancata sfrontatezza nelle parti più eroiche e una espressività più genuina in quelle amorose. La volitiva e ben timbrata Publia di Raffaella Lupinacci emergeva infine dal resto di un cast che non andava oltre la semplice correttezza: Dempsey Rivera (Oraspe), Sergio Vitale (Licinio), Dimitri Pkhaladze (Gran Sacerdote) e Raffaele Costantini (Pastore). Orchestra Sinfonia G. Rossini non in formissima e Coro del Teatro Comunale di Bologna con qualche sbandamento di troppo.

Armida de Rossini en Pesaro Italia, ROF 2014

Foto: ROF 2014

Massimo Viazzo

Armida estuvo ausente del ROF más de veinte años.  Se trataba de la histórica edición con Renée Fleming y Gregory Kunde dirigida por Daniele Gatti.  Desafortunadamente la nueva producción firmada por Luca Ronconi, además de ser interesante desde el punto de vista escénico estuvo caracterizada por una cierta elegancia general  (muy bellos por ejemplo fueron las “pupi sicilianas” colgadas de las típicas paredes movibles de Ronconi, creadas por Margherita Palli, que se mezclaban con paladines de carne y hueso en el primer acto) no tuvo el apoyo de una protagonista adecuada.  Carmen Romeu encarnó a la maga del Tasso de modo creible desde el punto de vista escénico, pero en el aspecto vocal pareció inadecuada. En el transcurso de la funcion, la soprano española no pudo encontrar la homogeneidad en la emisión que le habría permitido obtener sonidos timbrados, una línea vocal más apropiada y una coloratura mayormente definida.  Su Armida pareció no estar encendida. A su lado, Antonino Siragusa, en el papel de Rinaldo, desfogó indudable facilidad y actitud en el registro agudo, de verdadero tenor contraltino.  Pero su timbre resultó un poco monótono y el fraseo con poca variedad.   Un poco forzado pareció también Dmitri Korchak en el doble papel de Gernando y Carlo, mientras que estuvo correcto, aunque quizás demasiado ligero Randall Bliss como Goffredo y Ubaldo. Al final, Carlo Lepore, dio un buen resultado a los personajes de Idraote y Astarotte, aunque parece que su acento se adapta más a los papeles bufos. Rica y extrovertida fue la coreografía de los bailables a cargo de la compañía Abbonzanda/ Bertoni. Carlo Rizzi dirigió a la Orquesta del Teatro Comunale de Bolonia con alguna pesadez y poco refinada en su conjunto, mientras que el coro boloñés se distinguió con precisión y de manera compacta.  

Armida - Rossini Opera Festival, 2014

Foto: ROF 2014

Massimo Viazzo

Armida mancava al Rof da più di vent’anni. Si trattava della storica edizione con Renée Fleming e Gregory Kunde, diretta da Daniele Gatti. Purtroppo il nuovo allestimento firmato da Luca Ronconi, peraltro interessante dal punto di vista scenico e caratterizzato da una certa eleganza complessiva (molto belli, ad esempio, i “pupi siciliani” appesi alle tipiche pareti mobili ronconiane, realizzati da Margherita Palli, che si mescolavano con i paladini in carne ed ossa nel primo atto), non era supportato da un’adeguata protagonista. Carmen Romeu ha incarnato la maga del Tasso in modo credibile dal punto di vista scenico, ma l’aspetto vocale è parso inadeguato. Nel corso della recita il soprano spagnolo non ha saputo trovare quella omogeneità di emissione che le avrebbe permesso di ottenere suoni timbrati, una linea vocale più appropriata e una coloratura maggiormente definita. La sua è stata un Armida quasi mai a fuoco. Al suo fianco Antonino Siragusa, nei panni di Rinaldo, ha sfoggiato indubbia facilità e piglio nel registro acuto, da vero tenore contraltino. Ma la timbrica è risultata un po’ monotona e il fraseggio poco variegato. Un po’ forzato, poi, è parso Dmitry Korchak nel doppio ruolo di Gernando e Carlo, mentre corretto vocalmente ma un po’ leggerino Randall Bills (Goffredo e Ubaldo). Carlo Lepore, infine, ha dato buon risalto ai due personaggi di Idraote e Astarotte, pur sembrando il suo accento più adatto a ruoli buffi. Ricche ed estroverse le coreografie dei ballabili a cura della compagnia Abbondanza/Bertoni. Carlo Rizzi ha diretto l’Orchestra del Teatro Comunale di Bologna con qualche pesantezza e poca rifinitura d’insieme, mentre il Coro bolognese si è distinto per precisione e compattezza.

El Barbero de Sevilla en el Rossini Opera Festival de Pesaro Italia 2014

Foto: ROF 2014

Massimo Viazzo

La producción semi-escenificada de El Barbero de Sevilla ha sido convincente desde cualquier punto de vista. La inclusión en el proyecto de los estudiantes de la Accademia di Belle Arti de Urbino en el diseño del espectáculo (creación, cuidado de los elementos escénicos, movimientos en escena, video y vestuarios) dio frescura a la representación que no solo se ha llevado a cabo sobre el escenario del magnífico Teatro Rossini, si no que también en más de una vez ocasión se realizaron acciones en la platea en directo contacto con el público.  Muy vivaz, y original, fue la dirección de orquesta de Giacomo Sagripanti quien guió con seguridad a la Orquesta del Teatro Comunal de Bolonia. Homogéneo y bien amalgamado estuvo el elenco vocal en cada uno de sus componentes, comenzando por el muy simpático Fígaro, gallardo y dinámico de Florian Sempley.  Muy musical estuvo Juan Francisco Gatell quien como el Conde Almaviva demostró suavidad en la emisión y solidez en la agilidad. Gatell se desempeñó muy bien tambien en “Cessa di più resistere” La Rosina de Chiara Amarù gustó por su atractivo timbre, la morbidez y una indudable fluidez en la coloratura; mientras que Paolo Bordogna, se distinguió por liberar el papel de Bartolo de obsoletos clichés de bajo bufo. Bordogna cantó todas las notas con nítida dicción y con perfecta entonación.  También Alex Esposito se vistió perfectamente en el histriónico papel de Don Basilio. Bien estuvieron Andrea Vincenzo Bonsignori como Fiorello y Felicia Bongiovanni como Berta.  En suma, fue una optima función, muy apreciada por un público que abarrotó el teatro. 

Il Barbiere di Siviglia - ROF 2014

Foto: ROF 2014

Massimo Viazzo

L’allestimento del Barbiere di Siviglia in forma semi-scenica è stato invece convincente sotto ogni punto di vista. Il coinvolgimento degli studenti dell’Accademia di Belle Arti di Urbino nella progettazione dello spettacolo (ideazione, cura degli elementi scenici, movimenti di regia, video e costumi) ha donato freschezza alla rappresentazione che non ha avuto luogo solo sul palcoscenico del magnifico Teatro Rossini, ma che ha più volte sfondato la “quarta parete” con azioni svolte in platea, direttamente a contatto del pubblico. Molto viva, e spesso originale, la direzione d’orchestra di Giacomo Sagripanti che ha guidato con sicurezza l’Orchestra del Teatro Comunale di Bologna. Omogeneo e ben amalgamato il cast vocale in ogni suo componente, a cominciare dal simpaticissimo Figaro, gagliardo e dinamico, di Florian Sempley. Molto musicale Juan Francisco Gatell, il cui Conte d’Almaviva ha sfoggiato morbidezza di emissione e una certa saldezza nelle agilità. Gatell si è anche ben disimpegnato in “Cessa di più resistere”. La Rosina di Chiara Amarù è piaciuta per la timbrica attraente, la morbidezza e una indubbia fluidità nella coloratura, mentre Paolo Bordogna si è distinto per essere riuscito ad affrancare il ruolo di Bartolo dagli obsoleti cliché del basso buffo. Bordogna ha cantato tutte le note con dizione nitida e intonazione perfetta. Anche Alex Esposito si è calato perfettamente nell’istrionico ruolo di Don Basilio. Bene anche Andrea Vincenzo Bonsignori come Fiorello e Felicia Bongiovanni (Berta). Insomma, un’ottima recita apprezzata molto dal pubblico che gremiva il teatro.

Il Viaggio a Reims de Rossini en Pesaro ROF 2014

Foto: ROF 2014

Massimo Viazzo

Éxito tuvo el tradicional Viaggio a Reims confiado a los jóvenes de la Accademia Rossiniana, que desde el 2001 se ha representado con el montaje de Emilio Sagi, hoy repuesta por Elisabetta Courir.  Esta ópera es vista en Pesaro como una verdadera academia para nuevas voces; y en efecto, para ponerla en escena dignamente se requiere de un grupo de solistas muy bien preparados. En esta edición del festival, solo la Madama Cortese de Giuliana De Blasis pareció tener dificultades desde el punto de vista vocal. Los demás demostraron más o menos familiaridad con el estilo rossiniano. Perfectamente a sus anchas, por ejemplo, estuvo Matteo Macchioni (Belfiore) un actor eficaz y un cantante desenvuelto. Para mantenernos en el ámbito tenoril como no admirar las dotes de tenor contraltino de Anton Rositskiy (Libenskof) muy seguro para lanzar sobreagudos. Una voz importante es la de Marko Mimica, no siempre fácil de mover, pero de considerable impacto; mientras que el Don Profundo de Yupeng Wang fue cantado con elegancia. Anton Markov dio a Trombonok un timbre de bajo claro, mientras que el expansivo Álvaro de Iurii Samoilov salpicó una contagiosa energía.  Llegando a las voces femeninas, se menciona la pureza y limpideza de la linea de canto de Hasmik Torosyan (Corinna), quizás un poco fría estuvo la pirotécnica y extrovertida Folleville de Isabel Rodríguez García, así como la espiritosa Melibea de Aya Wakizono. El espectáculo funcionó bien gracias al joven Iván López Reynoso, primer director de orquesta mexicano en el ROF, que fue capaz de estimular a la orquesta (la Filarmónica Gioachino Rossini sin detenerse y acompañando bien a los cantantes. 

Il Viaggio a Reims - Rossini Opera Festival, Pesaro 2014

Foto: ROF 2014

Massimo Viazzo

Un buon successo anche per il tradizionale Viaggio a Reims affidato ai giovani dell’Accademia Rossiniana, che viene rappresentata dal 2001 con l’allestimento di Emilio Sagi ripreso da Elisabetta Courir. Quest’opera qui a Pesaro viene vista come una vera e propria palestra per le nuove voci, ed in effetti per metterla in scena degnamente ci vuole uno stuolo di solisti molto preparati. In questa edizione del festival solo la Madama Cortese di Giulia De Blasis è parsa in difficoltà dal punto di vista vocale. Gli altri hanno mostrato, chi più chi meno, apprezzabile dimestichezza con lo stile rossiniano. Perfettamente a proprio agio, ad esempio, Matteo Macchioni (Belfiore), attore efficace e cantante disinvolto. Per restare in ambito tenorile come non ammirare le doti di tenore contraltino di Anton Rositskiy (Libenskof) con la sua spavalderia nel lanciare sovracuti. Voce importante quella di Marko Mimica, non sempre facile da muovere, ma certamente di considerevole impatto, mentre il Don Profondo di Yupeng Wang cantava con eleganza, Anton Markov dava a Trombonok una timbrica da basso chiaro, mentre l’espansivo Alvaro di Iurii Samoilov sprizzava una energia contagiosa. Venendo alle voci femminili, da segnalare la purezza e limpidezza della linea di canto di Hasmik Torosyan (Corinna), forse un tantino freddina, la pirotecnica ed estroversa Folleville di Isabel Rodriguez Garcia e la spiritosa Melibea di Aya Wakizono. Lo spettacolo ha funzionato per il meglio anche per merito del giovane Ivan Lopez-Reynoso, il primo direttore d’orchestra messicano al Rof, capace di stimolare l’orchestra (la Filarmonica Gioachino Rossini) senza sosta, e di ben accompagnare i cantanti.

Gira 2014 de la OFUNAM de México por Italia


STRESA FESTIVAL 2014 – 1000

Foto: Stresa Festival

Renzo Bellardone

Stresa Festival. Palazzo dei Congressi 22 agosto. 1000!. Luca Salsi – baritono, Angela Meade – soprano, John Osborn – tenore. Coro del Teatro Regio di Torino. Claudio Fenoglio – maestro del coro. Orchestra del Teatro Regio di Torino. Gianandrea Noseda – direttore
Ottorino Respighi (1879 – 1936). Rossiniana – suite per orchestra da Les Rien di G. Rossini P148. Gioacchino Rossini (1792) – 1868). Selezione da Guglielmo Tell

Lo Stresa Festival alla sua 53ma edizione ha contestualmente raggiunto un altro traguardo prestigioso: il concerto numero 1000 che è stato diretto dal suo prestigioso direttore artistico, Gianadrea NosedaLa comunione d’intenti tra direzione ed orchestra ha fatto si che si sia concretizzato un concerto di altissimo livello per purezza e sentimento. I vari ruoli coinvolti hanno dato al meglio delle loro possibilità e considerate le peculiari valenze, si può dire “elevate possibilità” Con Ottorini Respighi si son sentiti i profumi della natura e dei suoi elementi, evocati da  rulli di tamburi  in lontananza e da   eterei suoni d’arpa. Viole e violoncelli che lasciano i più prorompenti impeti per dar voce alla dolcezza; Gianandrea Noseda  ha diretto questa musica scenografica e descrittiva con grande ispirazione ed ha esaltato i ritmi di danza e di introspezione assoluta. Il secondo tempo del concerto è stato dedicato a Gioacchino Rossini ed al suo capolavoro, “Guglielmo Tell”. Noseda ha veramente “scavato nella partitura” asciugandola e rendendola sinfonicamente vitale. La sinfonia è di per sé un capolavoro, così come il finale per coro ed orchestra e l’accurata ricerca musicale ha fatto si che si sia ascoltata una delle migliori versioni possibili. Le voci di prim’ordine hanno contribuito al clamoroso successo; il coro sotto la direzione del maestro Claudio Fenoglio raggiunge sempre nuove vette di purezze ed intonazione; Il baritono Luca Salsi ha cantato con voce forte, possente e ben timbrata. Angela Meade ha avuto buona tenuta nei vari registri ed ha spaziato agilmente con le variazioni cromatiche, risultando facile negli acuti. Il tenore John Osborn ha riconfermato l’indubbio bel timbro caldo;  con voce piena ed avvolgente è risultato molto limpido e tranquillo nell’emissione, chiaro nel fraseggio  e pregevole negli affascinanti acuti. La Musica vince sempre

jueves, 4 de septiembre de 2014

Murió Gustavo Cerati

La Nación – Argentina

Tras cuatro años de permanecer en coma por un accidente cerebrovascular,Gustavo Cerati murió hoy, a los 55 años. Comunicamos que hoy en horas de la mañana falleció el paciente Gustavo Cerati como consecuencia de un paro respiratorio", fueron las palabras del médico Gustavo Barbalace de la Clínica ALCLA, donde estaba internado el músico. Esta tarde, el director de la institución brindó una breve conferencia de prensa en la que aseveró que fue "entre las 9 y las 10 de la mañana" cuando se produjo el paro cardíaco que terminó con la vida de Cerati. "Lamentablemente, no pudimos revertirlo", apuntó con pesar. En tanto, la familia de Gustavo informó que partir de las 21, en la legislatura porteña, se podrá ir a darle el último adiós.

Los primeros pasos de Cerati hasta el éxito

En un verano de 1982 en Punta del Este los caminos de Gustavo Cerati y Héctor Zeta Bosio se cruzarían nuevamente. Este encuentro fortuito, que se había producido varias veces en la Universidad del Salvador donde ambos cursaban la carrera de publicidad cambiaría la vida del rock nacional para siempre. En plena efervescencia new wave, con grupos como The Police a la cabeza, el joven Cerati buscaba músicos que compartieron los mismos gustos musicales para hacer temas propios y en español, luego de varias experiencias con bandas de covers como Savage y Vozarrón. Con Zeta empiezan a proyectar la formación de una banda que necesita de un baterista en sus filas. Charly Alberti aparece en sus vidas y con el nombre tentativo de Los Estereotipos empiezan a ensayar en su casa. Los primeros conciertos del trío rebautizado definitivamente como Soda Stereo fueron en julio del año 1983 en la discoteca Airport y en el Stud Free Pub. Desde ese momento recorrieron el circuito de pubs, con escala obligada en el Café Einstein y Zero, que representaban el centro de la movida under, donde tocaban Sumo y Virus. En agosto de 1984 sale el primer disco de Soda Stereo, con himnos bailables, divertidos e irónicos, como "Sobredosis de tv", "Vitaminas" y "Un misil en mi placard", que entran en la discotecas y se popularizan de tal manera que transformarían la industria del rock de los ochenta en Argentina y el resto de América Latina. El resto es leyenda.

Como cantante, guitarrista, compositor y líder de Soda Stereo, Gustavo Cerati grabó los discos: Soda Stereo (1984), Nada personal (1985), Signos (1986), Doble vida (1988), Canción animal (1990), Dynamo (1992), Sueño Stereo (1995), Comfort y Musica para volar (1997) y El último concierto (1997), registro del concierto despedida en River. En paralelo a su labor con Soda Stereo, el músico realizó otros proyectos artísticos como Colores Santos (1992) junto a Daniel Melero, hasta encontrar su propio camino en solitario. En 1993 en medio de un descanso con Soda Stereo, Cerati edita Amor amarillo, un disco de canciones acústicas y cierta psicodelia. Posteriormente se unió a tres músicos chilenos no profesionales (Andrés Bucci, Guillermo Ugarte, y Christian Powditch) para armar el combo electrónico Plan V, con el que editó un primer discos en 1996. Esos coqueteos con otras músicos anticipan la disolución definitiva de Soda Stereo en mayo de 1997. A partir de allí, Cerati se dedicó a la experimentación electrónica con los músicos anglos en Plan Black V Dog (1998); y después junto al músico Flavio Etcheto, formaron el dúo Ocio con el que grabaron Medida Universal, a mediados de 1999. También participó en un disco homenaje a The Police junto a Andy Summers (guitarrista original del grupo inglés) con una versión del tema "Bring on the Night". El gran regreso a la canción de Cerati fue con el exitoso disco Bocanada (1999), su segundo disco solista. grabado en los estudios Abbey Road de Londres, que llegó al disco de oro y cuenta con algunos colaboradores cercanos como Flavio Etcheto en teclados, Leo García en coros y voz, Fernando Nalé en bajo y Martín Carrizo en batería. Con las canciones de ese álbum y viejos éxitos de Soda reversionados giró por la Argentina, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, El Salvador, Estados Unidos, México, Panamá y Venezuela. En 2001 tuvo una experiencia como actor en la película "+bien", del director Eduardo Capilla y compuso también la banda de sonido, nominada como Mejor Album Instrumental Pop para los Grammy Latinos. En ese mismo año el cantante decidió armar un nuevo proyecto tan arriesgado como lírico junto a una orquesta sinfónica dirigida por Alejandro Terán. En 11 episodios sinfónicos, Cerati renueva versiones de clásicos como "Persiana americana" o "Canción animal". La gran presentación de ese material tuvo lugar en el Teatro Colón de Buenos Aires. Con ese impulso artístico, seguirá buscando un sello distintivo de elegancia y modernidad en sus producciones solistas: Siempre es hoy (2002); Ahí vamos (2006) y Fuerza natural (2009).

En medio de su trabajo como solista se produjo la esperada vuelta de Soda Stereo. Otra vez reunido a sus viejos compañeros de ruta, Zeta Bosio y Charly Alberti, se embarcó para el cierre definitivo de una etapa con Soda Stereo en la gira Me verás volver, que entre 2007 y 2008, lo llevó a realizar 22 conciertos despedida en nueve países. Pasado el revival, el cantante se concentró nuevamente en su carrera solista con Fuerza natural, un nuevo álbum de canciones con el que estaba embarcado en una gira por América Latina junto a su banda integrada por Leandro Fresco (teclados), Fernando Nalé (bajo), Richard Coleman (guitarra eléctrica), Gonzalo Córdoba (guitarras), Anita Álvarez de Toledo (coros) y los bateristas Fernando Samalea (en la primera etapa de la gira) y "Bolsa" González (en este tramo final). Su último show fue en Venezuela, donde había demostrado que a los cincuenta años seguía siendo un artista clásico y vanguardista, pero sobre todo un hacedor de canciones que cautivó a varias generaciones

Pablo Heras-Casado named Guest Principal Conductor at Teatro Real, Madrid


Photographer:
© Javier del Real / Teatro Rea
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The Spanish conductor will hold this position for the next three seasons (15/16 - 17/18) working together with the Musical Director at the Teatro Real, Ivor Bolton, to artistic developing the resident Choir and Orchestra. The Teatro Real offered him the position due to his talent as an artist, his reputation and the international renown of the Spanish conductor. Pablo Heras-Casado, named Conductor of the Year 2014 by the American magazine Musical America and titular conductor at the Orchestra of St. Luke’s in New York, has conducted some of the most prestigious symphonic orchestras and chamber groups in the world. His career covers great symphonic works and operatic pieces, from historical pieces to contemporary music. At the Teatro Real, Pablo Heras-Casado conducted an acclaimed production of The Rise and Fall of the City of Mahagonnyby (September-October 2010) and also conducted Il Postino by Daniel Catán (July 2013). During the current season he will conduct the Teatro Real’s world premiere of El Público, by Mauricio Sotelo (February-March 2015), and War Requiem by Benjamin Britten (12-14 March).


martes, 2 de septiembre de 2014

Charlotte Salomon de Marc-André Dalbavie au Festival de Salzburg, le 14 août 2014

© Salzburger Festspiele / Ruth Walz

Suzanne Daumann


Un opéra sur Charlotte Salomon et son œuvre, c’est un peu une mise en abyme, c’est raconter l’histoire d’une femme qui raconte une histoire. L’équipe qui a produit cette commande du Festival de Salzburg relève le défi : Barbara Honigmann signe le livret et Marc-André Dalbavie la musique, à leurs côtés Luc Bondy, pour la mise en scène et le dramaturge Konrad Kuhn. Charlotte Salomon était une jeune fille juive qui vivait dans la Berlin des années 20 – 30 dans une famille bourgeoise aisée. En 1939, elle quitte Berlin pour se réfugier chez ses grands-parents à Villefranche-sur-Mer. C’est ici qu’elle va créer son œuvre étonnante, le « Singespiel » Leben ? oder Theater ?, une série de 796 gouaches, dans lesquelles elle dépeint sa vie : le mariage du père avec Paula Lindberg, célèbre mezzo-soprano, la nouvelle vie sociale qu’elle apporte à la famille après la mort de la mère de Charlotte. Elle raconte son voyage avec les grands-parents à Rome, sa décision d’étudier les beaux-arts, les difficultés croissantes de la famille suite à l’arrivée des Nazis au pouvoir. Et surtout l’arrivée du nouvel professeur de chant de Paula, et les complications amoureuses qu’elle entraîne. Dans un épilogue, nous voyons Charlotte arriver chez les grands-parents à Villefranche-sur-Mer, nous allons assister au suicide de la grand-mère et apprendre avec Charlotte que sa propre mère s’était en vérité suicidée, tout comme sa sœur et d’autres membres de la famille. Finalement, nous voyons Charlotte et son grand-père qui sont internés dans le camp de Gurs. Les gouaches de Charlotte, et c’est là que réside une grande partie de son intérêt pour l’opéra,  sont ponctuées de rappels musicaux, qui servent à leur tour de point de départ à Marc-André Dalbavie pour sa composition. Que ce soit un lied de Schubert, un air de Bach ou de Mendelssohn, une chanson populaire française ou la Habanera de Carmen, Dalbavie sait tous les intégrer de façon cohérente dans son langage musical. Fluide, limpide, et finement orchestré, faisant souvent penser à Claude Debussy, il traduit la pensée de Charlotte Salomon et ses images. La mise en scène de Luc Bondy nous fait rencontrer Charlotte Salomon en la personne de l’actrice Johanna Wokalek, qui va raconter une partie de l’histoire, et de la mezzo-soprano française Marianne Crebassa, qui incarne l’alter ego de Charlotte, nommée Charlotte Kann dans le « Singespiel ». Souples et sveltes toutes les deux, aux courts cheveux noirs, habillées d’une courte jupe bleu foncé et un petit pull bleu clair, elles incarnent parfaitement la vigueur et l’innocence de la jeunesse. Une voix parlée claire et résonnante aux accents Berlinois, une voix de mezzo chaude et musicale : voici Charlotte Salomon alias Charlotte Kann. Une grande mezzo interprète une grande mezzo – Anaïk Morel est Paulinka Bimbam, alias Paula Lindberg. Le ténor Frédéric Antoun, belle voix claire et souple, incarne le professeur de chant Amadeus Daberloh. La scénographie de Johannes Schütz consiste en tout et pour tout en une grande caisse blanche qui couvre toute la largeur de la scène. Quelques cloisons amovibles forment tour à tour l’appartement berlinois, le salon des grands-parents à Villefranche-sur-Mer etc. Les murs de fond servent aussi d’écran à la projection des tableaux de Charlotte Salomon. Ainsi, on entend ses paroles, dites et chantées, on voit jouer les scènes de sa vie, et on voit ce qu’elle en a fait. Par la musique qu’elle cite et par la musique de Marc-André Dalbavie, par le jeu scénique, par son univers musical et coloré, l’on finit par connaître Charlotte Salomon, une personne, une artiste, unique et irremplaçable. L’émotion est palpable dans la salle quand un épilogue laconique nous apprend qu’elle fut assassinée à Auschwitz en octobre 1943. Un moment de silence précède les applaudissements largement mérités. 

Charlotte Salomon by Marc-André Dalbavie at the Salzburg Festival 2014

Photo Ruth Walz Salzburg Festival

Suzanne Daumann

Making an opera about Charlotte Salomon and her work, that is a vertiginous undertaking, that is telling the story of a woman who is telling a story. The team who takes up the challenge for the Salzburg festival is perfectly up to it: Barbara Honigmann’s libretto and Marc-André Dalbavie’s music, staged by Luc Bondy, bring to life this amazing young woman. Charlotte Salomon was the daughter of a well-to-do Jewish surgeon who lived in Berlin in the twenties and thirties. In 1939, she left Berlin to seek refuge with her grandparents in the South of France. It’s here that she created her unique work, the « Singespiel » Leben ? oder Theater ? , a series of 796 gouaches, in which she describes her life : her father’s marriage with his second wife, the famous mezzo-soprano Paula Lindberg, the new social life that she brings to the family, after the death of Charlotte’s mother. She tells about her voyage to Rome with the grandparents, her decision to study art, and the difficulties the family have to face with the Nazis’ rise to power. And she describes the arrival of Paula’s new vocal teacher and the ensuing complications as he falls in love with Paula and Charlotte with him. An epilogue describes Charlotte’s arrival at her grand-parents’ house in Villefranche-sur-Mer, the suicide of her grandmother and her grandfather telling her about her own mother’s suicide and how a number of other members of the family ended their lives. Finally, we see Charlotte and her grandfather being interned in the camp of Gurs. The uniqueness of Charlotte’s work, and its interest for an opera resides in the fact that her paintings are punctuated by musical quotes, and Marc-André Dalbavie uses these as starting point for his own compositions. Be it a Schubert lied, an aria by Bach or Mendelssohn, a French popular song or the Habanera from Carmen, Dalbavie integrates them coherently into his musical language. Fluid, organic, finely orchestrated, reminding of Debussy most of all, he translates Charlotte Salomon’s thinking and images.  In Luc Bondy’s staging, Charlotte Salomon, the narrator, is a speaking part, played by the actress Johanna Wokalek, and her alter ego, named Charlotte Kann in the « Singespiel », is interpretated by mezzo-soprano Marianne Crebassa. Both of them are supple and slim, with short dark hair, wearing a dark blue short skirt and a light blue sweater, incarnating perfectly youthful innocence and vigour. A clear and resounding speaking voice with a Berlin accent, a warm and musical mezzo voice: meet Charlotte Salomon alias Charlotte Kann. A great mezzo plays a great mezzo: Anaïk Morel is Paulinka Bimbam, alias Paula Lindberg. Frédéric Antoun, incarnates the vocal teacher Amadeus Daberloh, alias Alfred Wolfsohn, with a beautiful clear and flexible voice. Johannes Schütz’ stage decoration consists in a white box-like device that covers the whole broadth of the scene. With a few partitions, it can be in turn a Berlin apartment, the grand-parents’ living-room in Villefranche-sur-Mer and so on. The white background walls serve as a projection screen for Charlotte Salomon’s paintings. This way, we hear her words, spoken and sung, we see the scenes of her life acted out, we see her paintings give her own interpretation of events. Through the music she quotes and through Marc-André Dalbavie’s music, through the acted scenes and her musical and colourful universe, we end up knowing Charlotte Salomon, a person, an artist, unique and irreplaceable. As at the end a laconic epilogue tells us how she was deported and murdered in Auschwitz in 1943, emotion is palpable in the Felsenreitschule. And a moment’s silence precedes the well-deserved applause. 

Recital de Joyce Di Donato en el Teatro Colón de Buenos Aires

Crédito: Liliana Morsia. Gentileza Mozarteum Agentino.

Gustavo Gabriel Otero

Gira Sudamericana de Joyce DiDonatoBuenos Aires, 18/08/2014. Teatro Colón. Joyce DiDonato, mezzosoprano. David Zobel, piano. Obras de Franz Joseph Haydn; Johann Adolph Hasse; Georg Friedrich Händel; Vincenzo Bellini; Francesco Santoliquido y Gioachino Rossini. Séptima Función de Abono del Mozaretum Argentino.

El lunes 18 de agosto de 2014 Joyce DiDonato vestida como una diva por la Casa Vivienne Westwood Couture Collection se presentó en el Colón de Buenos Aires, en el marco de su Gira Sudamericana que incluye también a Santiago de Chile, Montevideo, San Pablo y Río de Janeiro, con un recital exquisito que electrizó al público. A lo largo de la noche DiDonato mostró nuevamente su calidad vocal, su comunicatividad y su inmaculada emisión. A su lado brilló el perfecto acompañamiento de David Zobel. Comenzó con la poco conocida cantata Ariadna en Naxos de Haydn vertida con intensidad y perfección. Dos reinas se alternaron luego en la voz de DiDonato: Cleopatra, según las visiones de Hasse y de Händel, con coloraturas, agilidades y claroscuros perfectos y Ariodante también de Händel con la dosificación justa de exultantes coloraturas y agilidades y la placidez del momento central. En la segunda parte -cambio de vestuario mediante- acometió con estilo inmaculado la belleza melódica de Bellini en la inicial Adelson e Salvini, para sorprender, luego, con dos canciones de muy diferente estilo de Rossini - Beltà crudele y La  danza- y hacer conocer al compositor italiano Francesco Santoliquido (1883-1917) que con sus I canti Della sera, borda un ramillete de canciones con un toque verista y una muy buena italianización del impresionismo francés. El final fue el delirio de coloraturas de la escena final de La Cenerentola rossiniana donde demostró porqué ocupa su lugar entre las mejores mezzosopranos de coloratura de la actualidad. Después de la ovación, llegaron ‘Riedi al soglio’ de Zelmira de Rossini y la ‘Nana’ de las Siete canciones populares españolas de Manuel de Falla. Un cierre perfecto.


lunes, 1 de septiembre de 2014

INTERVISTA A FRANCESCO CALCAGNINI

Renzo Bellardone 

Caro Francesco, parafrasando l’inizio del secondo capitolo dei Promessi Sposi “Carneade che era costui?”, pur essendo tu ben più famoso di quel Carneade ti chiedo: Francesco Calcagnini, chi è costui?”

Uno scenografo! Sono nato con il Rossini Opera Festival, ora alla sua trentacinquesima edizione. Ho iniziato a guardare come lavoravano Gae Aulenti, i Maestri Pier Luigi Pizzi, Emanuele Luzzati, Enrico Job (per parlare solo di scenografi) e rubare da loro il rubabile.
Da anni con l’Accademia di Belle Arti di Urbino, scuola nella quale insegno, e il Rossini Opera Festival abbiamo una convenzione molto interessante che ha dato non poca soddisfazione. Demetrio e Polibio per la regia di Davide Livermore (2010) ripreso al Teatrino di Corte di Palazzo Reale, Napoli  nel maggio 2013, Il signor Bruschino per la regia del Teatro Sotterraneo ed ora con Il barbiere di Siviglia” pensato come un sogno, un sogno teatrale.

Ieri sera ho infatti assistito alla rappresentazione di questo Barbiere sognato….

Se ogni volta che si parla di Rossini si approda al concetto di altrove è anche perché egli restituisce un mondo parallelo, inesistente, bellissimo, facilmente destinato ad impazzire. Approfittando della forza di questo assioma proviamo a pensare un teatro che sogna il Barbiere. Abbiamo preparato una serie di appuntamenti che sottolineano l’utilizzo della sala e del palcoscenico come un’enorme scenografia precostituita dentro la quale far accadere il Barbiere. Prima di noi al Festival: Squarzina, Ronconi e una fortunata edizione in cui venne eseguito in forma di concerto. Noi stiamo giocando un’altra partita, è uno spettacolo semiscenico privo di budget ma questo non assolve, non semplifica e non giustifica. Non corrisponde a un “semicantante”, “semipubblico”, a un “semisguardo”. L’altrove è uno di quei posti dove Rossini lo si incontra più facilmente e non là dove la didascalia lo addita. L’altrove è irrappresentabile.

Chiedo perdono se parlo di soldi, ma un progetto del genere deve essere costato parecchio…

Questo ufficialmente è un progetto a budget zero. Ma vorrei vedere questa cosa dei soldi da un'altra prospettiva. Scommettere su una scuola dove degli allievi studiano l’opera e stendono un progetto che poi viene realizzato da loro stessi non corrisponde ad un’economia ma ad un investimento prezioso ed inestimabile che due enti proteggono con lungimiranza.

Il pubblico, alla recita cui ho assistito, ha dimostrato di gradire ed ha tributato un forte applauso anche a tutti voi...

Si, ne siamo molto soddisfatti e con qualche punta di euforia.


Ma Francesco Calcagnini non è solo Rof, ricordando ad esempio il recente Otello di Verdi

Nel maggio scorso ho progettato scene e costumi per questo spettacolo andato in scena al Teatro di Erfurt, con la regia di Guy Montavon. Lavoro molto bene con il Maestro Montavon: è rapido e sintetico quando decide le cose e ha il dono meraviglioso di essere molto chiaro su quello che desidera e che chiede. Lui dirige il Teatro di Erfurt che è un piccolo gioiello di efficienza.

Andreina Bruno ha scritto un libro su di te “La scenografia di Francesco Calcagnini”

È una donna molto paziente oltre che bravissima.
E tu stesso hai scritto “La Fabbrica del Vento”
Non è esattamente vero. Il direttore dell’Accademia Umberto Palestini, il vero artefice di questo libro, voleva storicizzare 20 anni di esperienze e, nonostante tutte le mie reticenze, ci siamo trovati davanti ad una mole di materiale quasi impressionante. Il fatto che il libro sia stampato con straordinaria cura per i tipi della Baskerville è sicuramente una soddisfazione.

 

Come amo fare di consueto, l’ultima domanda è sempre un po’ personale, quindi ti chiedo: ci racconti qualcosa del tuo bambino?

Arturo sillaba le prime parole ed è convinto che tutti gli animali si chiamino mucca.

Grazie Francesco per la cortesia, la disponibilità ed il caffè; ti saluto con un arrivederci al prossimo Rof.

domingo, 31 de agosto de 2014

Mind The Gap - Stresa Festival 2014

Foto: Stresa Festival
Renzo Bellardone
STRESA FESTIVAL 2014 –  27 agosto Palazzo dei Congressi MIND THE GAP Sonia Bergamasco, attrice. Accademia Strumentale Italiana. Alberto rasi, Claudia Pasetto, Paolo Biordi, Leonardo Bortolotto, viole da gamba. Testo  ITALIANO di Monica Luccisano (ispirato a Willia, Shakspeare) Testo italiano originale e drammaturgia di Monica Luccisano (ispirato a William Shakespeare). Musiche di J. Dowland, G. Cascioli, T. Hume, W. Byrd, A. Holborne, M. Locke, O. Gibbons, A. Ferrabosco Scenografia: Luca Tombolato. Suono e luci: Alberto Irrera
Progetto commissionato da Stresa Festival
Entrando in sala ci si è ritrovati immersi nelle  voci e rumori della Subway londinese. Sul palco due piani di scena a rappresentare la banchina, le scritte “Mind the Gap”  ed il vuoto, ovvero dove scorrono i binari. Lo sfondo è rappresentato come un salvaschermo del Computer, coloratissimo e cangiante grazie ai led sovrastanti, ma in effetti è la piantina della metropolitana, efficacemente realizzata da Luca Tombolato (qualche anno fa già apprezzato a Stresa per la realizzazione delle scene “capovolte” della Lucia di Lammermoor, a sottolineare la pazzia della protagonista.. )
Sonia Bergamasco è entrata ed uscita, con dolcezza o prepotenza, nelle/dalle diverse donne shakespeariane: Lady Macbeth, Beatrice, Ofelia, Desdemona: tutte donne di grande carattere, di forza. L’attrice si è sdoppiata, triplicata con  voce roca, suadente  e decisionista,  con movenze di danza, con il canto. Vera “belva da palcoscenico” ha aggredito i personaggi ed il pubblico, si è mossa con estrema sicurezza. Gli indumenti prima abbandonati  per uscire da un ruolo,  li ha raccolti poi verso il finale come in un ritrovarsi pirandelliano “uno, nessuno, centomila”.
E durante l’interpretazione dei testi incisivi di Monica Luccisano, tre interventi a colmare e sottolineare: i rumori del metro e  le efficaci luci (led, par, neon gialli  su molte barre al soffitto), ideati da  Alberto Irrera e il doppio volto della musica : antica e contemporanea.

Le viole da gamba dell’Accademia strumentale italiana sono state coprotagoniste con le loro performances di musica antica, anche base per il canto della Bergamasco oltre che opportuno  filologico tappeto per i personaggi; l’altro volto musicale è quello contemporaneo, delle composizioni atonali e marcatamente espressive di Gianluca Cascioli eseguite dall’autore, che ben ci son state nell’ambientazione undergound. La Musica vince sempre.


miércoles, 27 de agosto de 2014

Tota pulchra es- Odhecaton, Stresa Festival 2014

Foto: Stresa Festival

Renzo Bellardone

STRESA FESTIVAL 2014 – 25 AGOSTO Tota pulchra es Verbania, Chiesa Madonna di Campagna Odhecaton Paolo Da Col, direttore Desprez, Weerbecke, Isaac, Brumel, Mouton, Compère 

Otto voci maschili che alternandosi, si sono  estese nei vari registri per una pregevole offerta musicale. Mottetti, inni sacri e canti alla bellezza spirituale si  sono innalzati in un percorso storico-religioso  e storico-musicale che si posiziona a cavallo tra il  1400 ed il 1500. “Inviolata, integra et casta”, “Miserere, mei, Deus” , “Tota pulchra est” ed altre cantate hanno rappresentato il cuore armonico ricco di contrappunto di un figurata rappresentazione sacra. Le voci di pregevole timbro, pur nelle stesse tonalità hanno espresso colori diversi creando un arcobaleno misterioso riecheggiante di  echi lontani attraverso trasparenze delicate: un interessante amalgama tra controtenori (Alessandro Carmignani, Andrea Arrivabene e Gianluigi Ghiringhelli) , tenori (Alberto Allegrezza, Gianluca Ferrarini, Vincenzo di Donato) e due bassi (Giovanni Dagnino e Marcello Vargetto). Manca il timbro baritonale ed il supplire non è cosa tecnicamente semplice, ma risolta con grande efficacia dalla direzione di Paolo da Col.La Musica vince sempre