Presentación del Festival Barenboim, el evento cultural más esperado de la Temporada 2014 de Buenos Aires

Esta tarde, en el Salón Dorado del Teatro Colón de Buenos Aires (república Argentina), y con la presencia del Maestro Daniel Barenboim, del Jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires Mauricio Macri, el Ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires Hernán Lombardi, músicos de la Orquesta West - Eastern Divan y su co-fundadora Mariam C. Said, fue presentado el Festival Barenboim, cuya primera edición comienza el próximo 3 de agosto.Fue Pedro Pablo García Caffi quien dio la bienvenida al Maestro Barenboim, así como a las autoridades de la Ciudad de Buenos Aires, destacando que la presencia de todos reforzaba la idea de que tanto la cultura como el arte nos alejan de alguna manera de la fugacidad de las cosas materiales y nos llevan a un mundo de valores permanentes. El maestro Barenboim, por su parte, manifestó estar “cada día más contento de volver a Buenos Aires”. Luego se refirió al conflicto en la Franja de Gaza como algo inaceptable y declaró que “al odio que se está distribuyendo hoy ningún tipo de negociaciones políticas va a poder borrar”. En contraposición, agradeció poder contar con la oportunidad de organizar una aventura tal como el Festival Barenboim aquí, en el Teatro Colón. Asimismo, y tras referirse a las diferentes jornadas que compondrán el Festival, el Maestro Barenboim, aseguró que “la música debería ser una parte orgánica de la sociedad” y que debería enseñarse desde el jardín de infantes. Finalmente, tuvo la palabra Mariam Said, co- fundadora de la Orquesta West-Eastern Divan, quien destacó el honor que significa participar de este Festival en el Teatro Colón e hizo hincapié en el humanismo que condujo a la creación de la misma, destacando que el humanismo es el último recurso que nos queda contra la injusticia.  

Cronograma Festival Barenboim 

Domingo 3 de Agosto, 17:00 horas

Orquesta West – Eastern Divan

Director: Daniel Barenboim

Solista: Martha Argerich, piano

Programa Musical

Ludwig van Beethoven: Concierto para piano y orquesta No. 1 en Do mayor, Op15.

Maurice Ravel: Rapsodia española / Alborada del gracioso / Pavana para una infanta difunta / Bolero 

Lunes 4 de Agosto, 20:00 horas

Tristán e Isolda / Preludio - Acto II – Muerte de Amor

Versión en Concierto

Orquesta West – Eastern Divan

Director: Daniel Barenboim

Reparto: Tristán - Peter Seiffert / Isolde -  Waltraud Meier /

Brangäne -  Ekaterina Gubanova / El Rey Marke - René Pape

Repite:

Miércoles 6 de Agosto, 20:00 horas.

Domingo 10 de Agosto, 17:00 horas.

Martes 12 de Agosto, 20:00 horas.

Martes 5 de agosto, 20:00 horas

Dúo de Pianos

Martha Argerich y Daniel Barenboim

Programa Musical

Wolfgang Amadeus Mozart: Sonata en Re mayor para dos pianos, K. 448

Franz Schubert: Variaciones en La bemol mayor sobre un tema original para piano a cuatro manos, D. 813

Igor Stravinski: La consagración de la primavera (versión para piano a cuatro manos). 

Sábado 9 de Agosto, 20:00 horas

Martha Argerich – Daniel Barenboim – Les Luthiers

Programa Musical

Igor Stravinski: La historia del soldado

Camille Saint-Saëns: El carnaval de los animales 

Domingo 10 de Agosto, 11:00 horas

PUENTE ALSINA

CONCIERTO AL AIRE LIBRE CON ASISTENCIA LIBRE y GRATUITA

Orquesta West – Eastern Divan

Director: Daniel Barenboim 

Domingo 10 de Agosto, 20:00 horas

Diálogo de Música y Reflexión – Sala Principal

Daniel Barenboim y Felipe González 

Lunes 11 y miércoles 13 de Agosto, 20:30 horas

MOZARTEUM ARGENTINO

Orquesta West – Eastern Divan

Director: Daniel Barenboim

Programa Musical

Obertura de la ópera “Las Bodas de Fígaro” de Mozart, los estrenos mundiales de Ramal de Kareen Rouston y de Resonating Sound de Ayal Adler (estrenos especialmente encargados para esta gira a los compositores Kareem Rouston -nacido en Siria y hoy radicado en los Estados Unidos- y Ayal Adler de origen israelí) y Rapsodia Española, Alborada del Gracioso, Pavane pour une infante défunte y Boléro de Maurice Ravel.

Murió el tenor italiano Carlo Bergonzi

El tenor italiano Carlo Bergonzi , considerado como uno de los intérpretes más importantes de la ópera italiana, murió el viernes 25 de julio a los 90 años en la ciudad de Milán, según informaron los medios italianos. Bergonzi compartió escena junto renombradas artistas de la talla de Maria Callas y Montserrat Caballé, y a las órdenes de Herbert Von Karajan y Riccardo Mutti, en los escenarios más grandes del mundo como la Scala de Milán y el Metropolitan Opera de New York. Tras 40 años de carrera, consagró su vida a la enseñanza de su arte. A la fecha, su discografía comprende al menos 25 óperas y las 31 arias para tenor compuestas por Giuseppe Verdi.

Le Comte Ory de Rossini en el Teatro alla Scala de Milán

Foto: Brescia & Amisano - Teatro alla Scala 

Massimo Viazzo

El principal motivo de interés de esta producción scaligera de Le Comte Ory de Rossini (ya vista en hace algún tiempo en Lyon) era la presencia en el papel principal de Juan Diego Flórez. Desafortunadamente, y después de una premier cantada en precarias condiciones vocales debido a una fastidiosa bronquitis, el tenor peruano tuvo que cancelar todas las fechas por indisposición.  Por ello, comentamos la prueba de Colin Lee, quien cantó en todas las funciones de la producción. El tenor sudafricano, mostrando facilidad y squillo en el registro más agudo, dio vida a un Comte seguro y presumido.  Sin embargo, su fraseo pareció un poco monótono y todo sumado resultó poco interesante.  En esta divertida producción firmada por Laurent Pelly, Ory vestía en el primer acto el papel bufo de un verdadero gurú de nuestros días que manipulaba a todas las mujeres que entraban en su radio de acción. En el segundo acto, donde la bella escenografía permitía ver en un escenario corredizo, cada estancia del castillo, desde la cocina, hasta las habitaciones para dormir y baños; se estaba ante un grupo de monjas burlonas que comían, bebían y seducían (o al menos intentaban hacerlo). La Condesa de Aleksandra Kurzak, que estuvo escénicamente atractiva y segura de sí misma, no convenció vocalmente.  La soprano polaca careció de desenvoltura para afrontar las agilidades, y la línea musical fluyó de manera anónima a causa de una emisión por momentos problemática.  Estuvo mejor la espontanea Isolier de María Josè Lo Monaco, no obstante algunos agudos un poco forzados.  Una nota positiva a Stephane Degout en el papel de un comunicativo Rimbaud, un barítono de segura técnica y con una optima dicción, también en el canto sillabato.   Voz amplia y timbre frondoso tuvo el Gouverneur de Roberto Tagliavini, mientras que Marina De Liso (Ragonde) mostró una línea vocal un poco desigual. Optimo como de costumbre estuvo el Coro del Teatro alla Scala, dirigido por Bruno Casoni, mientras que la orquesta dirigida por Donato Renzetti sonó monocorde y poco brillante. 

LAKMÉ en el Teatro Municipal de Santiago‏ de Chile

Foto: Patricio Melo / Teatro Municipal de Santiago

Joel Poblete 

La única vez que la ópera de Léo Delibes Lakmé se había presentado en Chile fue en 1904, por lo que su regreso tras 110 años en la actual temporada lírica del Teatro Municipal de Santiago ha tenido casi un carácter de estreno, por lo que había muchas expectativas con la premiere del Elenco Internacional, que se realizó el sábado 05 de julio y contó con la ilustre presencia en el público de Plácido Domingo, quien se encontraba de visita en Chile para un recital masivo y gratuito que ofrecería dos días después junto a la soprano Verónica Villarroel. 

Estrenada en París en 1883, Lakmé es la ópera más famosa que compuso Delibes, quien es más conocido universalmente por la música del ballet Coppélia; pese a que con el tiempo dos de sus números musicales -el "aria de las campanas" y muy especialmente el "dúo de las flores"- han alcanzado una fama más allá de la ópera, y si bien todavía sigue siendo muy habitual en escenarios en países de habla francesa, no es tan frecuente verla en otras latitudes, lo que por lo mismo aumentaba aún más las expectativas. 

Fiel exponente de las obras "orientalistas" que reflejaron en el siglo XIX el interés y fascinación por lo que en esos años era considerado exótico, el argumento es bastante tradicional en su romance prohibido entre una sacerdotisa y un oficial inglés en el período de la dominación británica de la India. Si la ópera aún hoy fascina y encanta al público es especialmente por la hermosa música de Delibes, que a pesar de la ambientación exótica de la trama, es inequívocamente francesa en su mezcla de elegancia y delicadeza, pasión y romanticismo, con su exuberancia y sus irresistibles y encantadoras melodías.

Lamentablemente, decepcionó la puesta en escena del experimentado director de escena francés Jean-Louis Pichon, quien en sus anteriores visitas a Chile había destacado especialmente por su abordaje de los títulos franceses: así lo demostró su debut en Chile con el memorable estreno en el país de Diálogos de carmelitas en 2005, y posteriormente en Los pescadores de perlas y el año pasado con Romeo y Julieta, mientras en obras italianas como Rigoletto en 2010 y Lucrezia Borgia en 2012 los resultados fueron menos convincentes. Su producción de Lakmé, en la que predominaron el azul y el blanco, fue menos inspirada de lo esperado; la dirección teatral fue plana y poco imaginativa, en especial en el uso del coro y los desplazamientos de los protagonistas. En esto sin duda influyó la escenografía minimalista y simbólica de Jérôme Bourdin, un diseño único -que según se desprende del texto explicativo del director teatral en el programa de sala, representaría al aura de la sacerdotisa- que se mantuvo a lo largo de los tres actos en que se divide la obra, lo que hizo aún más monótona y reiterativa la propuesta escénica, además que limitó mucho el uso del espacio, sobre todo para el coro. Sin embargo, gracias a la lograda y atmosférica iluminación de Michel Theuil, de todos modos el diseño escenográfico logró algunas variaciones y momentos muy bellos y sugestivos en lo visual (como en el "aria de las campanas", por ejemplo), y el vestuario del propio Bourdin es en verdad hermoso, llamativo y muy adecuado. Eso sí, teniendo en cuenta que esta obra podría fácilmente prestarse para el desborde visual, lo recargado e incluso el kitsch, puede ser valioso como propuesta haber optado por un enfoque más sobrio y minimalista (como el que Pichon ya desarrollara en 2009 en el Municipal con Los pescadores de perlas), pero de todas formas eso le restó lucimiento dramático a la obra, que si logró destacar fue especialmente por los sólidos logros musicales. 

El maestro chileno Maximiano Valdés, quien fuera director titular de la Orquesta Filarmónica de Santiago entre 2002 y 2006, ha regresado en distintas ocasiones al Municipal, pero no dirigía una ópera en el teatro desde 2005, precisamente cuando estuvo al frente de ese estreno en Chile de Diálogos de carmelitas que contó con el debut local de Pichon. En esta ocasión su batuta atenta y detallista fue un gran apoyo para los cantantes, y supo resaltar toda la belleza y refinado romanticismo de la partitura de Delibes (que se ofreció con algunos cortes, por ejemplo en las escenas de danza), subrayando tanto los momentos de pasión, poesía y lirismo, como aquellos que desarrollan cierto color local para representar la tradición de la India.   

Desde que en 2009 ganara el primer lugar y el premio del público en el concurso de canto de Plácido Domingo, Operalia, la trayectoria de la soprano rusa Julia Novikova ha ido en constante ascenso, llevándola a algunos de los más prestigiosos teatros líricos e incluyendo logrados hitos como su excelente Gilda en elRigoletto de Verdi en 2010, protagonizado por el legendario tenor -en su muy discutible faceta de barítono-, junto a Vittorio Grigolo y filmado en los lugares donde transcurre la historia en Mantua. Afortunadamente, en su debut en Chile y además interpretando por primera vez en su carrera a la protagonista de esta ópera, Novikova no sólo cumplió con las expectativas, sino además se confirmó como una cantante de enorme talento, poseedora de una voz bella y bien timbrada que sabe manejar muy bien; actriz sensible y creíble, supo reflejar la fragilidad y misterio de Lakmé, y triunfó en todas las complejas exigencias vocales del personaje, que incluyen por supuesto la temida "aria de las campanas" con toda la pirotecnia vocal de sus agilidades, agudos y sobreagudos, además de sus otros tres delicados momentos solistas.

Por su parte, como Gérald el tenor canadiense Antonio Figueroa, quien también debutaba en Chile, no sólo posee un físico ideal para un personaje romántico, sino además abordó un rol mucho más exigente en lo musical de lo que parece a primera vista, luciendo un estilo de canto típicamente francés y enfrentando la tesitura aguda y las por momentos arduas notas altas con convicción y seguridad, conformando una pareja ideal junto a Novikova, en especial en sus dúos; eso sí, su voz es de pequeño volumen y no siempre se proyecta lo suficiente en el teatro. Y como el severo brahmán Nilakantha, ese excelente cantante que es el barítono brasileño Leonardo Neiva, quien ha cantado anteriormente personajes principales y secundarios en otras cinco óperas en las temporadas del Municipal, logró resaltar sus indiscutibles cualidades como intérprete (incluso aunque fuera en un papel que habitualmente cantan voces más graves que la suya): una voz atractiva, de buen volumen, muy bien timbrada y cómoda en todo el registro, y una imponente presencia y seguridad en escena.

Los roles secundarios fueron encarnados por cantantes chilenos, salvo dos intérpretes extranjeros cuyo desempeño fue correcto aunque no excepcional: el barítono francés Aimery Lefèvre como Fréderic y la mezzosoprano española Nerea Berraondo como la sirvienta Mallika. Muy sólidos estuvieron los demás personajes que cantaron artistas nacionales, el tenor Rony Ancavil como el sirviente Hadji y el trío de divertidas damas inglesas, las sopranos Madelene Vásquez (Ellen) y Daniela Ezquerra (Rose), así como la mezzosoprano Claudia Godoy (Señora Bentson). Y aunque en esta obra las apariciones del coro no son tantas, de todos modos son importantes, en especial en el segundo acto, y como de costumbre, el Coro del Teatro Municipal, dirigido por Jorge Klastornik, estuvo muy bien, así como los bailarines que se lucieron en la coreografía de Edymar Acevedo.  

El segundo reparto, el llamado Elenco Estelar, tuvo su debut el miércoles 09 con la eficaz dirección musical del chileno José Luis Domínguez -con buenos momentos, en especial los de mayor efusión romántica- al frente de la Filarmónica de Santiago. La protagonista fue una de las figuras más activas y elogiadas de la escena operística chilena, la soprano Patricia Cifuentes, quien este año cumple una década de su debut en el Municipal, escenario en el que ha cantado en más de una decena de títulos líricos, incluyendo las protagonistas de Lucia de Lammermoor y La hija del regimiento o roles como Leyla, Gilda y Norina; ahora encarnó por primera vez en su carrera el exigente personaje titular de Lakmé, y sin duda ofreció una de sus mejores interpretaciones. Atractiva y convincente en escena, manejó y proyectó muy bien su material vocal, tanto en las escenas más líricas como en las demandantes coloraturas y notas altas del "aria de las campanas". 

Junto a la soprano en este segundo reparto, en su debut en Chile se lució el excelente tenor francés Christophe Berry como Gérald, quien junto con demostrar tener más rodaje en el rol que su colega del elenco internacional, exhibió una voz hermosa, de adecuado volumen y proyección, agudos seguros y muy bien emitidos, y tal como era de esperar, el mejor estilo de canto francés de la velada, refinado, sutil y apasionado según correspondiera, en especial en los dúos con Lakmé. Como Nilakantha, el siempre sólido barítono chileno Ricardo Seguel destacó una vez más por su canto firme y sonoro, aunque en algunas zonas de su voz convenció menos que en otras ocasiones. Y los roles secundarios estuvieron bien cubiertos por otros intérpretes chilenos, en especial por la mezzosoprano Gloria Rojas como Mallika. 

Le Comte Ory - Teatro alla Scala, Milano

Foto: Brescia& Amisano - Teatro alla Scala

Massimo Viazzo

Il principale motivo di interesse di questa produzione scaligera di Le Comte Ory di Rossini (già vista a Lione qualche tempo fa) era la presenza nel ruolo principale di Juan Diego Florez. Purtroppo, dopo una première cantata in precarie condizione vocali dovute ad una fastidiosa tracheite, il tenore peruviano per il persistere dell’indisposizione ha dovuto annullare tutte le date. E così eccoci a commentare la prova di Colin Lee che ha cantato, poi, in tutte le recite della produzione. Il tenore sudafricano, mostrando facilità e squillo nel registro più acuto, ha dato vita ad un Comte sicuro e spavaldo. Il fraseggio, invece, è parso un po’ monotono e tutto sommato poco interessante. In questo divertente allestimento firmato da Laurent Pelly, Ory nel primo atto vestiva i panni buffi di un vero e proprio guru dei nostri tempi in grado di plagiare tutte le donne che entravano nel suo raggio d’azione. Nel secondo atto - molto bella la scenografia che ci permetteva di vedere su un palcoscenico scorrevole ogni stanza del castello, dalla cucina, alla camera da letto, al bagno - eravamo invece alle prese con un gruppo di suore burlone che mangiavano, bevevano e seducevano (o, almeno, tentavano di farlo …). La Contessa di Aleksandra Kurzac, scenicamente avvenente e spigliata, non ha convinto vocalmente. Il soprano polacco mancava di disinvoltura nell’affrontare le agilità e la linea musicale fluiva un po’ anonima a causa di una emissione a volte problematica. Meglio lo spontaneo Isolier di Maria Josè Lo Monaco, nonostante qualche acuto un po’ forzato. Note positive per Stéphane Degout nei panni di un comunicativo Raimbaud, un baritono  di tecnica sicura e con un’ottima dizione anche nel canto sillabato. Di voce ampia e di timbro franco il Gouverneur di Roberto Tagliavini, mentre Marina De Liso (Ragonde) mostrava una linea vocale un po’ disomogenea. Ottimo come al solito il Coro del Teatro alla Scala guidato da Bruno Casoni, mentre l’Orchestra diretta da Donato Renzetti è parsa un po’ monocorde e poco brillante.

EXCELENTE VERSION DE MEDEA POR JUVENTUS LYRICA Medea (Medée), Buenos Aires, Argentina

Fotos: Liliana Morsia

Dr. Alberto Leal

Medea Opera en tres actos. Música: Luigi Cherubini. Libreto en francés de francés de François-Benoît Hoffmann (Reelaboración de textos: María Jaunarena, a partir de las creaciones de Eurípides, Séneca, Médée de Pierre Corneille y Jean Anouihl. Traducción del libreto original en francés y de textos en español: Marie Lagarde. Teatro Avenida, Juventus Lyrica, 20.30. Primera representación en Sudamérica, Teatro Colón: 4 de septiembre de 1979 (Cantada en italiano). Primera representación de la Versión en francés. Dirección musical: Hernán Schvartzman. Dirección escénica: María Jaunarena. Maestro Preparador del Coro de Juventus Lyrica: Hernán Sánchez Arteaga. Escenografía e iluminación: Gonzalo Córdova. Medea: Sabrina Cirera. Jasón: Darío Schmunck. Creón: Alejandro Meerapfel. Nerís: Eugenia Fuente. Dircé: Laura Pisani. dama: Laura Delogu. Segunda dama: Verónica Canaves y elenco. Función del 18/07/14

Estrenada en 1797 en el Théâtre Feydeau de Paris, no tuvo mayor éxito y no fue representada por años. La versión italiana se estrenó en Viena en 1802 y en 1809 una versión abreviada por el mismo Cherubini. En 1855 se estrena la versión en alemán, basada en la estrenada en Viena en 1809 pero con recitativos compuestos por Franz Lachner en lugar de los textos hablados originales. Esta versión luego fue traducida al italiano y revisada en 1955 para Maria Callas. Debo confesar que siempre prefiero las versiones originales de cualquier título, por respeto al autor y que inclusive no estoy de acuerdo con los “cortes tradicionales” que se hacen habitualmente. De todas maneras en este caso, donde históricamente la obra ha sido modificada gran cantidad de veces, incluso por el mismo compositor, es lógico admitir que se produzcan cambios. Realmente sentí un poco de escozor al leer reportajes de la Sra Jaunarena, donde pretende mostrar a Medea como una feminista, que lucha contra un marido que la dejó y a partir de allí practica una terrible venganza. Esto parece no tener sentido con la música de Cherubini. De la misma forma la alteración del texto “original” y parlamentos agregados de Euripides, al principio de la misma. Sin embargo esto en nada empaña una versión simplemente antológica y mucho debemos agradecer a Juventus Lyrica hacernos conocer la versión francesa, ya que aquí solo se conocía la italiana presentada por el Teatro Colón en 1969. Nada de esto quita valor al excelente trabajo de María Jaunarena, quien demuestra que  su notable trabajo en “Otra vuelta de tuerca” no fue producto de la casualidad, convirtiéndose en uno de los Directores de escena más notables de nuestro medio. Ha profundizado el argumento y cada uno de los personajes de Medea, todo tiene un sentido que profundiza el drama. Nada ha quedado al azar, la marcación actoral es notable, produciendo momentos de gran belleza visual y otros - como la escena final- de duro dramatismo. Excelente trabajo y esperamos con ansiedad poder ver nuevas puestas en un futuro próximo. Con una despojada, bella y ajustada escenografía de Gonzalo Córdova, quien también es el responsable de la excelente iluminación. La parte visual se convierte en otro baluarte de esta notable puesta. Lo mismo que el apropiado y bello vestuario de la misma María Jaunarena. Hernán Schvartzman, tal vez en su mejor trabajo hasta la fecha en nuestro país, agudizó todo el tiempo el sentido dramático de la partitura, logrando un gran trabajo de la orquesta. Más allá de algunos pequeños desajustes (típicos cuando se trabaja con instrumentos originales) , la orquesta vibró cada instante con el drama, demostrando claramente que estamos en presencia de un gran Director. 

Pero además esta versión contó con un magnífico elenco, donde fue notable el trabajo de preparación previa. Brillante bajo todo punto de vista el Coro dirigido por Sánchez Arteaga, con notable entrega y nivel expresivo, logrando momentos de gran belleza. En lo personal, luego de ver su participación en varios títulos, pero sobre todo en su último Oberto, creía que Sabrina Cirera sería una muy buena Medea. Su trabajo superó todas mis expectativas. Y pienso que es una de las pocas sopranos de nuestro medio que puede asumir el rol con el nivel brindado. Con una voz de notable volumen, excelente extensión y gran fuerza dramática, generó una Medea memorable. Se entregó con todas sus fuerzas al personaje - que por lejos lleva el peso total de la obra – manifestando su dolor de una forma casi introspectiva, acentuando el drama latente. Su voz está adquiriendo más peso y debe ser tenida en cuenta por el resto de los Teatros, ya que condiciones como las suyas no abundan. Maravillosa prestación, BRAVO. A su lado, no desmereció Eugenia Fuente como Neris, cantando con su bello y cálido timbre, actuando con hondura dramática y logrando brillantes contraescenas. Excelente trabajo. Darío Schmunck, a quien noté con una voz más robusta que en otras oportunidades, cantó con su reconocida línea de canto, la belleza de su timbre, notable sector agudo y gran sentido dramático. Su Jasón tuvo perfección vocal y muy buen aporte actoral, mostrando además – tal vez – la mejor dicción francesa del elenco. Otro trabajo para atesorar. Laura Pisani cantó con bello timbre, muy buena línea de canto y manejo de las coloraturas, transmitiendo a la perfección las inseguridades de su personaje. Además, lució una estupenda figura en uno de los momentos más arriesgados de la puesta. Alejandro Meerapfel cantó con autoridad su Creón, mostrando buena voz y excelente línea de canto y gran dignidad en lo actoral. Muy expresiva y con un muy interesante nivel vocal Laura Delogu, lo mismo que el resto del elenco. UN ¡GRACIAS! A Juventus Lyrica por regalarnos una esplendida versión francesa de Medea. Un trabajo que no será olvidado fácilmente y que todo amante de la ópera no puede perder la oportunidad de ver. Sin dudas, el mejor espectáculo operístico presentado en Buenos Aires hasta la fecha. Bravo!

INTERVISTA A GEMMA BERTAGNOLLI (soprano)

Renzo Bellardone

Dopo averla vista ed ascoltata diverse volte in teatro, qualche anno fa a Baveno ho avuto la fortuna di incontrare e conoscere Gemma Bertagnolli. Quando le ho parlato la prima volta, sono stato immediatamente colpito dall’enorme sensibilità, vasta cultura e disarmante disponibile semplicità. L’ho poi ancora ascoltata in varie occasioni dal vivo e ad ogni incontro provavo l’emozione di trovarmi dinnanzi ad una persona speciale. Quest’anno all’edizione del Baveno Festival ho avuto più occasioni di incontrarla, parlarle  e vederla al lavoro…e poi tra un sorriso ed una gentilezza, abbiamo pensato ad una intervista: eccola!

Carissima Gemma, ormai da anni sei un punto fermo per l’Umberto Giordano Baveno Festival, dove fai master class, prepari spettacoli e tu stessa ti proponi in concerto. Dopo aver girato tutto il mondo, essere stata ospite di imperatori,  come ti senti quando giungi sulle rive del Lago Maggiore?

Baveno è stato per me un luogo di bellezza, di amicizia, di laboratorio ed io al Festival  sono stata una degli ospiti più assidui e quando torno a Baveno è come ritornare a casa. Per me questo luogo è diventato una Patria: mi mancherà , l’ho amato tanto, ma se io perdo Baveno perdo una patria, se Baveno perde il Festival perde una cifra enorme che la definisce e la fa rimbalzare nel mondo. Anche grazie al nome dei suoi ospiti ed ai suoi progetti, il nome di Baveno  è stato lanciato ben oltre i suoi confini. In questo caso non parlerei di cultura (parola abusata come “amore” ), ma di civiltà, che non deve essere per forza un affare, per essere necessaria. Credo invece  indispensabile  creare l’habitat perché i bambini  crescano sani, intelligenti, che si confrontino e che gli adulti abbiano punti di riferimento e luoghi di aggregazione che sopperiscano all’isolamento cui costringe la nuova tecnologia.

Come accennavo, hai cantato nei luoghi più prestigiosi del mondo, con i colleghi più affermati ed i più  importanti direttori d’orchestra, ma sei rimasta una persona semplicissima che fa del suo sorriso il biglietto di presentazione

Si ho cantato veramente in mezzo mondo ed ho conosciuto posti dove la civiltà è esaltata ed altri dove è dimenticata e la “barbarie” cui si va incontro è proprio questa. Una volta per tutte dico che in questo momento storico credo  non esistano più il fronte della destra e della sinistra, ma il fronte della barbarie e quello della civiltà,  tenendo ben presente che se la barbarie  produce  guerra,  la civiltà produce pace! E non ho dubbi. Sono stufa di sentire parlare di logiche di destra o di sinistra: sono tutti teatri miserabili. L’uomo nasce per essere sempre più libero, più bello, più evoluto e non sempre più ricco! Non è questo lo scopo! Invece molte delle scelte di oggi seguono logiche di denaro e non di evoluzione.

Per considerare invece il tuo accenno alla semplicità, penso che all’interno di un gruppo civile ognuno fa quello che sa fare;  non è che chi canta è più vicino agli dei, e non è proprio mai il caso di “tirarsela”.

Gemma sei diventata interprete di riferimento per molti ruoli, affermandoti fin da inizio carriera quale interprete mozartiana

Ho la fortuna di aver cantato talmente tanta musica di Mozart –sacra, opere, cantate, mottetti- che mi sembra di  conoscerlo  intimamente ed ogni tanto gli parlo e  gli chiedo il permesso prima di cantare le sue composizioni. Ho conosciuto l’anima, a forza di cantare le sue note. Il sentimento della sua musica mi travolge:  “Quando penserete a me che sono morto e verserete una lacrima sul mio ricordo io soffierò il cielo sopra di voi” e quando cantando il suo Lied “Abendempfindung” arrivo a questo punto, ogni volta piango.

Se gli occhi sono lo specchio dell’anima, tu devi avere un’anima molto luminosa ed eloquente e quando canti, credo che la tua anima  si ravvivi ancor più

Soprattutto quando si entra in contatto con anime di persone che non ci sono più e la musica crea questo grande collegamento luminoso attraverso i secoli….

E  questa luminosità credimi, si sente anche ascoltandoti in CD; a proposito, ma quanti cd hai inciso?

Ti ringrazio per questo tuo sentire la luce dell’entusiasmo anche attraverso l’ascolto dei CD. Quanti sono? Decine e decine….

Sia come artista che come donna dai l’impressione di cercare e forse riuscire a vivere ogni attimo con l’intensità dell’unicità irrepetibile e questo ti rende speciale

Hai proprio colto la chiave della mia vita….Si è così; tutti portiamo sulle spalle un passato pesante e nel mio caso è fatto anche del pensiero di Bach, di Monteverdi o di Socrate e Platone…, ma dobbiamo vivere come se avessimo un futuro infinito o solo più un minuto !

Per tornare ancora al Baveno Festival 2014, dopo aver molto ben preparato gli allievi per l’intermezzo “la Vedova Ingegnosa” di Selliti  hai proposto un concerto jazz su musiche in larga parte del 600 (tra l’altro hai scritto delle bellissime note per il libro di sala)

Si, “la Vedova Ingegnosa” è stata una bella e riuscita realizzazione e sono particolarmente contenta che questo sia avvenuto a  Baveno che è un posto speciale, fosse anche solo per l’emozione che provavo ogni mattina aprendo la finestra…Circa il concerto allo Stabilimento Minerario è stato il risultato di una grande ricerca di quel fil rouge che collega la musica di tutti i tempi.

Quali sono i tuoi progetti immediati ?

A breve sarò a Dubronvik a cantare un’opera di Scarlatti e pensa che  questo  mio ruolo era stato scritto per Farinelli; questa volta porto due pesanti giganti :Scarlatti e Farinelli. Dopo sarò all’Aquila per incidere un Cd con “Gli Archi del Cherubino” un progetto nato nel 2007 da un’idea della mia amica Judith Hamza: sono  ragazzi speciali che suonano da quando son bambini e non dimentichiamo, sopra le macerie, anche se non per questo vanno ascoltati, ma per la loro bravura. Dopo, parto per il Giappone dove farò concerti per gli Imperatori.

Ed ora prima di lasciarti al tuo lavoro mi  racconti del tuo ‘buen  retiro’ quando riesci ad avere un raro  attimo tuo?

Venezia: la mia casa di Canareggio dove mi rifugio e mi sento “riparata” . Qui la mia anima, dopo aver lasciato brandelli dappertutto,  si riaggiusta, si ricompone, si ripara pronta a ripartire per nuove ricerche, nuovi cimenti, nuove sensazioni.

Grazie Gemma per la gentilezza che mi hai  riservato e ti confesso di sentirmi molto onorato e gratificato dal conoscere una persona speciale, quale tu sei.. Ti auguro un sacco di buona fortuna con un sentitissimo :  in bocca al lupo !

Intervista a Marina Bartoli (soprano)

Renzo Bellardone

Carissima Marina, a leggere la tua biografia e rapportandola alla  giovane età, veramente c’è da restare impressionati dalle interpretazioni già fatte e l’intenso programma dell’immediato futuro:

Grazie Renzo, si:  i prossimi mesi sono fitti di impegni. Tra una settimana, saro’ a Ste Menehould, in Francia: tutte musiche sacre del'600 (repertorio non facile), tra le quali spiccano la  rinomata e commovente “Canzonetta spirituale sopra la Nanna” di Merula e lo “Stabat Mater” di Sances.  Poi, sempre in Francia, tornerò ai miei primi “amori” barocchi (Vivaldi e Haendel), con splendide cantate per violino, voce e BC. A metà settembre mi aspetta un tour attraverso l'Est Europa, con tappe anche a Venezia e Verona, per un progetto denominato “Orient Baroque Express”, in cui tradizione occidentale ed orientale si fonderanno (tra gli strumenti: l'oud arabo). E a fine mese, per la prima volta, affronterò il pirotecnico ruolo di  Vagans della “Juditha triumphans”, sempre di Vivaldi.

Recentemente, in sodalizio con il celebre violoncellista Giovanni Sollima, ed in dettaglio al Baveno festival 2014, hai spaziato dal 1400 alla contemporaneità con la consapevole leggerezza che contraddistingue gli artisti consolidati

Giovanni incarna (ai massimi livelli) quello che è sempre stato un mio ideale nella musica: l'assenza di confini tra i generi. A me piace molto contaminare.

Le tue interpretazioni sono sempre caratterizzate da grande attenzione oltre che alla voce, anche  al movimento ed al coinvolgimento del pubblico

L'unione tra le arti è un altro dei miei ideali. Ai tempi dell'Università restai folgorata dalla lettura de “Il Cavaliere azzurro” di W.Kandinsky e F.Marc. Ricordo che sottolineai, in preda ad un entusiasmo febbrile, la frase (...)i mezzi di arti diverse sono esteriormente del tutto diversi. Suono, colore, parola!Ma nella loro profonda ragione interiore questi mezzi si equivalgono. Ecco perché, quando faccio musica, presto attenzione anche all'abito e agli oggetti che indosso, ai movimenti che compio, allo spazio scenico che mi circonda. Sempre da “Il Cavaliere Azzurro”:  Il mezzo scelto dall’artista è una forma materiale della sua vibrazione psichica, che chiede e impone un’espressione. Se è quello giusto, il mezzo produce una vibrazione pressoché identica nell’anima di chi la riceve.  Tra interpreti e pubblico la distanza va abbattut, dobbiamo imparare dagli artisti di strada o dai cantanti rock.

Guardandoti mentre canti si evince la tranquillità di chi ha disciplina nello studio e nella preparazione

Deve essere così, altrimenti meglio cambiare mestiere! Penso non ci sia niente di peggio che assistere ad un concerto in cui gli interpreti, invece di divertirsi sprigionando passione, gioia ed adrenalina, vivano con tensione il momento della perfomance

Bene..ora entriamo un po’ nella tua vita privata, tranquilla, senza esagerare…..preferisci una bella passeggiata nei boschi o in riva al mare?

Entrambi, a me basta che ci sia silenzio e natura. Però, se mi fai la classica domanda: “mare o montagna?”, ti rispondo subito mare. Sono cresciuta in Liguria, mio papà era un medico di bordo

Carissima Marina, grazie per aver concesso questa intervista e ti auguro un sacco di belle cose, ma ancor più uno scaramantico “in bocca al lupo”

Grazie a te Renzo! Crepi il lupo!

Tosca alla Cave San Giovanni di Crevoladossola

Foto: Martina Ferro

Renzo Bellardone

TONES on the STONES 2014 – 17 luglio ore 21,30 TOSCA –  Giuseppe Giacosa e Luigi Illica, musica di Giacomo Puccini. Floria Tosca - Maddalena Calderoni, Mario Cavaradossi          Giancarlo Monsalve, Il Barone Scarpia- Emilio Marcucci, Cesare Angelotti, Giovanna Tarasconi, Spoletta- Saverio Pugliese, Sagrestano - Romano Franceschetto, Regia - Renato Bonajuto. Scene e costumi- Laura Marocchino. Scenografia in video Mapping 3D a cura di Area Odeon. Direttore- Stefano Romani. Coro Schola Cantorum S. Geregorio Magno preparata da Maro Rolfi. Coro Giovanile della Provincia Vco diretto da Enrica Pletti. Orchestra Filarmonica del Piemonte.

Se l’opera è emozione, Tosca alla Cave San Giovanni di Crevoladossola   ne è stata la  sognante conferma. Arrivando per la prima volta alla cava si resta ammutoliti dalla spettacolarità risultante dal lavoro dell’uomo, cui andranno ad aggiungersi l’ingegno e l’arte. Il palco su due livelli è stato creato con blocchi  di granito, così come gli elementi scenici fissi sul palco e lo sfondo di marmo, che in una cifra unica e spettacolare valorizza il naturale contesto del teatro di pietra. Le proiezioni in Mapping 3D-innovativa tecnica di videoproiezione- hanno letteralmente trasformato la gigantesca parete in un frammentato palazzo Farnese, piuttosto che in un cielo dove ‘lucean le stelle’ con sotto lo scorrere di immagini di tutta Roma (quella che fino a prima tremava dinanzi a Scarpia). Convinto da anni che le proiezioni possono sostituire egregiamente ingombranti ed a volte troppo costosi  allestimenti, non posso che esprimere plauso al lavoro dell’Area Odeon che ha realizzato le luci e la suggestiva scenografia virtuale. La direzione dell’orchestra Filarmonica del Piemonte è stata affidata  al Maestro Stefano Romani che  ha tratto un’ attenta lettura con spunti emozionanti, mentre la regia, sul palco enorme e di forte impatto, è stata curata da Renato Bonajuto che, trattandosi di approdo dell’opera a Tones on the Stones, ha privilegiato la classicità che il foltissimo pubblico si attendeva dalla sperimentazione del’opera  alla cava. Laura Marocchino si attenuta alla stessa chiave di lettura  per scene e costumi. Tosca ha qui incontratto la voce del soprano Maddalena Calderoni, anche direttrice artista della rassegna, che ha inevitabilmente strappato l’applauso al “Vissi d’arte” interpretato con eleganza vocale, mantenuta in linea per tutta l’opera. Una nota particolare va riconosciuta a Emilio Marcucci nei panni di Scarpia, altezzoso ed arrogante; voce profonda e brunita spazia agilmente sul rigo, conservando linea di canto coinvolgente. Apprezzati Saverio Pugliese in Spoletta  e Giovanni Tarasconi in Angelotti; vera ovazione per il sagrestano di Romano Franceschetto.  A placare la trepida attesa è giunta alfin “O dolci baci oh languide carezze” …l’aria che mi fece innamorare dell’opera negli anni giovanili! Il giovane tenore cileno Giancarlo Monsalve, con alta presenza scenica, chiaro fraseggio  e morbido timbro ricco di sfumature, l’ha cantata con passione coinvolta. Cantante di provata bravura tecnica ed interpretativa ha fatto rivivere le fibrillanti emozioni di Cavaradossi  fino all’uccisione di questi, in cima al masso più alto e da dove, in preda alla disperazione, si è lanciata nel vuoto Tosca, mentre sulla parete di marmo appariva l’immagine di Castel Sant Angelo. Bravi i coristi della Schola Cantorum S. Gregorio Magno preparati da Mauro Rolfi e simpatici i ragazzi  del Coro Giovanile della Provincia del Vco diretto da Enrica Pletti. L’insieme della realizzazione è risultata talmente affascinante, da indurmi a concludere con  ancora una parola di apprezzamento per l’iniziativa  e per la globale emozionante suggestione  che luci, immagini, musica e voci insieme hanno dipinto, non solo sulle pareti di granito, ma anche nello spirito sensibile degli spettatori. La Musica vince sempre.

Baveno Festival 2014 - Cave di Granito Rosa

Foto Baveno Festival

Renzo Bellardone

BAVENO FESTIVAL  2014 – 18 luglio. Cave di Granito Rosa – Stabilimento minerario. Musiche di Juan Cabanilles, Diego Ortiz, Johann Hieronymus Kapsberger, Claudio Monteverdi, Andrea Falconieri, Gianluigi Trovesi, Barbara Strozzi, Giovanni Felice Sances. Gemma Bertagnolli, soprano, Gianluigi Trovesi, clarinetti e saxofono, Alessandro Palmeri, violoncello, Claudio Astronio, organo e cembalo

Incontrarsi…in concerto ed ecco che su un immaginario tappeto volante si è compiuto un viaggio dal 1600 alla contemporaneità. Leggendo infatti i nomi della maggior parte dei compositori ci si era posizionati temporalmente nel ricco ‘600 musicale, ma all’ascolto immediatamente ci si è ritrovati immersi  nel mondo del jazz e delle sue   nuove armonie. Le attente quanto esaustive note di sala di Gemma Bertagnolli, chiariscono che il “Seicento… è uno dei momenti più densi di ricerca di nuovi linguaggi…di un sentire profondo e passionale: la musica degli affetti”.  Il soprano, con la ben  nota caratterizzante passionalità, si esprime spaziando agilmente  tra i registri con leggera naturalezza: acuti, colorature e variazioni si confondono con timbri profondi in un caleidoscopico rincorrersi di note, sorrisi e brillantezza vocale. Il suo stare sul palcoscenico con tranquilla spontaneità affascina lo spettatore che viene ipnotizzato dalle espressioni e dalla luce degli occhi e  della voce. I musica quasi in jam session, entrano uno alla volta: per primo Claudio Astronio che inizia a suonare ancora a luci accese ammutolendo il pubblico, poi Alessandro Palmeri con il suo violoncello ed a chiudere il trio, Gianluigi Trovesi prima con il sax e poi con i clarinetti. Questo “strano ensemble” è risultato ben gradevole ed “educativo”, portando l’ascoltatore ad apprezzare nuovi suoni per scritture antiche in un amalgama di storicità e contemporaneità, come a riguardare un quadro del Caravaggio con occhio nuovo e scoprire in quei volti ed in quegli sguardi, i volti e gli sguardi di oggi. L’ideale linea di continuità ha sottolineato quanto la bella musica possa essere ascoltata in stili diversi, con colori e suggestioni diverse, strumenti diversi e contaminazioni riflettenti il buon gusto interpretativo: meritevole ricerca! Il grande clavicembalista Astronio, anche all’organo, ha tratto armoniche sensazioni dalle sue ispirazioni; il violoncello di Palmeri ha unito le diverse sonorità con la sua dolce e sicura voce; i clarinetti, ma ancor più il sax di Trovesi hanno improntato di contemporaneità musiche che vivono nel tempo. Speriamo che la Musica vinca sempre.