sábado, 30 de mayo de 2020

E’ il Capitano Alfredo Kraus

Alfredo Kraus copyright foto abc/ EFE

Gianluca Moro, tenor

‘Je crois entendre encore, caché sous les palmiers, sa voix tendre et sonore comme un chant de ramier !’ Un pomeriggio leggero e sincero come tanti, un classico pomeriggio italiano, che sa di caffè e spensieratezza… era questa l’atmosfera che faceva da sfondo a ciò che, presto o tardi, avrebbe preso con perfetto equilibrio il sopravvento su ogni altra cosa. Da quella fonte oramai nostra che è YouTube, ascoltai per la prima volta queste parole, cantate, emesse con garbo e fascino tale da avere con sé il dono di bloccare il tempo e renderlo uno schiavo  prostrato ai suoi piedi. Era la linea vocale di Alfredo Kraus ne “Les pècheurs de perles” (I Pescatori di Perle, Bizet) che dettava le regole del gioco, che teneva ben saldo il timone della nave sempre conscio della direzione che avrebbe dovuto prendere. Non un errore, non un passo falso, mani salde al timone e vento a favore. Nell’immaginario di noi “piccoli” questo era Alfredo Kraus, grande Maestro e Capitano di un contesto musicale e canoro che ancora non ha designato l’erede dell’ immenso tesoro che ci ha lasciato. Lui se ne andò nell’ormai lontano 1999, ma non ha smesso di vivere, di essere presente musicalmente parlando, di elargire con immensa generosità la sua preziosa arte da “First Class”: ci lascia un patrimonio degno di tale nome, un forziere di emozioni e nozioni, quel gioco di colori che mai si spengono. Sebbene a detta di molti non fosse dotato di un timbro eccessivamente affascinante, con punte di naso che qua e là facevano capolino anche nella sue  migliori prestazioni, ci rimane una voce dall’estensione notevole e gestita con un controllo più che eccelso, maturato negli anni e ben organizzato non a caso da una dote intellettuale certamente sopra le righe. Ciò che salta all’occhio, anzi all’udito per meglio dire, è in primis la gestione del fiato, punto cruciale per tutti gli studenti di canto che si affacciano in questa giungla di arte che è la musica vocale. La bellezza che si rivela nell’ascoltare quel fraseggio, quell’emissione centellinata al millilitro, quel suono che si fa tangibile e reale nota dopo nota come un fil di perle, che legate l’una all’altra producono un’indiscutibile relazione musicale degna dell’inimmaginabile. E’ un’arte quella del canto, così come lo è quella della conoscenza e gestione  del corpo, mezzo e strumento unico di infinita potenza per noi cultori della voce. Il canto è arte ma è anche scienza, è poesia ma è anche artificio, è mente così come è anche corpo. E’ una relazione tra più fattori che matura negli anni e a chi scopre il segreto della relazione tra gli elementi che lo creano viene conferito il passaporto di longevità vocale, di freschezza nell’emissione che dura nonostante l’età che avanza. Kraus era anche questo, un degno alleato dell’immortalità con cui ha stretto un patto a noi noto. Come tutti noi “studenti a vita” di un’arte che non perdona, anche lui ha avuto e vinto le sue battaglie . Che eredità ci lascia, che fortuna per me e per noi poter captare solo all’ascolto il modo in cui risolve un passaggio complicato, una frase tecnicamente complessa ma che si sgroviglia nella naturalezza più prorompente. A noi il compito di trarne ciò che è necessario per la nostra crescita, perché di questo si tratta, sempre e solo della crescita intellettuale. Alfredo Kraus è una guida, lo sono anche tanti altri al suo pari, Luciano Pavarotti o Tito Schipa per citarne qualcuno, ma ognuno di noi trova in queste figure del passato ciò che può proiettarci verso il nostro di futuro, che va costruito e pensato senza concedere alcuna restrizione all’incredibile. Siamo tutti potenziali eredi di un patrimonio che ci è concesso gratuitamente, una volta tanto, ma sta a noi scoprire il segreto dell’immortaltà. Tutti quanti seduti ad ascoltare e a dare voce, con la guida che più si confà alla nostra voce, alla nostra anima e alle perdizioni artistiche. Questo per me è il Capitano Kraus: una guida, una luce di chiarificazione della magica arte del canto, colma di segreti che collimano con gli stessi segreti che custodiamo nel nostro inconscio. Come lui, come te, come ognuno di noi, io sono solo una voce, ma certamente degna delle proprie sfumature.


viernes, 22 de mayo de 2020

Richard Wagner: 207 años después

Richard Wagner 

Por José Noé Mercado

Richard Wagner es una referencia del arte y la cultura occidental entera. Nació en Leipzig, el 22 de mayo de 1813, y murió en Venecia, el 13 de febrero de 1883; pero a 207 años de su nacimiento, sigue vigente como pocos autores del catálogo lírico antes del siglo 21.

Wagner es un compositor que cimentó una estética sonora por la que habrían de transitar músicos posteriores tan insistentemente —de Richard Strauss a John Williams; de Arnold Schönberg a Howard Shore o Hans Zimmer—, que algunos procurarían evitarla, negarla o contradecirla.


Y quizá lo hicieron —Ígor Stravinski es paradigma de ello—, pero sin poder ocultar que partieron de ella.

El potente ejemplo musical wagneriano, que no acompaña una acción escénica, sino que es parte indisoluble de su creación y expresividad, es un legado que resplandece, por ejemplo, en el cine contemporáneo; en un soundtrack que no tendría el mismo significado o peso dramático sin la palabra, sin el contenido visual, sin la estructura narrativa o la actuación, para el que fue concebido y es motivo conductor.

Wagner también fue un director de orquesta renombrado, si bien inició en teatros modestos, y a punto de la quiebra, que abandonaría con cierto escándalo. Pudo aquilatar como intérprete a otros compositores, su orquestación y uso de instrumentos —incluida la voz—, como color y efecto sonoro para explorar la paleta discursiva propia; además de que supo buscar para los músicos, obras y estilos que concertaba, el matiz adecuado, la técnica expresiva y el ritmo, la pausa, el timing teatral que se potenciaba ante el auditorio.

Un método, una enseñanza, un tipo de aproximación que lo distinguirían junto con Hector Berlioz y Gustav Mahler, entre lo más granado de la historia de la concertación musical.

Su aspiración como artista completo es también apreciable en Richard Wagner como un dramaturgo sólido que escribió los libretos para todas sus obras escénicas, que más allá de su gran extensión o dosis idealistas y románticas —reparos en los que algunos melómanos y estudiosos más identificados con otras escuelas artísticas más ligeras encallan—, en forma y fondo funcionan con armonía y alcanzan la universalidad.

Como teórico lúcido y reformista, este compositor alemán que naciera el mismo año que el italiano Giuseppe Verdi, aspiró a la música del porvenir y a la obra de arte total que habría de representarse en un sitio especial, casi místico, que debía procurar la inmersión sensorial, con aportes de isóptica, iluminación y un foso arcano para que el público no viera a la orquesta durante un drama musical —o peor aún a sus vecinos de butaca u otros distractores— y pudiera centrarse en el hechizo de la función. 

Fue un ensayista a veces rencoroso, criticable y mal agradecido; un adorador de las mujeres, de preferencia las ajenas; un hombre, en suma, fascinante y lleno de fuerza creativa, pero de claroscuros vitales que si bien no están a la par de su obra tampoco pueden obviarse porque, en rigor, la nutren o inspiran.

Las primeras tres incursiones operísticas de Wagner: Las hadas (1833: estrenada de forma póstuma en 1888), La prohibición de amar (1836) y Rienzi (1842), recuerdan sus años de penurias económicas y los peajes pagados para abrirse paso en la historia musical; pero igualmente muestran el origen del artista: hay claras influencias de la tradición lírica germana, principalmente de Ludwig van Beethoven y Carl Maria von Weber; de la gran ópera francesa y, en cierta medida, del belcanto italiano.

El holandés errante (1843), Tannhäuser (1845) y Lohengrin (1850) son óperas de consolidación, en las que Wagner sintetiza mitos, leyendas y temas épicos que dan unidad a toda una cultura. Por eso, por su potencial unificador nacionalista, su obra llegó a ser manoseada como instrumento propagandístico más adelante; en el régimen nazi, en concreto.


Claro que de ello él no tuvo la culpa y ni siquiera responsabilidad. Un director de orquesta, con visión humanista como el también pianista argentino —español, israelí y palestino— Daniel Baremboim, entre otros divulgadores del alcance universal, cósmico e incluso metafísico de la obra artística wagneriana, se han empeñado en conciliar esa música incluso con poblaciones afectadas por el nazismo y que en consecuencia desterraron todo lo que oliera al compositor.  

En esas obras de transición en las que también se rastrean pasajes biográficos, se manifiestan, con mayor claridad que en las primeras obras, inquietudes que hoy resultan indudablemente wagnerianas: la redención por amor, la paternidad interrogada, la incertidumbre por el origen y el futuro, la inmolación, la divinidad perdida, la imposibilidad de conjugar los afectos terrenales con los ideales marcados por un destino o el combate a la pasión erótica en la que de cualquier manera se sucumbe.

Así, Senta libera con su propia muerte al Holandés del castigo divino de la imposibilidad de descanso eterno por su osadía; el trovador Tannhäuser se debate entre el frenesí carnal por Venus y el amor puro de Elisabeth, quien habrá de redimirlo de ser excomulgado, con su propia inmolación; mientras que Elsa no puede dejar de interrogar al misterioso caballero Lohengrin que la salvara de una injusticia que le costaría la vida y descubre, con esa falta de fe en él, que es hijo de Parsifal y protege el Santo Grial, por lo que debe irse en su cisne por el río, tal como llegó.

En El anillo del nibelungo, el conocimiento profundo de estudios mitológicos, literarios y filológicos de origen escandinavo y germánico, sirvieron a Richard Wagner como fuente de inspiración para crear su propia cosmogonía, que inicia con la vida en el agua y termina con una destrucción apocalíptica del mundo, que simboliza el fin del orden y los pactos por las corruptelas de la estirpe divina y la vulneración dolosa de la naturaleza.

En 1848, Wagner pretendía escribir una ópera heroica que llamaría La muerte de Sigfrido, misma que habría de convertirse en El Ocaso de los dioses, precedida de un segundo libreto —escrito posteriormente— titulado El joven Sigfrido y de un tercero llamado El castigo de la valquiria, todo esto antecedido por un gran prólogo denominado El robo del oro del Rin.

Al contar ya con el libreto integral, Wagner redactó la música para las cuatro obras que estructuralmente forman El anillo del nibelungoEl oro del RinLa valquiriaSigfrido y El ocaso de los dioses. Este ambicioso proyecto se prolongó durante 26 años, ya que fue hasta 1874 cuando el compositor de Leipzig escribió, al pie del último compás de la partitura, la frase “No digo nada más”.


El estreno del ciclo completo debió esperar dos años más (agosto de 1876). Es decir, desde que Wagner emprendió la composición de esta colosal empresa, hasta que la viera escenificada, en el Teatro del Festival de Bayreuth, construido ex profeso para la ocasión y con todas sus aportaciones para el deleite estético, habrían de transcurrir 28 años.


Una saga distópica, poblada por generaciones de familias diversas: dioses, héroes, gigantes, nibelungos, valquirias, humanos y un dragón; con grandes cliffhangers y que exige una súper producción de alto presupuesto —para múltiples escenarios, una plantilla con decenas de cantantes especializados de primer orden y una orquesta ultra reforzada— como en los blockbusters actuales.
  
En medio de ese trabajo discontinuo, pero de unidad tan probada como los leitmotiven que tejen su música —células sonoras que identifican personajes, acciones, objetos y demás elementos significativos de la trama—, Wagner estrenó dos obras.


En la primera, Tristán e Isolda (1865), compuesta bajo el influjo de su relación sublimada con Matilde Wessendonck, esposa de Otto, su amigo y mecenas, asistimos a un amor de naturaleza tan profunda que, quizá, trasciende la imposibilidad de concretarse en vida y por eso recurre a buscar una oportunidad en la muerte.

La redención al redentor, que abordaba sus temas de forma tan dramática y tensa, llegaría con Los maestros cantores (1868), de carácter menos serio, incluso cómico para hablar de la naturaleza del canto lírico y su crítica, del viejo y nuevo arte; y con Parsifal (1882), una búsqueda de sanación para la herida que sangra y no cierra: la de la vida. No sólo un adiós del mundo creativo y de la existencia, sino su misma consagración solemne en el escenario.


Chen Reiss: Immortal Beloved - Beethoven Arias

Renzo Bellardone

Beethoven Arias
Academy of Ancient Music
Richard Eggar
Edizione Cd Onyx

En este momento de reclusión forzada por la crisis epidemiológica de 2020, es natural encontrar tiempo para escuchar una nueva grabación, lanzada aprovechando las celebraciones del 250 aniversario natal de Ludwig van Beethoven y, por lo tanto, fascinado por la bella interpretación de estas arias no muy conocidas del «genio de Bonn» La aireada musicalidad de Beethoven, combinada con su temperamento vigoroso, se explaya aquí con la hermosa interpretación de la Academia de Música Antigua bajo la dirección cuidadosa y sensible de Richard Eggar, quien dedica una gran consideración a los detalles, realzándolos para una escucha agradable. La soprano israelí Chen Reiss es una excelente intérprete de estas arias de Beethoven. Cuenta con un amplio repertorio que abarca desde el Ariodante de Händel hasta The Rake’s Progress de Stravinsky, pasando por Der Rosenkavalier de Strauss y Fidelio, la única ópera compuesta por Ludwig van Beethoven, que afortunadamente no es la única fuente de música vocal del compositor. Chen Reiss ofrece una ejecución filológica con una impronta interpretativa particular y con una agilidad de la que siempre brillan el corazón y la pasión, como en ‘Fliesse, Wonnezähre, fliesse!’, de la Cantata para la coronación del emperador Leopoldo IISu voz refleja frescura y claridad en un arcoíris imaginario lleno de colores brillantes. Su fraseo es claro, como en ‘No, non turbarti… Ma tu tremi, o mio tesoro’’ o ‘Ah! perfido… Per pietà non dirmi addio’, arias de concierto en italiano fáciles de escuchar, pero esa frescura es también muy evidente cuando canta en alemán, como en el aria de Marzelline ‘O wär’ ich schon mit dir vereint’ de Fidelio, ‘Die Trommel gerühret y ‘Freudvoll und leidvoll’ de la música incidental de Egmont, o ‘Es blüht eine Blume im Garten mein’ de la música incidental Leonore ProhaskaEscuchar a Reiss resulta fascinante, especialmente cuando la interpretación se vuelve descriptiva y la dulzura da paso a notas vertiginosas.

jueves, 7 de mayo de 2020

Arena di Verona - 2020


Renzo Bellardone

L’Arena di Verona è Opera,  spettacolo,  moltitudine di gente,  atmosfera…e mille altre sensazioni. Per chi può è già un’emozione alla presentazione della stagione consultare il cartellone con la propria agenda e cercare di riuscire ad incastrare almeno uno spettacolo, ed è bello farlo in compagnia. Purtroppo questo Covid 19 ha dettato le regole per troppe situazioni e quindi con rammarico pubblico questa informazione dal sito www.arena.it

ARENA DI VERONA 2020
Servizio FIRST CLASS 2021 per gli spettatori  2020
INFORMAZIONI GENERALI
È con rammarico che comunichiamo ai nostri spettatori e a tutti gli appassionati che purtroppo anche nella Fase 2 del periodo di contenimento del Coronavirus rimangono vietati i pubblici spettacoli e quindi le relative prove. Ad oggi dunque è divenuto oggettivamente impossibile per ordine dell’autorità e per forza maggiore allestire gli spettacoli programmati nel festival 2020. Il Festival 2021 della Fondazione Arena di Verona presenterà le produzioni originalmente previste nel Festival 2020 con l’aggiunta di ulteriori eventi di altissima levatura.

HAI UN BIGLIETTO 2020?
Fondazione Arena ha pensato quindi innanzitutto a tutelare tutti gli 80.000 spettatori affezionati che hanno già acquistato il biglietto per la Stagione 2020 e che fin da oggi potranno ottenere tutte le informazioni necessarie consultando il nostro sito internet arena.it o scrivendo all’indirizzo ServizioClienti@geticket.it o telefonando allo 0458005151.
LA PRELAZIONE 'FIRST CLASS' PER IL 2021
Dal 15 maggio al 14 giugno per tutti coloro già in possesso di biglietto 2020 sarà disponibile un servizio di prelazione 'first class', in collaborazione con Unicredit, attraverso sito, mail o telefono 

Durante questo mese tutti i possessori di un biglietto 2020 potranno:

- Assicurarsi per primi i migliori posti del Festival 2021 alla stessa tariffa con cui hanno acquistato il 2020, rimanendo validi tutti gli sconti ricevuti fino a oggi. 

- Cambiare titolo, posto e giorno della settimana. 

- Scegliendo un posto di valore equivalente, ricevere subito il proprio biglietto 2021

VUOI CAMBIARE POSTO?
Coloro i quali invece vorranno fare un upgrade di posto o un cambio verso una tariffa minore potranno farlo subito per poi ricevere il biglietto dal 15 luglio.
VUOI ASPETTARE?
Per coloro che non vorranno usufruire della prelazione, dal 15 giugno, secondo le disposizioni che saranno emanate dal Governo, sarà attiva la procedura di emissione dei voucher sul sito arena.it. Le condizioni relative ai voucher saranno rese disponibili sul sito arena.it dal 14 maggio.
VUOI DONARE?
Sempre dal 15 maggio sarà inoltre possibile donare il valore del proprio biglietto in favore dell'attività della Fondazione.
VUOI ACQUISTARE IL 2021?
Dal 15 luglio invece sarà disponibile per tutti la vendita dei biglietti 2021. 
Le condizioni per i tour operator e per le agenzie di viaggio saranno comunicate direttamente ai partner del festival.
I VANTAGGI PER CHI SCEGLIE LA PRELAZIONE
Sappiamo che oggi è difficile programmare per il 2021 in uno scenario di grande incertezza. Quello che chiediamo al nostro pubblico è di aiutarci a costruire un futuro di speranza per tutti i lavoratori della Fondazione e per il teatro che rappresenta l'identità operistica popolare dell'Italia. Abbiamo bisogno dell'aiuto di tutti per guardare insieme con fiducia al domani.

Riassumendo tutti i vantaggi del servizio di prelazione “First Class”:


Mantieni la stessa tariffa del biglietto 2020 (a parità di serata - incluse tutte le tariffe speciali) 

Puoi scegliere il posto migliore prima di tutti gli altri

Servizio first class realizzato in collaborazione con UniCredit per garantire ai clienti un’assistenza dedicata per la procedura di cambio del biglietto


Tante modalità di contatto: mail ServizioClienti@geticket.it, call center 0458005151, in biglietteria con il supporto di un operatore (non appena le condizioni sanitarie permetteranno la riapertura)


Sono possibili tutti i cambi data, cambio settore, cambio quantitativo dei biglietti


Tutti coloro che aderiranno alla prelazione o che decideranno di donare il proprio biglietto potranno essere inseriti in due speciali albi presenti sul sito arena.it e riceveranno un attestato di ringraziamento da parte della Fondazione.


Renzo Bellardone 7 maggio 2020

miércoles, 6 de mayo de 2020

il Rossini Opera Festival lancia "Domande all'opera"


Renzo Bellardone

Questa responsabile ‘fermata obbligatoria’ per emergenza sanitaria ha solleticato la fantasia di tutto il mondo teatrale ed anche il mondo dell’Opera. Ognuno si ingegna ad inventare delle soluzioni per mantenere il filo diretto con il pubblico e mantenere vivo il teatro e l’opera. Dal Rossini Opera Festival, con prudenziale speranza per l’edizione 2020, mi giunge questo comunicato stampa, con una nota di Giacomo Mariotti Ufficio Stampa Rof: 

“Buongiorno Renzo, anche Pesaro, finalmente, sta tornando alla normalità: è stata durissima. Sul tema ROF 2020 siamo, come tutti, in attesa delle disposizioni ministeriali. Abbiamo formulato una serie di ipotesi, e prenderemo la nostra decisione sulla base delle norme di sicurezza che ci verranno indicate. Per ora è impossibile dire di più.
A presto, un caro saluto”


IL ROF LANCIA “DOMANDE ALL’OPERA”
Nuovo progetto didattico online del festival rossiniano
Prenderà il via venerdì 8 maggio "Domande all’opera", nuovo progetto  didattico online che si inserisce nell’ambito dell’attività educativa  del ROF Crescendo per Rossini. Domande all’opera è realizzato assieme a Bravopera e Fondazione G.  Rossini, in collaborazione con Unitel e Ricordi e con il patrocinio  del Comune di Pesaro.

Il progetto capovolge il normale percorso educativo che parte dalla  spiegazione del titolo in generale e si conclude con la visione dello  spettacolo. Stavolta si inizierà subito dall’analisi di alcuni  estratti video dell’opera, di cui saranno illustrati via via gli  aspetti tecnici: il progetto non si basa su uno schema predefinito e  rigido ma sulle possibili spontanee domande che la visione dello  spettacolo lirico suscita.

La prima opera analizzata sarà L’Italiana in Algeri, sulla base del  travolgente allestimento curato al ROF 2013 da Davide Livermore (scene  e luci di Nicolas Bovey, costumi di Gianluca Falaschi), con la  direzione di José Ramón Encinar, alla guida di un brillantissimo cast  (Anna Goryachova, Alex Esposito, Yijie Shi, Davide Luciano, Mario  Cassi, Mariangela Sicilia, Raffaella Lupinacci) e dell’Orchestra e del  Coro del Teatro Comunale di Bologna.

L’iniziativa si rivolge agli alunni delle scuole di II grado e dei  giovani adulti fino a comprendere tutti coloro che, seppure a  conoscenza di cosa sia l’opera lirica, non ne conoscono i meccanismi e  le tecnicità. Il progetto nasce per una fruizione online e cerca il 
suo pubblico sia attraverso il canale tradizionale degli insegnanti e  delle scuole, sia attraverso i social media per trovare maggiore  interattività.

Il calendario del progetto, articolato in cinque sezioni di tre giorni  ciascuna, prevede per ognuna di esse la pubblicazione sui social media  di un breve video con domande e risposte brevi e la contemporanea  pubblicazione sul sito web di uno schema pdf interattivo con le  risposte più estese alle domande proposte nel video. Il giorno  seguente si procederà alla raccolta di altre domande e richieste da  parte del pubblico sui social media. Il terzo giorno verrà realizzata  un’intervista con un artista o professionista dell’opera che  risponderà a queste domande. Il progetto si concluderà con la  trasmissione in streaming dello spettacolo integrale sabato 30 maggio  alle 20 sul sul sito web del ROF. È previsto un kit per i professori  che volessero usare il materiale per approfondire ulteriormente  l’argomento con i propri studenti, con saggi critici, spiegazioni  dettagliate, libretto dell’opera. Tutto il materiale sarà disponibile  sui social media e sul sito del Festival.

Link alla pagina del sito dedicata al progetto: 
Link al video dedicato a "Cruda sorte": 

Pesaro, 6 maggio 2020.


martes, 28 de abril de 2020

Teatro Regio di Torino - Il Giorno mondiale della Terra


Renzo Bellardone

Il Teatro Regio di Torino è veramente effervescente e pur con le restrizioni imposte dal responsabile Lockdown, ha ideato diverse iniziative volte a mantenere vivo il rapporto con il pubblico e l’interesse che lo stesso nutre per l’Opera in teatro. Ecco che nel  75° Anniversario della Liberazione d'Italia, avvenuta il 25 aprile 1945, il Teatro Regio Torino dedica al ricordo delle donne e degli uomini che lottarono per la libertà l'Inno delle nazioni (1862) di Giuseppe Verdi. Eseguita nel 2010 dall'Orchestra e Coro del Teatro Regio diretti da Gianandrea Noseda con il tenore Francesco Meli in veste di solista, la pagina verdiana è un omaggio all'Italia risorgimentale che nella rilettura di Arturo Toscanini del 1943 si caricò di nuove ispirazioni, diventando messaggio di rinascita per il Paese in lotta contro il nazifascismo.

Per  la Giornata mondiale della Terra viene invece proposta La Pastorale di Beethoven nell'esecuzione dell'Orchestra del Regio diretta da Giandrea Noseda. Altre iniziative prestigiosa è stata #operaonthesofa ovvero vedere o rivedere delle belle produzioni comodamente seduti sul sofà di casa; a questo riguardo ricordiamo che con Orchestra e Coro del Teatro Regio di Torino, sono state trasmesse Manon Lescaut, Musica di Giacomo Puccini, con interpreti principali María José Siri, Gregory Kunde, Dalibor Jenis, Carlo Lepore, Direttore d'orchestra Gianandrea Noseda, Regia Vittorio Borrelli; Faust Musica di Charles Gounod, Interpreti principali Charles Castronovo, Ildar Abdrazakov, Irina Lungu, Direttore d'orchestra Gianandrea Noseda, Regia, scene e costumi Stefano Poda; Il barbiere di Siviglia, Musica di Gioachino Rossini, Interpreti principali Antonino Siragusa, Marco Filippo Romano, Chiara Amarù, Roberto de Candia, Nicola Ulivieri, Direttore d'orchestra Giampaolo Bisanti, Regia Vittorio Borrelli; La Sonnambula, Musica di Vincenzo Bellini, Interpreti principali Ekaterina Sadovnikova, Antonino Siragusa, Nicola Ulivieri, Direttore d'orchestra Renato Balsadonna, Regia Mauro Avogadro; Agnese, Musica di Ferdinando Paer, Interpreti principali María Rey-Joly, Markus Werba, Edgardo Rocha, Filippo Morace, Direttore d'orchestra Diego Fasolis, Regia Leo Muscato; L'italiana in Algeri, Musica di Gioachino Rossini, Interpreti principali Martina Belli, Xabier Anduaga, Carlo Lepore, Paolo Bordogna, Sara Blanch, Direttore d'orchestra Alessandro De Marchi, Regia Vittorio Borrelli; Violanta, Musica di Erich Wolfgang Korngold, Interpreti principali Annemarie Kremer, Michael Kupfer-Radecky, Norman Reinhardt, Peter Sonn, Soula Parassidis, Anna Maria Chiuri, Direttore d'orchestra Pinchas Stainberg, Regia Pier Luigi Pizzi; Il matrimonio segreto, Musica di Domenico Cimarosa, interpreti principali Carolina Lippo, Marco Filippo Romano, Alasdair Kent, Markus Werba, Monica Bacelli, Eleonora Bellocci, Direttore d'orchestra Nikolas Nägele, Regia Pier Luigi Pizzi; Nabucco, Musica di Giuseppe Verdi, Interpreti principali Giovanni Meoni, Csilla Boross, Ştefan Pop, Riccardo Zanellato, Enkelejda Shkosa, Direttore d'orchestra Donato Renzetti, Regia Andrea Cigni. IL Teatro Regio però non si è fermato qui ed infatti leggendo sul sito del teatro www.teatroregio.torino.it  si possono trovare tutte le info  ha lanciato : 

#LOperaTiSomiglia si ispira alla campagna di comunicazione del Ministero per i beni e le attività culturali e per il turismo “L’arte ti somiglia” nell’ambito di #ArtYouReady, in rete con i musei italiani, che rende accessibile e fruibile il patrimonio artistico italiano. Partecipare a #LOperaTiSomiglia è molto facile e divertente perché si tratta molto semplicemente di un gioco. Scegli la tua opera preferita o il tuo personaggio d’opera preferito Cerca cose che hai in casa per vestirti e dare vita al titolo o al personaggio che hai scelto Ricrea l’opera, il personaggio e scatta una foto Condividila con #LOperaTiSomiglia e #teatroregiotorino, e tagga il Regio su Facebook, Instagram e Twitter Noi ricondivideremo la tua Opera! Nella gallery sui social abbiamo pubblicato immagini di alcuni dei titoli più noti, per darvi qualche spunto.  Il gioco ora è nelle vostre mani. La Musica vince sempre

Renzo Bellardone
27 aprile 2020



lunes, 27 de abril de 2020

Teatro Coccia di Novara - ALIENATI, Opera Smart Working


Renzo Bellardone

Il teatro Coccia di Novara, unico teatro di tradizione del Piemonte, è sicuramente un teatro vivo e ricco di idee innovative e questa affermazione trova conferma anche nell’iniziativa di cui riporta il sottostante comunicato stampa, che per motivi personali non sono riuscito a pubblicare prima, ma che merita ampia considerazione.


Teatro Coccia, Novara
ALIENATI, Opera Smart Working
prossimamente su www.fondazioneteatrococcia.it


Una nuova produzione realizzata restando a casa 
e che si avvale dell’interazione con il pubblico


Novara, 20 aprile 2020. La modalità dello smart working applicata al teatro e alla lirica in particolare. Così nasce Alienati la prima Opera Smart Working ideata e prodotta da Fondazione Teatro Coccia.

In questo periodo di sospensione forzata dell’attività teatrale, la direzione del teatro novarese ha riunito una task force di compositori, autori, registi, cantanti per dare vita a un lavoro inedito che trae spunto dall’isolamento casalingo per generare connessioni.


Alienati è la storia di un gruppo di personaggi cui è richiesto, a causa di un’invasione - naturalmente aliena – di restare a casa, ma questo avvertimento genera inevitabilmente reazioni inaspettate da parte di tutti. Snodo di quasi tutti i racconti è uno psicologo che tiene le redini della vita di una nutrizionista, salutista vegana praticante yoga con lampade ayurvediche al sale accese h 24 perennemente stressata e tradita, a sua insaputa, dal marito; un ladro gentiluomo svaligiatore d’appartamento professionista, adesso n crisi per mancanza di lavoro e in cerca di evasione (in tutti i sensi); una bellissima donna single costantemente alla ricerca dell'anima gemella da coinvolgere in aperitivi prolungati (tentata dal fascino pericoloso del Ladro). Questi condividono intrecci di vite con una mamma insoddisfatta single e con l'hobby di distruggere le famiglie degli altri portando via i mariti, ma il tutto tenendo iperprotetta la sua angelica e pura figlioletta; un musicista, cantante, maestro di tutto ciò che ci può essere di musicale, seguito (poco) in rete da una enorme schiera di allievi, al 90% cinesi che non parlano l'italiano, ridotto a organizzare flashmob canori condominiali; uno chef, sedicente esperto di gastronomia, ma che in realtà si nutre di scatolame e junk food, non sapendo cucinare nulla; un avvocato di nome Garbugli, marito della nutrizionista e amante della rovina famiglie.

Particolarità dell’opera sta nella sua realizzazione artistica e creativa: i cinque compositori, Federico Biscione, Alberto Cara, Cristian Carrara, Federico Gon e Marco Taralli, hanno composto le arie per i protagonisti dell’opera condividendo a distanza suggestioni e mondi musicali. Il soggetto è stato affidato alla penna di Stefano Valanzuolo, Vincenzo De Vivo lo ha reso un libretto dal sapore divertente e a tratti irriverente. La magia di mettere insieme tutti questi elementi è nelle mani del regista Roberto Recchia, con il supporto di Federico Pelle, tecnico del suono che raccoglierà tutti i contributi audio li mixerà per dare profondità e chiarezza di suoni a un’orchestra virtuale. L’aspetto scenico e l’abbigliamento dei protagonisti saranno studiati da Giuseppe Palella.  Ma la novità di Alienati non è solo questa. Al pubblico che assisterà all’opera tramite il sito del Teatro Coccia www.fondazioneteatrococcia.it verrà data l’opportunità di scegliere il “destino” dei personaggi trovandosi di fronte a veri e propri bivi. La fruizione da casa rende gli spettatori anche protagonisti del racconto potendone decidere gli sviluppi.

Il cast di interpreti di questi personaggi alienati è formato da voci di altissima caratura e fama internazione: nel ruolo dello psicologo il baritono Alfonso Antoniozzi, la nutrizionista è il mezzosoprano Daniela Barcellona, il ladro gentiluomo è il basso baritono Nicola Ulivieri, la bella signora single è il soprano Barbara Frittoli, la mamma insoddisfatta è il soprano Davinia Rodriguez, sulla scena con la figlia Sofia Frizza, il musicista è il tenore Luciano Ganci, in scena con il soprano Giorgia Serracchiani, lo chef il baritono Roberto De Candia.

“Il Teatro Coccia non si ferma – dichiara il direttore Corinne Baroni – l’ho detto spesso in queste settimane e continuerò a dirlo, perché ci credo davvero. Dal primo momento di chiusura abbiamo continuato a tenere viva la luce dell’arte e a fare compagnia al pubblico a casa, da casa. Ma volevo fare qualche cosa in più, volevo che anche gli artisti sentissero la vicinanza del nostro teatro, che capissero che c’è ancora modo per scrivere, suonare, cantare, creare… So che questo modo non potrà mai sostituire l‘unicità dello spettacolo vissuto dal vivo, ma darà un vero esempio di come l’arte non si ferma mai, e non solo: darà anche un senso di solidarietà e comunità al territorio novarese”. 

Infatti Alienati sarà in onda sul sito del Teatro Coccia e la fruizione per il pubblico sarà gratuita, ma a tutti coloro che seguiranno la prima dell’opera verrà data l’opportunità di effettuare una donazione sul Fondo AiutiAmo Novara, fondo erogativo costituito presso la Fondazione Comunità Novarese onlus dal Comune di Novara in collaborazione con la Fondazione stessa e nato per sostenere, in una prima fase, chi ha bisogno di generi alimentari e di beni di prima necessità; in una seconda fase anche per sostenere esigenze contingenti importanti, di natura diversa. Attualmente, il Fondo ha già raccolto oltre 110.000 euro.

Chiunque può dare il proprio contributo donando sull’IBAN IT31W0306909606100000000300 o sul Conto Paypal all’indirizzo mail donare@fondazionenovarese.it sempre specificando la causale: Fondo Aiutiamo Novara. L’opera è stata anticipata da video “di preparazione” sui canali social del teatro e da un inusuale “Operitivo” realizzato ancora con Maurizio Sironi, bar tender di Cannavacciuolo Café & Bistrot. Per ulteriori informazioni si rimanda al sito www.fondazioneteatrococcia.it e ai canali Facebook, Instagram, Twitter e Youtube del teatro. La Musica vince sempre ! Comunicato riportato da Renzo Bellardone
27 aprile 2020

viernes, 10 de abril de 2020

Tosca di Puccini - Teatro Carlo Felice di Genova -musicalmenteinsieme.


Renzo Bellardone

In questo periodo di Lockdown, i teatri stanno facendo salti mortali e si stanno inventando di tutto, pur di mantenere vivo il rapporto con il proprio pubblico; in particolare i teatri d’opera hanno ideato piattaforme digitali, streaming e mille altre iniziative finalizzate a tenere vivo anche il teatro e l’opera!
Dal Teatro Carlo Felice di Genova, ad esempio mi giunge questo comunicato, riferito alla loro iniziativa  musicalmenteinsieme.

COMUNICATO STAMPA
La Tosca di Puccini, andata in scena al Teatro Carlo Felice nel dicembre 2014 con l’applauditissima regia “cinematografica” di Davide Livermore. Martedì 28 aprile, alle ore 20:00, sui canali social del Teatro Carlo Felice


Tosca di Puccini, un titolo su cui Davide Livermore lavora da molto prima dello spettacolo che ha inaugurato la Scala lo scorso 7 dicembre. Più di cinque anni fa, infatti, il 20 dicembre 2014, andò in scena al Teatro Carlo Felice una Tosca di cui Livermore firmava regia, scene e luci. Uno spettacolo molto diverso da quello recente milanese, ma apparentato almeno in un aspetto: il taglio cinematografico. Non c’è da stupirsi, dato cheTosca, per Livemore,è“una proto-sceneggiatura cinematografica, dove armonia e poesia creano un flusso narrativo degno di un classico thriller hollywoodiano.” La Tosca genovese di Livermore, a suo tempo molto applaudita e lodata dalla critica, si potrà rivedere martedì 28 aprile, alle ore 20:00, sui canali social del Teatro Carlo Felice, nel consueto appuntamento settimanale del ciclo #musicalmenteinsieme, l’iniziativa in streaming con cui la Fondazione lirico-sinfonica genovese tiene vivo il rapporto con il proprio pubblico fin dall’inizio dell’emergenza coronavirus. Una scenografia che modifica lo spazio creando angolazioni, campi, controcampi e piani sequenza. Allusioni cinematografiche presenti un po’ ovunque: la Roma di Magni e Fellini, la suspense di Nodo alla gola di Hitchcock, l’angelo de Il cielo sopra Berlino di Wenders. I costumi di Gianluca Falaschi che rendono visibile sul corpo stesso dei protagonisti lo scontro ideologico tra lo Stato Pontificio e la modernità illuminista. Queste le caratteristiche principali di una Tosca da rivedere o da vedere per la prima volta per chi l’avesse persa nel 2014. E da ascoltare, grazie a un cast di prim’ordine. Sul podio, il Maestro Stefano Ranzani dirigeva l’Orchestra, il Coro (preparato dal Maestro Pablo Assante)e il Coro di Voci Bianche (preparato dal Maestro Gino Tanasini) del Teatro Carlo Felice. Protagonisti: Maria Guleghina (Floria Tosca), Roberto Aronica (Mario Cavaradossi), Carlos Álvarez (Il barone Scarpia), Giovanni Battista Parodi (Cesare Angelotti), Armando Gabba (Il Sagrestano), Enrico Salsi (Spoletta), Davide Mura (Sciarrone), Cristian Saitta (Un carceriere), Filippo Bogdanovic (Un pastorello). Nelle Note di Regia pubblicate nel programma, Livermore scriveva parole oggi ancora più attuali: “L’Opera è arte, è bellezza, quella che attraverso la grazia espressa in questi giorni dallo straordinario lavoro di oltre 200 anime (tecnici e artisti del Teatro Carlo Felice) scandaglia la vertiginosa profondità della vita, raccontandone i bagliori e gl’inferi.”

Su:


Genova, 27aprile 2020,
L’Ufficio Stampa


Nello Santi y Mirella Freni purismo y humanidad



Foto: © Toni Suter / Opernhaus Zürich

Por José Noé Mercado [Articulo Cortesía Notimex]

[Dos relevantes artistas de la música clásica perdió Italia en febrero pasado justo en el momento en que la nación europea comenzaba a sufrir los estragos del Coronavirus…]

El mundo de la ópera ha perdido recientemente, apenas en febrero pasado, a dos de los mayores y últimos exponentes de la llamada vieja escuela lírica italiana. El jueves 6 murió el director de orquesta Nello Santi, a los 88 años, en su casa de Zúrich, Suiza, a causa de una infección sanguínea. Tres días después, el domingo 9 de febrero, en su natal Módena, fue la soprano Mirella Freni quien falleciera, a los 84 años, como consecuencia de una enfermedad crónico-degenerativa y diversos derrames cerebrales que la agravaron. Aunque ambos intérpretes, octogenarios, estaban en el ocaso de sus vidas, lo que supone plenitud y un cercano final del ciclo de existencia humana, al dolor de sus deudos personales y privados debe sumarse el público significado de sus bajas artísticas, que de ningún modo resultan vacíos menores.

Legado

Y es que tanto Santi como Freni brillaron con sus reconocidos talentos durante la segunda mitad del siglo XX, una de las épocas de mayor esplendor operístico gracias al auge de los registros en audio y video: a la radio, al disco y a la televisión, propiciando vínculos entre el viejo arte operístico que rebasa los cuatro siglos de historia y las nuevas generaciones de públicos e intérpretes. Entre los dos acumulan un legado cercano al centenar de grabaciones en las que no sólo desfilan los elencos mundiales más notables de su momento, sino que se encuentran las interpretaciones referenciales de todos los tiempos para un cúmulo de títulos, estilos y compositores, en especial del catálogo italiano. Y por si esas presencias como intérpretes no fueran suficiente herencia para la cultura operística, también debe mencionarse que conforme sus facultades artísticas personales fueron mermando, sus facetas pedagógicas, docentes, crecieron como guías para nuevos interesados en el quehacer lírico, tal como ellos mismos recibieron ese conocimiento técnico y estilístico de sus maestros, en una conexión intemporal sobre la forma distinguida y acaso esotérica de realizar este arte.

Palabras mayores

Nello Santi nació el 22 de septiembre de 1931 en Adria, región del Véneto, en Italia. Ya a los 20 años había debutado en su país al dirigir Rigoletto, de Giuseppe Verdi, uno de los autores en el que se le consideraría una autoridad. Pero unos años más tarde, en 1958, se trasladaría a Zúrich con el nombramiento de director de aquella casa operística en la que alcanzaría su mayor notoriedad, en una colaboración extendida por seis décadas, en las que también tuvo apariciones en los teatros más relevantes del mundo, entre ellos el Covent Garden de Londres, La Scala de Milán o el Met de Nueva York, recinto en el que dirigió más de 400 funciones. Además de referencia en el repertorio verdiano, Nello Santi lo fue también en el de compositores como Gioachino Rossini, Gaetano Donizetti o Giacomo Puccini. Dirigió a cantantes estelares de la talla de Cesare Siepi, Franco Corelli, Sherril Milnes, Carlo Bergonzi, Plácido Domingo y Juan Diego Flórez; y de Joan Sutherland, Anna Moffo, Montserrat Caballé o Anna Netrebko. Su estilo podría valorarse a partir de su aproximación respetuosa de la partitura hasta llegar a cierto purismo que prescinde de los excesos, los lucimientos o las tradiciones que no vinieran del puño y letra del compositor. En ese sentido, representa un claro vínculo entre Arturo Toscanini y Riccardo Muti. Palabras mayores, sin duda. Otro aspecto para ponderar en la concertación de Santi fue precisamente su gusto y entendimiento del canto lírico, de las capacidades y condiciones particulares de sus elencos, lo que le permitía potenciar una interpretación gracias a su cuidado de las voces, del volumen orquestal y de la imagen sonora del conjunto. Existen numerosos videos donde se aprecia al director cantar, con una simpática voz de bajo-barítono, durante los ensayos, prueba tanto de su conocimiento integral del libreto cuanto de su afición canora. Nello Santi es el decano de los directores de ópera italianos. Punto de conexión entre la antigua escuela de dirección de maestros como Tullio Serafin y Gianandrea Gavazzeni, y la escuela de nuestros días, continuada por figuras como Riccardo Muti. A él se le debe también la revaloración de títulos como L’amore di tre re de Italo Montemezzi, el cual grabó con un Plácido Domingo en plenitud de medios vocales. El legado de Santi permanece en generaciones y generaciones de cantantes al haber tenido una longeva vida artística. Será recordado con ese apelativo de fraternidad, estima y admiración con que era conocido: Papá Santi.

Sello distintivo
Foto:VivaModena.it 
Mirella Freni, por su parte, fue una cantante a la que siempre le importó la palabra, la dicción y el cabal entendimiento de lo que interpretaba; no sólo el sonido de las notas.  Y no le faltaba razón, pues, aunque su emisión siempre gozó de pulcritud técnica y extraordinaria musicalidad, a través de su fraseo sobre los labios proyectaba las intenciones, la psicología y el ánimo de sus personajes: una insignia expresiva de su arte que no todas las sopranos por su tipo de registro agudo pueden presumir. En rigor, es escaso el cantante lírico preocupado por esa transparencia de la palabra, aunque sea un despropósito difícil de creer. El legendario director de orquesta austriaco Herbert von Karajan dijo alguna ocasión que, si él hubiese sido cantante lírico, hubiera querido ser Mirella Freni”: La voz de Freni poseía algo de lo que pocos pueden preciarse, y es un timbre característico, identificable, como sello distintivo. Mirella Freni también fue una cantante como pocas: Poseedora de inteligencia para ir creciendo poco a poco su repertorio, empezó en papeles ligeros y avanzó a otros de mayor peso vocal a lo largo de su carrera. Además, siempre fue creíble su actuación en cada rol que interpretó en escena. Freni nació el 27 de febrero de 1935 en Módena, Italia, misma ciudad y año natal de Luciano Pavarotti, hermano de leche con el que entraría en contacto desde la infancia y al paso del tiempo sería su pareja de escenarios en múltiples funciones de títulos como La Bohème de Giacomo Puccini, que incluso grabaron bajo la batuta de Herbert von Karajan. La soprano debutó en Módena, a los 20 años, con el personaje de Micaëla en la ópera Carmen de Georges Bizet y a partir de esa fecha acumularía un selecto listado de roles pertenecientes a obras de compositores como Wolfgang Amadeus Mozart, Charles Gounod, Gaetano Donizetti, Giuseppe Verdi, Giacomo Puccini, Ruggero Leoncavallo o Pietro Mascagni. Sus interpretaciones de Mimì, Cio-Cio San, Desdémona, y algunas más que pueden rastrearse a lo largo de medio siglo de carrera desarrollada en los principales teatros europeos, además de ciudades norteamericanas de gran tradición lírica como Nueva York, Chicago o San Francisco, son muestra precisa de una soprano genuinamente humana antes que diva, heroína o mártir de telenovela. Cuando dejó los escenarios y abordó la enseñanza, también brilló. Un grupo de nuevos valores de la lírica, sin duda afortunados, pudieron aprender de su metodología técnica, de su disciplina y consejos profesionales, pero sobre todo de un ejemplo cimero de canto. La soprano honró así, a su vez, a su célebre maestro Ettore Campogaliani, quien forjó las bases de su instrumento y el de otras luminarias de la vieja estirpe como Renata Tebaldi, Carlo Bergonzi, Fiorenza Cossotto, Ruggero Raimondi o el propio Luciano Pavarotti.