sábado, 9 de diciembre de 2017

A coffee in Florence with Luca Pisaroni

Foto: Jiyang Chen, Leporello Teatro alla Scala - Brescia & Amisano

Suzanne Daumann

Luca Pisaroni is in Florence for a recital, and he accepted my invitation for a coffee and a chat at home.

SD: Luca, welcome, thank you so much for coming!

LP: Sorry for being late, I just drove down from Trento, it’s a longer drive than I thought. The public has no idea of the sacrifices a singer must make.

SD: How so?

LP: Well, it’s a lot of work, and so many different things one has to handle. Just imagine any opera performance: There is the singing, the movements, the props, then maybe the light blinds you or the orchestra is a bit out of tempo… The older I get, the more miraculous an opera production seems to me. There is so much that can go wrong!

SD: I’m glad to see that you’re finally working a bit more in Italy. Do you plan on coming to live here?

LP: Certainly not, not as long as I have a career. Of course there are worse places to sing than La Scala, and it was quite moving for me to come back to Milano, after all I studied there, but my career is in Europe.You see, at the Staatsoper in Vienna, they know their budget fours years in advance. And a few years ago, I was invited to sing in Venice and they called me two weeks before the performance to tell me that their budget had been cut by some 20%. This kind of thing could never happen in Austria. My wife and I live in Vienna, and people there are just so committed to the music, it’s really part of everyone’s life. In Italy, this culture has disappeared over the last years.

SD: Although you live in Vienna, I get the impression that German still isn’t your favorite language?

LP: I speak German at the post office or the grocery store, but with people that matter or in situations that matter, I am too conscious of my shortcomings to be really at ease. I prefer talking in English. Also at work, during rehearsals, everybody speaks English, and of course it’s very important to understand the stage director. Sometimes you need careful explanations to understand the stage movements and his view on your character. So I got a language coach when I started to study and I speak English with my wife and my family in Vienna.

SD: Modern productions don’t seem to bother you?

LP: At this point I have to quote Waltraud Meier, who said that it’s not so much about modern and period but about intelligent stagings. A modern production can be very intelligent and then I enjoy myself a lot. They help me find out new things about the characters I’ve been playing and about the story itself.

SD: I have the impression that here in Italy, period productions are more frequent?

LP: In Italy, everything is about beauty. Beauty of sound is primordial to most singers and conductors. Harnoncourt killed me on that. When I did my first production with him, as Masetto. There is this scene where Masetto gets beaten up by Giovanni, and I had to sing this line to Zerlina „Ah Zerlina, soccorso“ and I - sings - did something like that. At that point Harnoncourt stopped me and said: Look, you’ve just been beaten up and you hurt all over, do you think you could produce a sound like that right now? - So I tried to do it like this - sings - and Harnoncourt said: Yes, that’s it. You see, what matters is the truth of the story and the characters and sometimes it has to sound ugly in order to sound truthful. To me, as an Italian, that idea came as a shock.

SD: Sacrilege?

LP: No! A revelation! That idea came as a real liberation to me, it helped me a lot with my career.

SD: Luca, how do you see the future of classical music?

LP: Oh we are a disappearing species. When I teach master classes, I’m quite brutal with my students, I tell them to get a bread and butter job as well.

SD: Is it the competition with Asian singers?

LP: No, no. These are often fantastic technicians, I’ve heard people who sing ten times better than me, but they don’t have the Western culture, they simply don’t have this background of history and stories that we are used to and that is needed to really understand operas. It’s this culture in itself that is slowly dying I’m afraid…

SD: You have this great career, you are singing and traveling all over the place - is there a drawback, a downside to it?

LP: No, for me there really isn’t. I can only do it because my wife is always with me. There is no way I could live this life alone, I need to share the experience, the excitement. If I were alone, it would be like coming out of a movie and having nobody to talk about it.

SD: Yes, it always looks so sad when one sees the singers walk away on their own after a show…

LP: Exactly, I couldn’t do that. So I’m very grateful to my wife for allowing me to do the job I love.

SD: You are one of the lucky few who do what they really were born for, right?

LP: Yes, I simply love my job, I love to sing and to learn new roles and to be on the stage. The audience gives me so much back for what I give, after a show I really have more energy than before.

SD: As a performer, you bring to life what other people have created. Do you sometimes feel the need of creating something that lasts yourself?

LP: No, I can’t say that I do. I have to create my characters, over and over again. And even if I felt the urge to write or paint or whatever, right now I simply don’t have the time. This year I made seven role debuts, that, plus the concerts, plus the other operas - well you can imagine how little time that leaves me. Speaking of which: I have to go now, rehearsal for tomorrow.

SD: Thank you again, Luca, it was great having you here!


LP: Thank you, see you tomorrow.

Houston Symphony - Mojca Erdamann

Foto: Mojca Erdamann

Ramón Jacques

Vari concerti di inizio stagione della sinfonica di Houston sono stati cancellati a causa dell’inagibilità della Jones Hall dopo le inondazioni che ha sofferto la zona del teatro della città dopo il passaggio dell’uragano Harvey. Un gala dell’orchestra con il mezzosoprano Susan Graham è stato uno dei concerti cancellati, e finalmente, una settimana dopo, e tenendo come sede alternativa la sala da concerto Stude Concert Hall dell’Università di Rice, è iniziata la stagione con un programma sinfonico vocale molto soddisfacente. L’inizio del programma  è stato affifdato al Te Deum di Dvořák  con l’eccezionale partecipazione del coro della sinfonica di Houston, un pezzo in cui curiosamente decantava la naturalezza, evocando il suono degli uccelli mescolato con la musica popolare ceca, situando lo spettatore in un ampio spazio di aria libera. Forse un esempio di ciò che la naturalezza e la sua forza possono essere antagoniste risvegliando ammirazione o paura per i suoi effetti. La sala da concerto, più piccola della sala abituale, ha creato un effetto di intimità e vicinanza con la musica e il coro in controstante comunicazione con i solisti Profusione di percussioni, archi vibranti e omogenei nel suono, e con un graduale crescendo finale allora regalato un elettrizzante conclusione. Il basso Nicholas Brownlee ha cantato la sua parte con rigidità dando un carattere paternale alla sua interpretazione, profonda e  ferma. Da parte sua il soprano tedesco Mojca Erdmann ha cantato con timbro penetrante e buona proiezione le sue linee espressive e sublimi. Nella seconda parte il pubblico ha potuto assaporare gli appassionati colpi di scena della quarta sinfonia di Gustav Mahler, caricati di soave lirismo, ironia, grazia e impeto nella sua sovreccitata passione. Gli archi e i corni francesi hanno primeggiato in quest’esecuzione.  Il calore e la tranquillità del movimento più lento sono parse essere come un’entrata alla visione finale del cielo. Qui, la Erdmann ha mostrato un tono vibrante, fresco, flessibile e vivace. La direzione di Andres Orozco-Estrada è stata entusiasta e puntuale, salvo qualche imperfezione di sincronizzazione all’inizio il secondo brano, e la sua lettura è stata eloquente e sicura


Mozarteum Argentino – Temporada 2018

La 66º temporada de actividad del MOZARTEUM ARGENTINO será inaugurada, en el TEATRO COLÓN por la Camerata Salzburg. Veintinueve años después de su debut en nuestro país y con una trayectoria de seis décadas el célebre ensamble austríaco ofrecerá un programa que pone de manifiesto su ductilidad y excelencia, abarcando creaciones del Barroco al siglo XX, con la presencia, como solista, de una de las más reverenciadas cantantes argentinas en el ámbito internacional: la mezzosoprano Bernarda Fink (lunes 16 y martes 17 de abril)

Luego de su exitosa presentación para el Mozarteum Argentino, en 2009, retorna la Orchestre de la Suisse Romande. Esta eminente agrupación sinfónica que fuera fundada por Ernst Ansermet, hará así partícipe al público argentino de la gira mediante la cual celebra su 100º aniversario. Dirigida por Jonathan Nott, presentará dos programas diferentes con el argentino Nelson Goerner como solista en la primera fecha, interpretando el Concierto en Sol mayor de Ravel y con el debut del violonchelista francés Xavier Phillips en la segunda velada, ofreciendo el Concierto para violonchelo y orquesta de Dvorák. Lunes 7 y martes 8 de mayo.

Tres años después de su primera presentación para el Mozarteum regresa el coro de la Internationale Bachakademie Stuttgart, prestigioso en lo que hace al estudio y la interpretación de la obra del gran compositor germano. Junto a la agrupación vocal, recientemente rebautizada Gaechinger Cantorey, podrá escucharse a la orquesta barroca de dicha Academia, fundada por Hans-Christoph Rademann, quien dirigirá a ambos ensambles en el Magnificat de Johann Sebastian Bach.
Lunes 28 de mayo y lunes 4 de junio

En el mismo mes de junio se producirá el regreso de dos pianistas que han sido aclamados por el público en sus anteriores presentaciones en el Teatro Colón. En primer lugar, el lunes 11 llegará Dejan Lazic, el pianista austríaco de origen croata que ofrecerá un recital magníficamente ideado el cual estará dedicado a creaciones de Franz Liszt. Una semana más tarde, el lunes 18 de junio podrá escucharse un programa integrado por obras para piano de Chopin, Schumann, Ravel y Rachmaninoff en versión de Jan Lisiecki, el joven canadiense de tan solo 22 años de edad ya consagrado internacionalmente. Lunes 11 y lunes 18 de junio

La quinta función de la temporada estará protagonizada por Maxim Vengerov. A veintidós años de su primera presentación para el Mozarteum Argentino, el célebre violinista ruso vuelve a su amada Buenos Aires con un recital exclusivo para el público de la institución.  Lunes 13 y martes 14 de agosto

Una nueva cita sinfónica llegará en septiembre con una nueva visita de la Orquesta Filarmónica de Dresden. Con una tradición cercana a los 150 años de actividad, la agrupación germana ofrecerá dos programas bajo la dirección de Michael Sanderling y con la participación del afamado pianista rumano Herbert Schuch Sábado 8 (20 hs) y domingo 9 de septiembre (17 hs)

Septiembre será asimismo el mes en el cual se producirá el debut en argentina del Oxalys Ensemble. Agrupación fundada en 1993 por un destacado grupo de estudiantes del Conservatorio de Música de Bruselas, que ha ganado desde entonces un creciente prestigio siendo en la actualidad uno de los más importantes ensambles de cámara de Bélgica, interpretará el Nonetto de Nino Rota y el Septeto Op. 20 de Beethoven. Lunes 17 y lunes 24 de septiembre

Otro esperado debut se producirá en lo que será la octava función de la temporada: el de la extraordinaria pianista Yuja Wang, quien se ha posicionado, en los últimos años, como una de las mejores intérpretes a nivel internacional, asombrando con su arrolladora destreza técnica, aguda percepción musical e impactante carisma. Lunes 8 y miércoles 10 de octubre


La temporada 2018 culminará con la presentación de la Orquesta de Cámara de Viena, agrupación que mantiene un estrecho vínculo con el Mozarteum Argentino. En lo que será su séptima visita a nuestro país ofrecerá un programa que abarca de Mozart a la actualidad, contando con la dirección de Stefan Vladar, quien tendrá asimismo el rol de solista. Lunes 12 y miércoles 14 de noviembre.

http://mozarteumargentino.org/


Títulos de opera – Temporada 2018 del Teatro Colón de Buenos Aires

Teatro Colon 
TRES HERMANAS* De Peter Eötvös Ópera en tres secuencias (1997) Libreto de Peter Eötvös y Claus Henneberg, Basado en Tres hermanas, de Anton Chejov Nueva producción del Teatro Colón.  DIRECTOR MUSICAL INVITADO Christian Schumann DIRECTOR DE ESCENA Rubén Szuchmacher DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO Jorge Ferrari ILUMINACIÓN Gonzalo Córdova PRINCIPALES INTÉRPRETES OLGA, HERMANA MAYOR Jovita Vaskeviciute MASHA, HERMANA DEL MEDIO Anna Laprovskaja IRINA, HERMANA MENOR Elvira Hasanagić ANDREI, HERMANO Luciano Garay NATACHA, ESPOSA DE ANDREI Marisu Pavon VERSHININ, MILITAR Hector Guedes ESTRENO SUDAMERICANO * CONTEMPORÁNEO MARZO: Martes 13/ 20h/ GA; Viernes 16/ 20h/ ANT; Domingo 18/ 17h/ AV; Martes 20/ 20h/ ANN

LA ITALIANA EN ARGEL DIRECTOR MUSICAL INVITADO Antonello Allemandi DIRECTOR DE ESCENA Joan Anton Rechi DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA Claudio Hanczyc DISEÑO DE VESTUARIO Mercè Paloma DISEÑO DE ILUMINACIÓN Sebastián Marrero DIRECTOR DEL CORO Miguel Martínez PRINCIPALES INTÉRPRETES ISABELLA, LA ITALIANA Nancy Fabiola Herrera Florencia Machado MUSTAFÁ, BEY DE ARGE Nahuel Di Pierro Ricardo Seguel LINDORO, ENAMORADO DE ISABELLA Xabier Anduaga Santiago Ballerini TADDEO, ANCIANO, ENAMORADO DE ISABELLA Damon Ploumis Omar Carrión MAYO: Domingo 27/ 17h/ FE; Martes 29/ 20h/ GA; Miércoles 30/ 20h/ FE; Jueves 31/ 20h/ A JUNIO: Sábado 2/ 20h/ FE; Domingo 3/ 17h/ AV; Marzo 5/ 20h/ ANN Gioachino Rossini | 150 años

AIDA  DIRECTOR MUSICAL INVITADO Carlos Vieu CONCEPCIÓN ESCÉNICA Y DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA Roberto Oswald REPOSITOR Aníbal Lápiz VESTUARIO Aníbal Lápiz ILUMINACIÓN Rubén Conde DIRECTOR DEL CORO Miguel Martínez DIRECTORA DEL BALLET ESTABLE Paloma Herrera COREOGRAFÍA Alejandro Cervera PRINCIPALES INTÉRPRETES AIDA, PRINCESA ETÍOPE Latonia Moore Mónica Ferracani Haydee Dabusti AMNERIS, HIJA DEL REY Nadia Krasteva Guadalupe Barrientos María Luján Mirabelli RADAMÈS, CAPITÁN DE LA GUARDIA Riccardo Massi Enrique Folger Fernando Chalabe AMONASRO, REY DE ETIOPÍA Mark Rucker Leonardo López Linares MAYO: Domingo 27/ 17h/ FE: Martes 29/ 20h/ GA; Miércoles 30/ 20h/ FE; Jueves 31/ 20h/ AN JUNIO: Sábado 2/ 20h/ FE; Domingo 3/ 17h/ AV; Martes 5/ 20h/ ANN

TRISTÁN E ISOLDA  DIRECTOR MUSICAL Daniel Barenboim DIRECTOR DE ESCENA Harry Kupfer DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA Hans Schavernoch DISEÑO DE VESTUARIO Buki Schiff DRAMATURGIA Ralf Waldschmidt DIRECTOR DEL CORO Miguel Martínez PRINCIPALES INTÉRPRETES TRISTAN Peter Seiffert ISOLDA Anja Kampe ELENCO INVITADO DE LA STAATSOPER BERLIN JULIO: Miércoles 11/ 18h/ GA; Sábado 14/ 18h/ ANT; Miércoles 18/ 18h/ ANN; Domingo 22/ 15h/ 

PELEAS Y MELISANDE  De Claude Debussy Ópera en cinco actos (1902) DIRECTOR MUSICAL Enrique Arturo Diemecke DIRECTOR DE ESCENA Gustavo Tambascio DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA Nicolás Boni DISEÑO DE VESTUARIO Jesús Ruiz DISEÑO DE ILUMINACIÓN José Luis Fiorruccio.  MÉLISANDE, ESPOSA DE GOLAUD Verónica Cangemi PELLÉAS, NIETO DE ARKE Giuseppe Filianotti GOLAUD, HERMANO DE PELLÉAS David Maze ARKEL, REY Lucas Debevec Mayer GENEVIEVE, MADRE DE GOLAUD Y PELLEAS Adriana Mastrángelo AGOSTO: Viernes 31/ 20h/ GA SEPTIEMBRE: Domingo2/ 17h/ AV; Martes 4/ 20h/ ANT; Viernes 7/ 20h/ ANN Claude Debussy | 100 años

LA BOHÈME De Giacomo Puccini DIRECTOR MUSICAL INVITADO Joseph Colaneri DIRECTOR DE ESCENA Stefano Trespidi DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA Enrique Bordolini DISEÑO DE VESTUARIO Imme Moller DISEÑO DE ILUMINACIÓN Enrique Bordolini PRINCIPALES INTÉRPRETES MIMI, UNA COSTURERA Mariana Ortiz Marina Silva RODOLFO, UN POETA Attala Ayan Gustavo López Manzitti MARCELLO, UN PINTOR Fabián Veloz MUSETTA, UNA CANTANT Jaquelina Livieri Paula Almerares OCTUBRE: Viernes 12/ 20h/ GA; Sábado 13/ 20h/ FE; Domingo 14/ 17h/ AV; Martes 16/ 20h/ FE; Miércoles 17/ 20h/ ANT; Sábado 20/ 20h/ ANN; Domingo 21/ 17h/ FE; Martes 23/ 20h/ FE

LAS ESTACIONES DIE JAHERESZEITEN (HOB.XXI.3) De Joseph Haydn DIRECTORA MUSICAL INVITADA Carmen Moral CORO ESTABLE DEL TEATRO COLÓN DIRECTOR Miguel Martínez PRINCIPALES INTÉRPRETES HANNA, HIJA DE SIMÓN Daniela Tabernig SIMÓN, UN AGRICULTOR Hernán Iturralde LUCAS, JOVEN CAMPESINO Carlos Ullán NOVIEMBRE: Viernes 2/ 20h/ GA; Domingo 4/ 17h/ AV; Martes 6/ 20h/ ANT; Viernes 9/ 20h/ ANN

NORMA DIRECTOR MUSICAL INVITADO Renato Palumbo DIRECTOR DE ESCENA Stefano Viziolli DISEÑO DE VESTUARIO Aníbal Lápiz DISEÑO DE ILUMINACIÓN Rubén Conde PRINCIPALES INTÉRPRETES NORMA, SACERDOTISA DE LOS DRUIDAS Bárbara Frittoli Carla Filipcic Holm ADALGISA, SACERDOTISA RIVAL DE NORMA Annalisa Stroppa Alejandra Malvino POLLIONE, PROCÓNSUL ROMANO Gastón Rivero Fermín Prieto NOVIEMBRE: Viernes 30/ 20h/ GA DICIEMBRE: Sábado 1/ 20h/ FE; Domingo 2/ 17h/ AV; Martes 4/ 20h/ ANT; Miércoles 5/ 20h/ FE; Viernes  7/ 20h/ ANN

ÓPERA DE CÁMARA

EL TRIUNFO DEL HONOR IL TRIONFO DELL ´ONORE De Alessandro Scarlatti DIRECTOR MUSICAL INVITADO Marcelo Birman DIRECTOR DE ESCENA Violeta Zamudio PRINCIPALES INTÉRPRETES Victoria Gaeta Cecilia Pastawski Sofía Di Benedetto Rocío Arbizu Josue Miranda Pablo Urban ABRIL: Domingo 22/ 17h; Viernes 27/ 20h; Sábado 28/ 20h; Domingo 29/ 17h
Teatro 25 de Mayo

PIEDADE PIEDAD De João Guilherme Ripper DIRECTOR MUSICAL INVITADO Martín Sotelo DIRECTOR DE ESCENA Diego Ernesto Rodríguez PRINCIPALES INTÉRPRETES Laura Pisani Sebastián Angulegui Sebastián Russo AGOSTO: Sábado 25/ 20h; Domingo 26/ 17h; SEPTIEMBRE: Sábado 1/ 20h; Domingo 2/ 17h Sala del CETC

POWDER HER FACE POLVO FACIAL De Thomas Adès DIRECTOR MUSICAL INVITADO
Marcelo Ayub DIRECTOR DE ESCENA Marcelo Lombardero PRINCIPALES INTÉRPRETES Daniela Tabernig Santiago Burgi Hernán Iturralde



El Teatro Colón presentó su Temporada Artística y Actividades para 2018

Foto: Autoridades Teatro Colon, Juan Jo Bruzza

Daniel Barenboim, Ana Netrebko, Gustavo Dudamel, Julio Bocca, Juan Diego Florez, Bryan Terfel, Herman Cornejo, Marianela Núñez, Iñaki Urlezaga y Bruno Gelber, entre muchos otros artistas, pasarán por el escenario del Teatro Colón durante el 2018.

Este mediodía, en la Plaza Lavalle y en el Salón Dorado del Teatro Colón, la Directora General de nuestro primer coliseo María Victoria Alcaraz anunció las diversas actividades que el Teatro Colón desarrollará a lo largo del año 2018, acompañada por el Jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Horacio Rodríguez Larreta , el Ministro de Cultura de la Ciudad, Ángel Mahler, el Ministro de Cultura de la Nación, Pablo Avelluto, el titular del Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos de la Nación, Hernán Lombardi, y el Director General Artístico y de Producción del Teatro Colón, Enrique Arturo DiemeckeMaría Victoria Alcaraz, Directora General del Teatro Colón, dio comienzo al acto expresando su agradecimiento para “todo el equipo de conducción del Teatro Colón, y a todos los trabajadores” para luego agregar algunos de los objetivos previstos para el año 2018: “Apostamos fuertemente a que más vecinos vengan al Teatro Colón pero también que el Teatro Colón entre a la casa de más vecinos de la Ciudad”. A continuación, fue el turno de Ángel Mahler quién aprovecho para destacar que  la Temporada 2018 “tiene que ver con la historia del Teatro Colón, donde encontramos una lista de grandes artistas. Estamos orgullos de poder honrar la historia de un teatro increíble.” Para cerrar el acto al aire libre, Horacio Rodríguez Larreta manifestó: “Queremos que el Colón salga, porque es un orgullo de los porteños y de todos los argentinos. Por ello, somos un sólo equipo que trabajamos todos juntos para llevar esta maravilla de la cultura argentina a todos los ciudadanos.” Luego, en el Salón Dorado del Teatro Colón, Enrique Arturo Diemecke, Director General Artístico y de Producción del Teatro Colón, aseguró que 2018 “será un año de cosas importantes, celebraremos los 110 años de la inauguración del actual edificio, el Colón retomará el camino de producir para exportar, más de 100 cantantes y de 250 músicos argentinos formarán parte de la temporada 2018 así como también varios de los artistas más trascendentes de la actualidad nos estarán acompañando”.  Antes de brindar los detalles sobre la próxima Temporada Artística, indicó que “La música que hace que un bailarín pueda bailar, que un cantante pueda cantar, que un instrumentista pueda tocar, y la música que hace que el público pueda venir a disfrutar. La música que hace que éstas puertas se puedan abrir para que puedan entrar millones a enriquecer y alimentar el espíritu, el intelecto, y que podamos conectar la mente y el corazón.” La Temporada de ópera presentará siete títulos y un oratorio: Tres hermanasLa italiana en ArgelAida (celebrando los 110 años de la inauguración del actual coliseo que abrió por primera vez su telón con la presente ópera), Tristán e Isolda (con la dirección del maestro Daniel Barenboim al frente de la Orquesta Staatskapelle de Berlín), Peleas y MelisandeLa BohèmeLas Estaciones y NormaEl Ballet Estable, con la dirección de Paloma Herrera, presentará El corsario marcando el esperado regreso de Julio Bocca, en esta oportunidad como repositor coreográfico además de la participación de Herman Cornejo y Daniil Simkin, primeros bailarines del ABT. También se presentarán CoppeliaLa viuda alegre (con la interpretación de la primera bailarina invitada del Royal Ballet de Londres Marianela Núñez); Romeo y Julieta (con participación especial del bailarín Iñaki Urlezaga); y la clásica fantasía navideña de El CascanuecesLa Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, bajo la dirección de Enrique Arturo Diemecke, ofrecerá 18 Conciertos de abono con la participación de solistas invitados comoBruno Gelber (piano), Yan Pascal Tortelier (director), Sergio Tiempo (piano), Mischa Maisky liderando su trío y Jorge Federico Osorio (piano), entre muchos otros. Además, en la Usina del Arte, se presentarán 6 conciertos de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y 3 conciertos de la Orquesta Estable del Teatro Colón. También, se llevarán a cabo 2 conciertos extraordinarios en el auditorio CCK, uno de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y otro de la Orquesta Estable del Teatro Colón. El Festival Barenboim, en su quinta edición, bajo la dirección del maestro argentino Daniel Barenboim al frente de la Orquesta Staatskapelle de Berlín, tendrá 4 funciones de la gran ópera de Wagner Tristán e Isolda y 5 conciertos sinfónicos junto a la Orquesta Staatskapelle en el auditorio del CCK. El Festival se realizará en conjunto con el Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos de la Nación que dirige Hernán Lombardi y el Ministerio de Cultura de la Nación bajo la dirección de Pablo Avelluto. “El Gobierno Nacional y el Gobierno de la Ciudad estamos trabajando para lograr este proyecto y  llegar a la mayor cantidad de personas, para que conozcan, y disfruten las excelentes propuestas del Teatro Colón”, manifestó María Victoria AlcarazEl ciclo de grandes intérpretes internacionales contará con 5 grandes conciertos y recitales. Estarán presentes la Orquesta Filarmónica de Viena bajo la batuta del maestroGustavo Dudamel, la pianista Dubravka Tomšič Srebotnjak, la soprano Anna Netrebko, el bajo barítono Bryn Terfel y el tenor Juan Diego FlórezEl Abono Sinfónico Coral tendrá a lo largo del año tres conciertos con la participación del Coro y Orquesta Estable del Teatro ColónCon dirección de Martín Bauer, el Abono Contemporáneo presentará 4 propuestas entre las cuáles se destacan tres films de Luis Buñuel con música original en vivo del compositor Martín Matalón y el aclamado e internacional Cuarteto Arditti junto al pianista inglés Nicolas HodgesEl Colón para chicos realizará los ballets Alicia en el país de las maravillas y Coppelia Música “A la Rossini” estará presente en las vacaciones de invierno y un concierto didáctico llamado La Boutique FantasqueEl Centro de Experimentación del Teatro Colón, con dirección de Miguel Galperín, con un total de 10 propuestas y más de 26 funciones, se destaca un homenaje al compositor argentino Mauricio Kagel a 10 años de su fallecimiento y un espacio de talleres coreográficos con integrantes del Ballet Estable del Teatro Colón. intérpretes Argentinos, el ciclo dominical gratuito, comprenderá 12 conciertos entre los cuáles se destaca la Orquesta Filarmónica de Mendoza, Opus Trío, Trío Luminar, Trío Ginastera y El Coro de Niños del Teatro Colón, entre otros. El ciclo Ópera de Cámara, que dirige Marcelo Lombardero, continuará su programación como proyecto itinerante para llegar a distintos escenarios de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, promoviendo a jóvenes artistas.

Four weddings a funeral and a Coronation - Tafelmusik Baroque Orchestra, Toronto

Foto di Jeff Higgins

Giuliana dal Piaz

Toronto, 29-XI-2017. Trinity-St. Paul’s Centre. Stagione 2017-18 della Tafelmusik Baroque Orchestra FOUR WEDDINGS, A FUNERAL AND A CORONATION (29 novembre-3 dicembre). Musiche di Jean-Baptiste LULLY, Henry PURCELL, John BLOW, Johann PACHELBEL, Marc-Antoine CHARPENTIER e George Frideric HAENDEL. Direttori: Elisa CITTERIO e Ivars TAURINS. Orchestra Barocca e Coro da Camera TAFELMUSIK di Toronto. 

Con un titolo giocosamente ispirato a una commedia britannica di successo negli anni ’90 (Quattro matrimoni e un funerale), la Tafelmusik Baroque Orchestra entra nell’atmosfera delle festività di fine anno. Diretto per la parte strumentale da Elisa Citterio e per il coro da Ivars Taurins, il concerto nasce da una decisione congiunta. Come hanno spiegato i due Direttori, nel corso di una breve sessione di domande e risposte, al gruppo di persone rimaste dopo il concerto, esisteva da tempo l’idea di eseguire la Messa scritta da Charpentier per il funerale del Duca di Lussemburgo e Maresciallo di Francia (tra l’altro, il pezzo più lungo in programma); per contrasto, Elisa ha proposto di abbinarvi musiche composte in Francia e in Inghilterra per altre occasioni solenni, per l’appunto quattro matrimoni reali e l’incoronazione di Giacomo II Stuart. Seguendo un criterio cronologico, si inizia con alcuni brani strumentali dal Serse di Jean-Baptiste Lully, a cui è stata aggiunta la Ciaccona, parte per l’appunto di una scena di matrimonio nel Roland dello stesso Lully (1660). Dalla Francia all’Inghilterra, con Henry Purcell, la Sinfonia dall’ode “From Hardy Climes Z 325” composta per le nozze della futura Regina Anna col Principe Giorgio di Danimarca (1683); e l’inno composto per l’incoronazione di Giacomo II Stuart da John Blow, “God spoke sometimes in visions” (1685). Il primo tempo del concerto si è chiuso con un brano frequentemente eseguito ancora oggi per i matrimoni canadesi: il Canone in Re Maggiore e Giga del tedesco Johann Pachelbel per tre violini (Elisa Citterio, JuliaWedman e Thomas Georgi) e continuo (Lucas Harris, chitarra barocca, Allen Whear, violoncello, e, per la Giga, Charlotte Nediger, clavicembalo). La seconda parte del concerto, ha compreso una magnifica esecuzione strumentale e corale della Messe des morts H 10, di M.-A. Charpentier (1695) e de Il Parnasso in festa di Haendel, Ouverture e coro “S’accenda pur” (1734). Malgrado le occasioni per cui furono scritte, non si tratta di composizioni grandiose punteggiate da pomposi squilli di trombe: sono opere del primo barocco, piene di grazia e di virtuosismi, tutte rese dalla Tafelmusik Orchestra e dal Coro con grande professionalità e delicatezza di tocco. Al concerto ha fatto seguito una breve sessione di Domande e Risposte con i due Direttori, Citterio e Taurins, e il tenore Cory Knight. Mi ha dato da pensare il tipo di domande poste ai musicisti, centrate sull’aspetto organizzativo, logistico o la possibilità che gli “strumenti d’epoca” utilizzati fossero o meno originali del periodo barocco (come ha fatto notare con spirito il tenore, solo il suo “strumento” è davvero identico a quello barocco). Nessuna domanda è stata posta, invece, sulle partiture o gli aspetti musicali dei vari brani. Da quando Elisa Citterio ha assunto la direzione artistica della Tafelmusik, gli strumentisti sembrano galvanizzati dalla sua presenza e dal suo stile, e ne seguono con entusiasmo e precisione il vivacissimo violino: anche se si è sempre trattato di un’orchestra d’epoca di alto livello, sembra evidente lo svilupparsi nei concertisti di un grande feeling con il loro nuovo Direttore. L’aumentata vivacità e vigore dell’orchestra pare tuttavia suscitare qualche perplessità tra alcuni membri più anziani del pubblico: è stata posta infatti la domanda se la maggior velocità di esecuzione sia dovuta al desiderio di compiacere l’audience più giovane e di adeguarsi all’attuale compressione dei tempi. La risposta di entrambi i Direttori ha confermato trattarsi invece di una conoscenza più approfondita delle composizioni originali, grazie allo studio che viene fatto dei metronomi d’epoca. Ma indubbiamente la personalità del Direttore ha qualcosa a che vedere: la “Messa di Requiem” di Mozart non è la stessa sotto la bacchetta di von Karajan che sotto quella di Bernstein. Eccellente la prestazione del coro: lo stile di direzione del Mº Taurins può apparire troppo movimentato, ma non c’è dubbio che la sua personalissima maniera di guidare l’insieme dei cantanti, tra i quali vari ottimi solisti, ottenga degli straordinari risultati.

Marin Alsop Conductor Prize

Marin Alsop
The São Paulo Symphony Orchestra Foundation – Fundação Osesp is proud to announce that our Music Director Marin Alsop will become Conductor of Honour at the end of her 8-year tenure, in December 2019. Since she became Chief Conductor, in 2012 (and Music Director one year later), Marin Alsop has been responsible for many remarkable achievements of our Orchestra. Under her baton, Osesp has appeared twice at the BBC Proms, and it has also played for the first time at the Berlin Philharmonie, London’s Royal Festival Hall, Lucerne and Edinburgh Festivals, and Vienna’s Konzerthaus, among other prestigious venues. It has also gone on tour in Brazil, celebrating the Orchestras’s 60th anniversary in 2014.  A complete cycle of Prokofiev’s Symphonies has been released on CD (for the Naxos label), and two new CDs with works by Leonard Bernstein will be released for the composer’s centennial celebrations next year, as part of a boxed set devoted to Ms. Alsop’s long relationship with Bernstein. In the course of the next two seasons, 2018 and 2019, among other projects we plan to release a complete cycle of Brahms’s symphonies on video, conducted and with commentary by Maestra Alsop. Her expert guidance has helped raise the profile of our Orchestra both nationally and internationally; and her humanistic approach has been an inspiration to many of our educational and outreach activities too. She has been active at our International Winter Festival in Campos do Jordão (now in its 48th season), where she has taught several promising Brazilian conductors; and she was also responsible for the creation of a Conducting Class at our own Osesp Academy, To celebrate this long-standing partnership, the Foundation is happy to announce the creation of a Marin Alsop Award for Young Conductors. The details of this prize, which will be for young Brazilian conductors only, will be released in due time. In the words of the President of Osesp Foundation, Fábio Barbosa, “Marin Alsop has been an inspiring Music Director for an extended period of time in São Paulo, and we are truly happy that she will continue to work with our wonderful musicians as the São Paulo Symphony Orchestra’s Conductor of Honour. She is a moving force in the music world, and we are fortunate to have her as our friend and partner. Marin Alsop writes: “I am incredibly proud of our achievements together – from our hugely successful international tours and recordings to our leadership in educating the next generations of young musicians and, especially our many memorable concerts together for our wonderful listeners at Sala Sao Paulo. I look forward to a long association with OSESP and with Brazil.” In 2018 Ms. Alsop will conduct the São Paulo Symphony Orchestra for ten subscription weeks (30 concerts), and she will also continue to teach conducting masterclasses at the Academy. For 2019 there will be many special programmes, including two weeks of celebrations to mark the 20th anniversary of our renowned Sala São Paulo. For the Artistc Director of Osesp, Arthur Nestrovski, “Marin has made a historical and indelible contribution to our Orchestra. The São Paulo Symphony Orchestra has developed into a first-class ensemble of international renown, and during these years we have also been able to establish relationships and partnerships with many leading artists and institutions around the globe. “Marin has brought to the orchestra the reliability and inspiration needed to transform it into a unique ensemble”, states the Executive Director, Marcelo Lopes. “She has also encouraged us continuously to strive for excellence, not only on the platform, but on all aspects of the organization.” We congratulate Maestra Alsop for so many great achievements, and we thank her for this very successful history together. May we always be able to make music together, and together to work for a better world, and a more inclusive society, reaffirming the spirit which has always guided all of us at Osesp Foundation.

El Trovador en el Teatro Regional de Maule (Talca, Chile)

Foto: TRM

Joel Poblete

¡Qué gusto da comprobar en vivo y en directo cómo la ópera se sigue abriendo camino a lo largo de Chile! Aunque tradicionalmente la actividad lírica se ha centrado en el Teatro Municipal de Santiago, en los últimos años ya se ha ido convirtiendo en tradición que distintas ciudades y regiones se atrevan con el género, ampliando los públicos y demostrando que también es posible apostar por este tipo de espectáculos fuera de la capital del país. ¡Y mayor mérito considerando cuando se cuenta en gran medida con talentos nacionales! En los últimos años ciudades como Rancagua, Concepción y Temuco han dado importantes pasos, y particularmente en Talca, tres horas al sur de Santiago, el Teatro Regional del Maule (TRM) es uno de los escenarios que más permanentes esfuerzos ha estado realizando en este ámbito. Luego de los elogios de la crítica local en los dos últimos años con La traviata y Otello, a fines de noviembre nuevamente ofrecieron, en sólo dos funciones, un título de Giuseppe Verdi. El turno fue ahora de la popular El trovador, que tuvo su estreno la noche del jueves 30, con un elenco casi completamente chileno. 

En esta ocasión, una vez más la dirección musical, al frente de la juvenil y muy competente Orquesta Clásica del Maule, estuvo en manos de su director titular Francisco Rettig, el maestro chileno que ha destacado a nivel latinoamericano y quien pocas semanas antes había dirigido en el Municipal de Santiago otro título verdiano: Aida. Su lectura fue vigorosa y aunque en algunos momentos no siempre apoyó por completo a los solistas vocales (lo que incidió en ocasionales desajustes), tuvo instantes muy lucidos y supo transmitir lo teatral y comunicar tanto el dramatismo como el lirismo de algunos pasajes. 

Cantando por primera vez en su carrera el rol titular de esta ópera, el trovador Manrico, luego de su aplaudido debut local protagonizando Otello el año pasado, regresó el tenor chileno radicado en Europa Giancarlo Monsalve, quien a lo largo de una década de actuaciones internacionales ha logrado actuar en escenarios como la Arena de Verona, el Covent Garden de Londres y las Óperas de Zurich y Baviera, entre otros, pero hasta estas funciones en Talca nunca había interpretado una ópera en su país de origen. Con un físico adecuado al perfil romántico del personaje que encarna, Monsalve tiene una voz de spinto de innegables cualidades, aunque su registro, la proyección y la emisión de las notas es muy variable a lo largo de la función; su canto arrojado y no demasiado sutil, así como el particular fraseo, parecen más adecuados al estilo verista que a Verdi, pero si bien no se lució tanto como cabía esperar en su gran escena -el aria "Ah si, ben mio" y la siempre temida "Di quella pira"-, estuvo mucho mejor en el último cuadro de la obra y considerando las demandas del papel, cumplió de manera eficaz y logró entusiasmar a la audiencia. 

Uno de los aspectos que más expectativas generaba entre los operáticos locales era el debut de dos de las cantantes chilenas más destacadas de los últimos años, en roles considerados entre los más demandantes de sus respectivas cuerdas: la soprano Paulina González como Leonora, y la mezzosoprano Evelyn Ramírez como la gitana Azucena. La primera ofreció en lo escénico una versión más decidida y aguerrida que lo habitual en el personaje, mientras en lo vocal partió muy cauta, cuidando especialmente las notas agudas, pero su cometido fue progresando a medida que avanzó la función, culminando en una estupenda penúltima escena de la obra, donde supo asumir con inteligencia y delicadeza una tras otra la tremendamente exigente y expuesta "D'amor sull'ali rosee", seguida por el "Miserere", "Tu vedrai che amore in terra" y el dúo con el barítono; por supuesto que podrá seguir profundizando su Leonora con el paso del tiempo, pero para ser la primera vez, fue un nuevo y meritorio logro de esta artista que sigue dando importantes pasos en la ampliación de su repertorio, y continúa así con la senda verdiana iniciada con su Violetta en La traviata y Desdémona en Otello. Por su parte, Ramírez nos tiene acostumbrados no sólo a su enorme calidad como intérprete, sino además al eclecticismo en las obras que aborda: tan cómoda en el barroco, Mozart y Rossini como en Mahler o en obras de autores como Stravinsky y Weill, o en la Carmen que volvió a cantar recientemente en Rancagua, en un principio por temperamento y color vocal no parecía muy idónea para Verdi y la vengativa gitana Azucena; y aunque en efecto en el balance final no parece estar en su total elemento en este célebre personaje, se desempeñó con su habitual profesionalismo y seguridad, con su ya conocido desplante actoral unido a una excelente caracterización y maquillaje, y supo adecuar su voz a lo que demanda la partitura, culminando en una muy lograda y electrizante escena final. 

Quien ofreció la labor más completa y satisfactoria de entre los cantantes principales fue el más veterano, y a la vez el único integrante internacional del elenco, el barítono argentino Omar Carrión, muy conocido por el público chileno y quien siempre ha destacado por sus interpretaciones verdianas: en el Municipal de Santiago ha cantado en La traviataRigolettoSimón BoccanegraI due Foscari y también en El trovador la última vez que esta obra se ofreció en Chile, en 2013. En 2012 ya había cantado en el TRM, como Fígaro en El barbero de Sevilla rossiniano, y ahora regresó a ese escenario apenas un par de días antes del estreno, para reemplazar al colega chileno originalmente considerado para el rol del Conde de Luna. Carrión demuestra siempre un oficio a prueba de balas, supo manejar muy bien su voz y su canto noble fue el más adecuado al estilo del compositor, lo que el público supo apreciar, a juzgar por los sonoros aplausos recibidos al término del estreno. 


El bajo David Gaez ha demostrado en diversas ocasiones en los principales escenarios del país su talento y calidad vocal, pero interpretando a Ferrando -un rol menos relevante que los cuatro solistas principales, pero que de todos modos presenta innegables exigencias- no estuvo en una de sus mejores noches, al menos en el estreno; muy adecuado en la zona media y grave, tuvo problemas en prácticamente todas las notas altas, aunque fue correcto en lo escénico. En personajes secundarios, estuvieron bien la soprano Camila Guggiana como Inés, el tenor Gonzalo Araya como Ruiz, y dos integrantes del coro que tuvieron intervenciones solistas: el tenor Edman Leal como mensajero y el barítono Gonzalo Orellana como un gitano. Por cierto, el excelente coro, dirigido por Pablo Ortiz, fue uno de los elementos más sólidos de la función. 

Y otro de los aspectos que ayudaron a hacer más valioso este título en el TRM fue definitivamente su propuesta visual. Cada vez más fogueado como director escénico en teatros dentro y fuera de Chile -hace pocas semanas estuvo a cargo de la Carmen en Rancagua-, el cantante Rodrigo Navarrete fue el responsable de una puesta dinámica y viva, preocupada de los detalles y alejada del estatismo en que a veces caen otros montajes de este título, la que incluso contó en una escena con la participación de soldados reales del Regimiento de Infantería de Talca. Fundamental en su cometido fue la notable apuesta por una escenografía no corpórea en el sentido tradicional del término, en base a pantallas LED dispuestas como paneles movedizos donde se veían digitalmente los distintos ambientes de cada escena, y que además de permitir un adecuado uso del espacio generaron cuadros de gran belleza, contextualizando de manera notable la trama, con el apoyo de la iluminación a cargo del experimentado Ramón López; el vestuario, proveniente del Municipal de Santiago, no ofreció una unidad de estilo, aunque de todos modos cumplió y fue funcional. Este concepto escénico, cada vez más usado a nivel internacional pero prácticamente inédito en escenarios chilenos, fue un auténtico acierto y estuvo a cargo de un equipo del TRM encabezado por el diseñador Claudio Rojas y el audiovisualista Alvaro Lara. Una solución digna de aplausos y que puede permitir la realización de más espectáculos de este tipo a lo largo del país, y un nuevo paso adelante en la difusión del género lírico en Chile. 


Dmitri Hvorostovsky - Teatro alla Scala

Foto: Dmitri Hvorostovsky - La dama di picche - Brescia&Amisano

Il Teatro alla Scala Milano apprende con profondo dolore la notizia della scomparsa dopo lunga malattia del baritono Dmitri Hvorostovsky

Nato a Krasnojarsk nel 1962, Hvorostovsky è stato una delle voci più apprezzate e uno degli interpreti più carismatici degli ultimi decenni in un repertorio che spaziava da Verdi a Čajkovskij e Musorgskij. 

Al Teatro alla Scala ha debuttato nel 1992 con un concerto di canto interamente dedicato a compositori russi; è tornato nel 1993 come Silvio in Pagliacci diretto da Riccardo Muti e nel 2005 come Principe Eleckij ne La dama di picche diretto da Yuri Temirkanov. Il mondo della musica perde con lui una delle sue figure più amate e rispettate.


DITTICO Che originali - Pigmalione – Teatro Sociale Bergamo

Foto: Teatro Sociale di Bergamo

Renzo Bellardone

Per gli appassionati di una qualsivoglia arte o disciplina risulta sempre  gratificante  scoprire nuovi aspetti e nuova luce sull’argomento che loro interessa. Il Donizetti Opera Festival compie la brillante opera di riproporre opere non conosciute al pubblico contemporaneo, che dopo una quasi  irreale passeggiata a Bergamo Alta entra nell’unicum del Teatro Sociale e gode delle scoperte. Decisamente interessante risulta la  proposta della Fondazione Donizetti 2017  ‘Dittico’ che inizia con  ‘Che Originali’ ovvero una Farsa per musica di Giovanni Simone Mayr,  uno dei maggiori operisti in Europa tra la fine del Settecento e l’inizio dell'Ottocento il quale durante la sua attività  in Italia, fu maestro di Gaetano Donizetti in quel di  Bergamo. La narrazione racconta  di Don Febeo, dilettante appassionato di musica, che a causa della sua passione fa letteralmente impazzire chi lo frequenta , complicando loro la vita.  Nella rappresentazione bergamasca  la regia di Roberto Catalano è vivace e brillante e mantiene la caratterizzazione della classica farsa; i costumi di Ilaria Ariemme  si rifanno a sprazzi alla commedia dell’arte, mentre le scene di Emanuele Sinisi rimandano alla contemporaneità ed al futuro: contemporaneità quando il fondale è una tela tagliata con evidente richiamo alle opere di Fontana, mentre quando, caduto il fondale, la scena si apre sull’allestimento dell’opera successiva ‘Pigmalione’ si viene a creare una sorta di filo conduttore tra le arti in questione, prima la musica e poi la scultura, in una sorta di omaggio all’avanguardia artistica americana della seconda metà del Novecento appena trascorso. Ritornando a ‘Che Originali’ di Mayr  un commento positivo va al direttore Gianluca Capuano ed all’Orchestra dell’Accademia della Scala che sanno mantenere il sapore dell’epoca della scrittura. Venendo agli artisti  il protagonista Don Febeo incontra Bruno de Simone ben avvezzo ai ruoli brillanti ed in effetti sa esprimere un bel colore ed una certa incisività. Chiara Amarù mezzosoprano frequentatrice di Rossini sa rendere con vivacità e brillantezza Aristea,  ‘Chi dice mal d’amore’ ed è subito piacevolezza. Leonardo Cortellazzi interpreta Don Carolino, ma in effetti ricopre ben più di un ruolo a causa dei continui travestimenti: voce piacevole dai toni sicuri con fraseggio accurato ed allegra presenza scenica (recentemente apprezzato alla Scala in ‘Il Trionfo del tempo e del disinganno). Angela Nisi giovane soprano pugliese ha carisma ed anche un bel timbro, con facilità alle repentine variazioni tonali. 

Omar Montanari affermato baritono si muove con estrema spigliatezza ed il bel colore della voce fa apprezzare in pieno il ruolo. Gioia Crepaldi interpreta Celestina  ‘ Marito mi chiede..’ , mentre Pietro di Bianco veste i panni di Carluccio: entrambi risultano a loro completo agio sul palco e convincono il pubblico per l’espressione vocale. La seconda parte della  proposta prevede ‘Pigmalione’ di Gaetano Donizzetti, quasi un’opera studio, considerando che al momento della composizione l’autore non aveva ancora vent’anni; in ogni caso sia l’argomento che la partitura mi sono apparse molto contemporanee: i dilemmi e le manie dei nostri giorni, le situazioni tunnel da cui non  si sa più come uscirne, trovano in quest’opera di nemmeno 40 minuti , uno specchio irrinunciabile. Antonino Siragusa, da conclamato  mattatore qual’ è tiene il palco da solo per quasi tutto lo spettacolo senza cedimenti interpretativi e vocali. Il tenore ha l’abilità di rappresentare con il confermato ottimo  utilizzo vocale e  con estrema realtà tutte le titubanze e paure del personaggio; Siragusa conferma  l’utilizzo molto espressivo della voce, che emette con sicurezza nonostante la situazione di estrema difficoltà. La protagonista femminile Galatea è interpretata da Aya Wakizono, già apprezzata nella piccolissima parte nel ‘Borgomastro di Saardam’ (cartellone 2017 Donizetti Opera Festival); anche in questo caso canta poco, ma riesce a farsi apprezzare per la brillantezza e cristallinità offerte.