L’esule di Roma - Donizetti Opera Festival 2026

Foto: Photo Studio U.V. - Fondazione Teatro Donizetti

Massimo Viazzo

Il 13 novembre L’esule di Roma ha inaugurato la dodicesima edizione del Donizetti Opera. Il festival bergamasco, che dal 2015 si dedica alla riscoperta del catalogo del compositore, guarda quest’anno al triennio 1826-1828. Il titolo d’apertura, melodramma eroico in due atti su libretto di Domenico Gilardoni, andò in scena al San Carlo di Napoli il 1° gennaio 1828 e fu accolto con successo. Seguiranno Alahor in Granata, nella versione originale del 1826 ricostruita a partire dall’autografo ritrovato a Palermo nel 2023, e Le convenienze ed inconvenienze teatrali: due opere serie e una farsa metateatrale, a testimoniare quanti generi Donizetti frequentasse in quegli anni. Il rimorso di Murena muove l’intero dramma. Senatore romano, ha condannato ingiustamente Settimio, tribuno della plebe e innamorato di sua figlia Argelia, e quando l’esule torna a Roma la ferita si riapre. La giovane è intanto destinata a Publio, generale reduce dalla vittoriosa campagna contro i Sarmati. Settimio viene condannato a morte e Murena si misura con la propria scelta, diviso fra la carica pubblica e il peso della coscienza. Nell’arena, dove dovrebbe essere sbranato da un leone, Settimio si salva perché la belva riconosce in lui l’uomo che tempo prima le aveva curato una ferita. Potrà ricongiungersi ad Argelia; Murena, ormai pentito, viene espulso dal senato per ordine dell’imperatore.

La partitura porta l’impronta dell’opera seria rossiniana: numeri ben delimitati e forme ampie, con il virtuosismo vocale in primo piano. Donizetti però guarda già altrove, verso un’azione più continua e una definizione più profonda dei conflitti interiori. Lo si sente nel finale del primo atto, dove il terzetto fra Murena, Settimio e Argelia sfugge alle proporzioni del grande concertato e si concentra sulle reazioni dei tre: la disperazione di Settimio, il rimorso di Murena, l’angoscia di Argelia. La forma segue il confronto e rinuncia alla conclusione corale d’uso. Nel secondo atto la tensione arriva al punto più alto con la scena di follia di Murena. In «Al mio delitto!… Entra nel circo!» il recitativo si fa via via più concitato, le frasi si spezzano, gli accenti diventano mordenti. Il canto melodico regolare cede a un declamato agitato che rende il disordine mentale del personaggio, e l’intervento del coro dà al delirio una dimensione pubblica. La cabaletta offre uno sbocco senza spegnere la carica drammatica. Donizetti lavora ancora entro le forme tradizionali, ma comincia a piegarle. La nuova produzione si è basata sull’edizione critica di Roger Parker e Ian Schofield per Casa Ricordi.  Katharina Thoma ha scelto una regia elegante ma un po’ anonima, in un tempo indefinito, con rimandi a una società governata da un regime dittatoriale. Le scene di Devin McDonough ruotavano intorno a colonne, costituite da veli, che salivano e scendevano, ricomponendo lo spazio e offrendo una superficie alle proiezioni esplicative di Luca Scarzella. I costumi di Irina Bartels richiamavano il potere autoritario, mentre le luci di Fiammetta Baldiserri hanno accompagnato bene i cambi d’assetto. Per un titolo eseguito in concerto a Londra nel 1982, poi in scena a Savona nel 1986 dopo oltre un secolo di silenzio, e tornato all’attenzione nel 2023 con il concerto e la successiva registrazione di Opera Rara, la rinuncia a sovrastrutture drammaturgiche è parsa, tutto sommato, condivisibile. Lasciare spazio alla musica evita attualizzazioni forzate e sottotrame estranee al libretto, che avrebbero reso più faticosa la lettura.

Sul podio Fabrizio Maria Carminati ha offerto una prova di grande mestiere. Conosce a fondo questo repertorio e la sua tradizione esecutiva, e lo ha dimostrato in una lettura attenta al respiro dei cantanti, con un accompagnamento flessibile su cui le voci hanno trovato un sostegno naturale. Niente effetti particolari né forzature: la teatralità della partitura è emersa dalla scrittura stessa, con gli equilibri sotto controllo. A imporsi sopra tutti è stata Lidia Fridman, Argelia dalla voce corposa, dal colore brunito, con un accento capace di farsi incandescente. Ha affrontato la coloratura più impervia con precisione e ha trovato accenti raccolti nei passaggi più intimi. Il momento migliore della sua interpretazione, e direi uno dei vertici dell’opera, è arrivato nel magnifico cantabile che precede la risoluzione finale, «Morte! Ah, pria, che l’una uccidi», condotto con intensa partecipazione e un legato finissimo. Nel rondò conclusivo, «Ogni tormento, qual nebbia al vento», è passata dall’abbandono lirico allo slancio virtuosistico senza strappi, con l’intera estensione sempre salda. Per il Murena di Luca Pisaroni il terreno più favorevole è stato la tessitura medio-bassa; salendo, gli acuti non sempre hanno avuto la stessa nitidezza e la disomogeneità fra i registri ha pesato sulla continuità della linea. Sul piano espressivo ha reso con efficacia il senso di colpa e il lacerarsi progressivo della coscienza, e la scena della follia è risultata discretamente riuscita. Sergey Romanovsky, Settimio, ha puntato soprattutto sulla forza e sulla spinta vocale, curando meno la rifinitura del fraseggio. 

Al pubblico è comunque piaciuto; una maggiore varietà espressiva avrebbe giovato a una definizione più completa del personaggio. Nel secondo atto gli è toccata l’impegnativa aria di prigione «S’io finor, bell’idol mio», risolta con buon controllo del fiato e una certa disinvoltura nei passaggi più agili. La versione eseguita è quella approntata per la ripresa bergamasca del 1840, in cui la pagina si arricchì di una parte di violino concertante assai impegnativa: un’occasione per Massimo Spadano, primo violino dell’Orchestra Donizetti Opera, di mettersi in luce alla testa di una compagine che si è confermata affidabile e omogenea, partecipe del discorso musicale. La parte di Publio è stata affidata a Marcelo Solís, allievo della Bottega Donizetti 2026, con dizione accurata e proiezione piuttosto contenuta. Hanno fatto bene anche Vittoria Vimercati (Leontina) e Matteo Mollica (Lucio/Fulvio). Il Coro dell’Accademia del Teatro alla Scala, preparato da Salvo Sgrò, è stato attento e ben amalgamato. Il pubblico ha accolto con entusiasmo la parte musicale e ha accompagnato la regia con qualche dissenso. Alla prova del palcoscenico L’esule di Roma ha mostrato personalità e autonomia drammatica, qualità che giustificherebbero una presenza più frequente sulle scene. La serata è stata dedicata ad Antonino Fogliani, che avrebbe dovuto dirigere il titolo e che è scomparso a soli cinquant’anni un paio di mesi fa.