Norma en Burdeos

Fotos: © Frédéric Desmesure

Ramón Jacques 

Fuera de Paris, solo existen seis casas de ópera que tienen la distinción de ser reconocidas y galardonadas como “Opéra national” y esto se debe especialmente a la calidad de sus cuerpos estables (ballet, coro y orquesta) y al nivel de obras presentadas que a través de coproducciones han logrado alcanzar reconocimiento e influencia a nivel nacional e internacional, y en esa clasificación se encuentra la Ópera nacional de Burdeos, por lo que asistir a una función en el esplendoroso Grand Théâtre de Bordeaux, fundado en 1780 y considerado monumento histórico en Francia, es ya una satisfacción. El bel canto, y en especial títulos como Norma, ofrecido en esta ocasión, son apreciados por el público de este país. Norma presenta dos mundos opuestos: uno poético, impregnado de mitología celta y visiones proféticas, y otro prosaico, marcado por la guerra y la traición. Bellini nos sumerge en una especie de sueño en el que una Norma despierta encarna la luz y la tragedia, y esa es la visión de la puesta en escena de Anne Delbée, que contó con escenografías de Abel Orain situadas en una época atemporal, con una enorme pasarela inclinada en el centro del escenario, y tenues telones en los lados opuestos, cuyos dibujos de ramas y hojas nos coloca dentro de un bosque.  La tenue, y por momentos brillante iluminación en una gama de diversas tonalidades del color azul, ideada por Vinicio Cheli, creó un efecto muy estético, atractivo y muy artístico para el espectador.  Solo los vestuarios, oscuros para la mayoría de los personajes y en diversos colores, pero más refinados para los personajes de Norma y Adalgisa, crearon el contraste y la rivalidad existente entre ambos personajes.  Este montaje que se originó en el 2019 en el Teatro del Capitolio de Toulouse ha gustado y además de recorrer diversos escenarios, este año volverá a ese mismo teatro. En el centro del libreto de Felice Romani, como de la puesta se resalta el personaje de Norma, la sacerdotisa druida en Galia, enamorada del procónsul romano Pollione. En escena aparece un personaje imaginario para Norma, es el dios druida que es una especie de consejero y guía de Norma, un personaje actuado, que interviene en la escena con diálogos hablados y magnificados. Una novedosa incorporación que se vio en esta ocasión, y que además de no ser invasiva incorporó un personaje que pareció encontrar un lugar en la trama.  Este montaje logra tejer nuevos vínculos entre la pasión, la traición y la lealtad contenidos en el texto, y la música emblemática de Bellini. Norma se sacrifica para proteger a los inocentes y ofrece un mensaje de reconocimiento y amor en medio del caos, que, a decir de la directora escénica, busca y encuentra ciertas y particulares repercusiones con las de nuestro tiempo. Estas cualidades parecieron estar presentes en la noble y convincente personificación y actuación del personaje de Norma por parte de Karine Deshayes, la reconocida soprano francesa, quien ha interpretado con igual éxito también a Adalgisa, muestra un profundo entendimiento del personaje, yéndose a lo más profundo, para envolverse en el personaje y actuarlo con pasión e ímpetu, dándole sentido a cada movimiento que hace o cada nota que emite.  Vocalmente su desempeño fue sobresaliente, ya que es capaz de alcanzar las notas más agudas, con flexibilidad y ornamentación, y de redondearla con tonos y notas oscuras que hacían la ayudaban a expresar dramatismo y fuerza.  Por su parte, la mezzosoprano Olga Syniakova fue una elegante y distinguida Adalgisa, con un color oscuro, profundo y con sedoso terciopelo en su emisión y fraseo. Los dúos entre ambas interpretes fueron notables por su conjunción.  Como Polione se presentó el tenor francés Jean-François Borras quien irradió personalidad y presencia en escena, pero que lamentablemente el belcanto no es su especialidad, y a pesar del indudable atractivo de en su timbre, optó por una emisión fornida, viril y enérgica, poco adecuada en esta ocasión. Por su parte el bajo georgiano Goderdzi Janelidze  mostró que posee la calidez y los sonidos cavernosos y profundos para el papel de Oroveso, además de mostrar los pliegues y la amplia proyección, que son características de los cantantes de esa región.  Con su estatura, se reveló como un autoritario líder de los druidas. Completaron el elenco el tenor italiano Davide Tuscano como Flavio, y la soprano mexico-francesa Déborah Salazar quien demostró desenvolvimiento y tablas actorales, y un cautivante, nítido y terso color vocal, como el personaje de Clotilda.  Participativo y bien trabajado son las virtudes que exhibió el coro de la ópera de Burdeos, y en el podio, en sustitución del Paolo Carignani, anunciado inicialmente, tomó su lugar el maestro italiano Francesco Angelico quien dirigió con equilibrio y apoyo a los cantantes. Ciertos momentos agitados y carentes de inspiración en el desempeño de la orquesta de Bordeaux-Aquitaine, restaron emoción a la vivacidad y al claro oscuro belliniano, pero la función se compensó ampliamente por la parte visual y vocal del espectáculo.

inVISIBILI - Vespres d'Arnadi - CD

Massimo Viazzo

Grupo: Vespres d’Arnadi Director y clavecín: Dani Espada Solista: Contratenor- Xavier Sabata Sello discográfico: Musiepoca Produccions, 2024

Giovanni BONONCINI (1670-1747) Astianatte (1727) - Aria: «Render mi vuole» (Pirro) Giovanni Alberto RISTORI (1692-1753) Le fate (1736) - Aria: «Bellezze adorate» (Ruggiero) Antonio Giovanni POLLAROLO (1676-1746) Leucippe e Teonoe (1719) - Aria: «Cesseran le sue procelle» (Arbante) Francesco GASPARINI (1661-1727) L’oracolo del fato (1709) - Aria: «Qui ti scrivo o nome amato» (Cefalo) Giovanni PORTA (1675-1755) Farnace (1731) - Aria: «Non sempre grandina» (Farnace) Antonio LOTTI (1667-1740) Ascanio (1718) - Sinfonia Domenico SARRO (1679-1744) Siroe, re di Persia (1726) - Aria: «Gelido in ogni vena» (Cosroe) Geminiano GIACOMELLI (1692-1740) Gianguir (1729) - Aria: «Mi par sentir la bella» (Cosrovio) Nicola Antonio Giacinto PORPORA (1686-1768) Deianira, Iole ed Ercole (1711) -Aria: «Scuote la chioma d’oro» (Deianira) Geminiano GIACOMELLI (1692-1740) Gianguir (1729) - Aria: «Date o trombe il suon guerriero» (Cosrovio) Giuseppe PORSILE (1680-1750) La Clemenza di Cesare (1727) - Aria: «Se parlano a suo danno» (Cesare)

Quien está habituado a apreciar la música de Händel (1685-1759) o de Vivaldi (1678-1741) se maravillará con este nuevo CD editado por Musiepoca. De los compositores que aquí fueron grabados, los llamados Invisibili (invisibles, de acuerdo con el título), por demás desconocidos por el público apasionado, en realidad tienen un estilo compositivo que es del todo similar al de los más conocidos músicos de su época, los cuales muy probablemente los influenciaron. Por lo tanto, esta grabación amerita toda nuestra atención tanto por el nivel cualitativo de las obras ofrecidas (arias patéticas, de virtuosísimo, arias de paragone o de guerreristas) tanto por el talento de su interprete, el conocido contratenor Xavier Sabata, quien despliega una voz bruñida, aterciopelada, con reflejos aperlados y muy homogénea en los timbres. Sabe despegarse con inteligencia en el canto virtuoso y encontrar acentos de rara intensidad en el canto más expresivo y melancólico, cincelando cada frase musical con pericia, como en el aria “Qui ti scrivo o nome amato trata” del L’oracolo del Fato de Francesco Gasparini. Vespres d’Arnadi el ensamble de instrumentos antiguos catalán dirigido por Dani Espasa (quien toca también desde el clavecín) tocan en modo burbujeante bien contrastado y comunicativo; como, por ejemplo, en una de las piezas más interesantes aquí grabadas como Gelido in ogni vena de Siroe de Domenico Sarro (en el que además Sabata cantó con elocuencia magnética y expresividad) o en la Sinfonía de Ascanio de Antonio Lotti, interpretada con la justa energía, pero no exagerada desde el punto de vista del gesto rítmico. Son de alabarse también los instrumentos concertarti que acompañan durante las diferentes arias.  El programa del CD consta de arias que temporalmente abarcan un periodo que va de 1709 de Qui ti scrivo o nome amatato de L’Oracolo del Fato de Francesco Gasperini (1661-1727) a 1736 de Bellezze adorate da Le Fate de Giovanni Alberto Ristori (1692-1753), pasando por otros autores como: Nicola Antonio Giacinto Porpora (1686-1768), Giovanni Bononcini (1670-1747), Antonio Giovanni Pollarolo (1676-1748), Giovanni Porta (1675-1755), Antonio Lotti (1667-1740), Domenico Sarro (1679-1744), Geminiano Giacomelli (1692-1740) y Giuseppe Porsile (1680-1750). A partir de una exhaustiva investigación del musicólogo Giovanni Andrea Sechi. Compositores invisibles, es decir, olvidados, en un periodo en el que dominaban los escenarios operísticos Vivaldi y sobre todo Handel. Son compositores de los cuales se conoce hoy su importancia histórica, pero de los cuales existen pocas grabaciones discográficas, es por ello, que Musiepoca viene a llenar un vacío. Una última anotación se refiere al muy informado libreto que acompaña al CD, en el cual se puede encontrar más información sobre los compositores grabados.

Le Carnaval de Venise en Grenoble

Fotos: Martin Argyroglo / Laurent Guizard

Ramón Jacques

André Campra (1660-1744) fue un reconocido compositor y director de orquesta francés del periodo barroco.  A lo largo de su fructífera carrera compuso diversas tragédies en musique y óperas-ballet, así como tres libros de cantatas, además de obras religiosas y un réquiem, que es actualmente su obra más conocida y representada, especialmente en Francia.  A pesar de ser una importante figura en el ambiente musical, al lado de dos maestros del estilo francés barroco como Jean-Baptiste Lully (1632-1687) y Jean-Philippe Rameau (1683-1764), se le considera un vínculo entre ambos compositores, y de haber sido maître de musique (maestro de música) de la catedral de Notre-Dame en Paris, sus obras son aún resultan son poco conocidas en la actualidad lirica internacional. No es así en su país natal, donde la recuperación del patrimonio musical del pasado, más que una misión, se ha convertido en obligación, para la cantidad de notables ensambles de música antigua que surgidos en ese país. Como parte de una extensa gira realizada por diversos teatros franceses, que tiene previsto abarcar muchas poblaciones,  hasta el mes de abril,  se incluyeron dos funciones en el moderno complejo cultural MC2 de la ciudad de Grenoble, situada al suroeste de Francia en la región de Auvernia-Ródano-Alpes,  de la versión escénica  de Le Carnaval de Venise, ópera-ballet en un prólogo y tres actos de Campra, con libreto de del poeta Jean-François Regnard (1655-1709), que tuviera su estreno en 1699 en la Académie Royale de Musique (hoy conocida como la Opéra national de Paris). Considerada como un emblema de la música francesa de los siglos XVII y XVIII y de la ópera-ballet, esta obra es también muy original en su manera de resaltar el valor del ‘teatro en el teatro’, de mezclar el canto italiano con el francés, además de combinar con delicadeza maravillosas composiciones dramáticas y cómicas. La ópera muestra una variedad de atmósferas ligadas a la idea misma del espectáculo y la fiesta entorno a una sencilla intriga, en la que Léonore e Isabelle aman a Léandre, quien a su vez ama a la segunda.  Rodolphe, que también está enamorado de ella, se une a Léonore para vengarse de quien se interponga para hacer esto imposible. La acción transcurre, obviamente, en Venecia durante la época del carnaval, en la Plaza de San Marcos, entre los canales y bajo los balcones de los palacios. Este es el pretexto para un prólogo muy moderno en el que comenzó del espectáculo, en la función de estreno, frente a la mirada del público espectador.  La conocida como “mise en abîme” (teatro dentro del teatro) de la divertida puesta en escena, elaborada por la reconocida pareja de directores de escena, coreógrafos y escenógrafos franceses Clédat y Petitpierre, situó la historia dentro de la representación de un espectáculo que es la historia de Orfeo, todo ello realizado con elementos propicios para mostrar enredos amorosos en escena, máscaras y trucos en el carnaval de Venecia. Los semi círculos de madera colocados  sobre el escenario se utilizaron para representar los canales y puentes de la pintoresca ciudad italiana, así como el anillo central de un circo o un espacio destinado para el desarrollo de la trama, donde aparecían los personajes principales y los extras, con coloridos y magníficos vestuarios de arlequines y mascaras en negro; además  de la presencia de un grupo de mimos que aparecían siempre en escena rodeando a los protagonistas y observando la escena, con trajes típicos  del carnaval y mascaras en blanco. Los mismos elementos escénicos se utilizarán para trasladar la trama y al espectador al infierno, efecto que se logró con los personajes con vestidos con llamas, ayudada de un buen trabajo de iluminación. El trazo actoral de la obra fue llevado con ligereza, de manera vivaz, fluida y divertida. Mencionando las modernas y plásticas coreografías durante los pasajes de ballet que contiene la partitura.  El buen reparto de cantantes estuvo encabezado por la mezzosoprano Victoire Bunel quien exhibió musicalidad, calidez y elegancia en su rico paleta de colores vocales, resonancia y notable adhesión al estilo de canto.  En escena bordó una convincente, noble y perspicaz Isabelle. Por su parte la mezzosoprano, Anna Reinhold, en su caracterización de Léonore, - y de Euridice- desplegó sus cualidades vocales, frescura en su canto, a pesar de ligeras incomodidades con la tesitura. Su presencia agrado a personificar su papel con picardía y juventud.    El barítono franco-mexicano Sergio Villegas Galvain, como Léandre se vio muy activo y desenvuelto en escena, con una voz matizada y robusta, y el tenor David Tricou exhibió su vena cómica en el breve papel de Orfeo, y estuvo muy participativo en las partes corales. Finalmente, completo el elenco el bajo barítono Guilhem Worms en sus múltiples apariciones como el organizador, Rodolphe y Plutón.  En el foso estuvo presente el Ensamble Il Caravaggio, con un número reducido de instrumentistas, como en el estreno de la obra en la Académie Royale de Musique, en una partitura que denota diversos estilos musicales, el de la música italiana, carnavalesca, con cierto aire renacentista con inspiradas percusiones, castañuelas y panderetas, y la indiscutible elegancia del estilo barroco francés. En el podio la directora Camille Delaforge, sacó a relucir los encantos de una partitura plena de ellos. La música es colorida, alegra y palpitante, su conocimiento de la música es evidente, y sus instrumentistas se mostraron inspirados por la música, que incluso en el intermedio continuaron tocando entre las escaleras y el público de la sala, hasta llegar al vestíbulo de la sala de conciertos, acompañados de los danzantes y cantantes, antes de la pausa, en un ambiente festivo y celebrativo.  El espectáculo demostró fehacientemente que los organizadores y ensambles musicales franceses entienden a su público y conocen los gustos e intereses planeando acorde, una escenificación cuyo resultado ha sido un éxito donde ha sido presentada esta obra en Francia.

Der Rosenkavalier en Bolonia

Foto: Andrea Ranzi

Ramón Jacques 

A pesar de permanecer cerrado por remodelaciones, el Teatro Comunale de Bolonia continúa ofreciendo temporadas muy completas y varias en cuanto a la cantidad de  producciones liricas, danza, ballet, jazz, conferencias; así como su temporada de música sinfónica, que muchas otras orquestas fácilmente podrían envidiar, por la cantidad de conciertos que se programan anualmente, con la presencia de importantes solistas y directores, que en el presente año incluye los nombres de: James Conlon, Riccardo Frizza, Zubin Mehta,  Frédéric Chaslin, Daniel Oren, Donato Renzetti, Roberto Abbado y Oksana Lyniv, por mencionar algunos, conduciendo obras del repertorio sinfónico de los ciclos 19 y 20 hasta la música contemporánea.  Siempre debe considerarse como una meritoria iniciativa que las orquestas de los teatros liricos realicen conciertos de música sinfónica de manera paralela a su labor en el foso operístico, y aunque es una práctica que han ido desapareciendo importantes teatros, es una costumbre que se mantiene vigente en los teatros más importantes de Italia.  El tercer concierto de este ciclo sinfónico fue dedicado al compositor alemán Richard Strauss (1864-11949) centrándose especialmente en su ópera, o comedia  musical en tres actos, Der Rosenkavalier, op 59, que, aunque es un título que  se escenificó por última vez aquí en 1995, y la reposición de la ópera completa estaba prevista en el 2021, tanto la pandemia como la reestructuración del teatro ocasionaron que se pospusiera hasta el otoño del 2026, en la que será la reapertura de la histórica sede en la piazza Verdi de esta ciudad.  Como un adelanto, en lo que llega ese día, en este concierto se escucharon   extractos musicales tomados del primero, el segundo y el tercer acto primero del Caballero de la Rosa, concretamente lo que involucran a los tres personajes principales femeninos unidos por una historia de amor, por lo que el título del concierto fue “Sophie, Octavian, Marschallin en concierto”  Como todos los conciertos de la orquesta, este se realizó en el Auditórium Manzoni, que es un reciento ideal para la ejecución de música sinfónica.  La velada inició con el Einleitung, el preludio que describe la noche apasionada entre la Mariscala y su joven amante Octavian, ¡que fue seguida por la emblemática aria de este último personaje “Wie du warst! Wie du bist" cantada con expresividad, intensidad y buenos medios vocales de oscuros y bruñidos tintes en el canto de la mezzosoprano alemana Stefanie Irányi, quien, junto a la elegancia, la presencia y la amplitud y el color vocal de la soprano alemana Julia Kleiter, cantando a la Mariscala, en su monologo “Da geht er hin, der aufgeblasene schlechte Kerl... Kann mich auch an ein Mädel erinnern” y en su dúo con Octavian “Ah! Du bist wieder da!” donde ambas mostraron compenetración y convicción y que, a pesar de tratarse de una versión no escénica, cada una se transformó en su respectivo personaje.  Con partes como el celebérrimo valzer de la entrega de la rosa en el segundo acto, se escuchó el dúo “Mir ist die Ehre widerfahren... Ich kenn' ihn schon” entre Octavian y Sophie, papel que aquí fue cantado por la soprano francesa Elsa Benoit, una de las artistas más interesantes que he escuchado en tiempos recientes, quien posee la elasticidad y plasticidad, que ha adquirido en su destacada trayectoria en la música barroca, y que ha sabido combinar, combinar con la nitidez y la cualidad cristalina de su canto en papeles más liricos del repertorio alemán, y que escénicamente supo representar una delicada y tierna Sophie. El concierto, cuyas escenas fueron bien hiladas de los pasajes orquestales e intermezzi contenidos en la partitura incluyó conmovedora escena del tercer acto, el trio entre la Mariscala, Octavian y Sophie, “Marie Theres!...Hab' mir's gelobt” que se caracteriza por el inconfundible estilo musical de Strauss, rico de los valzer y melodías tan características de la tradición vienesa.  En el podio de la orquesta estuvo presente el maestro Ascher Fisch, con una larga trayectoria dirigiendo ópera, condujo con solidez y buen pulso, además de buen gusto para extraer los momentos musicales más resplandecientes y radiante que contine la partitura, si algo de le puede reprochar es fue la fuerza y el volumen orquestal, que cubría las voces y que ocasionaba un esfuerzo innecesario de las interpretes para ajustad su emisión.  No obstante, el desempeño de las fuerzas de la orquesta fue meritorio, con homogeneidad y buen gusto; y la combinación de las voces hicieron que este concierto fuera memorable y de mucha satisfacción para el público presente en la sala Manzoni.

Coros de Verdi con Riccardo Chailly el Coro y la Orquesta del Teatro alla Scala - Decca Records, 2023

Lloyd Schwartz

Giuseppe Verdi “Verdi Choruses” (Coros de Verdi)

Coro y Orquesta del Teatro alla Scala.

Director musical: Riccardo Chailly

Director del Coro: Alberto Malazzi

Decca Records, No: 4853950

Editado el 17 de febrero del 2023.

Duración 64 min

Nabucco: Acto I: “Gli arredi festivi”, Nabucco: Acto III: “Va, pensiero” (Chorus of the Hebrew Slaves), I Lombardi: Acto II: “Gerusalem”,I Lombardi: Acto cuatro: “O Signore, dal tetto natìo”, Ernani: Acto I: “Preludio” Ernani: Acto III: “Si redesti il Leon di Castiglia” Don Carlo: Acto III: “Spuntato ecco il dì d’esultanza”, Macbeth: Acto uno: “Che faceste? dite su!”,Macbeth: Acto uno: “Coro di Streghe, S’allontanarono!”, Macbeth: Acto cuatro: “Patria oppressa! Il dolce nome”, Il Trovatore: Acto II: “Vedi le fosche notturne spoglie”,La Forza del Destino: Acto III: “Tarantella, Nella guerra è la follia”, Aida: Acto II: “Gloria all’Egitto, ad Iside”, Aida: Acto II: “Triumphal March and Ballet”, Aida: Acto III: “Vieni, o Guerriero vindice”, Simon Boccanegra: “Prologue: Viva Simon”

Giuseppe Verdi imaginó que cada una de sus óperas tuviera una tintura y un color diferente, y en esta grabación editada por el sello discográfico Decca, el director de orquesta Riccardo Chailly creó  un nuevo y emocionante álbum de coros de Verdi, desde los más conocidos hasta los más oscuros y olvidados, y que, en el 2023, mismo año en el que salió al mercado, fue nominada en la categoría del director musical del año en los Opus Klassik Awards y como mejor grabación coral en los International Music Awards. 'Coros de Verdi' muestra la impresionante variedad de la música coral pertenecientes a un gran maestro y compositor.  La grabación también forma parte por la celebración del 70 aniversario del director de orquesta italiano, y es la grabación número 40 desde el debut de Chailly en la Scala con el sello Decca.

Escuchando "Vedi! Le Fosche notturne spoglie" una de las melodías más populares que Verdi compuso. Nos damos cuenta de que no se trata de una aria, un trío o un cuarteto, sino un coro, el "Coro del Yunque" (o Coro dei zingari en italiano) de la ópera verdiana "Il Trovatore", (o "El Trovador"). Los melómanos amantes de la música familiarizados con el "Réquiem" de Verdi sabrán también que esta pieza incluye algunas de las músicas corales más magníficas y aterradoras jamás escritas. Pero las óperas de Verdi también tienen algunos pasajes sorprendentes para el coro, que no es música para los personajes principales, sino para grupos que están tratando de afectar la acción, como las brujas en la versión de Verdi de "Macbeth", o las multitudes que están respondiendo a acciones u hechos precedentes, como los egipcios en "Aida" celebrando su victoria sobre los etíopes o los hebreos desposeídos en "Nabucco" de Verdi. "Nabucodonosor", añorando su lejana patria.

Aquí, el brillante director de orquesta de ópera Riccardo Chailly, actualmente director musical del Teatro alla Scala de Milán, ha reunido un nuevo y emocionante álbum con una selección de coros de las óperas de Verdi, tanto las más conocidas como otras menos, y algunas olvidadas. Cuando "Nabucco" se interpretó por primera vez en 1842, "Va, Pensiero", el coro de hebreos esclavizados se convirtió inmediatamente en un himno para la unificación de Italia. El público insistió en los bises, y hoy en día todavía lo hacen. La grabación de Chailly con el Coro y Orquesta de La Scala es la versión más conmovedora que he escuchado, ya que comienza tan silenciosamente, como si los pensamientos de los hebreos esclavizados se elevaran en el aire, como dice el libreto, en alas de oro. El clímax es un lamento sincero por su país, tan hermoso y perdido.

En cambio, la música de Verdi para "Il Trovatore" es tan melodiosa que tendemos a olvidarnos de las palabras. Pero el libreto de Salvadore Cammarano es en realidad muy poético. En el "Coro del Yunque", los trabajadores gitanos españoles se despiertan para ver cómo el sol derrite las oscuras nubes de la noche. Golpean sus yunques y cantan sobre los placeres del vino y las mujeres que les alegran el día. Después de la bulliciosa apertura, es casi un shock escuchar a Chailly disminuyendo el volumen del canto hasta un susurro de asombro.

Con su conocimiento y experiencia Chailly nos ayuda a redescubrir aquí la impresionante variedad de la música coral de Verdi, desde la cómica hasta la extremadamente solemne, así como el uso imaginativo de la orquesta por parte del compositor. En el coro de brujas de "Macbeth", por ejemplo, un grupo mucho más grande que el trío de Shakespeare, la orquesta hace casi más que las voces para transmitir su siniestra intención. Tal vez el más complejo de estos coros es la escena a gran escala de "Don Carlo", en la que las festividades que rodean la coronación del rey Felipe son interrumpidas y subvertidas por las sombrías voces de la Inquisición, condenando a los llamados herejes a ser quemados en la hoguera.

Al final, no cabe duda de que Verdi imaginó cada una de sus óperas para que tuvieran un color y tinte diferente una de la otra, y encarnó su coloración distintiva, al menos tan vívidamente para sus coros como para sus personajes. Escuchar esta gran variedad de coros de Verdi en un solo álbum, todos interpretados con tanta fuerza y sutileza, por parte de una orquesta y un coro tan prestigiosos como son los de la Scala, puedo decir que se trata realmente de una revelación.

Lloyd Schwartz Además de ser criticó y comentarista de clásica en el programa Fresh Air en la cadena radial NPR, es editor senior de música clásica para la revista web New York Arts y crítico de arte colaborador para The ARTery de la estación de radio WBUR. Además, es autor de cuatro volúmenes de poemas: These People; Goodnight, Gracie; Cairo Traffic; y Little Kisses (University of Chicago Press, 2017). Una selección de sus reseñas de Fresh Air reviews aparecen en el libro Music In—and On—the Air. Es coeditor de Elizabeth Bishop: Poems, Prose, and Letters de la Biblioteca de las Américas y editor de la edición del centenario de Elizabeth Bishop's Prose, publicada por Farrar, Straus y Giroux en 2011. En 1994, Schwartz fue galardonado con el Premio Pulitzer de la crítica. Actualmente es profesor de inglés de la catedra Frederick S. Troy en la Universidad de Massachusetts Boston y enseña en el Programa MFA (maestría en bellas artes) en Escritura Creativa.