El Pájaro de Fuego acalora la Accademia Bartolomeo Cristofori- Florencia, Italia

Foto: Graham Scott / Accademia Bartolomeo Cristofori

Massimo Crispi

Un programa raro e inusual fue el que ofreció el pianista británico Graham Scott, el pasado 13 abril en la Accademia Bartolomeo Cristofori de Florencia. Pero el hilo conductor, que tampoco descubrió por si mismo el relator de la escasa presentación Alberto Batisti, pareció sí estar. El hilo conductor, si se quisiera encontrar, pudiera ser el cambio del mundo después de la composición de aquellos fragmentos: el mundo nunca habría sido lo mismo después de la Sonata op. 109 de Beethoven, o después de la Sonata op. 1 di Berg, incluso después del Pájaro de Fuego de Stravinsky. Quizás una lucha también con la forma. La interesante propuesta y desafío con paralelismos empezó con una interpretación muy participativa e interiorizada de la Sonata n. 30, op. 109 de Ludwig van Beethoven, donde Scott subrayó la soledad romántica y titánica del compositor alemán en un mundo ajeno y a menudo hostil.

El tema con las seis variaciones, el ultimo movimiento de la sonata “Gesangvoll, mit innigster Empfindung” (literalmente: llenó de canto, con el sentimiento más intimo), realmente estaba lleno de canto y de abandono, desgarrador, pero de un desgarro contenido, como si Scott quisiera direccionar el auditorio hacia la dimensión más secreta de Beethoven sin dramatismos. ¿Como hubiera sido el mundo después de conocer la 109? Sin embargo esa revelación lo mostró solo Robert Schumann, unos años después, continuando el discurso que el gran Ludwig van Beethoven había iniciado.

En seguida se escuchó la Sonata op. 1 de Alban Berg. Solo un item, la obra de un Berg joven, saliendo de los estudios con Arnold Schönberg, cuya influencia resulta muy evidente no solo en la fragmentación sino en la indecisión de la tonalidad. Por eso, aunque la sonata sea declarada oficialmente en si menor, su definición tonal se desplaza sin duda solo en los últimos compases, después de una continua y indecisa fluctuación a los bordes de la tonalidad, cuya disgregación quizás era una metáfora inconsciente paralela al antiquísimo imperio austriaco deshaciéndose, sino de una Europa que ya se adelantaba a un cambio sangriento que convergería en la Primera Guerra Mundial. Scott nos entregó esa desorientación, casi sin evidenciar la cara atormentada del fragmento, y secundando su continua variación tonal y cromática sin acentuar el aspecto inquietante. Quizás también era lo que Berg pretendía, resignado a escribir solo un item porque a menudo encontraba la forma sonata obsoleta pero sin tener otras ideas para los restantes items que caracterizaban una verdadera sonata. Una piedra en el inmenso océano de un mundo metamorfoseándose, un aviso, quizás, a lo que estaba al punto de ocurrir pero no una autentica ruptura.

Al fragmento de Berg le siguieron las suntuosas e infrequentes variaciones “Weinen Klagen Sorgen Sagen”, sobre un tema de Bach, de Franz Liszt, parte de su última producción, de su período místico cuando vivió en Roma. Aquí Graham Scott evidenció la gran vultuosidad que se le requiere al intérprete aunque en la austera dimensión casi religiosa, balanceada entre forma y pathos, en un equilibrio que parece romperse en cada momento.

La segunda parte del concierto se abrió con las Variaciones sobre un tema de Corelli op. 42 de Sergei Rachmaninov. En esa obra la forma del tema con variaciones, que existe en todas las épocas y todas las literaturas musicales occidentales, llega al paroxismo en la densa y virtuosa partitura de Rachmaninov. Fantasma que viene desde uno de los temas más celebrados del barroco, el tema de la “Follia” de Corelli, autor de la muy famosa sonata para violín, esa última también un tema con variaciones, un espectro que se repite veinte veces, una transfiguración casi enloquecida que algunas veces parece casi una parodia. Scott utilizó ese fragmento para contarnos su visión, y esa visión de acuerdo a nuestro aviso, siempre esta conectada a una forma, incomoda sin duda, pero indispensable si se quiere expresar algo, una forma que parece ser el verdadero espectro volador de ese recital de gourmandises, mientras la sabiduría del pianista nos la mostró con su desencanto de descendente, como si fuera casi un juego.

Terminó el recital una rarísima trascripción del Pájaro de Fuego de Igor Stravinsky por el pianista y profesor Guido Agosti, respetado y temido enseñante de la Accademia Chigiana de Siena en el siglo XX cuyo viático era indispensable para los que quisieran emprender una carrera pianística digna de resonancia. Imposible. Imposible tocar esa dificilísima transliteración del original con orquesta, imposible contener todas aquellas notas y voces, que necesitarían quizás tres manos con seis dedos cada una para tocar la Danza infernal del Rey Katschei, mientras la Berceuse y el final parecieron más accesibles, aunque empeñara mucho. Scott dio lo mejor de si, aunque sea natural que algunas notas parecieran resbalarse, ese el problema que presenta esa transcripción de extrema vultuosidad.

Mucho éxito y tres generosos bises que incluyeron un fragmento de Mompou, otro de Gershwin y una curiosa y divertida versión jazz de la Marcha Turca de Mozart. ¡Fantástico!

L’Uccello di Fuoco infiamma l’Accademia Bartolomeo Cristofori- Firenze

Foto: Accademia Bartolomeo Cristofori

Massimo Crispi

Un programma raro e insolito quello proposto lo scorso 13 aprile dal pianista britannico Graham Scott all’Accademia Bartolomeo Cristofori di Firenze. Eppure un filo conduttore, non individuato peraltro, anche per stessa ammissione del relatore, dall’omeopatica presentazione di Alberto Batisti, sembrava esserci, eccome. Il filo conduttore, se proprio volessimo trovarlo, avrebbe forse potuto essere il cambiamento del mondo dopo la composizione di quei brani: il mondo non sarebbe stato più lo stesso dopo la 109 di Beethoven, dopo la Sonata op. 1 di Berg, dopo l’Uccello di fuoco di Stravinsky. Una lotta contro la forma, forse. L’interessante proposta e sfida di accostamenti arditi iniziava con una interpretazione partecipe ed estremamente intima della Sonata n. 30, op. 109 di Ludwig van Beethoven, dove Scott ha fatto risaltare la solitudine romantica e titanica del compositore tedesco in un mondo che gli era alieno e spesso ostile. Il tema con le sei variazioni, l’ultimo movimento della sonata “Gesangvoll, mit innigster Empfindung” (letteralmente: pieno di canto, col più intimo sentimento), era realmente pieno di canto e abbandono, coinvolgente e straziante, ma d’uno strazio contenuto, come se Scott volesse trasportare chi ascoltava certamente verso la dimensione più segreta di Beethoven, però senza drammi. Come il mondo avrebbe mai potuto essere lo stesso dopo aver conosciuto la 109? Eppure questa rivelazione venne colta solo da Schumann, alcuni anni dopo, che proseguì il discorso iniziato dal grande Ludwig van. Seguiva immediatamente dopo nel programma la Sonata op. 1 di Alban Berg. Un solo movimento, l’opera di un Berg giovane, fresco degli studi con Arnold Schönberg, la cui influenza è evidentissima nella frammentazione quando non nell’indecisione della tonalità. Infatti, anche se ufficialmente la sonata sarebbe dichiarata in si minore, la definizione tonale avviene chiaramente solo nelle ultime battute, dopo una continua e indecisa fluttuazione ai confini della tonalità, la cui disgregazione forse era un’inconscia metafora parallela al disfacimento dell’antichissimo e improponibile Impero austriaco, se non di un’Europa ormai avviata a un sanguinoso ricambio che sarebbe sfociato nella Grande Guerra. Scott ci ha immersi in questo smarrimento tonale non facendoci quasi percepire il suo aspetto inquieto, assecondando la continua variazione tonale e cromatica ma senza accentuarne l’aspetto inquietante. Forse era anche quello che voleva Berg, rassegnato a scrivere un solo movimento perché trovava la forma ormai obsoleta, non avendo altre idee per i rimanenti movimenti che avrebbero dovuto caratterizzare una vera sonata. Un sasso lanciato nell’immenso oceano di un mondo in trasformazione, un avvertimento, forse, per ciò che stava per succedere ma non una vera, autentica, rottura totale.

Al brano di Berg succedevano le sontuose e infrequenti Variazioni “Weinen Klagen Sorgen Sagen”, su un tema di Bach, di Franz Liszt, che fanno parte dell’ultima parte della sua produzione, nel periodo mistico che lo vide abitante di Roma. Qui Graham Scott ha messo in evidenza il grande virtuosismo richiesto all’interprete pur nell’austera dimensione quasi religiosa, in bilico tra forma e pathos, in un equilibrio che sembra rompersi ad ogni momento.

La seconda parte del concerto si apriva con le Variazioni su un tema di Corelli op. 42 di Sergei Rachmaninov. Qui la forma del tema con variazioni, che esiste in tutte le epoche e in tutte le letterature musicali occidentali, raggiunge il parossismo nella densa e virtuosistica scrittura di Rachmaninov. Fantasma proveniente da uno dei temi più celebri del barocco, il tema della “Follia” di Corelli, autore della celeberrima sonata per violino, anche quest’ultima un tema con variazioni, questo spettro si ripete per venti volte quasi in una trasfigurazione speculare assolutamente folle, a volte rasentando la parodia. Scott approfitta di questo pezzo di bravura, naturalmente, per raccontarci la sua visione. E la sua visione è, secondo noi, sempre legata a una forma che sta stretta, certamente, ma da cui non si riesce a prescindere se si vuol esprimere qualcosa, una forma che sembra in un modo o nell’altro essere il vero spettro che aleggia in questo recital di prelibatezze, con in più la sapienza di chi vede le cose col disincanto del postero, quasi in un gioco.

Concludeva il programma una rarissima trascrizione dell’Uccello di Fuoco di Igor Stravinsky ad opera del pianista e didatta Guido Agosti, temutissimo insegnante dell’Accademia Chigiana nel Novecento ma il cui viatico era indispensabile per chiunque volesse una carriera pianistica degna di nota. Impossibile. Impossibile suonare questa difficilissima traslitterazione dall’originale orchestrale, impossibile farci stare tutte le note e tutte le voci, bisognerebbe forse avere tre mani con sei dita ciascuna per poter suonare la Danza infernale del Re Katschei, mentre la Berceuse e il finale sembravano più accessibili, sebbene di grande impegno. Scott qui ha dato il meglio di sé, anche se, è naturale, qualche nota sembrava sfuggirgli, ma è il problema di questa trascrizione estremamente visrtuosistica. Grande successo e tre generosi bis, un brano di Mompou, un altro di Gershwin e un bizzarro quanto esilarante arrangiamento jazz della Marcia Turca di Mozart. Bravissimo.