Concurso Internacional de Musica G.B. Viotti en Vercelli

Foto: Leonardo D'Amico

Massimo Viazzo

El “Concorso Internazionale di Musica G.B. Viotti”, que se lleva a cabo en la ciudad italiana de Vercelli, y que fuera fundado en 1950 por Joseph Robbone, presidente de la  Società del Quartetto di Vercelli, se ha afirmado rápidamente como un punto de referencia en el panorama musical internacional. Desde 1957 es miembro de la asociación World Federation of International Music Competitions de Ginebra. Inicialmente dedicado al piano, el concurso fue sucesivamente ampliando su oferta incluyendo la versión de canto, así como de otros instrumentos que se van alternando cada año.

La edición 75 del concurso, este año dedicado al canto lirico, confirmó su prestigiosa tradición. La relevancia del evento tiene como testimonio un cuadro de honor que incluye artistas de fama mundial, entre los cuales se pueden recordar, por ejemplo, a: Ivo Vinco, Luis Alva, Anna Moffo, Piero Cappuccilli, Mirella Freni, Luciano Pavarotti, Raina Kabaivanska, Nicola Martinucci, Giuseppe Giacomini, Renato Bruson, Leo Nucci, Anja Kampe y Luca Salsi, y entre los miembros del jurado se han alternado relevantes personalidades como: Mariano Stabile, Aureliano Pertile, Virginia Zeani, Franco Corelli, Elisabeth Schwarzkopf, Renata Scotto, Joan Sutherland, Birgit Nilsson y Chris Merritt, solo por mencionar algunos.

En esta ocasión, los miembros del jurado fueron Cheryl Studer y Gabriella Morigi, el tenor Ernesto Palacio, el barítono Furio Zanasi, y el director y ex sobreintendente del teatro Semperoper de Dresde Alemania, Peter Theiler (presidente del jurado), el musicólogo y presidente de Génération Opéra de Paris, Marc Clemeur, y la presidente del Concurso Viotti, Maria Arsieni.

La velada de clausura se realizó en el Teatro Civico de Vercelli con la participación de la Orchestra dell’Accademia del Teatro alla Scala de Milan, bajo la atenta y puntillosa conducción de Francesco Omassini.  Los finalistas ejecutaron cada uno dos arias, seleccionadas por la comisión evaluadora. A continuación, se informa cual fue el programa detallado de la velada:

Junyoung Choi | Corea del Sud (1996) | barítono

Verdi «È sogno? o realtà?» (Falstaff)

Donizetti «Cruda, funesta smania» (Lucia di Lammermoor)

JihyeJang | Corea del Sud (1999) | Soprano

Dvorák «Mesícku na nebi hlubokém» (Rusalka)

Verdi «Egli non riede ancora... Non so le tetre immagini» (Il Corsaro)

Tamon Inoue | Japon (1993) | barítono

Mozart «Hai già vinta la causa... Vedrò mentr’io sospiro» (Le Nozze di Figaro) Verdi «È sogno? o realtà?» (Falstaff)

Francesca Lo Verso | Italia (1998) | Soprano

Bizet «Je dis que rien ne m’épouvante» (Carmen)

Puccini «Sì, mi chiamano Mimì» (La Bohème)

Jaewoung Lee | Corea del Sud (1994) | bajo

Mozart «Eh consolatevi... Madamina, il catalogo è questo» (Don Giovanni) Rossini «La calunnia è un venticello» (Il Barbiere di Siviglia)

Gaja Napast | Eslovenia (2001) | soprano

Mozart «Ach, ich fühl’s» (Die Zauberflöte)

Donizetti «Quel guardo il cavaliere... So anch’io la virtù magica» (Don Pasquale)

Jiazhou Wang | China (2004) | barítono

Rossini «Largo al factotum» (Il Barbiere di Siviglia) Donizetti “Di tua beltade immagine” (Poliuto)

Rongna Su | China (1994) | mezzosoprano

Mascagni «Voi lo sapete, o mamma» (Cavalleria rusticana) Donizetti

«Fia dunque vero?... O mio Fernando» (La Favorita).

El nivel general de los participantes fue sobresaliente, caracterizado por la preparación, la profundidad, la seriedad y la exactitud.  Muchos de ellos han obtenido ya reconocimientos y han llevado a cabo relevantes trayectorias profesionales, comenzando su propia carrera con optimas perspectivas. Por lo tanto, la elección de los miembros del jurado resultó difícil, dada la alta calidad de los jóvenes cantantes.

He aquí está la clasificación final:

El Primer Premio le fue entregado al muy joven barítono sudcoreano Jiazhou Wang, quien ya fue seleccionado como miembro de la prestigiosa Accademia Rossiniana del Rossini Opera Festival de Pesaro.  Wang demostró sobre el escenario seguridad, finura técnica, capacidad en el legato, con un timbre suave y un fraseo muy musical.

El Segundo Premio le fue conferido a la mezzosoprano china de origen mongol Rogna Su, quien exhibió un instrumento vocal importante, con una voz de color bruñido y rica en harmónicos, además de un acento vivo y gallardo.

El Tercer Premio le fue atribuido al barítono sudcoreano Junyoung Choi de voz sana, exuberante y generosa, con la cual evidenció una emisión vocal perfectamente controlada y una extrema facilidad en el registro agudo.

El público que abarrotó el teatro recibió con grandes aplausos el veredicto.

Il Concorso Internazionale di Musica G. B. Viotti - Vercelli

Foto:© Leonardo D’Amico

Massimo Viazzo

Il Concorso Internazionale di Musica G. B. Viotti, fondato nel 1950 da Joseph Robbone, presidente della Società del Quartetto di Vercelli, si è affermato rapidamente come punto di riferimento nel panorama musicale internazionale. Dal 1957 è membro della World Federation of International Music Competitions di Ginevra. Inizialmente riservato al pianoforte, il concorso ha successivamente ampliato la sua offerta includendo la sezione di canto e altri strumenti che si alternano annualmente.

La 75a edizione del concorso, quest’anno dedicata al canto lirico, ha confermato la sua prestigiosa tradizione. La rilevanza dell’evento è testimoniata da un albo d’oro che annovera artisti di fama mondiale, tra i quali si possono ricordare, ad esempio, Ivo Vinco, Luis Alva, Anna Moffo, Piero Cappuccilli, Mirella Freni, Luciano Pavarotti, Raina Kabaivanska, Nicola Martinucci, Giuseppe Giacomini, Renato Bruson, Leo Nucci, Anja Kampe e Luca Salsi. Tra i membri della giuria, si sono alternati personalità di rilievo quali Mariano Stabile, Aureliano Pertile, Virginia Zeani, Franco Corelli, Elisabeth Schwarzkopf, Renata Scotto, Joan Sutherland, Birgit Nilsson e Chris Merritt, solo per citarne alcuni.

I membri della giuria erano i soprani Cheryl Studer e Gabriella Morigi, il tenore Ernesto Palacio, il baritono Furio Zanasi, il regista ed ex sovrintendente della Semperoper di Dresda, Peter Theiler (Chairman della giuria), il musicologo e presidente di Génération Opéra di Parigi, Marc Clemeur, la presidente del Concorso Viotti, Maria Arsieni.

La serata conclusiva si è svolta presso il Teatro Civico di Vercelli, con la partecipazione dell’Orchestra dell’Accademia del Teatro alla Scala di Milano, sotto la direzione attenta e puntigliosa di Francesco Omassini. I finalisti hanno eseguito due arie ciascuno, selezionate dalla commissione giudicatrice. Di seguito si riporta il programma dettagliato della serata:

Junyoung Choi | Corea del Sud (1996) | Baritono

Verdi «È sogno? o realtà?» (Falstaff)

Donizetti «Cruda, funesta smania» (Lucia di Lammermoor)

JihyeJang | Corea del Sud (1999) | Soprano

Dvorák «Mesícku na nebi hlubokém» (Rusalka)

Verdi «Egli non riede ancora... Non so le tetre immagini» (Il Corsaro)

Tamon Inoue | Giappone (1993) | Baritono

Mozart «Hai già vinta la causa... Vedrò mentr’io sospiro» (Le Nozze di Figaro) Verdi «È sogno? o realtà?» (Falstaff)

Francesca Lo Verso | Italia (1998) | Soprano Bizet «Je dis que rien ne m’épouvante» (Carmen)

 Puccini «Sì, mi chiamano Mimì» (La Bohème)

Jaewoung Lee | Corea del Sud (1994) | Basso

Mozart «Eh consolatevi... Madamina, il catalogo è questo» (Don Giovanni) Rossini «La calunnia è un venticello» (Il Barbiere di Siviglia)

Gaja Napast | Slovenia (2001) | Soprano

Mozart «Ach, ich fühl’s» (Die Zauberflöte)

Donizetti «Quel guardo il cavaliere... So anch’io la virtù magica» (Don Pasquale)

Jiazhou Wang | Cina (2004) | Baritono

Rossini «Largo al factotum» (Il Barbiere di Siviglia) Donizetti “Di tua beltade immagine” (Poliuto)

Rongna Su | Cina (1994) | Mezzosoprano

Mascagni «Voi lo sapete, o mamma» (Cavalleria rusticana) Donizetti «Fia dunque vero?... O mio Fernando» (La Favorita)

Il livello complessivo dei partecipanti è stato di eccellenza, caratterizzato da preparazione approfondita, serietà e accuratezza. Molti di essi hanno già conseguito riconoscimenti e intrapreso percorsi professionali di rilievo, avviando la propria carriera con ottime prospettive. La scelta dei giurati si è rivelata quindi ardua, data l’elevata qualità dei giovani cantanti.

Ecco la classifica finale:

Il Primo Premio è stato assegnato al giovanissimo baritono sudcoreano Jiazhou Wang, già selezionato come membro dalla prestigiosa Accademia Rossiniana del Rossini Opera Festival di Pesaro. Wang ha mostrato in palcoscenico sicurezza, rifinitura tecnica, capacità nel legato, con una timbrica morbida e una fraseggio musicalissimo.

Il Secondo Premio è stato conferito al mezzosoprano cinese di origine mongola Rongna Su, che ha esibito uno strumento vocale importante, una voce di colore brunito e ricca di armonici, con un accento vivo e gagliardo.

Il Terzo Premio è stato attribuito al baritono sudcoreano Junyoung Choi, dalla vocalità sana, esuberante e generosa, il quale ha evidenziato un’emissione vocale perfettamente controllata e una estrema facilità nel registro acuto.

Il pubblico, che gremiva il teatro, ha accolto con grandi applausi il verdetto finale.

Francesca da Rimini en Turín

Foto: Gaido Ratti - Teatro Regio di Torino 

Massimo Viazzo

Francesca da Rimini, compuesta por Riccardo Zandonai (1883-1944) en 1914, es su obra mas celebre. La oopera se basa en la tragedia homónima de Gabriele D’Annunzio, escrita por Eleonora Duse, la mas grande actriz de teatro de su tiempo, y cuya primera representación ocurrió en 1901.  A su vez, esta ultima obra, se inspira en el los celebres versos dantescos del V canto del infierno de la Divina Comedia, que se según se dice que probablemente, se basaban en una historia real.  Ambientada en la Romagna medieval, narra la trágica historia de Francesca, esposada con el lisiado Gianciotto Malatesta, pero a la vez enamorada del hermano Paolo il bello, en una historia de pasión y muerte que culmina con el asesinato de los dos amantes.  La música de Zandonai funde lirismo, con refinada sonoridad orquestal e intensos momentos dramáticos, reflejando la influencia del romanticismo tardío centro europeo y del impresionismo, ofreciendo un retrato emotivamente vivido de los personajes y de su mundo.  Se debe resaltar que la ópera tiene un significativo vinculo con el Teatro Regio de Turín, ya que fue representada en su estreno absoluto justo en la capital piamontesa el 19 de febrero de 1914, bajo la conducción de Ettore (Héctor) Panizza.  Andrea Bernard montó un espectáculo pulido, comprensible, simple y linear. La única licencia que se tomó fue la de crear los dobles infantiles de los protagonistas (Paolo y Francesca chicos), casi para querer afirmar que esta historia, esta triste historia, quizás había ya sido completamente esculpida desde la juventud, en su destino.  El director de escena ha mencionado que “la habitación de Francesca representa el núcleo escénico: el refugio seguro que la protagonista construyó para protegerse del mundo externo, violento y machista” De hecho, el espectáculo fue completamente ambientado en una habitación con paredes blancas, casi para definir una ambientación atemporal de la historia, aunque en presencia de una ambientación general que coloca a la ópera en la segunda mitad del siglo XIX. En ese sentido, se pudieron admirar los apropiados vestuarios creados por Elena Beccaro. La habitación de Francesca, bien ideada por el escenógrafo Alberto Beltrame, asumió casi la función de una prisión, pero al mismo tiempo le ofrecía protección a la misma Francesca, la cual vive la historia del libreto dannunziano entre sueño y realidad, entre memorias y recuerdos, un contexto que roza el psicoanálisis. Se recuerda el final del primer acto, notablemente logrado, con la primera aparición de Paolo: en el que el fondo se alzaba para dejar espacio a un exuberante y encantado jardín, dentro del cual se destacaba su poderosa y hermosa figura, mientras que el esplendido solo del violonchelo de la orquesta describía el éxtasis de ese supremo momento.  También, en el final del tercer acto, en escena con los dos amantes y sus dobles, simbolizaba la sublimación de una unión absoluta, fuera del tiempo, dando otro momento de fuerte emoción. Andrea Battistoni, nuevo director musical del Teatro Regio, en su primera inauguración de temporada, encontró justo en estas refinadas paginas musicales, suspendidas, vaporosas, difusas, multicolores; el justo equilibrio de timbres y dinamismo. Battistoni demostró además sensibilidad en el cuidado de las transiciones harmónicas, haciéndolas siempre ricas de sutilezas y significados. Por otro lado, en la ópera de Zandonai,¡la orquesta tiene un papel que es más que secundario! Su conducción fue teatral, dramática e impetuosa, y aunque quizás no siempre estuvo matizada en los forti, que por momentos parecieron poco llamativos (hasta el final del segundo acto).  Por lo que respecta al elenco, era evidente que las expectativas estaban concentradas en el desempeño de Roberto Alagna. A pesar de algunas desentonaciones en los timbres, ofreció una interpretación de gran espesor.   Alagna, a sus anchas en este papel, ha sabido atrapar cada matiz, delineando un personaje completo, fresco, apasionado y creíble, interpretando con transporte, pero sin excesos o manierismos. Su fraseo fue cuidado y musical, y convenció  plenamente, así como por su espontanea capacidad de identificación con el papel.  Desde el punto de vista vocal la Francesca de Barno  Ismatullaeva convenció por la homogeneidad en su timbre, la fluidez en la emisión y la facilidad en los passaggi di registro.  También su timbre mostró ser adecuada para el rol.  El único aspecto a mejor, de su por demás convincente interpretación, es una cierta carencia de emoción, pasión y perturbación, que deben caracterizar al personaje. Siniestro y feroz fue la representación de parte de George Gadnize como Gianciotto. El barítono georgiano ofreció sustancialmente una interpretación unidireccional. A su vez, estuvo sutilmente maligno y perverso el Malatestino de Matteo Mezzaro que cantó con una voz penetrante y de gran impacto comunicativo. Después, fue un lujo, la esclava de Smagardi interpretada con voz bruñida por Silvia Beltrami; y muy affiatate, brillantes y vocalmente atractivas estuvieron las cuatro damiselas: Valentina Mastrangelo  (Biancofiore), Sofia Koberidze (Donella), Albina Tonkikh (Garsenda) y Martina Myskohlid (Altichiara), estas dos últimas pertenecientes al Regio Ensemble.  Optima presencia tuvo el Ostasio de David Cecconi, como expresiva estuvo Valentina Boi en el papel de Samaritana.  Francesca da Rimini es una obra coral por lo tanto el entero elenco en su totalidad desempeña un papel de gran importancia, y en Turín nadie desilusionó: Enzo Peroni come Ser Toldo, Janusz Nosek como el juglar, Daniel Umbelino (Regio Ensemble) el ballestero, y Eduardo Martínez (Regio Ensemble) como el habitante de la torre. El Coro del Teatro Regio, en optima forma, fue dirigido con la habitual competencia y profesionalismo de Ulisse Trabacchin. Al final, fue un gran éxito para los protagonistas que fueron ovacionados por el público.  

 

Francesca da Rimini - Teatro Regio di Torino

Foto: Gaido Ratti - Teatro Regio di Torino 

Massimo Viazzo

Francesca da Rimini, composta da Riccardo Zandonai (1883-1944) nel 1914, è la sua opera più celebre. L’opera si basa sulla tragedia omonima di Gabriele D’Annunzio, scritta per Eleonora Duse, la più grande attrice teatrale del suo tempo, la cui prima rappresentazione avvenne nel 1901. Quest’ultima, a sua volta, si ispirava ai celebri versi danteschi del V Canto dell’Inferno della Divina Commedia, che si basavano, si dice, forse su una storia vera. Ambientata nella Romagna medievale, narra la tragica storia di Francesca, sposata allo storpio Gianciotto Malatesta, ma innamorata del fratello Paolo il bello, in una vicenda di passione e morte che culmina con l’assassinio dei due amanti.  La musica di Zandonai fonde lirismo, raffinate sonorità orchestrali e intensi momento drammatici, riflettendo l’influenza del tardo romanticismo mitteleuropeo e dell’impressionismo, e offrendo un ritratto emotivamente vivido dei personaggi e del loro mondo. Da sottolineare che l’opera ha un significativo legame con il Teatro Regio di Torino, essendo stata rappresentata in prima assoluta proprio nel capoluogo piemontese il 19 febbraio 1914, sotto la direzione di Ettore (Héctor) Panizza. Andrea Bernard ha allestito uno spettacolo pulito, comprensibile, semplice e lineare. L’unica licenza che si è preso è stata quella di creare i doppi infantili dei protagonisti (Paolo e Francesca ragazzi), quasi a voler affermare che questa storia, questa triste storia, fosse forse già tutta scolpita, fin dalla giovinezza, nel loro destino. Il regista ha dichiarato che «la stanza di Francesca rappresenta il fulcro scenico: un rifugio sicuro che la protagonista ha costruito per proteggersi dal mondo esterno, violento e maschilista». Lo spettacolo, infatti, è interamente ambientato in una stanza dalle pareti bianche, quasi a definire una collocazione atemporale della vicenda, pur in presenza di un’ambientazione generale che colloca l’opera nella seconda metà dell’Ottocento. Si possono ammirare in tal senso i costumi appropriati creati da Elena Beccaro. La stanza di Francesca, ben congegnata dalla scenografo Alberto Beltrame, assume quasi la funzione di una prigione, ma al contempo offre protezione a Francesca stessa, la quale vive la storia del libretto dannunziano tra sogno e realtà, tra memoria e ricordo, in un contesto che sfiora la psicanalisi. Da ricordare la notevole riuscita del finale del primo atto, con la prima apparizione di Paolo: il fondale si alzava per lasciare spazio a un giardino lussureggiante e incantato, all’interno del quale si stagliava potente la sua bellissima figura, mentre in orchestra lo splendido assolo di violoncello commentava l’estasi di quel momento supremo. Anche ilfinale del terzo atto, con in scena sia i due amanti che i loro doppi, a simboleggiare la sublimazione di un legame assoluto, fuori dal tempo, è stato un altro momento di forte emozione. Andrea Battistoni, nuovo direttore musicale del Teatro Regio, alla sua prima inaugurazione, ha trovato proprio in queste pagine musicali raffinate, sospese, vaporose, soffuse, trascoloranti, il giusto equilibrio timbrico e dinamico. Battistoni ha dimostrato inoltre sensibilità nella cura delle transizioni armoniche, rendendole sempre ricche di sottigliezze e significati. D’altronde, nell’opera di Zandonai l’orchestra ha un ruolo tutt’altro che secondario! La sua è stata una direzione teatrale, drammatica, impetuosa, anche se forse non sempre sfumata nei forti, che a volte sono parso un po’ plateali (finale secondo atto). Per quanto riguarda il cast, era evidente che le aspettative fossero concentrate sulla performance di Roberto Alagna. Il tenore francese, nonostante alcune stimbrature, ha offerto un’interpretazione di grande spessore. Alagna, profondamente a suo agio con questo ruolo, ne ha saputo cogliere ogni sfumatura, delineando un personaggio completo, fresco, appassionato e credibile, interpretato con trasporto ma senza eccessi o manierismi. Il suo fraseggio, curato e musicale, ha pienamente convinto, così come la sua spontanea capacità di immedesimazione. Dal punto di vista vocale, la Francesca di Barno Ismatullaeva ha convinto per l’omogeneità timbrica, la fluidità nell’emissione e la facilità nei passaggi di registro. Anche la timbrica si è rivelata adeguata al ruolo. Unico aspetto migliorabile della sua seppur convincente interpretazione, una certa mancanza di emozione, passione e turbamento, che dovrebbero caratterizzare il personaggio. Truce e feroce la rappresentazione di Gianciotto da parte di George Gagnidze. Il baritono georgiano ha offerto sostanzialmente un’interpretazione unidirezionale. Sottilmente maligno e perverso, invece, il Malatestino di Matteo Mezzaro, reso con voce penetrante e di grande impatto comunicativo. Un lusso, poi, la schiava Smaragdi interpretata con voce brunita da Silvia Beltrami, e affiatate, brillanti e vocalmente attraenti le quattro damigelle: Valentina Mastrangelo (Biancofiore), Sofia Koberidze (Donella), Albina Tonkikh (Garsenda) e Martina Myskohlid (Altichiara), le due ultime facenti parte del Regio Ensemble. Ottima presenza per l’Ostasio di Devid Cecconi ed espressiva Valentina Boi nei panni di Samaritana. Francesca da Rimini è un’opera corale e quindi l’intero cast nella sua interezza riveste un ruolo di grande importanza. E a Torino nessuno ha deluso: Enzo Peroni come Ser Toldo, Janusz Nosek il giullare, Daniel Umbelino (Regio Ensemble) il balestriere ed Eduardo Martínez (Regio Ensemble) iltorrigiano. Il Coro del Teatro Regio, in ottima forma, è stato diretto con la consueta competenza e professionalità da Ulisse Trabacchin. Grande successo di pubblico con ovazioni per i protagonisti.

Elektra en el Palacio de Bellas Artes de México

Fotos: Arturo López /CNO/ INBAL

José Noé Mercado

“Este mundo está podrido,

y quienes lo pudren merecen morir”

Light Yagami

Death Note

El Palacio de Bellas Artes albergó el estreno de una nueva producción de Elektra, ópera en un acto del compositor alemán Richard Strauss (1864-1949), como parte de la temporada 2025 de la Ópera de Bellas Artes, dirigida por el argentino Marcelo Lombardero.  Con tres funciones más (9, 12 y 14 de octubre), antes de presentarse también en el Teatro Juárez (24 y 25 de ese mismo mes), en el marco del Festival Internacional Cervantino, esta puesta en escena de corte clásico capturó la intensidad psicológica de la tragedia de Sófocles, adaptada por el célebre libretista, poeta e intelectual austríaco Hugo von Hofmannsthal (1874-1929), en un montaje que resaltó la fijación del trauma y la sed de venganza del personaje protagonista. La entrada al Palacio de Bellas Artes para este estreno fue inusual, rodeado el recinto por un círculo de vallas metálicas, tras las manifestaciones del pasado 2 de octubre que rememoraron la matanza estudiantil de 1968. El acceso se dio a través de una pequeña abertura resguardada, un vestigio de las medidas de seguridad en edificios públicos del Centro Histórico de la Ciudad de México. Por si fuera poco el contexto, antes de la función integrantes de los grupos artísticos del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura salieron al escenario para expresar ante el público su inconformidad por ciertas deplorables condiciones laborales, el deterioro del mobiliario y la falta de respuesta del INBAL, encabezado por Alejandra de la Paz Nájera. Este acto, que marcó el primer aplauso de la tarde, subrayó las coordenadas sociales en las que se desarrolló la representación.

Estrenada en 1909 en la Semperoper de Dresde, Elektra es una muestra representativa del expresionismo musical, donde Strauss y el libretista Hugo von Hofmannsthal, en su primera colaboración sinérgica, exploran la venganza de la protagonista contra su madre Clitemnestra y su amante Egisto, responsables del asesinato de su padre Agamenón. La partitura, con requerimiento de una orquesta superior al centenar de músicos, una de la más ricas y nutridas del repertorio lírico, combina disonancias y momentos líricos para reflejar la psique rota de los personajes. En sus cerca de cien minutos sin pausa, la ópera exige un equilibrio entre potencia músico-vocal y profundidad emocional, consolidándose como un desafío técnico y dramático, que esta vez fue bien sorteado en Bellas Artes. Dirigida escénicamente por Mauricio García Lozano, la puesta adoptó un enfoque clásico y de cierta manera aterido e historicista, con poco movimiento y un carácter casi ritual, anclado en la doliente obsesión de Elektra. Innecesario el desnudo frontal de un ensangrentado y espectral figurante de Agamenón. La escenografía de Jorge Ballina presentó un cubo con paredes desencajadas, simbolizando la fractura de la corte de Micenas.

Los tonos grises, ocres y negros palidecieron aún más por el sangriento vestido de Clitemnestra y su séquito (vestuario diseñado por Jerildy Bosch), que evoca el baño de sangre narrado, con destellos rojos colándose por las grietas del cubo. La iluminación de Ingrid SAC reforzó la atmósfera sombría, mientras que los peinados y maquillaje de Maricela Estrada, junto a la coreografía de Vivián Cruz, completaron un montaje sobrio pero impactante. La soprano francesa Catherine Hunold encarnó a Elektra con una voz potente capaz de atravesar la densa orquesta de Strauss, aunque inteligente y por momentos contenida, sin desbocarse, transmitiendo su obsesión vengativa. La también soprano Dhyana Arom, como Crisótemis, aportó tempestad y empuje vocal, sin desmarcarse de la intensidad de la protagonista. Es decir, sin contrastar sus aspiraciones más resilientes y fluidas, tan disímbolas del atasque mental de su hermana. La mezzosoprano Belem Rodríguez, por su parte, dio vida a una Clitemnestra atormentada, creíble y humana, con matices que reflejaron su culpa, tanto como su paranoia. El barítono Josué Cerón (Orestes) y el tenor Carlos Arturo Galván (Egisto) completaron los roles principales con solidez y, sobre todo, decisión dramática.

Las sopranos Diana Lamar (Elektra), María Fernanda Castillo (Crisótemis), la mezzosoprano Rosa Muñoz (Clitemnestra), así como el tenor Gilberto Amaro (Egisto) y el bajo-barítono Óscar Velázquez (Orestes) alternaron roles en siguientes funciones. En la encomienda de papeles menores destacaron David Echeverría (Tutor de Orestes), Arturo López Castillo y Chac Barrera (Sirvientes), Elizabeth Mata (Confidente), Diana Mata (Paje), Lucía Salas (Celadora), y las Doncellas Vanesa Jara, Araceli Fernández, Mariana Sofía, Hildelisa Hangis y Angélica Alejandre. 

El Coro —con notable actuación desde palcos laterales, bajo la dirección huésped de Rodrigo Elorduy— y la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, todos con la concertación de Stefan Lano, enfrentaron la compleja partitura con hilvanado y conjunción, logrando un discurso sonoro tan potente y trágico como lo permiten las dimensiones del foso de este recinto. En todo caso, la dirección orquestal de Lano equilibró la densidad instrumental, permitiendo que las voces destacaran en su timbrado y psicología, sin perder el impacto perturbador de la música, límites estridentes a los que llegó Strauss antes de voltear para recuperar en su obra operística, con cierta nostalgia, el pasado lírico que claramente se diluía al iniciar el siglo XX. La nueva producción de Elektra en Bellas Artes reafirmó la fuerza de esta ópera para impactar al espectador con el delineado del curso humano, dañado, implacable y sediento de poder y venganza.

Andreas Scholl en Bogotá - XVI Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá

Foto: Festival Internacional de Musica Sacra de Bogotà / Sebastian Delgado 

Ramón Jacques

El Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá, importante evento musical de carácter multireligioso que se lleva cabo en diferentes sedes e iglesias de la capital colombiana, llegó este año a su edición número XIV.  Fundado en el 2012 como un homenaje a los 50 años del Concilio Vaticano II, tiene la misión de promover la unión, el respeto y la paz a la diversidad de creencias a través de la música sacra perteneciente a diversas épocas y religiones.  Entre la variada y amplia programación de esta edición, se contó con la presencia del célebre contratenor alemán Andreas Scholl, quien ofreció un concierto titulado “Vivaldi – Purcell: del lamento a la gloria” compuesto de extractos de obras de estos dos prolíficos compositores del barroco; y donde fue acompañado por el valioso marco musical creado por los músicos del Ensamble Barroco de Bogotá, bajo la conducción de su director, el maestro francés Julien Fauré.  La cuidad selección de las piezas cantadas por Scholl, incluyó arias de obras que han sido cercanas y representativas en su carrera (no se debe olvidar que su grabación del Stabat Mater de Antonio Vivaldi (1678-741) con el Ensamble 415 dirigida por Chiara Banchini, con el sello Harmonia Mundi, fue considerada como la mejor interpretación vocal barroca en 1996). Precisamente de esa obra eligió para algunos pasajes para el concierto, que dio inicio con la Introducción al miserere, el motete, “Filiae maestae Jerusalem” (hijas afligidas de Jerusalén) de la que ofreció una sentida ejecución plena de encanto y fascinación con la pureza de su emisión, grato sonido y pulcra dicción.  Del mismo autor regaló una conmovedora ejecución  del Gloria a Patri del Nisi Dominus, RV 608 (Gloria al Padre), otra obra contenida en su amplio acervo discográfico, en el sello Decca, con la fulgurante brillantez del violín que acompañaba su tersa voz; continuando con una notable interpretación del Cantate, RV 684 “Cessate, omai cessate, cantata secular, en la que desplegó agilidad y virtuoso en el manejo de la voz, sin perder ese aire de solemnidad y espiritualidad contenida en esta partitura.  Del compositor ingles Henry Purcell (1659-1695) eligió el lamento de Dido “When I’m laid in earth” de la ópera Dido and Eneas (Z. 66), que cantó con sensibilidad y una voz que lucía intacta en todo el registro. Su intervención concluyó con el aria “What power art thou” de la semi-ópera King Arthur (o The British Worthy) inquietante, oscura y lugubre pieza plena de dramatismo y profundidad sensorial que Scholl cantó con destreza y seguridad, y que debió repetir como bis ante los extensos e insistentes aplausos del público que abarrotó el concierto.  (Ambas arias de Purcell están contenidas en su grabación en el sello Decca 2010, titulada O solitudine con la Accademia Bizantina). Hubiera sido ideal poder seguir escuchando más del contratenor alemán, y aunque su aparición fue breve dejo constancia de su fama y nobleza vocal e incluso espiritual. Por su parte, la orquesta que mostró su cohesión, dinámica y ligereza en cada una de sus intervenciones, ejecutó en solitario la alegre Chaconne  de “King Artur” Cabe señalar que el concierto se realizó en la Iglesia de San Ignacio de Loyola, perteneciente a la Compañía de Jesús, templo católico, con su enorme y hermoso retablo dorado, fundado en 1610, que se ubica en el centro de esta ciudad. En la primera parte del concierto, el público presente fue testigo de escuchar el estreno mundial de la obra Gloria, para alto o contratenor y ensamble barroco del compositor colombiano Diego Vega (1968), que le fue comisionada por el Festival, para su estreno en esta edición. Se trato de una interesante escritura musical, que en su creación combina, un cierto aire y estilo de la música contemporánea con los cánones de la música antigua (como si se creara un vínculo entre pasado y presente) con una instrumentación para ensamble de cuerdas y continuo, la preponderancia del clavecín, y que aprovechó la presencia del Ensamble Barroco de Bogotá, que acompañó a Scholl.  La partitura de esta nueva obra es armoniosa, grata, y con mucha expresividad y un sentido místico-religioso que se expresa en sus cuatro movimientos (Gloria, Laudaumus te, Domine fili unigenite y Quoniam tu solus sanctus) en latín. La contrastante obra atraviesa momentos de clímax, delicadeza y solemnidad.  Las partes cantadas le correspondieron a la mezzosoprano venezolana Ana Mora, quien se exhibió como una interprete sensible, y envuelta en la pieza, a la que le aportó su oscura, profunda y por momentos delicada entonación y robusta proyección.  El día previo al concierto de Scholl, y también como parte de los eventos del festival se realizó otro sugestivo concierto, en la Basílica de Nuestra Señora de Chiquinquirá, que inició el Crisantemi, obra de cuerdas compuesta en 1890, que aborda temas como el duelo y la perdida, así como la Misa de Gloria, ambas pertenecientes al celebre compositor Giacomo Puccini (1858-1924) en un concierto que llevo al público a experimentar la contrastante oscuridad de la muerte con el resplandor de la gloria.  En la misa, obra poco representada del autor que brilla más por sus títulos operísticos, se aprecian los colores orquestales, operísticos y melódicos típicos del compositor.  Una obra olvidada y redescubierta a mediados del siglo XX, gusta por su pasión, expresan en su estructura, que es la de una misa -Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei.  La Orquesta Filarmónica Juvenil de Colombia se encargó de la parte musical de la pieza, con buenos resultados, bajo la entusiasta conducción del maestro Carlos Ágreda y con dos solidos solistas colombianos como el bajo barítono Hyalmar Mitrotti y el tenor Hans Ever Mogollón, que conocimos en México hace algunos años en el papel de Don Ramiro de la ópera La Cenerentola de Rossini. Es digno de mención el aporte del Coro Filarmónico Juvenil de Colombia, tal y como lo requiere esta grandiosa partitura. Cabe mencionar que otro de los eventos importantes de esta edición fue el recital del tenor alemán Christoph Prégardien, titulado “El Canto Espiritual de Schubert” al lamentablemente no pude asistir, a pesar de la amable invitación del festival, y que demuestra el nivel de artistas, entre muchos otros, que, gracias a este encuentro musical, viajan cada año a Bogotá.

The Fairy Queen en Bogotá

Fotos: Juan Diego Castillo / Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo

Ramón Jacques 

Continuando con los festejos del decimoquinto aniversario de la inauguración del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, como parte de su temporada lírica, y en colaboración con la XIV edición del Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá, se ofreció la semi-ópera en un prólogo y cinco actos The Fairy Queen del compositor ingles Henry Purcell (1659-1695), a la obra se le refiere también como una mascarada, que era la forma de divertimento más popular en las cortes inglesas durante los siglos XVI y XVII. Apreciada como una de las obras más representativas del repertorio barroco, la obra fue estrenada el 2 de mayo de 1692 en el Queen’s Theatre en los jardines de Dorset en Londres, y aunque inexplicablemente cayó en el  olvido durante casi dos siglos y fue redescubierta en 1900, The Fairy Queen, está inspirada en la obra cómica “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare. Purcell no musicalizó el texto del dramaturgo inglés (de hecho, el  libreto y los argumentos parecen no tener coherencia, y  los actos  parecen no tener relación entre sí) si  no que compuso algunas de las más seductoras melodías que pertenecen a propio acervo, como al del periodo barroco, en las cuales evidencia su dominio del estilo ingles de contrapunto barroco, con predominante y fuerte influencia italiana. Si bien el libreto es una adaptación anónima, se piensa que fue obra del actor Thomas Batterton, quien en aquella época se desempeñaba como director del Dorset Garden Theatre, y era un cercano colaborador de Purcell. En su concepción, el titulo tenía como objetivo darle un aire de modernidad a la obra de Shakespeare, en la que, de acuerdo con la tradición operística inglesa de la época, se requería que la música se introdujera únicamente en las escenas donde están involucrados temas relacionados al amor o a lo sobrenatural, sin embargo, Purcell compuso introducciones musicales para todas las escenas.  Por ejemplo, inicialmente el Acto I no estaba musicalizado, pero el éxito de la obra ocasionó que, en su reposición en 1693, se agregara la escena del borracho, así como un par de arias.  En la búsqueda de esa modernidad y con la idea de darle un aire más contemporáneo al montaje de esta obra, es lo que dio origen a la producción semi escenificada presenciada  en esta ocasión, que fue creada en el 2023, y que se ha convertido en una de las cartas de presentación más populares y gustadas de la célebre agrupación francesa barroca Les Arts Florissants, que se unió con la compañía de francesa de danza contemporánea francesa Compagnie Käfig, que dirige el director de escena y coreógrafo Mourad Merzouki, quien en su idea de representar un título, que celebra la amistad entre las artes, las culturas y las generaciones, creó un entretenido y vivaz espectáculo que fusiona la música con la danza.  Con los músicos de la orquesta colocados al fondo del escenario, Marzouki, traslado al espectador a un imaginario bosque encantado, donde la realidad se mezcla con los sueños y lo sobrenatural, en el que un grupo de jóvenes -cantantes y bailarines, - se reúnen para escapar de la ciudad y disfrutar la magia de la naturaleza.  A medida que la función avanza, y las melodías y danzas se despliegan, los límites entre los bailarines y los cantantes se desvanecen para crear un grupo (o una comunidad igualitaria y fraterna, unida por la alegría de la música: según Merzouki). Los cantantes, ataviados en elegantes trajes negros y coloridas camisas, se unen a los bailarines en homogéneas, modernas, vivaces y muy precisas coreografías, creando escenas que atraen por su plasticidad y atractivo, en el que no se distinguen los cantantes de los bailarines.  Con el uso de pocos elementos escénicos, unas bancas, unas sillas, los intérpretes cantan sus arias y partes musicales, y mientras se escuchan algunas de las arias más conocidas arias y bellas compuestas por Purcell, como la conmovedora «O let me weep» y la vivaz «Thrice happy lovers» o en Now the night is chas’d away’ al final, que resaltan la teatralidad de la obra, mientras que se  veían en la escena, haciendo arduas y atrevidas danzas, movimientos y piruetas, a los bailarines de la Compagnie Käfig, que hacen que el alegre espectáculo sea un deleite.  Vocalmente el elenco fue conformado por jóvenes cantantes, versados en el estilo de canto barroco, que fueron ganadores de la 11ª edición de Le Jardin de Voix, (la Academia de Les Arts Florissants para jóvenes cantantes, correspondiente al año 2023 cuando nació precisamente este espectáculo). Los ocho solistas de la función, de diversas nacionalidades, ofrecieron un notable desempeño vocal en sus partes individuales como en las corales. A algunos de ellos se les puede considerar como destacadas figuras en el ámbito del canto barroco, por su trayectoria y la experiencia escénica que han adquirido con otras orquetas de música antigua y puestas escénicas en teatros. Sobresaliente estuvo la soprano Paulina Francisco, quien sedujo con su alegre, musical y colorido tinte vocal.  Su voz es ligera y flexible, y muy homogénea en cada registro.  La mezzosoprano francesa Juliette Mey, ya con una respetable trayectoria, mostró una refinada voz de tonalidad oscura, pero que imprime a su canto dulzura, agilidad y virtuosismo en las ornamentaciones.  Las otras dos mezzosopranos fueron Georgia Burashko, con gratas cualidades vocales y Rebecca Leggett, quien agradó y sedujo con su personalidad en escena y su notable canto.  El barítono Hugo Herman-Wilson, actuó con medida y comicidad el papel del poeta ebrio, con su voz robusta y de clara emisión.  Se deben mencionar a los tenores Ilja Aksionov y Rodrigo Carreto, por la entrega y la pasión en su canto, así como el bajo-barítono Benjamin Schillperoot que redondeo al elenco con sus valiosas intervenciones.  Desafortunadamente el director musical William Christie titular de Les Arts Florissants, por temas de salud debió cancelar su viaje a Colombia para dirigir esta función (como también en las demás funciones que se realizaron en Brasil y Uruguay) y su lugar fue ocupado por Emmanuel Resche-Caserta, concertino de la agrupación quien dirigió desde su puesto, de manera puntual y precisa, al ensamble, quienes ofrecieron un una prestación interpretativa y musical de alto nivel.  El tejido sonoro que se escuchó de los músicos de esta agrupación fue compacto, dinámico, sutil y en armonía con las voces, y en línea con el carácter alegre y jocoso de la partitura.  Al final, el balance de la temporada lírica del teatro fue positivo, por la cantidad y el balance de los títulos ofrecidos, y en especial con el cierre que regaló la decana y más importante agrupación de música barroca: Les Arts Florissants.