La Calisto de Cavalli en el Teatro alla Scala de Milán

Foto: Brescia& Amisano

Massimo Viazzo

Diez años han transcurrido desde que se presentó la primera ópera de Francesco Cavalli en la Scala, que fue La Didone, aunque la producción escénica no se originó en el teatro, si no que provino de Venecia donde fue creada por la Facultad de diseño y artes de la Universidad IUAV.  En cambio, para la Calisto se dio el estreno absoluto de la realización escénica de una ópera del gran compositor lombardo, descendiente directo de Monteverdi, que fue producida por el máximo teatro italiano.  La Calisto, cuyo notable libreto pertenece a Giovanni Faustini, y está inspirada en episodios obtenidos de la Metamorfosis de Ovidio, se mostró como lo que es: una extraordinaria obra maestra, de una delicia para el oído por sus ariette, canzonette, duetos, duettini, y sus sinfonías y bailes, que conquistan por su inmediatez expresiva y su rara capacidad de hacer al espectador identificarse, sobre todo con el corazón de los aspectos más patéticos de la trama erótica-amorosa, que confunden, engañan y perturban las relaciones entre los personajes en el escenario. Calisto, representada en Venecia a mediados del siglo XVII contiene también rasgos de la época y sobretodo de la ciudad lagunera donde fue escenificada por primera vez, la ciudad libertina y agradable, pero también liberada de los centros del poder religioso romano y por ello más inclinada a estudiar y experimentar con nuevos resultados científicos. Esto explica porque el astrónomo Endimión en el espectáculo milanés parece un nuevo Galileo Galei. La magnífica dirección escénica de David McVicar, contiene una rica escenografía fija, una especie de observatorio (proyectado de manera óptima por el escenógrafo Charles Edwards) dominado en el centro justo por un gran telescopio que de acuerdo a la situación giraba o se inclinaba. Sí, Endimión que observa la Luna, y de hecho, está enamorado de ella, que no más que una de las personificaciones de Diana la cazadora y Diana, la protectora de las vírgenes. La ninfa Calisto es en realidad una de esas vírgenes. Eros está constantemente en el centro de la trama, todo el mundo ama o quisiera amar, aunque es la sublimación de este erotismo lo que marca la magnífica partitura de Cavalli. Al final del espectáculo el público premió con una grande ovación a los artistas decretando lo que fue un notable éxito, que quizás era inesperado para los melómanos que están acostumbrados al repertorio tradicional, permitiendo así la entrada (o es lo que se espera) al teatro musical del siglo XVII a la Scala. Ahora es deseable que esto no acabe aquí, basta solo considerar que tan solo de Cavalli, un gigante del teatro musical tout court, existen ya más de veinte ediciones críticas de sus óperas, listas para ser puestas en escena, como por cierto ya se está haciendo desde hace algunos años, en teatros del extranjero con gran recibimiento de la crítica y del público.  En la Calisto Scaligera todo funcionó a la perfección: desde la dirección de McVicar, muy precisa y detallada, con los suntuosos trajes del siglo XVII diseñados por Doey Lüthi, hasta la competente, imaginativa, electrizante y muy musical dirección de Christophe Rousset al frente de un conjunto mixto formado por elementos del grupo histórico Les Talens Lyrique, y algunos miembros “filológicamente informados” de la Orquesta del Teatro alla Scala. Rousset demostró que conoce esta ópera como la palma de su mano, porque la ha dirigido varias veces, pero que para La Scala desarrollo el pentagrama instrumental conforme al tamaño de la sala Piermarini. Por otro lado, los instrumentistas que acompañaban a los cantantes podían contarse con la punta de los dedos de una mano en el primer espectáculo veneciano en 1651 en el Teatro di Sant'Apollinare. Cavalli, y otros compositores de la época, se ocuparon principalmente de las partes vocales, dejando a menudo poco más que una simple guía armónico-rítmica para los instrumentos. Esto explica por qué el trabajo del director se vuelve tan importante. En un reparto de alto nivel, es difícil mencionar picos o lamentar fallas. Así, se puede mencionar a la lírica Calisto de Chen Reiss, quizás algo álgida, a la multiforme Diana de Olga Bezsmertna de timbre aterciopelado, a Veronique Gens una Giunione imperiosa y de bella presencia, y a Chiara Amarù en el papel de una exuberante Linfea, que fue capaz de plegarse en un canto más íntimamente cierto, en un papel a menudo confiado a un tenor actor de personaje.  Y luego el grupo masculino, fue encabezado por el sonoro y comunicativo Giove de Luca Tittoto, por Markus Werba y su sutil Mercury, un verdadero acróbata en escena y por el contratenor Christophe Dumaux, un Endimión soñador y poético. Todo, entre otras cosas, con una dicción cuidada. La Scala arrojó la piedra al estanque, ahora será cuestión de no dejarla allí abandonada.

  

La Calisto di Cavalli - Teatro alla Scala di Milano

Foto: Brescia & Amisano

Massimo Viazzo

Dieci anni sono trascorsi dalla prima opera di Francesco Cavalli presentata alla Scala. Era la Didone, ma l'allestimento non era originale, provenendo da Venezia dove era stato preparato dalla Facoltà di Design e Arti dell'Università IUAV. Per Calisto si tratta invece di una prima produzione assoluta di un opera del grande compositore lombardo, diretto successore di Monteverdi, prodotta dal massimo teatro italiano. Calisto, il cui notevole libretto di Giovanni Faustini è ispirato ad episodi tratti dalle Metamorfosi di Ovidio, si è mostrata per quello che è: uno straordinario capolavoro, una delizia per le orecchie con quelle ariette, canzonette, duetti e duettini, sinfonie e balli, che conquistano per la loro immediatezza espressiva e la rara capacità di far immedesimare lo spettatore soprattutto nel cuore degli aspetti più patetici delle vicende erotico-amorose che confondono, imbrogliano e conturbano le relazioni tra i personaggi in scena. Calisto, rappresentata a Venezia a metà '600 porta anche i tratti dell'epoca e soprattutto della città lagunare in cui fu vista per la prima volta, città libertina e godereccia ma anche affrancata dai centri del potere religioso romano e quindi più propensa a studiare e sperimentare nuovi esiti scientifici. Ecco spiegato perché l'astronomo Endimione nello spettacolo milanese sembra un novello Galileo Galilei. La magnifica regia di David Mc Vicar ha previsto una ricca scena fissa, una sorta di gabinetto astronomico (ottimamente progettato dallo scenografo Charles Edwards) dominato al centro proprio un grande cannocchiale che a seconda delle situazioni ruotava o si inclinava. Eh sì, perché Endimione osserva la Luna, anzi è innamorato della Luna, che altri non è che una delle personificazioni di Diana cacciatrice e Diana protettrici delle vergini. La ninfa Calisto è proprio una di queste vergini. L'eros è costantemente al centro della trama. Tutti amano o vorrebbero amare, ma sarà la sublimazione di tale erotismo a siglare la magnifica partitura di Cavalli. Il pubblico alla fine dello spettacolo ha salutato con una grande ovazione gli artisti decretando un successo notevole e forse inaspettato per i melomani abituati al repertorio tradizione,  sdoganando così (si spera!) il teatro musicale del Seicento alla Scala. E' auspicabile ora che la cosa non finisca qui, basti pensare che del solo Cavalli, un gigante del teatro musicale tout court, ci sono già più di venti edizione critiche di sue opere pronte per essere allestite, come si sta facendo peraltro, già da qualche anno, in alcuni teatri all'estero con grande soddisfazione di critica e di pubblico. Nella Calisto scaligera tutto ha funzionato alla perfezione: dalla regia di McVicar, curatissima e  dettagliata, con i sontuosi costumi seicenteschi firmati da Doey Lüthi, alla competente, fantasiosa, elettrizzante e musicalissima direzione di Christophe Rousset a capo di un ensemble misto formato da elementi del  uo gruppo storico, Les Talens Lyrique, e da alcuni orchestrali “filologicamente informati” dell'Orchestra del Teatro alla Scala. Rousset ha mostrato di conoscere quest'opera come le sue tasche. L'ha già eseguita più volte, ma per la Scala ha rimpolpato l'organico strumentale in relazione alla grandezza della sala del Piermarini. D'altronde alla prima veneziana del 1651 al Teatro di Sant'Apollinare gli strumentisti che accompagnavano i cantanti si potevano contare sulla punta delle dita di una mano. Cavalli, e altri compositori del periodo, curavano soprattuto le parti vocali lasciando spesso poco più di una semplice guida armonico-ritmica per gli strumenti. Ecco spiegato il motivo per cui diventa importantissimo il lavoro del direttore. Cast di alto livello in cui è difficile segnalare picchi o lamentare pecche. Menziono così la lirica Calisto di Chen Reiss, forse un po' algida, la multiforme Diana di Olga Bezsmertna di timbro vellutato, Veronique Gens una Giunione imperiosa e di bella presenza e Chiara Amarù nei panni di una Linfea esuberante ma capace di ripiegarsi anche in un canto più intimamente vero, in un ruolo spesso affidato a un tenore caratterista. E poi il manipolo maschile capitanato dal sonoro e comunicativo Giove di Luca Tittoto, Markus Werba e il suo sottile Mercurio vero saltimbanco in palco e il controtenore Christophe Dumaux, sognate e poetico Endimione. Tutti, tra l'altro, con dizione curatissima. La Scala ha gettato il sasso nello stagno, ora si tratta di non lasciarlo lì abbandonato a se stesso.

De la luz a la oscuridad con Les Talens Lyriques - Anfiteatro Simón Bolívar, México D.F.

Les Talens Lyriques

Concierto Internacional: (Francia) De la luz a la oscuridad con Les Talens Lyriques. Integrantes: Amel Brahim-Djelloul, soprano; Eugénie Warnier, soprano; Gilone Gaubert-Jacques, violín; Mikko Perkola, viola da gamba; Christophe Rousset, director, clavecín y órgano

Programa: Tercer concierto de Conciertos reales, Primera suite de Piezas de viola y Leçons de ténèbres del Miércoles Santo de François Couperin, entre otras Lugar: Anfiteatro Simón Bolívar. Fecha: Martes 09 de octubre de 2018 • 18 horas

Como parte de las actividades internacionales organizadas por la Coordinación de Difusión Cultural y la Dirección General de Música, se presenta en el Anfiteatro Simón Bolívar el ensamble francés Les Talens Lyriques con el concierto De la lumière aux ténèbres (De la luz a la oscuridad) que incluye obras de François Couperin. «Couperin obliga al silencio mientras escuchamos las cualidades soñadoras, tiernas, y encantadoramente provocativas de su música. Debemos inclinarnos ante él, no porque fuera un caballero, "le chevalier Couperin” sino porque fue el primer poeta de la música francesa.» Así es como Christophe Rousset, en la monografía que le dedicó (Actes Sud, 2016), describe a un compositor que fue uno de los más grandes maestros de su tiempo. En palabras del grupo «La figura de François Couperin (1668-1733) estuvo presente desde el final del Grand Siècle (Gran Siglo) —la época de Luis XIV y la de la creación y afirmación del arte nacional francés—hasta el comienzo del reinado de Luis XV, bien entrado el siglo XVIII. Su música, sensible y llena de modestia y poesía, se mueve entre la oscuridad y la luz, Ombre et Lumière». El ensamble Les Talens Lyriques toma su nombre del subtítulo de la obra de Jean-Philippe Rameau Les Fêtes d'Hébé, ou les talens lyriques (1739) y fue formado en 1991 por el clavecinista y director de orquesta Christophe Rousset. Con un repertorio vocal e instrumental que va del Barroco temprano hasta los comienzos del Romanticismo, los músicos de Les Talens Lyriques intentan ayudar a comprender las obras maestras de la historia musical al tiempo que proporcionan una perspectiva de obras poco conocidas

Rinaldo in Basilea, Svizzera

Sandrine Piau (soprano)

Foto: Sandrine Expilly Naïve

Ramón Jacques

Nella settimana di pausa tra le recite del Rake’s Progress in cui fungeva come orchestra invitata dal teatro dell’opera locale, la Kammerorchester Basel ha realizzato, durante la proprie apparizioni a Parigi e ad Halle in Germania, la versione da concerto del Rinaldo di Handel, il primo lavoro del compositore scritto per la scena londinese e che come altre gemme musicali è caduto nell’oblio per quasi 200 anni fino al suo recupero degli anni 70 del secolo scorso. L’ultimo concerto di questo breve tour è stato effettuato nella antica chiesa Martinskirche di Basilea, un luogo di acustica ottima in cui la prossimità tra pubblico ed artisti ha permesso di apprezzare i dettagli della magia e la drammaturgia contenuta nella deliziosa partitura. Con strumenti antichi e mostrando versatilità nell’affrontare diversi stili, l’orchestra ha offerto una esecuzione colorita della versione del 1731, con suoni rotondi e soavi provenienti principalmente dalla sua omogenea e leggera sezione degli archi. Davanti agli strumentisti e suonando il clavicembalo c’era Christophe Rousset che ha diretto con sicurezza, riuscendo a creare una connessione con i cantanti, i quali trasmettevano sentimento e magia. La valenza del cast vocale si ritrovava nel soprano Sandrine Piau, la cui riuscita carriera le ha forgiato grazia nell’esecuzione della musica di Handel, e qui ha regalato un Almirena sorprendente, con la sua voce raggiante, tecnica impeccabile, constante eleganza e stile. La sua curata e generosa interpretazione di “Lascia ch’io pianga” si deve considerare di riferimento.  Il ruolo di Rinaldo è stato interpretato dal controtenore spagnolo Xavier Sabata, un artista che ha mostrato agilità, timbro brunito  gradevole e buona emissione nella sua aria di bravura, e soavità nell’emozionante “Cara sposa”.Il mezzosoprano Ève-Maud Hubeaux  è piciuta per l’intensità con la quale ha interpretato Armida e per la facilità con la quale ha superato le difficoltà tecniche del suo ruolo, comunicando ed emozionando con la struttura della sua voce. Corretti sono stati il controtenore Christopher Lowrey come Argante, il tenore Jason Bridges come Goffredo e il basso Tomislav Lavoie nel ruolo del mago.

Rinaldo en Basilea, Suiza

Sandrine Piau (soprano)

Foto: Sandrine Expilly/ Naive

Ramón Jacques

En una semana de pausa entre funciones de The Rake’s Progress en la que fungia como orquesta invitada en el teatro de ópera local, la Orquesta de Cámara de Basilea (Kammerorchester Basel) realizó durante su propia temporada, presentaciones en Paris y Halle Alemania, en versión de concierto de Rinaldo de Handel, la primera realización del compositor para la escena londinense y que al igual que muchas otras joyas musicales cayó en el olvido casi doscientos años hasta su rescate en los años 70.  El último concierto de esta breve gira se llevó a cabo en la antigua iglesia Martinskirche de Basilea, un lugar de optima acústica y cuya cercanía entre el publico y los artistas permitió apreciar detalles de la magia y la dramaturgia que contiene la deleitosa partitura. Con instrumentos antiguos, y mostrando versatilidad para abordar diversos estilos, la orquesta ofreció una colorida ejecución, de la versión de 1731, con sonidos redondos y suaves provenientes principalmente de su homogénea y ligera sección de cuerdas. Frente a los músicos, y tocando el clavecín, estuvo Christophe Rousset que dirigió con seguridad, logrando crear conjunción con los cantantes que transmitieron sentimientos y magia. La fortaleza del elenco vocal recayó en la soprano Sandrine Piau, cuya exitosa carrera la ha forjado gracias a Handel, que aquí regaló una sobrecogedora Almirena, con su radiante voz, impecable técnica y constante elegancia en el estilo. Su cuidada y generosa interpretación de "Lascia ch'io pianga" debe considerarse como referencia.  El papel de Rinaldo fue interpretado por el contratenor español Xavier Sabata un artista comprometido con su canto, que mostró agilidad, grato timbre oscuro y buena emisión en las arias de bravura, y suavidad en su emotiva ‘Cara sposa’.  La mezzosoprano Ève-Maud Hubeaux cautivó por la intensidad con la que interpretó a Armida y por la facilidad con la que atravesó por las dificultades técnicas del papel transmitiendo y tocando con la textura de su voz.  Correctos desempeños tuvieron el contratenor Christopher Lowrey como Argante, el tenor Jason Bridges como Goffredo, y el bajo Tomislav Lavoie en el papel de mago.

Concierto de Les Talens Lyriques, Christophe Rousset y Ann Hallenberg en León México

Fotos: © Teatro del Bicentenario – Arturo Lavín 

Ramón Jacques

Emocionante, notable, mágico, es como se puede describir el concierto ofrecido por la orquesta francesa Les Talens Lyriques y Christophe Rousset, su carismático director titular y fundador, en el Teatro del Bicentenario de León, Guanajuato México. El programa titulado “Tributo a Farinelli” que consistió en una selección de arias de operas interpretadas por el famoso castrado Carlo Broschi (Farinelli) del siglo XVIII y la visita de esta celebre agrupación de música antigua, quizás en la actualidad una de las mejores en su género, formó parte de la nutrida cartelera musical de la 43 edición del Festival Internacional Cervantino que se lleva a cabo en Guanajuato México. Cabe recordar que el propio Christophe Rousset y la orquesta ya se habían adentrado en el mundo musical de este personaje cuando en 1993 realizaron la banda sonora para la película Farinelli Il castrato del cineasta belga Gérard Corbiau. Para la ocasión se tuvo como solista invitada a la mezzosoprano sueca Ann Hallenberg, quien en su debut en este país demostró ser una artista que como pocos, sabe exhibir la maestría y el dominio absoluto del repertorio en el que se ha especializado, mostrando agilidad, claridad e intención en cada frase y palabra que emite, y que recorrió desde el virtuosísimo de “Son qual nave ch’agitata..” y “Ombra fedele anch’io..” de Riccardo Broschi, pasando por la tranquilidad y serenidad manifestada en ‘Nel gia bramoso petto” de Nicola Porpora, hasta la belleza y sencillez en “Parto quel pastorello ..” de Johan Adolph Hasse. Hallenberg continuó haciendo alarde de su virtuosismo, cautivando con su simpatía y la elegancia en su línea de canto que imprimió en las arias posteriores que interpretó de Porpora y de Broschi. Ante la insistencia y el entusiasmo de un público entregado, se dio el lujo de ofrecer tres bises concluyendo con una conmovedora ejecución de la conocida aria Lascia ch’io pianga de Rinaldo de Handel. La orquesta por su parte, brilló con luz propia  regalando la Sinfonías de las óperas Polifemo de Porpora, de Siroe de Hasse, y de La Morte di Abel de Leonardo Leo, y creo un marco musical adecuado para la cantante. Se trata de una agrupación de un alto nivel musical, muy homogénea en cada una de sus lineas, y la ligereza en su sección de cuerdas encabezada por su concertina Gilone Gaubert-Jacques, quien también deleitó con sus pasajes solistas. En el podio, no al clavecín como nos tiene acostumbrados, Christophe Rousset dirigió con alegría y  pasión pero con la seguridad de conocer muy bien estas páginas musicales. Un concierto que seguramente será muy recordado y que forma ya parte de la historia de este teatro. Un próximo concierto a tener en cuenta en la futura agenda de la programación de este recinto, será el debut local de la soprano alemana Diana Damrau en una gala operística. 

Entrevista al clavecinista y director de orquesta francés Christophe Rousset, quien debutará en México.

Foto: Eric Larrayadieu

Giuliana dal Piaz

El Maestro Christophe Rousset es clavecinista e investigador de música antigua (sobre todo la de autores más escasamente conocidos como Pórpora, Couperin o Rameau), renombrado director de orquesta y creador en 1991 del ensamble barroco Les Talens Lyriques. Confiesa que, crecido en una familia de deportista, considera a la música como su deporte y como una manera de expresar la actividad de su propio ser. Fue su abuela, única apasionada de la música en la familia que acostumbraba tocar y canturrear al piano arias de ópera, fue quien lo interesó por primera vez en la música y lo ayudó a considerarla su actividad preferida y hasta su válvula de escape emocional. 

El Maestro C. Rousset presentará dos conciertos en el ámbito del XLIII Festival Cervantino, uno con Les Talens Lyriques y uno como recital individual de clavecín; además se presentará un par de días después en el nuevo Teatro del Bicentenario de León, Guanajuato; como parte de la programación internacional que realiza el teatro. y en coproducción con el festival guanajuatense.

 
Entrevistado por vía telefónica, Christophe Rousset nos dice estar muy entusiasmado con su participación en el Festival Cervantino con dos conciertos: uno de ellos, "Arias de Farinelli", que está dedicado al más famoso "castrato" de todos los tiempos. Éste cantante tuvo una carrera relativamente corta, pero fueron precisamente las arias de Niccolò Pórpora (que también había sido su maestro de canto) que interpretó para el Rey de España, Felipe V, y que lo llevaron a la fama haciendo de él el cantante oficial de la corte española. Las que le permitieron en cambio ganar en Londres la "guerra" musical entablada con el gran compositor alemán, naturalizado inglés, George Frederick Händel, fueron las composiciones de su propio hermano, Riccardo Broschi, quien desarrollara las arias como conciertos para violín. Este concierto podrá ser escuchado en el Teatro Juarez, sede principal del Festival el viernes 23 de Octubre

A la pregunta de quién interpretará las arias que fueron repertorio de Farinelli, el Maestro Rousset nos dice que será la mezzosoprano sueca Ann Hallenberg, quien tiene la misma extraordinaria "tessitura" de voz de Farinelli, abarcando dos octavas desde el contralto hasta el más impresionante soprano.  Dicho programa es el que será también ejecutado en León Guanajuato el domingo 25 de Octubre, al lado de su orquesta y de la mezzosoprano sueca.

El segundo concierto que Christophe Rousset presentará en el Cervantino es, en cambio, un recital de clavecín con música de Johann Sebastian Bach y de François Couperin, el más famoso clavecinista francés del siglo XVIII. Rousset escogió unos preludios y una suite francesa de estos dos autores con la intención declarada de comparar sus estilos musicales, presentándolos uno al lado del otro: al respecto nos dice: “eran dos autores casi contemporáneos que se conocían y se apreciaban recíprocamente; además Bach se inspiró frecuentemente en piezas de Couperin - para no decir que las "copió" -. 

Le preguntamos al Maestro Rousset que ha dirigido recientemente un ambicioso proyecto, el de interpretar la ópera "Armide" de Jean-Baptiste Lully que se estrenará  estos días en Toronto, Canadá, por la compañía Opera Atelier – su opinion acerca del hecho que el Palacio de Versalles de Francia invitará en el 2016 a Opera Atelier para presentar su versión de Armide, en vez de presentar la que él mismo ha dirigido en Francia, tanto en la Opera de Nancy como en el Festival de Beaune. Informándonos que su Armide será presentada en París con la nueva sala de concierto Philarmonie de Paris el 10 de diciembre, donde posteriormente se hará una grabación discográfica, nos responde que la presencia de la compañía canadiense Opera Atelier con la misma ópera, representa una maravillosa y enriquecedora oportunidad de comparar dos visiones distintas de una misma pieza. 

Nuestra pregunta final concierne el clavecín que utilizará en México para su concierto de este jueves en el Templo de la Valenciana: a lo que nos contesta que confía en la disponibilidad de un instrumento totalmente adecuado, que querrá probar inmediatamente después de su llegada a Guanajuato.

Agradecemos al Maestro Christophe Rousset quien amablemente nos atendió a tan solo horas de viajar a México deseándole el mejor de los éxitos.  

Cavalleria Rusticana / I Pagliacci León Messico

Fotografías: Arturo Lavín

Ramón Jacques

Dalla sua inaugurazione del 7 dicembre 2010 ad oggi il teatro del Bicentenario di Leon Guanajuato (Che si trova a 380 chilometri dalla capitale messicana) È riuscito a consolidare una stagione annuale di opera, inoltre di una varia offerta di spettacoli di danza, balletto e teatro che vengono offerti parallelamente. Come seconda produzione lirica del 2015, dopo il barbiere di Siviglia, è andato in scena il dittico cavalleria rusticana di Pietro Mascagni e pagliacci di Ruggero Leoncavallo.  In primo piano si poteva vedere la bella scena ideata da Jorge Ballina che ha situato l'azione in un'epoca moderna, con immagini in prospettiva simmetrica e dettagliate miniature di case sullo sfondo, così come la facciata di una chiesa ispirata all'architettura siciliana. La concezione di Ballina È stata dinamica, con cambi di scene sul palco, facciate di costruzioni che cambiavano e l'uso di un telone che si apriva e si chiudeva costantemente. Così come un piccolo scenario della piazza principale dove avveniva la rappresentazione dei Pagliacci. Appropriati sono stati costumi come pure l'illuminazione, in toni brillanti e colori che davano sul giallo solare mediterraneo rispetto all'oscurità che presagiva la tragedia, a cura di Víctor Zapatero La direzione scenica di Mauricio García-Lozano  è stata concisa e Chiara e nella sua idea la trama di entrambe le opere può essere riferita al medesimo luogo e al medesimo tempo con pagliacci che vanno in scena e in mezzo al pubblico all'inizio della recita e con la processione per la morte di Turiddu che attraversava la scena durante l'Inter mezzo dei Pagliacci Altro aspetto introdotto fu la presenza di un bambino con un globo rosso che osservava da fuori scena in una propria visione in cui la fantasia si convertiva in realtà. 

In termini generali si è ottenuto un bilanciamento e quo tra la parte visiva e la parte musicale cominciando con il disimpegno del coro del teatro bicentenario impegnato attivamente e con un'emissione omogenea di suono. L'orchestra è stata ben diretta con mano sicura dal maestro statunitense Arthur Fagen che ha diretto con sicurezza e brio estraendo le ampie possibilità e ricchezze contenuti nelle partiture. Per quanto riguarda la parte vocale entrambe le opere hanno contato sulla presenza del baritono Carlos Almaguer che ha mostrato esperienza per i personaggi di Alfio in cavalleria e Tonio nei pagliacci e ha cantato con voce profonda e potente. Belem Rodríguez  ha impersonato un'energica Santuzza tutta con voce scura di mezzo soprano e José Manuel Chu ci ha mostrato una voce di caldo timbro come Turiddu. Lydia Rendón  come Lola e Eva María Santana come mamma Lucia completavano il cast in maniera soddisfacente. Il ruolo di Canio nei pagliacci è stato cantato con voce ampia e buona proiezione dal tenore lituano Kristian Benedikt il soprano Violeta Dávalos  ha apportato bel timbro facilità degli acuti e giovialità al personaggio di Nedda. Il giovane tenore Gilberto Amaro ha dato una bella interpretazione vocale come Beppe Arlecchino e corretto è stato il baritono Carlos Sánchez  come Silvio. Uno spettacolo da tenere in conto nell'agenda futura del teatro e che andrà in scena nel mese di ottobre con il titolo di Tributo a Farinelli, un lusso che conterà sulla presenza del celebre soprano svedese Ann Hallenberg accompagnata da Les Talens Lyriques diretti da Christophe Rousset.

Alcina de Handel en Versalles, Francia.

Foto: Karina Gauvin (soprano) copyright Michael Slobodian

Ruggero Meli

El Festival de Händel en Versalles deslumbró con una Alcina que no se olvidará pronto. Christophe Rousset a la cabeza de Les Talents Lyriques retomó con gusto una obra que conoce bien, porque la ha interpretado en repetidas ocasiones (como la recordada de febrero del 2003 en la Cité de la Musique en París también con Karina Gauvin como Alcina). Su orquesta tuvo un buen desempeño de un lado al otro de la partitura, que inició con una abertura de ritmo rápido e inesperado "algo triste" pero en sintonía con el drama (se omitió el coro de celebración final previsto por el compositor). Nueve años después, la voz de Karina Gauvin es más satisfactoria, más consistente y cremosa para ampliar un papel que le es ideal. La soprano canadiense supo transmitir con una voz suave, casi blanca y delicada a veces con cuerpo y vehemente, los sentimientos de una Alcina amorosa, doliente y conmovida. Si esto fuera poco, sus da capo provocaron escalofríos. El Ruggiero de Ann Hallenberg impresionó aun más. Sus arias fueron un virtuoso y espectacular tour de force que culminó con un grandioso "Sta nell'Ircana". Entusiasmó con los recitativos, generalmente aburridos para el público, porque en cada palabra o inflexión tuvo pasión y ardor, así como sutiles expresiones que hicieron que su personaje fuera eminentemente creíble. Con una aria en cada acto la Bradamante de Delphine Galou se mostró como fiera antagonista de la maléfica Alcina, lista para recuperar a Ruggero, como con la destacada y resonante aria "Vorrei vendicami" con voz de fuego. El punto débil del elenco fue la soprano Mónica Piccinini, quien a pesar de una prestación honesta mostró los límites de su voz ante la insolencia vocal de los demás. Como su amante Oronte, el tenor Emiliano González Toro adornó su personaje de un timbre cálido y aunque algunas notas agudas estuvieron ausentes su rendimiento fue muy apreciable. Por último, la soprano española Erika Escribá como Oberto y el bajo barítono Olivier Lallouette, Melisso cumplieron un trabajo satisfactorio.