LA Opera Presents Mozart’s Comic Masterpiece Così fan tutte

Photo: Despina: Roxana Constantinescu / Image Los Angeles Opera

James Conlon to Conduct / September 18 through October 8, 2011

Plácido Domingo, LA Opera’s Eli and Edythe Broad General Director, announced that LA Opera will present Wolfgang Amadeus Mozart’s Così fan tutte, opening at 2pm on Sunday, September 18, 2011, and running for six performances through Saturday, October 8. “Così fan tutte is one of the most popular of all operas, but it has been absent from our repertory since 1996,” said Mr. Domingo. “I am particularly pleased to welcome the long overdue return of Mozart’s delightful comedy to our stage this season, with an exceptional cast hand-picked by James Conlon, who will conduct.” In Così fan tutte’s cleverly constructed plot, two young men go undercover to test the fidelity of their lady loves. What could possibly go wrong? Filled with ravishingly beautiful music, Così fan tutte [“Woman are all alike”] features a clever plot that was bracingly politically incorrect even for Mozart’s day. A period staging by director Nicholas Hytner deftly blends elegance and farce to emphasize the very real human emotions embedded throughout Mozart’s miraculous score.

World-Class Cast Featured in Nicholas Hytner Production

James Conlon, LA Opera’s Richard Seaver Music Director, conducts a brilliant sextet of world-class young performers. Polish soprano Aleksandra Kurzak makes her LA Opera debut as the steadfast Fiordiligi, joined by Romanian mezzo-soprano Ruxandra Donose (The Fly, 2008) returning as her more susceptible sister Dorabella. As their lovers, Albanian tenor Saimir Pirgu (Gianni Schicchi, 2008) returns as Ferrando with Italian bass-baritone Ildebrando D’Arcangelo in his first Company appearance as Guglielmo. Italian bass Lorenzo Regazzo and Romanian mezzo-soprano Roxana Constantinescu round out the ensemble as the scheming Don Alfonso and Despina. The production was originally created by internationally acclaimed director Nicholas Hytner (The History Boys and The Madness of King George on film and in their original stage productions; West End and Broadway productions of Carousel and Miss Saigon) for the Glyndebourne Festival, and will be staged in Los Angeles by Ashley Dean. The scenery and costume designer is Vicki Mortimer and lighting designer Andrew May will recreate the original lighting designs of Tony Award-winner Paule Constable. The Associate Conductor and Chorus Master is Grant Gershon.

Live Broadcast of Opening Night on KUSC

Mr. Domingo also announced that the September 18 performance of Così fan tutte will be broadcast live on Classical KUSC 91.5fm as part of an expanded “LA Opera on Air” radio series. For six consecutive seasons, LA Opera and Classical KUSC have partnered to bring the excitement of live performances to KUSC listeners. The live broadcast of Così fan tutte, co-hosted by Duff Murphy and Kimberlea Daggy, will also be streamed online live at www.kusc.org. This season’s “LA Opera on Air” series begins with a live broadcast of LA Opera’s season-opening performance of Tchaikovsky’s Eugene Onegin on September 17 at 7:30pm.

LA Opera’s performances of Così fan tutte will take place at the Dorothy Chandler Pavilion, 135 N. Grand Avenue, Los Angeles CA 90012, on the following dates:  •Sunday, September 18, at 2pm  •Thursday, September 22, at 7:30pm •Saturday, September 24, at 7:30pm •Sunday, October 2, at 2pm •Wednesday, October 5, at 7:30pm  •Saturday, October 8, at 2pm

Tickets range from $20 to $270 and can be purchased at the LA Opera Box Office at the Dorothy Chandler Pavilion, by phone at (213) 972-8001 or online at www.laopera.com. For disability access, call (213) 972-0777 or email wehelpyou@laopera.com.

Così fan tutte will be sung in Italian with projected English translations. The production originated at the Glyndebourne Festival Opera.

Turn of the Screw de Britten en México: Sin ambigüedades

Foto: Cortesía Difusión Cultural UNAM

José Noé Mercado

Se limita quien piensa sólo en una historia de fantasmas al referirse a The Turn of the screw (Otra vuelta de tuerca), la novela corta de Henry James publicada en 1898, en la que Benjamin Britten y su libretista Myfanwy Piper se basaron para la ópera homónima que habrían de estrenar en 1954. Lo que distingue a este relato de la avasallante producción gótica europea y norteamericana del siglo 19 es la prosa elegante y limpia de ese James aún exento del barroquismo que acusan sus obras finales, un agudo entramado sicológico que condiciona magistralmente la personalidad de sus personajes y, sobre todo, la puesta en escena de sus teorías sobre el uso de la perspectiva y el punto de vista en una narración para conocer la veracidad, mentira o ambigüedad de los hechos que forman una historia.

Es a partir de esa esencia que The turn of the screw y sus adaptaciones: la operística de Britten y los numerosos filmes, entre los que destacan The innocents de Jack Clayton de 1961 protagonizado por Deborah Kerr, el de Rusty Lemorande de 1991 y el de Tim Fywell de 2009 para la BBC de Londres, admiten interpretaciones como una trama sobrenatural de fantasmas, un perverso episodio de abuso, represión sexual y pedofilia, una historia de mentiras, demencia y horror sicológico o, sorprendentemente, como nada de lo anterior.

Y es que justamente los detalles que el espectador va conociendo a lo largo de la obra hacen que la certeza que ya tiene respecto de lo ocurrido mute, dé múltiples giros de tuerca dependiendo de las perspectivas que se van explorando y embonando y al final no se tenga sino impresiones, dudas y ambigüedades que modelan la riqueza de contenido de esta obra. Riqueza que los pasados 13 y 14 de agosto, en la sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario, en el estreno en México de The turn of the screw, la ópera en un prólogo y dos actos de Benjamin Britten, no se extrajo del todo.

Para tal suceso, se contó con la batuta de Jan Latham-Koenig al frente del Ensamble Filarmonía, con gran sentido del ritmo dramático, la musicalidad y las texturas exploradas en las variaciones desprendidas del tema principal. En el rubro canoro, sobresalieron el tenor Samuel Boden como el Prólogo y Peter Quint, con una voz bien colocada, segura, clara y expresiva; y la soprano de 17 años de edad Erin Hughes, quien interpretó con bello lirismo e ingenuidad vocal a Flora. En segundo plano, la también soprano Fflur Wyn, quien encarnó a la Institutriz, mostró una emisión con musicalidad, pero delgada, de volumen de cámara más que teatral y de una fragilidad creciente. El niño soprano Leopold Benedict de 14 años de edad si bien mostró conocimiento de la obra y siempre mantuvo la afinación, dejó la impresión de que el rol de Miles no le resultó cómodo, ante un no muy lejano cambio de voz. La mezzosoprano Encarnación Vázquez y la soprano Lourdes Ambriz fueron las cantantes mexicanas que completaron el elenco como la Señora Grose y la Señorita Jessel.

Pero la buena imagen sonora que dejó Latham-Koenig contrastó con la puesta en escena de Michael McCaffery y la iluminación de Víctor Zapatero, ya que se optó por una sugerencia escenográfica lúgubre y opresiva, sin la dinámica de colores, de noche y día, tan importantes en James como en el propio Britten, para impactar en el ánimo y actuar de los personajes. El montaje también ignoró lo que James llamaba “síndrome del terror a la luz del sol”, justo esa realidad sicológicamente fantasmal que surge de la fusión de lo inimaginablemente terrible y lo completamente ordinario.  A juzgar por la escena y el trazo de los personajes, la tuerca no giró. Se trató de hechos obvios, de una lectura simplista, sin ambigüedades ni riqueza interpretativa o, para referirse de algún modo a fantasmas en camisón y con ojeras, de una concepción gasparinesca, lejos de esa idea del escritor Peter Straub que dice que las historias de horror funcionan mejor “cuando son ambiguas, discretas, contenidas”.

EXCELENTE VERSION DE TRISTAN E ISOLDA EN EL TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA

Fotos: Genitti / Teatro Argentino de la Plata

Dr. Alberto Leal

TRISTAN E ISOLDA (Estreno en el Teatro Argentino) 19/08/11. Opera en tres actos con libreto y música de Richard Wagner. Director de Orquesta: Alejo Pérez. Director de Escena: Marcelo Lombardero. Diseño escenográfico: Diego Siliano. Diseño de vestuario: Luciana Gutman. Diseño de Iluminación: Horacio Efrón. Director del Coro: Miguel Fabián Martínez. Orquesta y Coro Estables Reparto: Tristán: Leonid Kakhozhaev, Isolda: Katja Beer, Rey Marke: Hermán Iturralde, Kurwenal: Douglas Hahn, Melot: Leonardo Estévez, Brangáne: Adriana Mastrángelo y elenco.

Tristán e Isolda, una de las obras maestras de Wagner fue presentada en el Teatro Argentino de La Plata. Fue estreno para el teatro y es el primer Wagner cantado en idioma original que se presenta en el mismo, ya que, aunque fue representado “Lohengrin” en 1952 fue cantado en italiano. Una obra de altísimo lirismo y grandiosidad, con bellos y repetidos leitmotiv, que solo puede presentarse con un alto grado de calidad. El resultado obtenido por el Teatro Argentino no puede tener otra calificación que EXCELENTE. Los dos grandes artífices de este logro fueron los Maestros Marcelo Lombardero y Alejo Pérez. Sin duda, el lo personal pienso que es el trabajo más logrado de Lombardero, construye imágenes casi intangibles de asombrosa belleza, basando siempre su trabajo desde la música. Con una puesta casi inmaterial, del más refinado buen gusto y un estupendo trabajo de Diego Siliano, las 4 horas de espectáculo van pasando sin que el espectador deje de admirar la belleza y plasticidad planteadas. Creo que unos de los momentos culminantes es la escena posterior al episodio del filtro del amor, donde la pareja se eleva y el telón se va cerrando dejando una visión de imborrable perfección. Una puesta donde predomina el ocre (muy bien contrastado con un vestuario absolutamente adecuado) y que basada en proyecciones, los distintos escenarios van cambiando siempre en forma exacta. Aunque esta puesta ya fue presentada en otros lugares, cabe aquí mencionar que la presentada fue totalmente realizada en el teatro. Llevará tiempo encontrar una puesta que reúna belleza y rigor wagneriano de la calidad de la presentada.

En lo musical, el Maestro Alejo Pérez realizó otro espléndido trabajo, con gran entrega, volumen adecuado y estilo, logró de la orquesta un formidable trabajo, a quien hizo subir al escenario en el momento de los saludos y fue meritoriamente ovacionada. Creo que quedó demostrado, ante comentarios en contrario, que el foso del teatro puede albergar una orquesta que no desmerezca las partituras del nivel de las wagnerianas. En la parte vocal, las mejores labores fueron de cantantes locales. Hernán Iturralde dio vida a un excelente Rey Marke, con su hermosa voz, su impecable línea de canto y sus brillantes dotes de actor, compuso un personaje inolvidable. Adriana Mastrángelo como Brangania, mostró un canto franco, siempre afinado y de excelente volumen. Y un esplendido trabajo actoral. Estuvo en cada detalle, en cada situación, absolutamente compenetrada en su papel. Katja Beer brindó a su Isolda su muy buena figura y sus excelentes dotes de actriz. No posee una voz wagneriana y su timbre no tiene particular belleza, presentando problemas notorios en el sector agudo. Pero salvo algunos momentos de incomodidad vocal construyó un personaje creíble. Leonid Kakhozhaev, quien había debutado en el Teatro Colón en 1998 con la Opera de Kiev, personificando al “Inocente” en Boris Godunov, personaje en la antípodas de Tristán, fue un elemento valioso en la representación. Su voz no tiene el volumen que uno espera para el rol, pero mantuvo la energía necesaria hasta el final de la función y fue un correcto actor. Douglas Hahn, realizó un excelente trabajo como Melot y siempre a un nivel de corrección el resto del elenco. Fue una pena no ver un teatro a pleno en la función de estreno. Este Tristán e Isolda es, como un todo, algo inolvidable, un triunfo del Teatro Argentino y de todos los que lo hicieron posible. IMPERDIBLE!

The Magic Flute at Harpa Reykjavik´s new concert hall, Iceland Fall 2011

Harpa, May 2011 Photo by Bára Kristinsdóttir

The Icelandic Opera’s first production at Harpa – Reykjavik Concert Hall and Conference Centre is Mozart’s masterpiece

The Icelandic Opera’s first production at Harpa – Reykjavik Concert Hall The Icelandic Opera moved its residence to Harpa – Reykjavik‘s new concert hall and conference centre in May and said farewell to its home of the past thirty years, „Gamla bíó“ – the old cinema house in Ingólfsstræti in downtown Reykjavík. The first production of The Icelandic Opera in its new home will be Mozart’s The Magic Flute, which has „magically“ enchanted audiences for over 200 years. In the leading roles: Þóra Einarsdóttir, Finnur Bjarnason, Garðar Thór Cortes, Jóhann Smári Sævarsson, Sigrún Hjálmtýsdóttir, Ágúst Ólafsson, Hulda Björk Garðarsdóttir, Auður Gunnarsdóttir, Sigríður Ósk Kristjánsdóttir, Snorri Wium, Valgerður Guðnadóttir, Kolbeinn Jón Ketilsson and Viðar Gunnarsson. Conductor: Daníel Bjarnason. Director: Ágústa Skúladóttir. Premiere will take place on October 22nd at 8 pm, other dates are October 29th, November 5th, November 12th, November 19th and November 25th, all at 8 pm. Tickets are available at

http://www.harpa.is/

http://www.opera.is/EN/category.asp?catID=84

Anche all’Opera è bello divertirsi!!!!!! La Scala di Seta, Rossini Opera Festival 2011, Pesaro

Foto: Studio Amati Bacciardi

Renzo Bellardone

ROSSINI OPERA FESTIVAL 2011- PESARO 18 Agosto, ore 20,00.Per i 150 anni dell'Unità di Italia. LA SCALA DI SETA. Farsa comica di Giuseppe Foppa. Musica di Gioachino Rossini. Edizione critica della Fondazione Rossini, in collaborazione con Casa Ricordi, a cura di Anders Wiklund, Direttore JOSÉ MIGUEL PÉREZ-SIERRA. Regia: DAMIANO MICHIELETTO. Scene e Costumi: PAOLO FANTIN. Progetto luci: ALESSANDRO CARLETTI. Personaggi Interpreti. Dormont JOHN ZUCKERMAN. Giulia HILA BAGGIO. Lucilla JOSÈ MARIA LO MONACO. Dorvil JUAN FRANCISCO GATELL. Blansac SIMONE ALBERGHINI. Germano PAOLO BORDOGNA. ORCHESTRA SINFONICA G. ROSSINI

Senza opportunistiche considerazioni sulla crisi mondiale che ci attanaglia e che talvolta attenua se non addirittura spegne i sorrisi, è di tutta evidenza che in tale situazione la voglia di ridere e divertirsi cresce anche per i frequentatori dell’ ‘Opera’!! Rossini, ben più famoso per le sue opere ‘buffe’ che non per quelle ‘serie’, ha lasciato delle farse musicali che sapientemente il Rof propone e ripropone avvalendosi anche della freschezza giovanile degli interpreti, come in questa edizione 2011 de ‘La Scala di Seta’!!!! Come anticipato, il cast è improntato alla giovinezza ed anche ‘le vecchie volpi’, in barba alla ‘provata esperienza’ in palcoscenico sono vocalmente freschi, attorialmente atletici ed anagraficamente giovani. ‘Pianta piano primo A/10 via Rossini n.2 Pesaro’ È la scritta che appare sul frontale del palco sovrastante la buca e che descrive l’impianto pressoché fisso, ma originalissimo dell’allestimento scenico; a terra le delimitazioni delle stanze (senza pareti) bagno, letto, soggiorno, cucina, tettoia altezza 2,50 metri….il tutto riflesso specularmente sul grande specchio inclinato che crea il soffitto…..una porta finestra sull’immaginario balconcino a fondo palco, box doccia ed elementi bagno, cucina moderna, un soggiorno ed un letto a due piazze: la scena è montata quasi tutta in diretta da operai in tuta sotto il vigile occhio di un presunto architetto d’arredi affettatamente inquieto, ma ovviamente in virtù delle scene (suoi anche i costumi originali) di Paolo Fantin. e della direzione registica dell’intraprendente Damiano Michieletto che ogni volta sorprende per l’attualizzazione ingegnosa, ma perfettamente calzante con la vicenda (assolutamente da menzionare ‘Gazza Ladra’ al Rof e Butterfly per il Regio di Torino). Il via all’opera viene dato dal direttore d’orchestra che in questo caso è il giovane José Miguel Pérez-Sierra : gesto elegante e raffinato lascia trasparire la vivacità della partitura con colorazioni nitide, definite e di stile; l’orchestra sinfonica G. Rossini lo segue bene riuscendo nell’impresa del divertimento fascinoso. Ma l’appartamento con i soli arredi, senza gli inquilini..beh! significa poco e per completare l’opera i soliti uomini di fatica, durante la briosa ouverture, portano dei manichini che come in una favola per bambini inizieranno a muoversi e prendendo vita, la daranno ai personaggi; i manichini altri non erano che i cantanti…… L’aitante amante (nascostamente già sposo) Dorvil è affidato a Juan Francisco Gatell: palestrato e tatuato rende il personaggio con intemperanza giovanile; focoso e deciso, in tuta da motociclista, non disdegna un amplesso con la sua moglie segreta. Timbro particolare ed agilità vocale definiscono bene il personaggio; Gatell sa muoversi con scioltezza e spontaneità emettendo con linearità e tonalità apprezzabili.

Il soprano israeliano Hila Baggio interpreta invece una atletica Giulia che in scena si presenta tra flessioni e movimenti ginnici mentre canta ‘O quanto son grata..’: bel timbro cristallino e fraseggio definito non teme gli acuti. Debuttante al Rof presenta una maliziosa Giulia, dandole voce con belle coloriture. Il vecchio burbero, ma alla fine comprensivo ed accomodante Dormont, è John Zuckerman che impersona il vecchietto da giardinetti e bocciofila, con dettaglio ricercato; anche vocalmente è apprezzato e sa indulgere sulle note ‘che divertono’. ‘Sento talor nel core’ è l’aria di Lucilla qui con l’interpretazione di Josè Maria Lo Monaco che rinuncia alla sua aggraziata femminilità a favore della rigidezza del personaggio, ma appena potrà scioglierà però gli ormeggi per andare in contro all’amore: bel colore, buon timbro ed estensione sicura sono le offerte di Lo Monaco. Diverte divertendosi Simone Alberghini nei panni di Blansac; esperto del palcoscenico e con emissione sicura diventa caricaturale non solo con il grembiulino bianco, pronto a giurare eterno amore e fedeltà, ma anche con la modulazione della voce che fa sprofondare, tuonare o sussurrare: Albergini è sempre una carta vincente. Presenza fedele al Rof è quella di Paolo Bordogna che in Scala di Seta è un buffissimo Germano, cameriere orientaleggiante che spolvera, intriga, fa partire l’acqua dalla doccia e sogna amor….con una cifra vocale notevole e ben tagliata sul ruolo. Comico per vocazione, è attento a tutte le sottigliezze interpretative che rende con voce piena e sicura ‘…Amore dolcemente…’ Esilarante il quartetto ‘Si che unito a cara sposa’ che impegna Alberghini, Baggio, Gatell e Bordogna. Di gran classe il clavicembalo nei recitativi e delle marcature.Insomma uno spettacolo piacevolmente gradevole che funziona per allegria, simpatia e professionalità. La Musica vince sempre.

COMMOZIONE E PAURA, ALL’INTERNO DI UNA “ POSSIBILE REALTA’ “ MOSÈ IN EGITTO, Rossini Opera Festival, 2011

Foto: Studio Amati Bacciardi

Renzo Bellardone

 

ROSSINI OPERA FESTIVAL 2011-08-18 per i 150 anni dell’Unità d’Italia. Mercoledì 17 agosto, ore 20.00 - Adriatic Arena. MOSÈ IN EGITTO Azione tragico-sacra di Andrea Leone Tottola. Musica di Gioachino Rossini. Edizione critica della Fondazione Rossini, in collaborazione con Casa Ricordi, a cura di Charles S. Brauner. Direttore: ROBERTO ABBADO. Regia: GRAHAM VICK. Scene e Costumi: STUART NUNN. Progetto luci: GIUSEPPE DI IORIO. Personaggi Interpreti: Faraone ALEX ESPOSITO, Amaltea OLGA SENDERSKYA, Osiride DMITRY KORCHAK, Elcia SONIA GANASSI, Mambre ENEA SCALA, Mosè RICCARDO ZANELLATO, Aronne YIJIE SHI, Amenofi CHIARA AMARÙ. ORCHESTRA E CORO DEL TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA. Maestro del Coro Lorenzo Fratini.

COMMOZIONE E PAURA, ALL’INTERNO DI UNA "POSSIBILE REALTA’"

Ben consci che l’Opera è la massima espressione artistico-teatrale e scevri da influenze opinionistiche, ma sensibili percettori ‘super partes’ dei messaggi senza tempo e senza età, non si può che applaudire ad una messa in scena dove tutti si è parte attiva e coinvolta in una toccante e realistica rappresentazione ai confini della finzione dentro ad una terribile, ma possibile realtà. L’Opera inizia all’ingresso: allo strappo del biglietto il personale d’accoglienza veste camicioni usurati adatti a lavori umili, come quelli che indosseranno in scena gli schiavi, …..fotografie di dispersi in guerra alle pareti. Il palcoscenico è l’immagine troppe volte trasmessa dai telegiornali, ed a cui ci siamo superficialmente assuefatti: case distrutte, vesti insanguinate, sguardi cancellati dagli orrori della guerra, madri in cerca dei propri figli, bambini in cerca della propria madre e attoniti padri che attraversano la strada con l’esanime corpo del figlio tra le braccia… Graham Vick va ben oltre il ruolo di regista asservendosi ad attento osservatore con il solo diritto di denuncia; guarda il mondo, i popoli, le religioni usate per scopi di potere economico e militare,  i muri eretti in nome della pace, i bambini e le donne kamikaze, le stragi nei teatri e gli attentati nelle metropolitane, gente che non ha più nulla da perdere! Vick ha guardato il mondo e mentre lo descrive senza provocazioni, lancia un monito ai popoli di tutte le terre a non continuare a distruggere il mondo di tutte le latitudini con l’inganno e la mistificazione. Realizzazione intelligente, efficace, pertinente ed equilibrata che non permette fraintesi territoriali, politici, religiosi e d’identità . L’azione (termine cinematografico che si attaglia spontaneamente) si svolge in Medio Oriente, in Egitto, ma potrebbe essere ovunque nel mondo, come tristemente troppe volte è! Stuart Nunn altrettanto attento osservatore ‘non ha inventato nulla’ e qui sta il pregio della realizzazione; fedele alla fotografica realtà ha creato costumi che potrebbero essere abiti del quotidiano medio orientale e le scene sono metafore e messaggi: scale interrotte dall’esplosione di una bomba, pilastri non finiti e con ancora le armature in ferro sporgenti in attesa della sopraelevazione, stracci, filo spinato, squarcio di sala cinematografica, laboratorio di intercettazione informatica ed altri mille particolari rendono inquietante e coinvolgente la scena.  Giuseppe di Iorio progetta le luci non per necessità di migliorare l’allestimento, ma solo per calarlo nella realtà e ci riesce ; il momento della narrazione è quello delle ‘Tenebre’ (che qui saranno squarciate dalle voci), ovvero la penultima piaga inflitta all’Egitto secondo i racconti biblici ed i colpi di buio contribuiscono nelle descrizione , mentre i colpi di luce improvvisi sul palco, sulla platea o specularmente sui ritratti laterali, incrementano il lievitare della tensione partecipativa. Roberto Abbado legge la partitura come una sinfonia messa a disposizione delle voci;  Direzione meditata sullo spartito e calibrata sul messaggio registico colpisce in più di un momento per l’espressione di grande respiro. Ottima l’Orchestra del Comunale di Bologna, che ha messo a disposizione anche il Coro diretto da Lorenzo Fratini: sapientemente dislocati nei vari punti di platea i coristi-attori creano ‘effetti speciali’ di musicalità, esaltando il ruolo che il coro riveste nel ‘Mosè’, non relegandosi a corollario dell’impianto globale, ma integrandosi quale parte dominante e coadiutrice nella offerta musicale e scenica. Alex Esposito prende il sembiante del Faraone e forse per commentare la prestazione basterebbe dire ‘Bravo!’ ma ovviamente non risulta esaustivo ed allora si può descrivere la continuità di emissione, la profondità ed il marcato colore scuro nell’imperio o morbido nella sconfortata ammissione d’errore…o nel dolore per la morte del figlio all’avverarsi della profezia…….

Ottima presenza scenica, agilità nei movimenti e nel canto sono il ricordo che Esposito lascia. Amaltea è impersonata da Olga Senderskaya che la tratteggia con un bel colore che non risparmia e che accentua con sentimento nei vari recitativi, e che esalta nell’aria ‘La pace mia smarrita..’ Dmitry Korchak è Osiride figlio del Faraone e come in tutti i tempi i figli superprotetti da un genitore perde di vista le proprie responsabilità, per finire qui travolto dalla predizione maledetta. Gentile d’aspetto e nella voce emette con chiarezza e trasparenza, riuscendo aggraziato sia nei tanti recitativi che nelle arie. Sonia Ganassi riesce a sacrificare l’interprete per valorizzare il personaggio con una l’accettazione della personalità di Elcia; ‘Qual assalto…qual cimento…’ lo rende efficacemente realistico in piena sintonia con l’idea della rappresentazione. Voce sicura e con il buon timbro riconoscibile affronta con piglio anche le agilità. Enea Scala è Mambre, un ruolo piccolo, che però riesce a caratterizzare fortemente sia con la fisicità che con la voce rotonda e fresca emessa con salda tecnica; serio impegno, giovanile spontaneità e buon risultato gli devono essere riconosciuti senza ombra di dubbio. Il ruolo del titolo ovvero Mosè, investe Riccardo Zanellato cui la regia impone lo stile del condottiero più che del salvatore; brandirà il kalaschnikov quasi fosse un simbolo religioso che da una certa angolazione di platea può sembrare una croce. Zanellato è credibile con voce adeguata cui cerca di infondere la passionalità del trascinatore. Yijie Shi è un buon Aronne che rende con bella voce sicura e luminosa e timbro gradevole. Piace e convince in questa parte che gli è consona: voce melodica e romantica fraseggia compiutamente . Risulta ben descritta anche l’Amenofi di Chiara Amarù, adeguata vocalmente ed attorialmente. Abile nei ruoli rossiniani ha sortito un buon risultato.Durante lo svolgimento della vicenda, sguardi impauriti si aggirano tra il pubblico improvvisamente illuminato da una torcia per vedersi poi puntare un’arma……ed il terrore serpeggiante induce anche i più superficiali a sentire un po’ di quella paura che inevitabilmente passa da un cuore all’altro durante un’azione terroristica che non serve a nulla se non a distruggere. Al finale cade un pezzo di muro ed appare un carro armato sullo sfondo da cui scende un soldato che cautamente si avvicina all’unico superstite: …..un bambino che ha già indossato la cintura dinamitarda ed ha già disinserito la sicura…..E’ il soldato che prima di tentare un contatto offrendo cioccolato deve alzare le mani in segno di disarmo……, ma le luci sull’ultima nota si spengono e non si sente la defraglazione , che divampa però nella più profonda e nascosta anima dell’uomo civile.  La Musica vince sempre

Adelaide di Borgogna - Rossini Opera Festival 2011, Pesaro

Foto: Studio Amati Bacciardi

Renzo Bellardone

ROSSINI OPERA FESTIVAL 2011- PESARO Per i 150 anni dell'Unità di Italia. Martedì 16 agosto, ore 20.00 ADELAIDE DI BORGOGNA. Dramma per musica di Giovanni Federico Schmidt. Musica di Gioachino Rossini. Edizione critica della Fondazione Rossini e di Casa Ricordi, a cura di Gabriele Gravagna e Alberto Zedda Direttore. DMITRI JUROWSKI.Regia, Scene, Costumi e Progetto luci: PIER’ALLI Personaggi Interpreti: Ottone DANIELA BARCELLONA, Adelaide JESSICA PRATT, Berengario NICOLA ULIVIERI, Adelberto BOGDAN MIHAI, Eurice JEANNETTE FISCHER, Iroldo FRANCESCA PIERPAOLI, Ernesto CLEMENTE ANTONIO DALIOTTI. ORCHESTRA E CORO DEL TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA. Maestro del Coro Lorenzo Fratini

DAL MEDIOEVO ALL’OTTOCENTO ROMANTICO !!!

Dopo le due rappresentazioni in forma semiscenica al Rof 2006, l’edizione 2011 ripropone quest’opera rossiniana inspiegabilmente dimenticata dai cartelloni dei teatri musicali, seppur ricca di spunti e di piacevolezze. La vicenda si svolge nell’alto Medioevo, ma in questa prima rappresentazione scenica il regista Pier Alli l’ha trasportata in un periodo più vicino e cioè in pieno romanticismo ottocentesco; senza intaccarne l’impianto, ma anche senza marcati coup de theatre, realizza la scena quasi esclusivamente con proiezioni, adottando una certa staticità del palcoscenico che coadiuva il canto. L’orchestra diretta da Dmitri Jurowski ha iniziato con manierismo, per divenire man mano più convincente ed a buon sostegno del palcoscenico: morbida e romantica nei recitativi, sanguigna nella descrizione della battaglia. La Musica e soprattutto le voci, hanno decretato la riuscita di un’opera di spessore , che si è ascoltata volentieri. Le incontrastate regine sono il mezzosoprano Daniela Barcellona ed il soprano Jessica Pratt  che non a caso vengono citate insieme, perché insieme hanno creato momenti di vera bellezza con grande reciproco sostegno ed unità di intenti. Daniela Barcellona è da anni è la regina del Rof e fin dalla comparsa in scena colma il teatro con voce solida e pienamente ricca di quel bel colore conosciuto ed apprezzato; con le agilità convince sempre ed ‘induce’ a sfrenati applausi a scena aperta ‘..soffri la tua sventura..’, ‘tergi..tergi..’, ma con l’aria finale ‘D’Imene il talamo..’incanta la platea con una sventagliata di acuti e con agilità affrontate con morbidezza vellutata. Realizza il personaggio di Ottone con coerente emissione e consolidata presenza scenica, seppur racchiusa in un costume pesante e costrittivo. Oramai allenata ad interpretare personaggi maschili, si sposta sulla scena con passo pesante e cadenzato dall’autorevolezza del comando. La Pratt riveste i panni di Adelaide e con le sue agilità e variazioni risulta attrattiva, per divenire lirica nei vari momenti dei filati, dei pianissimi e dei ben controllati acuti e sovracuti. ‘O cara immagine’ la interpreta sdraiata su uno dei due grandi divani in velluto senape di indefinito stile, come se fosse su una dormeuse… alla Paolina Bonaparte…, ma la voce è talmente limpida e naturalmente sicura che valorizza il momento d’ascolto. Confermatasi belcantista offre filati da brivido ed agilità ricercate. L’opera prevede molti bei recitativi accompagnati da un impeccabile clavicembalo e tanti bei duetti ed insieme. Il giovane tenore rumeno Bogdan Mihai è un Adelberto con una personalità spiccata fin dal duetto con Ottone nel primo atto, crescendo nel soddisfacimento delle attese nell’Aria ‘Grida, o natura, e desta’ nel secondo atto; ‘Noi deponiamo il brando..’lo canta con buone capacità interpretative e soprattutto con apprezzabile, attento controllo dello strumento.

Il ruolo di Berengario è affidato alla possente voce di Nicola Ulivieri che con naturale presenza scenica e facile utilizzo dello strumento è elemento determinante nell’opera, riuscendo nella delineazione del personaggio. ‘Si, si mi svena’ è l’Aria di Eurice, interpretata da Jeannette Fischer che, con questa offerta, rischiara la lieve opacità che aveva avvolto il personaggio fino a quel momento. Francesca Pierpaoli da vita ad un Iroldo focoso e sanguigno, con voce ferma e decisa; Clemente Antonio Daliotti da corpo e voce ad Ernesto con impegno e piglio. Coccarde rosse, fasce verdi e fiori bianchi al finale, inneggiano all’Unità d’Italia. Risultano di non immediata percezione alcune scelte di regia-ombrelli, acqua, ende rosa..-,ma il complesso impianto non invalida la realizzazione e per gli amanti del belcanto questa produzione resterà sicuramente nella memoria cerebrale ed in quella sentimentale: il ‘canto libero’ delle bellissime voci degli interpreti incantano e costruiscono la memoria.  Altrettanto valide sono anche le voci del coro che offrono una prestazione più che interessante grazie anche alle cure del Maestro Lorenzo Fratini.  La Musica vince sempre.

LagoMaggioreMusica 2011 - Concerto conclusivo 27 agosto‏

Foto: Martina Filjak

Lago Maggiore Musica 2011. Sabato 27 agosto, ore 21.00 LAVENO MOMBELLO – Palazzo Perabò di Cerro di Laveno. Martina Filjak, pianoforte. I° Premio Concorso Internazionale di Cleveland 2009. Musiche di Chopin e Liszt. Programma musicale: WOLFGANG AMADEUS MOZART Sonata in si bemolle maggiore n. (1756 - 1791) 13 K 333, Allegro, Andante cantabile Allegretto grazioso. FRANZ LISZT Ballata n. 2 in si minore (1811 - 1886), ROBERT SCHUMANN Faschingsschwank aus Wien op. (1810 - 1856) 26, Allegro, Romanze, Scherzino Intermezzo, Finale. MALEKSEEVIČ BALAKIRIEV Islamey (1837 - 1910)

Martina Filjak

I° PREMIO CONCORSO INTERNAZIONALE DI CLEVELAND 2009

Uno dei migliori talenti emergenti del momento, la croata Martina Filjak, sta raccogliendo l’apprezzamento internazionale non solo per la passione e la straordinaria intensità che infonde nelle sue interpretazioni alla tastiera, ma anche per la sua personalità carismatica e per la sua presenza magnetica sul palcoscenico. Fin dal suo debutto con la famosa Zagreb Soloists Chamber Orchestra, avvenuto quando aveva appena 12 anni, Martina da bambina prodigio si è trasformata in un’artista matura sia dal punto di vista tecnico che espressivo. Martina Filjak si è esibita con numerose orchestre nel suo Paese e all’estero, tra le quali ricordiamo: la Cleveland Orchestra; le orchestre filarmoniche di Zagabria, Strasburgo, del Marocco, di Belgrado e di Torino e con le Orchestre sinfoniche di Bilbao, Zagabria, Croazia, Mosca, Tenerife, e Barcellona. Come solista, Martina Filjak ha suonato nelle maggiori sale da concerto tra le quali la Concertgebouw di Amsterdam, la Konzerthaus di Berlino, l’Auditori and Palau de la Música Catalana di Barcelona, il Teatro Carlo Felice di Genova, il Palais des Congrès di Strasburgo, il Musikverein di Vienna, lo Shanghai Oriental Art Center e la Severance Hall di Cleveland. Nel 2009 ha vinto il Primo Premio al Concorso Internazionale di Cleveland e nel dicembre di questo stesso anno ha debuttato alla Carnegie Hall; in questa occasione il “New York Times” l’ha definita «pianista da tenere d’occhio». Sempre nel 2009, per i suoi meriti artistici, ha ricevuto la Medaglia d’Onore dal Presidente della Repubblica Croata. Nella Stagione attuale si è esibita come solista con orchestra in Spagna, Argentina, Cina e Stati Uniti. Oltre al Concorso Internazionale di Cleveland Martina Filjak ha vinto numerosi altri Concorsi e premi. Tra questi il Primo Premio al Concorso Internazionale Viotti di Vercelli nel 2007, al Concorso Internazionale Maria Canals di Barcellona nel 2008 e al Concorso Internazionale Johannes Brahms nel 2001. É stata inoltre tra i premiati dell’edizione 2007 del Concorso Internazionale Busoni di Bolzano e dell’Unisa International Piano Competition di Pretoria nel 2008. Martina Filjak ha ottenuto numerose borse di studio tra le quali la “Clara Haskil” della Dutch Foundation, la Prins Bernhard Cultuurfonds in Olanda e la Alfred Toepfer Scholarship. Nel suo Paese ha inoltre ricevuto nel 1993 il Premio dell’Orchestra Filarmonica di Zagabria e nel 1998 il Premio delle Jeunesses Musicales. Nata a Zagabria e cresciuta in una famiglia di pianisti, Martina Filjak si è diplomata all’Accademia Musicale di Zagabria e al Conservatorio di Vienna. Ha poi studiato ad Hannover. Ha collaborato con pianisti del calibro di Cyprien Katsaris, Stephen Kovacevich e Jean Bernard Pommier. Tra il 2008 e il 2009 ha frequentato l’Accademia Pianistica del Lago di Como, dove ha avuto l’opportunità di formarsi con artisti quali William Grant Nabore, Dmitri Bashkirov, Boris Berman, Leon Fleisher, Claude Frank, Peter Frankl, Andreas Staier e Fou Ts'ong. Il suo repertorio comprende più di 30 concerti per pianoforte e un’ampia panoramica della musica da camera e della letteratura solistica per pianoforte dal XVII secolo alla Musica Contemporanea. Martina parla 7 lingue ed ha la doppia cittadinanza Croata ed Italiana.

Entrevista con Marianne Pousseur (cantante y actriz belga)

Foto: Marianne Pousseur; Ismene - c) Agenjca Gazeta

RJ- Mientras estudiaba canto clásico y música de cámara en el Conservatorio de Lieja, Belgica, Marianne Pousseur cantó en dos grupos dirigidos por Philippe Herreweghe, Collegium Vocale y La Chapelle Royale. Esta versátil artista se presenta regularmente con grupos como el Ensemble SchoeIsnberg en La Haya (dirigido por Reinbert de Leeuw), Remix de Porto, Die Reihe Viena, etc. y con el Ensemble Intercontemporain, especialmente bajo la dirección de Pierre Boulez, y su carrera se ha enfocado básicamente hacia el siglo XX, en los campos de la creación y el teatro musical. Además, su experiencia teatral le ha permitido interpretar, y hacer la narración en grandes obras sinfónicas como Psique de César Franck y "Peer Gynt" de Grieg, en versión de concierto bajo la dirección de Kurt Masur con la Orchestre National de France y la Orquesta Filarmónica de Londres. En colaboración con Enrico Bagnoli, ha realizado varias producciones de teatro musical. Fue por ello que George Aperghis compuso para ella en el año 2004 "Dark Side", creada en Atenas con el Ensemble Intercontemporain. Posteriormente, decidieron volver a trabajar juntos en "Ismene" sobre el poema de Yannis Ritsos, que fue transformado en una ópera para voz solista y fue creado en el otoño del 2008. Actualmente es profesor de canto en el Conservatorio Real de Bruselas, Bélgica. Marianne, quien interpretaraa el personaje de Ismène, en la obra homónima que se presenta en el XII Festival de Música y Escena de México nos habla un poco mas sobre su carrera y su visión de esta producción escénica.

¿Cómo definirías a la compañía Khroma, como surgió la idea para este proyecto y cuando inició?

Khroma es una compañía teatral formada por dos personas, Enrico Bagnoli y yo misma. Fue fundada hace diez años para cristalizar una búsqueda que llevábamos juntos desde hace más de veinte años. Esta búsqueda examina la relación entre la música y el teatro, la imagen y el tiempo, la tecnología y la artesanía. En Khroma los papeles están extremadamente bien definidos, y así como en “Ismène” Enrico firma la puesta en escena y yo soy la interprete, en cada proyecto nos replanteamos cuales serán los roles y la jerarquía que les corresponde, y para cada proyecto nos rodeamos de diferentes colaboradores relacionados con ese mismo proyecto, como para Ismène, donde particularmente nos beneficiamos del valioso aporte artístico de Guy Cassiers, Georges Aperghis (quien creó la música) y de Dierlick de Cock, responsable del sonido, como de su concepción y realización.

¿Podrías háblarnos un poco acerca de tus antecedentes artísticos?

Yo siempre he oscilado entre diversas disciplinas artísticas. Yo iba encaminada primero hacia las artes plásticas o la arquitectura, pero luego cambie por completo la dirección para estudiar música en el conservatorio, y al mismo tiempo cantaba en una agrupación de música antigua, el Collegium Vocale de Gante que probablemente fue más formador que cualquier escuela, y comencé mis experiencias teatrales con mi hermana Isabelle. Mi padre Henri Poussuer era compositor, por lo que pasé mi infancia en un clima propicio para la creatividad y en una relación con los creadores de nuestros tiempos. Por lo tanto, en mi vida de cantante ha destacado la música contemporánea. Hoy en di trato de conectar y relacionar todas estas “vidas” para dar al papel de interprete una dimensión creativa y conceptual mas importante de lo habitual.

Desde tu perspectiva como interprete en la obra ¿podrías decirnos quien es para ti “Ismène” y que es lo que consideras que esta obra sea única?

Ismene es una figura "olvidada" en la obra de Sófocles, ella no existe mas que prácticamente para “hacer valer” a Antígona. Sin embargo, se encuentra en este personaje un impulso vital por demás único. Ella se niega a ayudar a Antígona a enterrar a su hermano, porque sabe que este acto la condenará a muerte. Ismène quiere vivir, porque no es una heroína, es una mujer sensible, que quiere disfrutar de lo que la vida puede dar y le gustaría tener hijos y finalmente, Polinices, y no hay mas para él.

Por lo tanto, ella encarna una especie de esencia de la feminidad y se presentan en ella una serie de preguntas ¿Qué es el heroísmo? ¿Seré yo capaz de realizar actos heroicos? O bien, ¿prefiero concentrarme en mi familia, criar a mis hijos de la mejor manera para enseñarles los valores que sean justos? El binomio Antígona Ismène responde a estas preguntas. Además, Ismène desarrolla una sensibilidad única, muy emotiva para las pequeñas cosas, el jardín, los olores, la naturaleza, la sensualidad de sus los juegos infantiles

La posición en la que toma una mirada muy severa y lúcida sobre el equilibrio del poder, y para analizar con justicia y reflexionar sobre los actos de su padre Edipo. Todo ello hace que ella que se quede terriblemente sola, y esto es solo lo que hace que 2500 años después, aún se encuentre con vida, y que ningún escritor la haya hecho jamás morirse.

Los textos de Ritsos le da magnificas palabras a este personaje. Georges Aperghis escribió para mí una partitura muy personalizada por que conocía muy bien mis posibilidades y mis límites. Así, hemos podido llegar muy lejos en la relación entre lo hablado y lo cantado, lo que me permitió darle al personaje numerosas facetas y de ser atravesado por todas las voces de sus recuerdos. Enrico Bagnoli desarrolló para este proyecto una escenografia extremadamente esencial, pero muy rica en posibilidades que también sigue de cerca los recovecos del estado mental de Ismène.

¿Cuál es la contribución más importante que hizo a la producción de esta obra Guy Cassiers?

Guy Cassiers es un hombre y un artista de gran experiencia, que nos ayudó en diversos niveles. En primer lugar, al incitarnos a seguir nuestro proyecto, y llevarlo a su término de la manera más integra posible. Después, en el trabajo de la lectura del texto y su dramaturgia. Finalmente en ha sido un director de actores verdaderamente sobresaliente.

¿Además de estimular los sentidos del espectador, con que idea, pensamiento, reflexión o imagen les gustaría que se quedara en la mente del público después de ver la representación?

Lo que quisiéramos es justamente que el espectador haya tenido la impresión de haber entrado en el universo mental de nuestro personaje, que no puede hacer la distinción entre lo que ha visto, entendido, sentido o imaginado, y es que la forma sensorial mas rica y cercana a el.

http://www.khroma.eu/pousseur.htm

http://www.khroma.eu/

Interview avec Marianne Pousseur (chanteuse et actrice)

Foto: Marianne Poussuer, Ismene -copyright Michael Boermans.

RJ- Tout en étudiant le chant classique et la musique de chambre au Conservatoire de Liège, Marianne Pousseur a chanté dans les deux ensembles dirigés par Philippe Herreweghe, le Collegium Vocale et La Chapelle Royale. Elle se produit régulièrement avec des ensembles tels que le Schoenberg Ensemble de La Haye, (direction Reinbert de Leeuw), Remix de Porto, Die Reihe de Vienne, etc. ainsi qu'avec l'Ensemble Intercontemporain, notamment sous la direction de Pierre Boulez, dans un répertoire essentiellement tourné vers le XXe siècle, la création et le théâtre musical. Son expérience théâtrale lui permet d’être interprète récitante dans de grandes œuvres symphoniques comme Psyché de César Franck ainsi que "Peer Gynt" de Grieg en version concertante sous la direction de Kurt Masur avec l’Orchestre National de France et le London Philharmonic Orchestra. En collaboration avec Enrico Bagnoli, elle a monté plusieurs créations de théatre musical. C'est pour elle que Georges Aperghis compose en 2004 "Dark Side", créé à Athènes avec l'Ensemble Intercontemporain. C'est à la suite de cela, qu'ils décideront de travailler à nouveau ensemble sur "Ismène" poème de Yannis Ritsos, mué en opéra pour voix seule et créé en automne 2008. Elle est actuellement professeur de chant au Conservatoire Royal de Bruxelles, en Belgique.

Comment définiriez-vous Khroma, comment vous est venue l'idée de ce projet et quand avez vous commencé?

Khroma est une compagnie théâtrale formée de 2 personnes, Enrico Bagnoli et moi-même. Elle a été fondée voici dix ans environ, pour cristalliser une recherche que nous menions ensemble depuis plus de vingt ans. Cette recherche porte sur la relation entre musique et théâtre, image et temps, technologie et artisanat. Chez Khroma, les rôles sont extrêmement peu définis. Même si pour "Ismène, Enrico signe la mise en scène et j'en suis l'interprète, à chaque projet ces rôles et la hiérarchie que cela comporte, sont remise en question. Pour chaque projet, nous nous entourons de collaborateurs différents, liés au propos mêmes de ce projet. Pour Ismène, nous avons bénéficié en particulier de l'apport artistique très précieux de Guy Cassiers, Georges Aperghis (qui en signe la musique) et de Diederik de Cock, responsable du son dans sa conception et réalisation.

S'il vous plaît, pourriez vous nous parler de vous et du milieu artistique dont vous provenez?

J'ai toujours oscillé entre diverses disciplines artistiques. Je me destinais tout d'abord aux arts plastiques ou à l'architecture. J'ai ensuite complètement changé de direction en étudiant la musique au Conservatoire, mais en même temps, je chantais dans un ensemble de musique ancienne (le Collegium Vocale de Gand) qui a été probablement plus formateur que n'importe quelle école, et je commençais les expériences théâtrales avec ma soeur Isabelle. Mon père, Henri Pousseur, était compositeur, et j'ai baigné toute mon enfance dans un climat propice à la créativité etr à la relation avec les créateurs de notre temps. J'ai donc, dans ma vie de chanteuse, mis en avant la musique contemporaine. Aujourd'hui, j'essaie de mettre en relation toutes ces "vies" et de donner au rôle d'interprète une dimension créative et conceptuelle plus importante qu'elle n'a d'habitude.

De votre point de vue d'interprète principal dans l'opéra, qui est Ismène et que représente-t-elle pour vous? et qu'est ce qui rend pour vous cette pièce si unique?

Ismène est une figure "oubliée". dans la pièce de Sophocle, elle n'existe pratiquement que comme "faire valoir" d'Antigone. Cependant, on trouve chez ce personnage une pulsion vitale tout à fait unique. Elle refuse d'aider Antigone à enterrer leur frère, car elle sait que cet acte portera à une condamnation à mort. Or Ismène veut vivre, elle n'est pas une héroine, elle est une femme, sensible, qui désire profiter de ce que la vie peut lui apporter et voudrait avoir des enfants, et finalement, Polynice est mort, et on ne peut plus rien pour lui.

Elle incarne donc une espèce d'essence de féminité, et concentre en elle une série de questions: qu'est ce que l'héroisme? serais-je, moi, capable d'actes héroiques? Ou bien est-ce que je préfère me concentrer sur ma famille, élever mes enfants du mieux que je peux et leur enseigner les valeurs qui me semblent justes? Le binôme Antigone Ismène, résume ces questions. Par ailleurs, Ismène dégage une sensibilté unique, très touchante pour les petites choses, le jardin, les odeurs, la nature, la sensualité des jeux d'enfants. La position dans laquelle elle se met lui fait porter un regard très sévère et lucide sur les rapports de pouvoir, en analysant avec justesse et réfléchissant aux actes de son père Oedipe. Tout cela fait qu'elle reste seule, terriblement seule. C'est toute seule qu'on la trouve, 2500 ans plus tard, encore vivante, puisque aucun écriviain ne l'a jamais fait mourir.

Le texte de Ritsos donne magnifiquement la parole à ce personnage. Georges Aperghis a écrit pour moi une partition très persoinnalisée, il me connaissait bien, mes possibilités et mes limites. Nous avons pu aller très loin dans la relation entre parlé et chanté, ce qui permettait de donner au personnage de nombreuses facettes et d'être traversée par toutes les voix de ses souvenirs. Enrico Bagnoli a mis au point pour ce projet, une scénographie extrêmemnt essentielle, mais très riche de possibilités qui elle aussi, suit intimement les méandres de l'état mental d'Ismène.

Quelle est la contribution la plus importante de Guy Cassiers?

Guy Cassiers est un homme et un artiste d'une très grande expérience. Il nous a aidés à divers niveaux. D'abord, en nous poussant à suivre notre projet, à le mener à son terme de la façon la plus intègre possible. Ensuite dans le travail de lecture du texte et de sa dramaturgie. Enfin, il a été un directeur d'acteurs absolument remarquable.

Outre la stimulation des sens du spectateur, quelle idée, quelle pensée, quelle réflexion ou image voudriez-vous que le public garde dans son esprit quand il quitte la représentation?

Ce que nous voudrions, c'est justement que le spectateur ait eu l'impression d'entrer dans l'univers mental de notre personnage. qu'il ne puisse plus faire la distinction entre ce qu'il a vu, entendu, ressenti ou imaginé, mais que cela forme un tout sensoriel riche et proche de lui.

http://www.khroma.eu/

http://www.khroma.eu/biopousseurfrshort.htm

IL BELCANTO E LA 3^ EDIZIONE DEL REATE FESTIVAL (Rieti, 21-30 agosto 2011)

Foto: Teatro Flavio Vespasiano, Kent Nagano

“Così fan tutte” in forma di concerto diretta da Kent Nagano con l’Orchestra da Camera di Mantova completa la trilogia mozartiana iniziata nelle precedenti edizioni, ancora una volta con un cast d’eccellenza (Poplavskaya, Ganassi, Korchak, Capitanucci, Bordogna). Il direttore americano sarà anche impegnato in un programma sinfonico di grande repertorio classico alla guida dell’orchestra Concerto Köln, specializzata in prassi esecutiva con strumenti originali. Il Belcanto italiano in apertura e chiusura con i cantanti di Opera Studio si colora di tinte risorgimentali, e tutta ispirata al Risorgimento una raffinata serata dei Cameristi della Scala.

Terza edizione del Reate Festival, ancora interpreti eccellenti, ancora il Belcanto come centro tematico, da cui si dipanano i percorsi mozartiani operistici da una parte, quelli del classicismo strumentale sinfonico dall’altra e quelli tutti italiani legati alla nostra storia e identità, di natura belcantista o strumentale, con particolari riferimenti al nostro Risorgimento, nell’anno delle celebrazioni dei 150 anni di unità nazionale. Queste le linee guida del programma che – nelle intenzioni del direttore artistico della sezione musica del Festival, Bruno Cagli, Presidente dell’Accademia di Santa Cecilia – non può mai essere disgiunto da uno stile vocale e da un’esecuzione strumentale rispettosa della prassi esecutiva dell’epoca. Nel caso di Rieti poi a tutto questo si unisce un luogo di straordinaria bellezza ed acustica, come il recentemente restaurato Teatro Flavio Vespasiano.

“Il Festival di Belcanto a Rieti ha segnato, nei due anni precedenti, un momento di livello particolarmente alto, - sottolinea Cagli - ampiamente riconosciuto dalla stampa internazionale. Ciò conferma quelle che erano le intenzioni iniziali di rivalutare questo immenso patrimonio che l’Italia ha dato al mondo e che rischia di disperdersi. La programmazione di quest’anno ha sofferto delle conseguenze economiche che stanno travagliando la vita culturale del Paese, ma il settore del Belcanto, che riteniamo quello veramente significativo, è stato preservato.”

L’apertura il 21 agosto è con musiche risorgimentali, “Arie e cori dell’800”, con l’Orchestra Roma Sinfonietta diretta da Carlo Rizzari e il Coro del Teatro Regio di Parma diretto da Martino Faggiani. Solista il soprano Rosa Feola, che dopo il perfezionamento nei corsi di Opera Studio con la direzione di Renata Scotto ha intrapreso una carriera che recentemente l’ha vista impegnata con Riccardo Muti a Salisburgo. Tra i brani in programma il finale del primo atto di Traviata di Verdi e “Giusto cielo, in tal periglio” dal Maometto II di Rossini. Nel vivo del patrimonio strumentale inedito dell’800 italiano entreranno il 23 agosto I Solisti di Musica del Risorgimento, ensemble composto da musicisti dei Cameristi del Teatro alla Scala, dal pianista e compositore Orazio Sciortino e dal soprano Natalia Gavrilan. La ricerca musicologica e la valorizzazione del repertorio connesso con le vicende risorgimentali sono alla base del loro raffinato programma che propone, tra l’altro, inediti di Fumagalli e Scontrino ritrovati nella Biblioteca del Conservatorio di Milano.

Il 27 agosto sul podio Kent Nagano, direttore musicale della Bayerische Statsoper di Monaco di Baviera e dell’Orchestra Sinfonica di Montreal. Nagano, che fin dalla prim edizione del Reate Festival ha condiviso ed è stato artefice con il direttore artistico del progetto del Belcanto, dirigerà la prestigiosa Orchestra Concerto Köln, specializzata nell’esecuzione di musica del Settecento e primo Ottocento, oggi considerata uno dei migliori gruppi di musica antica con strumenti originali. Il programma propone repertorio classico celeberrimo, tra cui la Sinfonia n.6 “Pastorale” di Beethoven e il Concerto K 488 di Mozart con la solista Mari Kodama, formatasi a Dusseldorf e Parigi, attiva con le più importanti orchestre negli Stati Uniti, in Giappone e in Germania.

La serata del 29 agosto sarà tutta dedicata al Belcanto (Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi) con la collaborazione del pianista Fabio Centanni, protagonisti i giovani artisti di Opera Studio, la scuola di perfezionamento in canto lirico istituita dall’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, diretta da Renata Scotto e dedicata alla formazione professionale di giovani cantanti. Istituiti nel 2004 con l’intento di costituire un vero vivaio di interpreti in grado di riportare la tradizione italiana al centro dell’insegnamento del più autentico “Belcanto”, i corsi di specializzazione di canto lirico di Opera Studio hanno ottenuto sin dal loro inizio un crescente riscontro nel panorama didattico internazionale ed eccellenti risultati in termini di allievi avviati a carriere prestigiose. Dalla prima sessione tenuta nel maggio 2004, gli allievi che hanno frequentato i corsisono oltre 200 provenienti da ogni parte del mondo.

Infine due repliche, il 28 e 30 agosto per l’atteso Così fan tutte di Mozart diretto da Kent Nagano, compimento della trilogia iniziata con la nascita del festival (Don Giovanni nel 2009 e Le nozze di Figaro nel 2010), che ha portato e porterà a Rieti alcune delle più grandi stelle internazionali del grande teatro musicale. Il cast di quest’anno vedrà nei ruoli femminili Marina Poplavskaya (Fiordiligi), Sonia Ganassi (Dorabella), Damiana Mizzi (Despina), in quelli maschili Dmitry Korchak (Ferrando), Fabio Maria Capitanucci (Guglielmo) e Paolo Bordogna (Don Alfonso). Kent Nagano dirigerà l’Orchestra da Camera di Mantova, una delle compagini di maggior qualità nel nostro paese per brillantezza esecutiva e sensibilità stilistica. Il Belcanto Chorus, nato in occasione del Reate Festival 2009, è formato da artisti provenienti dalle compagini corali del Teatro Regio di Parma e della Corale Luca Marenzio di Roma e sarà diretto da Martino Faggiani.

Info: www.reatefestival.it

Biglietti: 10e 15euro In vendita dal 1° agosto presso la biglietteria del Teatro Flavio Vespasiano in via Garibaldi, 267, Rieti. Italia.  Orario di apertura tutti i giorni (festivi inclusi 9-­‐13•16-­‐20) tel. +39 0746271335 fax +39 0746200080