Monday, August 19, 2019

Salome - Munich Opera: One 16 years old and three murders in just 100 minutes

Photos: Photographer. Wilfried Hösl & Patricia Sigerist / Bayerische Staatsoper

Oxana Arkaeva

The first Premiere of 2019 Opera Festival Season at the Munich State Opera featured one of the most challenging and exciting operas of the 20th century: "Salome" by Richard Strauß. Conducted by parting general musical director Kirill Petrenko and staged by Polish director Krzysztof Warlikowski, the evening was a true celebration of the orchestra and the mastery of ist leader. During its world premiere in 1905, Richard Strauss instigated an intentional scandal with his third opera, using as a libretto Oscar Wilde’s one-act drama, that already has been assailed by censorship. Unfortunately, the opening night in Munich was anything but a scandal and should there be no such a captivating musical reading by Petrenko, this evening would end up in a kind of fiasco, due to unfortunate staging by Krzysztof Warlikowski. The Bavarian State Orchestra and its leader were a true revelation of this evening. Petrenko manages to pull out an extraterrestrial level of dynamic balance. He is a master of sounds-colors and acoustic atmosphere, dynamically never exaggerating: clear, majestic, powerful (in the interlude) and with barely perceptible, but physically palpable piano at the beginning of the final scene. In this, as well as in any other performance, Petrenko is highly appreciated singers’ companion, for he carries them, so to speak, on his hands, leaving the smallest voices well audible. Contrary to Petrenko, Warlikowski has brought out quite a confusing, at times full of diffuse historical references and contextual contradictions, staging. His honorable attempt to combine the tragic historical facts of the 20-century history (Nazi) and his diffusing perception of the plot, ended in tangled accumulation of clues and hints, ultimately neglecting the story itself. Together with Małgorzata Szczęśniak (impressive stage and flattering costumes), Felice Ross (lighting) and Claude Bardouil (choreography) Warlikowski created an atmosphere of closeness, fear, unfulfilled desire, and inescapable death. Warlikowski did not seem to bother with an establishment of compelling, memorable characters and, with few acceptions, leaves singers mostly at the front of the stage to concentrate on singing and music. This is very much perceptible with Wolfgang Koch as Johannaan.  He sings with a powerful, dramatic voice, but is very static, looking anything but a "withered" prisoner (there was much laughter in the audience).  
Because of his impressive physical size and breadth, greasy hair and bum makeup, the audience had great difficulties in retracing Salome's desperate erotic advances towards him. At the end of the opera, the prophet exited the stage puffing the cigarette, sending the waves of frustrated "O, no! Why?“ through the audience. The Salome of the opening night, Marlies Petersen, had little of Salome´s irrational excessiveness or hysterical attitude, of “mental cruelty, immeasurable lust, and limitless pervertedness.” (Oscar Wilde). We experience a copy of Berg’s Lulu: cold, reserved, and emotionless. Vocally, Salome is a border role for Petersen. Despite some difficulties at the top, she was nonetheless celebrated for her debut as moody Jewish princess and deserved the praise to have well managed this demanding role, singing with a rather small voice, but in a smart, well-coached way. Pavol Breslik as Narraboth (likable, powerful tenor and a great actor) plays a horny he-goat, who regularly sexually pursues Salome.  Wolfgang Ablinger-Sperrhacke as Herodes has sung well but seemed to have difficulties in adjusting to Warlikowski’s vision of him as a Jewish Rabbi. Michaela Schuster as Herodias has significant, but the monotonous voice.  Although enjoying a remarkable stage presence, she remains, again due to the non-existing personae interpretation, a colorless, secondary character. Due to Warlikowski’s accumulation of hints and clues, mentioned above the famous seven veils dance is more of a dressing-up formal Jewish wedding, rather than an act of an erotic divesting. In the final scene, there is no severed head of Johannaan presented to Salome on the silver plate. Instead, she gets a box full of blood-stained cloth: an intriguing, but, unfortunately, not a new idea.  At the end of the performance, the stage director and his team were met with massive boos, with Małgorzata Szczęśniak making an unfortunate disrespectful gesture toward the audience. Petrenko and Petersen instead were greeted with frantic applause, making it again even more comprehensive that thoughtful and respectful interpretation of the score and mastery singing, still are and will remain the only true saviors of and gift to any opera staging, even the most disastrous one.

***The story

The young princess Salome is bored with her everyday life and is discussed by her stepfather's Herodes and other inhabitants of the palace sexual advances. At one moment she is confronted with the passionate monologue of an imprisoned prophet Jochanaan. She demands to see him and immediately is taking away by his masculinity and power of his beliefs. She is sexually attracted to him but is genuinely interested in getting to know his Got but is fearfully rejected by Johanna as a daughter of Sodoms. Salome is outraged. Nobody ever had rejected her love. During a feast at the evening, Herodes requests that Salome dance for him, and in return promises her to fulfill any of her wishes. Salome consents and following the dance demands the prisoner’s head. Thus, she can finally kiss Jochanaan’s lips. Discussed Herodes commands to kill Salome.

Sunday, August 18, 2019

El debut de la soprano Aida Garifullina en Buenos Aires

Fotos. Máximo Parpagnoli. Prensa Teatro Colón

Gustavo Gabriel Otero
Twitter: @GazetaLyrica

Buenos Aires, 16 de agosto de 2019: Teatro Colón. Concierto Lírico. Obras de Georges Bizet, Charles Gounod, Giacomo Puccini, Piotr Ilich Chaikovski, Nikolái Rimski-Kórzakov, Leo Delibes, Giuseppe Verdi, Pietro Mascagni y Ruggero Leoncavallo. Solista: Aida Garifullina, soprano. Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Director Musical: Carlos Vieu. Cuarta Función del Ciclo Grandes Intérpretes Internacionales.

Por primera vez en la Argentina se presentó una de las divas emergentes de nuestro tiempo: la soprano Aida Garifullina. La acompañó la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, dirigida por el maestro Carlos Vieu quien fue en todo momento extraordinario concertador y que logró que la orquesta brillara en los momentos solistas y sea sólido acompañante en los fragmentos vocales. El primer momento vocal llegó con Je veux vivre el vals de Julieta de la ópera ‘Roméo et Juliette’ de Charles Gounod, interpretado con virtuosismo, voz plena y agudos sin mácula. Como en toda la noche el maestro Carlos Vieu -sin dudas el mejor director de orquesta especializado en ópera con que cuenta la Argentina en este momento en su territorio- respiró junto a la soprano, manejó tiempos y balances y buscó en cada fragmento el matiz adecuado. Lo que se llama un verdadero ‘maestro concertador’ de ópera. Siguió un muy buen acercamiento a la Mimí pucciniana con el aria de entrada (Sì, mi chiamano Mimì), fragmento que la soprano cantaba por primera vez en público y que interpretará completo próximamente. Profundidad y sutileza interpretativa demostó Garifullina en la escena de la muerte de la ópera ‘La doncella de nieve’ de Nikolái Rimski-Kórsakov, y gracia y desenvoltura en Les filles de Cadix de Léo Delibes. En esta primera parte la soprano rusa evidenció belleza vocal, muy buen caudal, variedad de matices y técnica depurada. En la primera parte la Orquesta interpretó, con la batuta del maestro Vieu, una impecable Farandole de la Suite N° 2 de ‘L’arlésienne’ de Georges Bizet; un perfecto Intermezzo de ‘Manon Lescaut’ de Puccini; una chispeante Polonesa de ‘Eugene Onegin’ y una equilibrada Mazurka de ‘Coppelia’ de Delibes. 
En la segunda la sutileza primó en el Preludio del acto tercero de ‘La traviata’, la fuerza en la Obertura de ‘Luisa Miller’ y la emoción en el Intermezzo de ‘Cavalleria rusticana’Teneste la promessa... , Addio del passato de la ópera ‘La traviata’ quizás fue el momento de mayor expresividad de la noche por la perfección de matices que logró Aida Garifullina. Siguió el vals de Musetta de ‘La bohème’ que fue interpretado con burbujeante sensualidad por esta soprano ligera con gran temperamento lírico. Cerraron el concierto dos canciones: la melancólica Élégie de Massenet vertida con elegancia y refinamiento y la mediterránea Mattinata de Leoncavallo plena de carisma y simpatía. Fuera de programa llegaron O mio babbino caro de Gianni Schicchi’ de Puccini con agudos perfectos y fraseo conmovedor y un pequeño homenaje a la Argentina: el tango-canción Por una cabeza’ de Gardel y Lepera en muy interesante versión que se alejó de la impostación de cantante lírico, pero a la vez sin intentar imitar a los cantantes populares. El aplauso del público determinó la interpretación de otra pieza fuera de programa. Pidiendo disculpas por volver a interpretar un fragmento ya cantado, Garifullina repitió el aria Sì, mi chiamano Mimì de Puccini, en una más versión sentida y conmovedora que la que había efectuado en la primera parte del concierto.

Falleció la soprano argentina Adelaida Negri

Adelaida Negri 
Gustavo G. Otero

La soprano argentina Adelaida Negri falleció el pasado 17 de agosto en Buenos Aires, a los 75 años. Había nacido en esta ciudad el 12 de diciembre de 1943. Se recibió de abogada y, posteriormente, egresó del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón con medalla de oro. Perfeccionó sus estudios de canto y arte escénico en el London Opera Centre de Londres, becada por el British Council. Debutó en el Teatro Colón de Buenos Aires en 1973 como Flora en La Traviata.  En 1974 interpretó a Anna de Glawary en La viuda alegre, a la que siguieron los protagónicos de Rita, Madama Butterfly, La vida breve, Don Carlo, Mefistófeles, Lucia di Lammermoor, Norma, Beatrice di Tenda, Nabucco, Aída, el estreno mundial de Antígona Vélez de Juan Carlos Zorzi, Proserpina y el extranjero de Juan José Castro y Macbeth en 1998. En los años '80 se radicó en Europa, donde actuó en los principales teatros de Alemania, Austria, Bélgica, España, Francia, Hungría, Inglaterra, Italia, Portugal y Suiza. También en Sudáfrica, Japón y Corea. Debutó en el Met de Nueva York el 2 de febrero de 1982 sustituyendo a Renata Scotto en Norma. Adelaida Negri fue la segunda argentina en cantar en el Met de Nueva York tras Delia Rigal en las temporadas entre 1950 y 1957. También en el  coliseo neoyorquino en las siguientes temporadas  cantó, entre otras, Il trovatore junto a Juan Pons y Fiorenza Cosotto; Ernani con Luciano Pavarotti, Gianni Raimondi y Sherill Milnes y Lucia di Lammermoor en gira por Boston  y los parques de Nueva York.  Compartió además escenarios con figuras de la talla de Plácido Domingo, José Carreras, Fiorenza Cossotto, Carlo Cossuta, Renato Bruson, Luis Lima, Tatiana Troyanos y otros. En Sudamérica cantó, también, en el Teatro Municipal de Caracas y la Fundación Teresa Carreñoen el Teatro Solís de Montevideo, el Teatro Municipal de San Pablo y en Porto Alegre. Además, actuó en el Teatro Argentino de La Plata, El Círculo de Rosario y otros teatros de la Argentina. De regreso en la Argentina, en 1997 la soprano creó la Casa de la Ópera de Buenos Aires, con la que llevó a cabo una incansable labor, dando espacio a jóvenes artistas y cantantes que solían reunirse y hacer música los segundos lunes de cada mes en el barrio de Barracas. Además, desde ese centro Adelaida Negri preparó 23 títulos diferentes que presentó entre 2000 y 2010 en los teatros Avenida, Margarita Xirgu y Premier de Buenos Aires, entre ellos La Straniera e Il Pirata de Bellini, Roberto Devereux, Maria Stuarda, Lucrezia Borgia Ana Bolena de Donizetti, Armida de Rossini, Cecilia de Refice y Loreley de Catalani. Entre los premios que mereciera su trayectoria, figuran el "Ambrogino d'oro" de la ciudad de Milano (1980), el Premio al Mérito de la Orden de los Caballeros de San Martín de Tours de Buenos Aires (1985), el Premio de la Asociación Verdiana de Opera a la mejor actuación escénica e interpretación vocal de la Temporada musical Argentina (1984), la distinción a la mejor cantante argentina de la Temporada Musical 1998 otorgada por la Asociación de Críticos musicales de la Argentina, el Premio Mecenas 2000 otorgado por la Revista "Que hacemos", y la incorporación a la "Cátedra Permanente de Grandes Artistas" por la Asociación Amigos de la Educación Artística. La Asociación de Críticos Musicales de la Argentina y la Dirección General de Cultura del Senado hicieron entrega a la soprano Adelaida Negri de un diploma de Honor a la trayectoria artística y a su labor precursora del arte lirico entre los jovenes valores. En 2016 es declarada personalidad destacada de la cultura en la Ciudad de Buenos Aires La mayoría de sus actuaciones en vivo han quedado registradas en grabaciones editadas por el sello ‘New Ornamenti’ tanto en audio como en vídeo. Con un repertorio amplísimo fue sin dudas la cantante argentina de mayor trascendencia internacional de los últimos cincuenta años pero, a la vez, en los últimos veinte un gran apoyo a las nuevas camadas de artistas.

Thursday, August 8, 2019

Ariadna en Naxos en el Teatro Colón de Buenos Aires

Fotos: Prensa Teatro Colón /Máximo Parpagnoli / Arnaldo Colombaroli.

Gustavo Gabriel Otero
Twitter: @GazetaLyrica

Buenos Aires, 26/07/2019. Teatro Colón. Richard Strauss: Ariadna en Naxos (Ariadne auf Naxos). Ópera en un acto con prólogo. Libreto de Hugo von Hofmannsthal. Marcelo Lombardero, dirección escénica. Diego Siliano, diseño de escenografía. Luciana Gutman, vestuario. Ignacio González Cano, coreografía. Matías Otarola, diseño de video. José Luis Fiorruccio, iluminación. Carla Filipcic Holm (Prima Donna y Ariadna), Ekaterina Lekhina (Zerbinetta), Gustavo López Manzitti (Tenor y Baco), Jennifer Holloway (El compositor), Hernán Iturralde (Maestro de Música), Pablo Urban (Maestro de Danza), Luciano Garay (Arlequín), Santiago Martínez (Brighella), Iván García (Truffaldino), Laura Pisani (Náyade), Florencia Machado (Dríade), Victoria Gaeta (Eco), Pablo Urban (Scaramuccio), Carlos Kaspar (Mayordomo), Mariano Fernández (Un peluquero), Ariel Casalis (Un Oficial), Román Modzelewski (Un lacayo). Orquesta Estable del Teatro Colón. Dirección Musical: Alejo Pérez.

Con una puesta inteligente, buen nivel musical y adecuados cantantes retornó a la sala del Teatro Colón de Buenos Aires ‘Ariadna en Naxos’ de Richard Strauss. Marcelo Lombardero como cabeza visible del equipo visual integrado por Diego Siliano (diseño original de la escenografía), Luciana Gutman (vestuario), Ignacio González Cano (coreografía), Matías Otarola (diseño de video) y José Luis Fiorruccio (iluminación) plantea una razonable y adecuada modernización a la vez que logra burlarse de ciertos estereotipos de los cantantes, de las puestas de ópera y de una burguesía ascendente en lo económico pero vacía en lo cultural. Alejo Pérez concertó con refinamiento y exactitud logrando una muy buena respuesta de la Orquesta Estable. Una nueva noche de triunfo para la soprano Carla Filipcic Holm en el doble rol de Prima Donna y Ariadna interpretados con poderos medios vocales, excelente línea de canto y belleza de timbre. Ekaterina Lekhina como Zerbinetta ofreció perfección actoral y brillante línea de canto. Gustavo López Manzitti encaró su rol con profesionalismo y gran prestación vocal. El Compositor -aquí compositora- de Jennifer Holloway sumó calidad vocal y entrega escénica mientas que Hernán Iturralde puso sus mejores recursos vocales y actorales al servicio de maestro de música. Solvente el resto del elenco vocal y correcto el actor Carlos Kaspar como el mayordomo.

"Cosi fan tutte" en el Municipal de Santiago de Chile

Fotos: Elenco internacional - Marcela González Guillén / Elenco estelar - Patricio Melo.

Joel Poblete

Han sido semanas difíciles para el Teatro Municipal de Santiago, con la crisis financiera y la desvinculación de 59 de sus trabajadores, incluyendo una docena de integrantes de uno de sus cuerpos estables, el excelente coro que dirige el uruguayo Jorge Klastornick. Pero en medio de tan tristes y preocupantes circunstancias, de todos modos ha continuado su temporada lírica, cuyo tercer título, Così fan tutte, se presentó en la segunda quincena de julio (el estreno fue justo dos días después de los despidos), con atractivos resultados artísticos y buena recepción del público para sus dos repartos. 


Precisamente con esta pieza se concluyó un particular proyecto del Municipal: presentar durante tres años seguidos, con los mismos responsables de la propuesta escénica (originalmente creada para Francia hace dos décadas) y la dirección musical, las óperas que componen la célebre trilogía Mozart-Da Ponte. Así, en el mismo orden cronológico en que fueron compuestas, en 2017 en este escenario se presentó Las bodas de Fígaro, el año pasado Don Giovanni y ahora se culminó con este Così fan tutte, ausente del Municipal desde 2005. 

El enorme potencial de esta obra maestra no alcanzó su completo desarrollo en la propuesta escénica liderada por el director teatral francés Pierre Constant, pero hay que reconocer que estuvo mucho mejor resuelta que las dos óperas anteriores: se conservó el mismo enorme y escuálido marco escénico (escenografía de Roberto Platé) que no terminó de entusiasmar a críticos y público en 2017 y 2018 y que fue considerado plano y monocorde, pero en esta ocasión funcionó mucho mejor, apoyado por la iluminación (de Jacques Rouveyrollis, realizada por Christophe Naillet) que sugirió el entorno marino y la calidez mediterránea de Nápoles. El vestuario de Jacques Schmidt y Emmanuel Peduzzi no brilló particularmente, y en general todo siguió siendo muy minimalista, pero en esta ocasión los movimientos y desplazamientos fueron más efectivos y la historia estuvo mejor aprovechada y desarrollada que en lo que se pudo apreciar en Las bodas de Fígaro y Don Giovanni. Algunas ideas fueron un buen aporte -la primera escena transcurría en un baño turco, el divertido enfrentamiento del final del primer acto, que incluye cambios climáticos, fue vibrante y dinámico-, otras no fueron tan logradas y el ritmo era irregular, en especial en el segundo acto, pero en general el resultado fue mucho más atractivo y satisfactorio que en los dos montajes previos.  

Como en las dos anteriores óperas de esta trilogía en el Municipal, la dirección orquestal estuvo a cargo del maestro italiano Attilio Cremonesi, director invitado principal de la Filarmónica de Santiago, quien desarrolló una lectura casi de cámara, fluida y que ofreció diversos detalles que no siempre se aprecian en esta partitura, aunque nuevamente, como en 2017 y 2018, en algunos momentos recurrió a variaciones en el ritmo que pueden desconcertar a los entendidos, como cuando dirigió a una velocidad más rápida de lo habitual, lo que incidió tanto en cambiar la atmósfera y tono de ciertos fragmentos (por ejemplo, el bello y diáfano trío "Soave sia il vento", o el final de la ópera), como en provocar ocasionales desajustes en los cantantes. En el segundo reparto, el llamado elenco estelar, el director residente de la orquesta, el chileno Pedro-Pablo Prudencio (quien el año pasado también participó en esta trilogía, cuando estuvo a cargo de Don Giovanni), logró un resultado más homogéneo, dinámico y atento a los solistas. En cuanto al coro, su participación en esta ópera es puntual, reducida y breve, y en este montaje no cantaron en escena, ya que estaban ubicados fuera de la vista del público, en los palcos al costado del escenario. De todos modos, su desempeño fue muy oportuno. 

Los dos repartos convocados para este regreso de "Così fan tutte" fueron muy atractivos. El elenco internacional contó con dos representantes chilenas que figuran entre las sopranos más elogiadas de la escena local en los últimos años: mientras Marcela González fue una Despina vivaz y chispeante, Paulina González sorteó con inteligencia, musicalidad y buen desempeño vocal el exigente rol de Fiordiligi, resolviendo muy bien dos de los más grandes momentos solistas para la voz femenina que creó Mozart, "Come scoglio" y "Per pietà". Ambas cantaron ya en las dos otras óperas de esta trilogía: en Las bodas de Fígaro de 2017 la primera fue Cherubino, mientras la segunda fue la Condesa, y en Don Giovanni encarnaron a Zerlina y Doña Elvira, respectivamente. 

Junto a ellas, regresó el barítono portugués José Fardilha, quien antes en el Municipal cantara en La italiana en Argel y El barbero de Sevilla y ahora fue un eficaz Don Alfonso, y debutaron en Chile tres jóvenes cantantes que ya se han fogueado en escenarios tan prestigiosos como el MET de Nueva York y la Ópera de Viena: la mezzosoprano de origen tunecino Rihab Chaieb como Dorabella lució una voz cálida, bien proyectada y de bello timbre y color, y en lo actoral fue sensual y se mostró desenvuelta y llena de energía; el barítono turco Orhan Yildiz fue un Guglielmo humano y simpático, muy bien cantado, y el tenor estadounidense Andrew Stenson fue un Ferrando de voz reducida en volumen pero cuyo canto sutil y buenos recursos estilísticos fueron muy bienvenidos.  

En el elenco estelar, cinco de los seis solistas ya habían participado en al menos un rol de las dos óperas anteriores de la trilogía; la única que se incorporaba por primera vez a esta propuesta era la mezzosoprano chilena Evelyn Ramírez en el papel de Dorabella, como siempre demostrando su talento y eclecticismo, considerando que este año en el Municipal estuvo ya en La fuerza del destino y El caballero de la rosa, en agosto regresará para protagonizarLa italiana en Argel de Rossini y en agosto en otro teatro de la ciudad, el Municipal de Las Condes, será la protagonista de Carmen de Bizet. Completando la representación nacional de este reparto, la soprano Andrea Aguilar estuvo muy bien como Fiordiligi, creíble en lo escénico y sacando buen partido a su atractiva voz; la también soprano Patricia Cifuentes fue una encantadora y divertida Despina, y el barítono Patricio Sabaté un excelente Don Alfonso. El tenor argentino Santiago Bürgi fue un aguerrido Ferrando que probó algunas soluciones vocales muy particulares para el estilo mozartiano en sus momentos solistas pero salió airoso, mientras el barítono cubano Eleomar Cuello se lució en un Guglielmo muy bien cantado y actuado. 

La Flauta Mágica - Juventus Lyrica, Argentina

Fotos: Liliana Morsia 

Dr. Alberto Leal


“La Flauta Mágica”, una de las obras más populares de Mozart, fue estrenada en 1791.En el largo camino transcurrido hasta nuestros días generó las más diversas interpretaciones. Desde cuento infantil hasta folleto masónico, todo ha sido válido y por esa causa el espectador nunca sabe - a priori - que pasará cuando se abra el telón. Esta misma discrepancia tal vez sea una de las causas que ha llevado a famosos directores de cine a generar más de una versión cinematográfica. En su ambigüedad podemos encontrar una parte importante de su atractivo. Hernan Schvartzman es un espléndido Director como ya lo ha probado en la anterior versión de este título, además de Medea, Hamlet. Etc. Brindó excelencia musical con una pequeña orquesta que le respondió en todo momento. Gran trabajo,.Igualmente brillante, el del Coro en sus contadas intervenciones. Excelente el trabajo de Gonzalo Córdoba y el vestuario de Maria Jaunarena, además de brindar una marcación precisa para los cantantes. Esta producción ha merecido autenticamente como mejor puesta del año 2013 y es realmente justo. Creo que poco más se puede pretender de una puesta totalmente minimalista , siempre en carácter .y con momentos de gran belleza visual Figura indiscutible vocalmente fue la Pamina de Jaquelina Livieri. Un papel a su medida en sus actuales condiciones vocales. Cantó con un importante volumen, en estilo y excelente como actriz. Su volumen fue lejos el más grande del reparto y su estilo impecable. Su voz se está tornando con más cuerpo y este tipo de personajes son excelentes para su presente vocal, a lo que hay que agregar su bella presencia física. Brava. 
Nazareth Aufe, a quien vi en el mismo rol en el 2006, está normalmente cantando roles mucho más pesados, Don José, Ernani, etc. Su voz sonó sin brillo, aunque cantó sin problemas vocales, pero no creo que a esta altura sea un papel acorde a sus medios. Como actor repitió su Tamino notablemente estático. Oriana Favaro posee una hermosa voz, no creo que la Reina sea el papel más indicado para sus medios actuales. Excelente Julieta, creo que la Reina está fuera de sus condiciones ahora. No posee ni la voz ni el temperamento para el rol. Y no tuvo facilidad para las coloraturas, un rol que ha sido escrito para una dramático coloratura. Correcto Walter Schwarz, aunque su voz no sea la más adecuada para el rol.. Excelente las tres damas - LAURA PENCHI, VERONICA CANAVES y ROCIO ARBIZU, tanto vocal como actoralmente. Un párrafo aparte para Gabriel Carasso, un papageno, que ya lo hizo en el el 2013. Su prestación fue fundamental para darle vida al segundo acto. Gran actor y correcto cantante, supo darle una vuelta de rosca a un personaje que muchas veces pasa desapercibido. Bravo Correcto el resto del amplio elenco, destacándose el trio de niñas, tanto por su canto como por su desenvoltura escénica Una función que merece ser vista.

Alessandra Marianelli (soprano) e la Camerata Ducale, Vercelli Italia

Foto: Alessandra Marianelli - Vercelli

Renzo Bellardone

Consuetudine colta a Vercelli è quella di celebrare il Santo Patrono con un concerto  in S.Andrea. Quest’anno la scelta si è orientata sul soprano Alessandra Marianelli, conosciuta tempo fa a Pesaro al Rossini Opera Festival e subito apprezzata come persona e come cantante.


Il concerto inizia con l’Ouverture dal Sogno di una notte di mezza estate di F. Mendelsshon e l’orchestra diretta dal fervido Guido Rimonda fa fluttuare i colori armoniosi con sfumature che trapelano imperiose, carpendo  le onomatopeiche voci del bosco e le ovattate presenze magiche: piccole entità si rincorrono in un frenetico tintinnio per lasciare posto ai risvegli ed alle fantasiose storie. E’ la volta poi di Alessandra Marianelli con Casta Diva dalla Norma di V. Bellini, che interpreta con dolcezza e passione e che sa rendere con sensibilità; Marianelli si presenta con naturalezza e semplicità come è nella sua natura cordiale e buona che traspare dalla bellezza del volto che rimanda indelebilmente alla Venere del Botticelli. Dopo l’Ouverture dal Nabucco di Verdi, la Camerata Ducale offre la Moldava, ovvero poema sinfonico di B. Smetana, una bella pagina musicale che con la direzione di Rimonda attrae per le dinamiche e la forte comunicazione. Marianelli interpreta sensibilemte accorata l’Ave Maria dall’Otello di G.Verdi  ed il Vissi d’arte dalla Tosca di G.Puccini, dove si esprime con maturità interpretativa che sa emozionare e commuovere. L’ultimo brano in programma è  O mio babbino o caro da Gianni Schicchi di G.Puccini  e l’orchestra diviene morbido tappeto su cui scorre fluida la voce di Marianelli. La Musica vince sempre.

Teresa Salgueiro – Stresa Festival, Italia

Foto: Teresa Salgueiro

Renzo Bellardone

Il sito dello Stresa Festival recita così: Teresa Salgueiro è una cantante portoghese dai tratti originali, divenuta una figura emblematica della musica portoghese nel mondo, fra novità e tradizione. A partire da giovanissima è stata per vent’anni cantante dei Madredeus, con i quali ha venduto oltre cinque milioni di dischi e realizzato tournée in tutto il mondo. A partire dal 2012, con il disco O Mistério, si è affermata come cantautrice, un percorso che ha proseguito con O Horizonte (2016), suo secondo disco solista, scrivendo testi e musiche proprie. Nel nuovo tour mondiale, presenta un repertorio vario con canzoni originali e arrangiamenti di brani tradizionali. Fra altri importanti progetti, Teresa Salgueiro è stata attrice protagonista nel film Lisbon Story di Wim Wenders.

Teresa Salgueiro –  Stresa Festival  – Il Maggiore 23 luglio 2019 Musica portoghese fra novità e tradizione Teresa Salgueiro, Rui Lobato, Óscar Torres, José Peixoto, Fábio Palma

Appena entrati in sala geometrie blu vengono proiettate sul soffitto e sulle pareti ed il blu è anche protagonista a fondo palco; le luci sono determinanti, infatti con quasi mono tonalità inondata da coerenti sfumature, insieme a punti di buio creano suggestioni ed avvolgenti atmosfere. Teresa Salgueiro è conosciuta in tutto il mondo per le sue varie partecipazioni, composizioni ed interpretazioni che offre con colore particolare e timbratura notevole: racconta storie ammantate di ricordi non sempre felici, ma con forte sensualità  in coesistenza con flessuosità che palesano l’intimità con il narrato. Il programma riflette in particolare gli ultimi 12 anni musicali di Salgueiro e narra di viaggi, di gente e di terre vissute e canzoni popolari ascoltate con passione riversata nella sua interpretazione.  La voce è potente negli acuti e decisamente avvolgente nei toni ambrati e le sue modulazioni vengono seguite da un sapiente disegno di luci. Gli orchestrali sono molto interessanti e coinvolti nell’offerta, La Musica vince sempre.


Wednesday, August 7, 2019

Michael Wollny Trio - Stresa Festival

Foto: Stresa Festival - Michael Wollny

Renzo Bellardone

MICHAEL WOLLNY TRIO – Regina Palace Hotel – 19 luglio 2019 Il sito dello Stresa  Festival recita così : Il quarantenne pianista tedesco Michael Wollny è indubbiamente uno dei più importanti musicisti jazz della sua generazione. Artista eclettico, le sue fonti di ispirazione possono spaziare da Franz Schubert a Gustav Mahler così come Byörk e i Kaftwerk, oltre naturalmente ai giganti della musica jazz. Le sue interpretazioni sono spesso legate alla tradizione musicale europea, che gli hanno consentito di cimentarsi in lavori legati alla musica classica (Bach, Schubert, Debussy) eseguiti in prestigiose istituzioni tedesche. Una corposa frequentazione con musicisti noti quali Gary Peacock, Michel Portal, Peter Erskine, Pat Metheny ha messo in luce le qualità artistiche di Wollny, che si presenta con un trio collaudato formato dal contrabbassista Christian Weber e dal batterista Eric SchaeferMichael Wollny Trio Michael Wollny, pianoforte Christian Weber, contrabbasso Eric Schaefer, batteria e live electronics

Soft, attacca la batteria seguita poi dal pianoforte decisamente minimalista e con discrezione si inserisce  il contrabbasso. Le corde del pianoforte vengono bloccate per interrompere il suono o pizzicate o arpeggiate per sonorità nuove. Il contrabbassista con tecniche innovative utilizza mani ed archetto in modi inconsueto traendo inusuali sonorità dalle linee visionarie. La batteria è ‘personaggio’ solo a tratti, perseguendo l’anima dell’insieme volto ad un risultato condiviso di grande bellezza. Le sonorità sono a volte profonde con colorazioni che parlano all’immaginario intimo, per poi esplodere in variazioni ed agilità eccezionali, caratterizzate da virtuosistici passaggi di inconsueta rapidità.  La Musica vince sempre.

Credevo che Incontro con Simonetta Agnello Hornby e Filomena Campus, Stresa Festival

Foto: Stresa Festival Dario Canova

Renzo Bellardone

Il sito dello Stresa  Festival recita così : Simonetta Agnello Hornby e Filomena Campus pensano che sia un dovere parlare di violenza domestica e condividere con gli altri quello che Simonetta ha imparato in trent’anni di avvocatura attraverso i clienti del suo studio legale. Lo spettacolo consiste in un testo a due voci sulle storie delle clienti di Simonetta e di altri. Il dialogo è accompagnato dal profondo commento musicale di Filomena, vocalist jazz e registra teatrale. Molti credono: che la violenza sulle donne sia qualcosa che non ci appartiene e distante da noi, radicata nei ceti più umili, e spesso legata alla gelosia e al desiderio sessuale; che le donne se la vanno a cercare: imprudenti, drogate, ingenue, incapaci di valutare che dietro la figura apparentemente dolce del proprio compagno si nasconde un carnefice; che la violenza sulle madri non ha impatto sui figli; che le gente non può cambiare. Invece la violenza domestica coinvolge tutti, a tutte le età, a tutti i livelli sociali, quale che sia l’etnia, il credo religioso, l’orientamento sessuale, e lascia dei segni visibili tanto sulla pelle quanto sulla psiche delle vittime.

Credevo che  -Regina Palace Hotel  19 luglio 2019 Incontro con Simonetta Agnello Hornby Filomena CampusL’incontro con Simonetta Agnello Hornby e Filomena Campus si è rivelata quale una interessantissima costruzione scenica, sapientemente realizzata con pochi elementi, ma tante domande e qualche risposta…. Con la semplicità ed affabilità del salotto casalingo, si è raccontato di diversi casi di violenza domestica di cui la signora Hornby è venuta a conoscenza nel suo studio legale di Londra. La latitudine o la longitudine, così come le tendenze sessuali, non escludono il concretizzarsi di violenza domestica ed ecco quindi racconti siciliani, londinesi e di ogni dove; si è ricordata la violenza subita da Franca Rame denunciata solo dopo molti anni o quella di Franca Viola insignita poi di alta onorificenza dal capo dello stato. Ovvi i riferimenti alle inefficienze legislative ed alle lentezze dei tribunali, oltre che agli enormi costi che la società deve sostenere a causa del perpetrarsi in una spirale senza fine di tali violenze. Alle parole della signora Agnello Horby si sono affiancate le parole ed il canto originale di Filomena Campus che sono state sottolineatura e direi evidenziazione dell’importante tema trattato senza inutili e banali atteggiamenti paladini. La Musica vince sempre 

Dan Tepfer Trio - Stresa Festival, Italia

Foto: Stresa Festival
Renzo Bellardone 
Il sito del Festival recit così: Progetto su Pulcinella di I. Stravinskij - Commissione Stresa Festival Il pianista e compositore franco-americano Dan Tepfer non è nuovo a rivisitazioni di musica classica elaborate attraverso un’ottica originale e convincente. Le sue fortunate Variazioni Goldberg / Variations sono un esempio di come si possa utilizzare il capolavoro bachiano attualizzandone il linguaggio in chiave jazz. In prima esecuzione assoluta il pianista presenta a Stresa, grazie alla commissione del Festival, la sua personale visione del Pulcinella di Stravinskij, coadiuvato dal bassista Michal Baranski e dal batterista Nate Wood. Ancora poco conosciuto in Italia, Dan Tepfer ha un curriculum jazzistico di tutto rispetto, vantando illustre collaborazioni tra cui quelle con Lee Konitz, Pharaoh Sanders, Paul Motian… Il pubblico della serata potrà apprezzare le sue capacità di generare musica di grande spessore partendo da un capolavoro del Novecento, nonché avrà un’occasione importante per ascoltare un pianista, e il suo trio, di statura internazionale.
\STRESA FESTIVAL DAN TEPFER TRIO – Regina Palace – 18 luglio 2019 Tra Classico e Neoclassico Dan Tepfer, pianoforte Michal Baranski, basso Nate Wood, batteria . Sporadico frequentatore dei concerti jazz, mi approccio d’abitudine con l’atteggiamento di chi pensa ‘stiamo a vedere’! ed anche in questo caso è stato così, ma fin dall’attacco comprendo che stiamo entrando in un mondo nuovo con una nuova visione, direi romantica, del jazz. Dan Tepfer esordisce asserendo che  questa commissione dello Stresa festival la considera come una ‘very exciting experience’ e si rivela immediatamente un raffinato interprete con un tocco decisamente consapevole e sensibile e, creando rarefatte atmosfere ammantate di delicatezze, pone il jazz in una nuova dimensione romantica. Partendo da tonalità ‘educate’ va in crescendo con moderatezza e rispetto; il batterista Nate Wood si propone quasi con riservatezza senza accedere mai alla prevaricazione che talvolta la batteria ha sul resto della formazione, così come il contrabbassista Michal Baranski duetta con una sorta di affetto con la tastiera di Tepfer e non esordisce mai in protagonismi che altri esibiscono con superficialità. Man mano che il concerto procede i colori si fanno più accesi con divertenti troncature finali e scintillanti narrazioni di danze veloci  ben ritmate, che si esprimono con frasi musicali complesse, ma rese con semplicità e sicuro amore per quelle note. Si tratta di una prima esecuzione, pertanto è musica mai ascoltata prima, ma immediatamente pervade lo spirito dell’ascoltatore anche per la passione e l’ironia che con mistero e vibrazione rendono percettibile ed efficace l’ascolto. Concludo con l’annotazione che per me si è trattato d una vera lezione/guida all’ascolto, riscoprendo che il jazz è anche dolcezza e che può descrivere il tormento, vedendo già la luce della soluzione, attraverso un percorso di equilibrio, insomma una very exciting experience. La Musica vince sempre.