lunes, 28 de diciembre de 2020

Arturo Márquez: 70 aniversario La épica del baile de salón

Foto: Arturo Márquez

Por José Noé Mercado

A ningún melómano escapa la noción de que dos obras principales sintetizan el catálogo sinfónico mexicano, bien por su éxito y popularidad; acaso por su constante programación en salas de concierto, nacionales e internacionales; o de plano por su uso publicitario y propagandístico para anuncios comerciales, fiestas patrias y como representación misma del rostro nacionalista de nuestro país: Huapango (1941) del jalisciense José Pablo Moncayo (1912-1958) y Danzón No. 2 (1994) del sonorense Arturo Márquez (1950), quien el 20 de diciembre de este pandémico 2020 cumplió 70 años de edad. En ambos casos, esa consagración en el espectro musical clásico proviene del ámbito popular y, no menos importante, del terreno bailable. Quizá por ello algunos aficionados al arte sonoro miran estas piezas con cierta extrañeza, con ceja arqueada, y se reservan para repertorios, en apariencia, más profundos y elitistas.

Lo cierto es que las orquestas más relevantes del planeta han interpretado este par de obras y así confieren un prestigio inocultable a sus compositores, lo que les mantiene vigentes, actuales y frescos al oído de los degustadores musicales de cualquier edad o estirpe. De hecho, Huapango y Danzón No. 2 suelen brindarse no como contenido anunciado en los programas de conciertos, sino que pertenecen a ese conjunto elegido de encores con el que se corona una función sinfónica, a esos regalos ofrecidos para agasajar y agradecer al público y que a la vez permiten el lucimiento y gozo interpretativo. Aunque, desde luego, los autores de estas afamadas obras son también creadores de catálogos más amplios, cuya solidez y calidad ciertamente florece a la sombra de la luminosidad de sus piezas referenciales.

En el caso de Arturo Márquez, Premio Nacional de Bellas Artes 2009, su abanico sonoro comprende otros ocho danzones, títulos sinfónicos, conciertos, música para cine, obras para conjuntos de cámara, cantatas e incluso la reconstrucción que realizó de la orquestación del segundo acto de la ópera Atzimba (1900) del compositor duranguense Ricardo Castro (1864-1907), reestrenada en el Teatro del Palacio de Bellas Artes en 2014 —luego de medio siglo de su más reciente presentación—, por la Compañía Nacional de Ópera. Pero, sobre todo, Arturo Márquez es autor de un lenguaje que se nutre de géneros y colores latinoamericanos para alcanzar una voz propia y distintiva, rítmica, sensual y preñada de idealismo, de una épica bailable: es el creador de una sonoridad inconfundible.

Composición

Como el doctor y cantante Alfonso Ortiz Tirado y la actriz María Félix, Arturo Márquez nació en el pintoresco pueblo de Álamos, Sonora. Creció en el marco de esas calles empedradas o adoquinadas, cuando no abiertamente terrosas, de aire tranquilo y colonial fronterizo. La música de algún piano sonaba detrás de los balcones, más que como un rumor, como una certeza de aquellas casas y callejones con innumerables arcos y leyendas fantasmales; llegaba en formato de banda o mariachi en los pasadizos, la Alameda y otras plazas públicas. Márquez, el mayor de 9 hermanos, quería ser músico a semejanza de su padre, mariachi y carpintero. Pero para su madre no era la mejor opción, sobre todo porque no quería ver a su hijo en ese ajetreo de la infaltable bohemia donde corre la música.

Pero el entusiasmo y la pasión se impusieron, sin demasiado esfuerzo. Arturo Márquez comenzó su carrera musical a los 14 años de edad, cuando la familia se había mudado a los Estados Unidos. Desde los 6 años y hasta los 18, vivió entonces en Los Ángeles, California. Regresó a su pueblo natal, temeroso de la guerra de Vietnam, pero ya con una vocación clara que no abandonaría hasta el momento: la música. Ya tocaba el violín, el trombón, la tuba, la guitarra, pero su sueño era el piano. Luego de dos años en Álamos, se trasladó a la Ciudad de México para ingresar en el Conservatorio Nacional de Música. Ahí lo miraron con extrañeza, porque ya no tenía la edad temprana promedio para iniciarse en el instrumento deseado. Se inscribió, entonces, en la carrera de Educación Musical; sin embargo, fue reprobado en piano.

Lo mismo le ocurrió en el Conservatorio de París, cuando gracias a una beca se aventuró a trasladarse a Francia. Más allá de ese rechazo, aprovechó la oportunidad para complementar con el maestro Jaques Castérède la formación musical que en México había iniciado con Carlos Barajas, José Luis Alcaraz, Joaquín Gutiérrez Heras, Héctor Quintanar, Raúl Pavón y Federico Ibarra. Para entonces tenía algunas canciones escritas y varias piezas para piano solo. Su idea original de ser arreglista se había transformado y se afianzó en la composición cuando llenó lo que él consideraba lagunas; asignaturas como armonía, solfeo y orquestación, arte en el que destacaría por su elegancia y contundencia.

Como orquestador, las dotes de Arturo Márquez son significativas y elocuentes. Su capacidad para lograr fuerzas expresivas arrolladoras, combinadas con cambios de tiempo y texturas provenientes de instrumentos particulares como el güiro, el arpa, las claves o el pandero, le dan una transparencia melódica seductora y, en no pocas ocasiones, hipnótica.De regreso en México, luego de dos años en el país galo, estuvo en el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical Carlos Chávez (Cenidim) lo que sin duda ha complementado su perfil académico, pero a los 29 años de edad volvió a Estados Unidos. Esa vez al Instituto de Artes de California, como becario de la Fundación Fullbright

Ahí estudi.ó con Morton Subotnick, Mel Powell, Stephan “Lucky” Mosko y James Newton. Una faceta no muy conocida del autor de Danzón No. 2 es que durante esos inicios de la década de los 80 sentía una gran atracción por el mundo contemporáneo del arte y la interdisciplina; en específico, por la música electrónica y experimental en la que no tardó en incursionar.También se sentía atraído por el jazz, la world music y la danza. Y por el danzón.

Síntesis

El ritmo y la sensualidad de ese género musical se volvió una definitoria frecuencia expresiva para Arturo Márquez cuando conoció los salones de baile. Danzón No. 1 lo hizo sin haber asistido —y se nota— a uno de esos salones donde la música de Acerina y su danzonera y otras agrupaciones cobraban forma en las parejas de baile. Todo cambió con Danzón No. 2, una obra por encargo de la Orquesta Filarmónica de la UNAM, que desde su estreno ha sido dirigido por figuras de la talla del venezolano Gustavo Dudamel, para no ir muy lejos, una de las celebridades mundiales de la música clásica actual. Márquez se dio cuenta de que componía un danzón sólo hasta que descubrió sus características plasmadas en la partitura. Su vena musical se había transformado con el salón y con el cultivo de ese género de contacto íntimo y a la vez estético a través del baile.

El ansia de experimento sonoro del mundo contemporáneo dejó lugar a la música tonal; volvió sin reparos y con fortuna a esa entraña modal, al ritmo, al sonido popular, que además estaba impregnado de simpatía y solidaridad con el movimiento zapatista de aquellos años. Si bien Arturo Márquez no es propiamente un activista y su música mucho menos podría catalogarse de esa manera, en su obra puede encontrarse el idealismo por la justicia indígena y de una nación (Juárez a Maximiliano), por la épica de personajes históricos como Emiliano Zapata (La leyenda de Miliano), por la lucha sin violencia de Mahatma Gandhi, por la igualdad de derechos de Martin Luther King (Sueños) o por el anhelo de paz en el mundo (Alas [A Malala]).

Además del danzón, Márquez ha incursionado en otros géneros caribeños como la conga y la cumbia, en singulares síntesis donde la sensualidad del baile, el aire nostálgico de los salones y el corazón popular laten inyectadas de cierta esperanza de naturaleza rítmica. Y se amalgaman con el mundo clásico de las formas, técnicas, colores y texturas sonoras. La acogida del público es tan notable a su obra, que incluso puede afirmarse que cubre al personaje, aun cuando suba con cierta frecuencia a dirigir alguna de sus piezas, en su faceta como director de orquesta, o suela ser objeto de homenajes y reconocimientos diversos en instituciones o medios de comunicación.

La obra de Arturo Márquez se toca en todo el mundo, por infinidad de orquestas y conjuntos musicales de dotación disímil. Se interpreta incluso en transcripciones múltiples para instrumentos solos: piano, arpa, metales, balalaikas; para banda, para compañías de danza. En el catálogo de Arturo Márquez hay, como punto de partida, pasión. Vigor. Placidez elegante de las cuerdas; sinuosidad seductora de las maderas; ritmo inagotable en las percusiones; agrestes cruces del destino humano en los metales. Y, sobre todo, una nostálgica intimidad que se remece hasta estallar como un orgasmo sonoro, extrovertido en el público que así también lo comparte.

¡Cuánta vida a los 70 años de edad!

domingo, 27 de diciembre de 2020

Cavalleria Rusticana en Chicago

Foto: (c) Todd Rosenberg

Ramón Jacques

Chicago Symphony Hall. Ya convertida en una tradición de muchos años y en la actualidad una de las fechas más esperados de cada temporada de la Orquesta Sinfónica de Chicago, es la inclusión de un titulo operístico.  Con la llegada de Riccardo Muti a la titularidad de la agrupación, la elección natural ha sido la de obras del repertorio italiano, que incluye ya memorables ejecuciones de óperas como: Otello, Aida, Turandot y el Réquiem de Verdi, por mencionar solo algunas de las que se han escuchado en la sala de conciertos sede de la orquesta, como también de gira, especialmente en el Carnegie Hall, donde la orquesta tiene una cita todos los años.  Con motivo del decimo aniversario del celebre director napolitano al frente de la orquesta, el eligió dirigir Cavalleria Rusticana de Pietro Mascagni. A priori parecía que un concierto de una hora quince minutos, sin intermedio, seria muy poco para la ocasión, pero Muti y su orquesta demostraron lo contrario, ofreciendo una velada de emocionantes pasajes orquestales y corales. Cavalleria Rusticana es una obra que se presta para el lucimiento de la orquesta, como aquí quedó demostrado. La homogeneidad y el sonido que emergió de la sección de cuerdas y metales de la orquesta fue brillante, conmovedor y apasionante, por la amplia gama de colores y matices que Muti le imprimió con su autoritaria y segura mano, aunado a su maestría al concertar un repertorio que le pertenece ejecuta con la dinámica y la precisión de un motor muy bien aceitado.  Sobresaliente estuvo también el coro de la Sinfónica de Chicago en su desempeño, sus elementos que se ubicaron detrás de los músicos además de ocupar todas las butacas traseras de la sala de conciertos cuya forma es circular, cantaron con ímpetu e intensidad en cada una de sus intervenciones. El elenco vocal, con nombres de primer nivel, como en todas las óperas ejecutadas por la orquesta, cumplió su cometido de manera satisfactoria. Como Santuzza, la mezzosoprano Anita Rachvelishvili desplegó sensualidad y maestría con su opulento instrumento, cargado de intensidad y dramatismo. Por su parte el tenor Piero Pretti dejó una grata impresión por la calidez y brillantez de su timbre, ofreciendo un Turridu febril y creible. No corrió con la misma suerte el barítono Luca Salsi cantando a Alfio, quien tuvo altibajos cantando por momentos con desmedida fuerza y en otros con cierta pasividad, como si el papel le quedara justo o incómodo. Un lujo fue escuchar a la mezzosoprano Sasha Cooke, quien sobresalió en el breve papel de Lola, por su insólita y refinada elegancia vocal y un timbre de nítidos visos y matices La mezzosoprano Ronita Miller confirió autoridad al personaje de la mama Lucia, con su voz oscura y vigorosa y voluminosa.

Houston Grand Opera: Live from The Cullen with Sasha Cooke Friday, January 8, 7:30pm CT

Photo: Sasha Cooke (mezzosoprano) - Stephanie Girard

Houston Grand Opera Presents Live from The Cullen with Sasha Cooke

Virtual recital features talented mezzo soprano Sasha Cooke

What:   Houston Grand Opera presents the January installment of Live from The Cullen on January 8. Viewers will be transported to the Wortham Theater Center’s Cullen Theater for a performance by talented mezzo soprano Sasha Cooke. Cooke is an experienced recitalist who has performed at Carnegie Hall and the Kennedy Center, among many others, and will draw from her extensive repertoire for her digital recital. Her appearances with HGO include an acclaimed performance of Verdi’s Requiem in 2017. Cooke will be accompanied by HGO principal coach Kirill Kuzmin on piano.

Who: Two-time Grammy Award-winning mezzo-soprano Sasha Cooke has been called a “luminous standout” (New York Times) and “equal parts poise, radiance and elegant directness” (Opera News). She is sought after by the world’s leading orchestras, opera companies, and chamber music ensembles for her versatile repertoire. Cooke has sung at the Metropolitan Opera, San Francisco Opera, English National Opera, Seattle Opera, Opéra National de Bordeaux, and Gran Teatre del Liceu, among others, and with over 70 symphony orchestras worldwide. She is a graduate of Rice University and The Juilliard School and lives in Houston.

When:  Friday, Jan. 8, 2021.  7:30 p.m. C.T.

Where: Stream the recital for free on your computer, tablet, or smartphone by logging into HGO.org or marquee.tv. Or stream the recital on your television by accessing the Marquee TV app using your Roku, Apple TV, Fire TV, or other device. Available on-demand through February 7.

 Tariff:    Free

 

jueves, 17 de diciembre de 2020

La mezzosoprano Ilaria Ribezzi y el barroco

 

Foto: @Italphotomesagne; abajo  Ilaria Ribezzi y Ensamble Autarena 

Ramón Jacques

La mezzosoprano italiana Ilaria Ribezzi dio a conocer a inicios del mes de diciembre su nuevo proyecto de música barroca. Se trata de una grabación -disponible en you tube, así como en diversas plataformas- que contiene tres exigentes arias de obras barrocas en las que la artista demuestra su afinidad y buen gusto en la interpretación de este repertorio.  Ilaria que cuenta ya con un sobresaliente recorrido interpretando operas belcantistas y veristas, había tenido algunas aproximaciones a la música antigua habiendo interpretado en vivo el Mesías de Handel, el Stabat Mater, Gloria y Magnificat de Vivaldi; así como arias de Handel en concierto; y ahora decidió profundizar más en este género musical con un trabajo muy bien realizado y cuidado en cada detalle.  La grabación se realizó rodeada de frescos en la antigua Iglesia de Sant’Andrea en Brignano Gera d’Adda en la provincia de Bérgamo, Lombardía, que fue construida en el año 1120.  La elección de arias permite escuchar a Ilaria cantando: Armatae face et anguibus del personaje de Vagaus parte II de Juditha Triumphans Antonio Vivaldi (1678-1741) que cantó con un tono oscuro de acento dramático, en la que ofrece un sobresaliente despliegue de agilidad y ornamentación vocal, sin mengua de su elegancia y clase como interprete.  Del propio Vivaldi, canta el aria de Agrippo: Se lento ancora del il fulmine de Zenaida acto I, una aria en la que Ilaria muestra un tono más íntimo, expresivo, pero igual de virtuoso.  Finalmente, del oratorio Sanctus Petrus et Sancta Maria Magdalena de Johann Adolf Hasse (1699-1783) interpreta el Mea tormenta, proparate - Petrus, parte I, en el que recorre diversos estados de ánimo, ofreciendo una conmovedora y melancólica ejecución.  En la grabación Ilaria es acompañada por el Ensamble Autarena, un conjunto de cuerdas con instrumentos antiguos de un sonido nítido, homogéneo, que con ligereza y dinamismo en su conjunción creó un marco musical adecuado para el fácil desempeño de la artista.  Se espera que el proyecto sea acompañado de una serie de conciertos en un futuro próximo.


Para mas información sobre Ilaria Ribezzi favor de consultar sus cuentas de redes sociales

https://www.facebook.com/ilariaribezziOfficial/

https://www.instagram.com/invites/contact/?i=1hwpzslevdcwa&utm_content=3trt5u

Ensemble Autarena: http://www.ensembleautarena.it

Video:



viernes, 11 de diciembre de 2020

New Marshland and Trail Open to Presidio Visitors on December 18 - San Francisco, California


 

New Marshland and Trail Open to Presidio Visitors on December 18, Reaching a Milestone in the National Park's Watershed Restoration

 

Quartermaster Reach Improves Habitat and Visitor Access

San Francisco, CA (December 11, 2020) – Next week, the Presidio Trust unveils to visitors seven acres of restored tidal marshland and a new pedestrian trail near San Francisco Bay, marking a significant milestone in the 20-year revitalization of one of San Francisco’s original watersheds.

The site is known as Quartermaster Reach, named for the U.S. Army’s Quartermaster Corps, which operated in the area when the Presidio was a military post. The project transforms a formerly paved construction site under the “Presidio Parkway” approach to the Golden Gate Bridge into a beautiful new wetland ecosystem. Creeks now flow above ground along the Presidio’s largest watershed known as Tennessee Hollow to San Francisco Bay through Crissy Marsh, improving the biodiversity of the Presidio. The site will allow visitors to enjoy an intimate experience of nature just minutes from downtown.

Work at Quartermaster Reach brought an 850-foot length of stream once buried in a pipe back above ground through excavation. Box culverts were then installed beneath Mason Street at Crissy Marsh to allow the fresh water of the stream to flow into the saltwater marsh and San Francisco Bay, creating unique brackish habitat that is vital to a variety of plant and animal species.

Specially fabricated fiberglass panels installed within the culverts, and concrete and shell “reef balls” placed in the marsh channels, are part of a unique experiment to promote the resurgence of the native Olympic oyster. The team is currently planting 23,000 plants - including more than 40 different species of saltmarsh and dune plants grown in the Presidio Nursery - to create habitat attractive for the Presidio’s many migrating shorebirds and water animals like fish and crabs.

“Our planet is in the midst of an extinction crisis due to the destruction of habitat. Projects like this give us hope that we can turn the tide. We’ve turned back time more than a century to restore the natural systems of the Presidio’s shoreline. We hope the lessons we learn here will be helpful to others who are also committed to restoring Bay ecology,” says Jean Fraser, CEO of the Presidio Trust.

With the addition of a pedestrian bridge and trail connector, visitors can hike from Crissy Field’s East Beach, under the Presidio Parkway, and along the Tennessee Hollow Trail all the way to the southern end of the Presidio.

“The pandemic has shown us how critical access to nature is, with the myriad of health benefits it provides for human beings - especially in an urban environment,” says Laura Joss, Superintendent of Golden Gate National Recreation Area. “With the adjacent Presidio Tunnel Tops project opening in October of 2021, these new park sites will continue our work in providing a national park experience for all.”

Quartermaster Reach is a huge milestone in the 20-year effort of the Presidio Trust, the Golden Gate National Parks Conservancy, and the National Park Service to restore the park’s largest watershed. Work has been completed in sections at sites including El Polin Spring, MacArthur Meadow, and Thompson Reach. Other sections will be restored in coming years.

“We are so grateful to the people who have supported the restoration of this watershed, from individual donors to Parks Conservancy members and volunteers,” says Christine Lehnertz, President & CEO of the Golden Gate National Parks Conservancy. “This is an incredible gift to this region, and builds on the work that began in 2001 with the restoration of Crissy Field and Crissy Marsh.”

About Tennessee Hollow Watershed

The Presidio of San Francisco is the traditional territory of the Yelamu, a local tribe of Ramaytush Ohlone peoples of the San Francisco Peninsula. Yelamu familes lived in the village of Petlenuc.

The Tennessee Hollow Watershed’s creek system is comprised of three tributaries that converge at MacArthur Meadow. The stream, dubbed Petlenuc Creek, then continues north in a single channel through a variety of habitats, ultimately emptying into Crissy Marsh and San Francisco Bay. For centuries, people used this creek system as a water source, beginning with the native Ohlone and later Spanish settlers. Over time, the militaries of Spain, Mexico, and the United States substantially altered where and how the creeks flow, creating dams and wells, and ultimately forced the water underground into pipes to create dry land for building.

Restoration of the Tennessee Hollow Watershed began in the late 1990s at the headwaters near the Presidio’s Inspiration Point. Major revitalization projects have included the restoration of Crissy Marsh (2001), Thompson Reach (2005/2006), El Polín Spring (2010/2011), YMCA Reach (2013/2014), Quartermaster Riparian (2014/2015), and MacArthur Meadow (2015/2017). After Quartermaster Reach (2020), the final sections to be restored are the Eastern Tributary (under Morton Field) and Central Tributary (between El Polin and MacArthur Meadow).

Project Support

Quartermaster Reach restoration is made possible through the support of the Environmental Protection Agency through the San Francisco Bay Water Quality Improvement Fund, the San Francisco International Airport wetlands mitigation agreement, the National Park Service, the Evelyn and Walter Haas, Jr. Fund, and the David L. Davies Fund of the Weeden Foundation. Generous members of the public have made substantial donations in other areas of the watershed through the Golden Gate National Parks Conservancy.

About the Partnership for the Presidio

The Partnership for the Presidio works to sustain the Presidio’s natural beauty, preserve its history, maintain its funding, and create inspiring national park experiences for visitors. Two federal agencies manage the Presidio jointly: the Presidio Trust and the National Park Service, with support from their non-profit partner, the Golden Gate National Parks Conservancy. Together, the partnership has transformed one of America’s most storied military posts into the centerpiece of one of the most visited places in the national park system.

jueves, 29 de octubre de 2020

Stabat Mater di Pergolesi - Teatro Coccia di Novara


Foto: Teatro Coccia di Novara

Renzo Bellarone

L’opera, la realizzazione artistica al tempo del coronavirus:  questo incipit è tratto dalle note di regia del regista Renato Bonajuto: “…l’Uomo e la Donna ritroveranno loro stessi e la loro reale essenza. E questo è quello che davvero spero possa succedere ad ogni essere umano, una volta finita, perché finirà, questa terribile esperienza che ci ha coinvolto e che forse non è stata vana. Riscoprire la verità della propria anima attraverso l’espressione e l’incanto dell’espressione artistica. Perché la Bellezza, per chi la sa guardare, ascoltare, assorbire, è salvifica.

STABAT MATER Giovanni Battista Pergolesi (Opera da camera) direzione musicale Matteo Beltrami direttore dell’esecuzione Matteo Beltrami, allievi del corso di direzione d’orchestra dell’Accademia AMO regia Renato Bonajuto coreografie Giuliano De Luca orchestra I Virtuosi Italiani solisti Aurora Faggioli/Mariam Battistelli  danzatori Francesco Alfieri, Rocco Ascia, Alice Bellora, Emanuele Cappelli, Arianna Lenti, Alessio Urzetta impianto scenico e costumi Danilo Coppola luci Ivan Pastrovicchio produzione Fondazione Teatro Coccia

Lo Stabat Mater è Opera sacra commissionata a Pergolesi dalla laica confraternita napoletana dei Cavalieri della Vergine dei dolori di San Luigi al Palazzo e questa non è incongruenza, infatti anni prima la stessa confraternita ne aveva commissionato una versione, altrettanto celebre, a Scarlatti. Pergolesi rimase fedele alla struttura di Scarlatti e mantenne la strumentazione e le sole due voci soliste, differenziandosi però per  concisione e compattezza. Insolita è l’idea di uscire dalla forma concertistica ed invece farne una vera e propria rappresentazione seppur improntata alla  lentezza del movimento per raggiungere la staticità. L’ispirazione del regista Renato Bonajuto  affonda nelle pitture delle zone del Piemonte, per raggiungere poi Caravaggio ed i suoi coevi: ogni quadro musicale incontra la ricreazione di un quadro vivente dove i danzatori si spogliano tra un quadro e l’altro per ricoprire poi la nudità con i panni del personaggio successivo. Realizzazione di forte impatto e di costante suggestione, quindi un plauso oltre che a Bonajuto anche a Giuliano De Luca per le coreografie ed ai danzatori coinvolti. Venendo alla musica è certamente sempre toccante ed i Virtuosi Italiani dimostrano di essere un insieme affiatato ed esperto nel genere, riuscendo a trasmettere la commozione inevitabile. La direzione del Maestro Matteo Beltrami è ancora una volta attenta, puntuale e misurata, infondendo equilibrio e partecipazione. Le voci sono importanti non per nulla sono entrambe abitualmente ospiti dei grandi teatri d’Europa.  Vestite come  Vergini barocche stanno ai lati della scena, realizzata  da Danilo Coppola come i costumi ed  illuminata con sapienza da Ivan Pastrovicchio. Il mezzosoprano Aurora Faggioli esprime un bel colore scuro e tono caldo e pieno che ben tocca le corde dell’emotività, mentre Miriam Battistelli espone una voce limpida e vivida di colori illuminati che esalta la musicalità dell’insieme. Realizzazione davvero toccante!  La Musica vince sempre.



 


martes, 6 de octubre de 2020

Prima dell'opera di Donizetti Anna Bolena al Teatro Nazionale dell'Opera e del Balletto Lituano

Raffaella Lupinacci (messoprano) Foto: Martynas Aleksa / LNOBT

Le prime rappresentazioni locali dell'opera Anna Bolena di Donizetti, programmate dal Teatro Nazionale d'Opera e Balletto della Lituania (LNOBT), una compagnia situata nella città di Vilnius, capitale di quel paese, che dovevano andare in scena originariamente a metà maggio e inizio giugno di quest'anno, hanno dovuto essere posticipate per ordine delle autorità sanitarie lituane, a causa dell'inaspettata comparsa del virus covid. Successivamente le prove sono state riprese nel mese di luglio con l'intenzione di approntare le recite per fine agosto, ma a fronte di un nuovo picco di contagi che ha colpito  lo stesso regista , il teatro ha dovuto chiudere nuovamente i battenti rinviando il balletto Giselle e le prove dell'opera. Dopo un periodo di peripezie e incertezze, una volta risolto il problema dei contagi, e vista la tenacia del teatro nel voler realizzare quest'opera, la première  è avvenuta finalmente domenica 4 ottobre, con le successive rappresentazioni il 14, 15, 16 e 17 ottobre con due cast, uno internazionale e l'altro composto da artisti locali, gli stessi due cast con i quali l'opera sarebbe stata rappresentata a maggio. L'importanza della prima di quest'opera sconosciuta in Lituania, in un teatro poco abituato a programmare titoli belcantistici, è quella di mostrare al pubblico la coproduzione teatrale in stile tradizionale tra il teatro lituano e l'opera di Roma. Il team incaricato della realizzazione di questo spettacolo è lo scenografo Luigi Ferrigno, con i costumi di Ursula Patzak e la regia di Andrea de Rosa; e sul podio ci sarà Sesto Quatrini, direttore d'orchestra italiano che attualmente ricopre la carica di direttore artistico e musicale di questo teatro. Nel cast saranno presenti gli artisti originariamente previsti a maggio, come il soprano Francesca Sassu nel ruolo principale di Anna Bolena; il tenore Michele Angelini nel ruolo di Riccardo Percy, e al suo debutto nel ruolo di Giovanna Seymour ci sarà il giovane mezzosoprano italiano Raffaella Lupinacci, una delle voci più interessanti emerse in Italia, allieva del Maestro Alberto Zedda, suo mentore nel Rossini Opera Festival, dove ha eseguito un gran numero di opere rossiniane, e ha fatto del belcanto una delle sue specialità. Raffaella Lupinacci, è considerata una delle artiste più interessanti e di spicco della scena lirica italiana e mondiale. Il cast di cantanti locali sarà composto dal soprano Joana Gedmintaite nei panni di Anna Bolena, dal tenore Deniz Leone come Riccardo Percy e Justina Gringyte, Giovanna Symour, mezzosoprano lituana con una vasta esperienza in importanti teatri europei. Il resto del cast è composto da artisti lituani. Come informazione aggiuntiva, Anna Bolena è considerata una delle migliori creazioni di Donizetti, composta all'età di 33 anni in un solo mese, ventinovesima nel suo ampio catalogo operistico. L'opera è stata rappresentata per la prima volta a Milano nel 1830, è stata accolta con successo dal pubblico, ed è stata una delle opere per le quali Donizetti ha iniziato ad essere considerato insieme a Bellini uno dei compositori più importanti del suo tempo. Un successo del teatro lituano, che vedrà finalmente la luce grazie alla pazienza e alla perseveranza del teatro e degli artisti in questi tempi difficili in cui gli spettacoli dal vivo sono così difficili da concretizzare.

Anna Bolena en Vilna Lituania

Foto: Raffaella Lupinacci / Martynas Aleksa / LNOBT

Las primeras representaciones locales de la ópera Anna Bolena de Donizetti, programadas por el Teatro Nacional de la Ópera y Ballet de Lituania, compañía situada en la ciudad de Vilna, capital de ese país, y que estaban originalmente programadas para ser representadas a mediados de mayo y a principios de junio del presente año, debieron ser pospuestas por orden de las autoridades sanitarias de Lituania ante el inesperado brote del virus. Los ensayos se reanudaron en julio con la intención de que las funciones se realizaran a finales de agosto, pero, ante una nueva ola de contagios que afectó a su propio director, el teatro tuvo que cerrar sus puertas de nueva cuenta, posponiendo el ballet Giselle y los ensayos de la ópera en cuestión.  Después de un periodo de vicisitudes e incertidumbre y una vez solucionado el tema de los contagios, y ante la perseverancia del teatro por llevar a cabo esta ópera,finalmente se estrenó el domingo 4 de octubre, con funciones posteriores los días 14, 15, 16 y 17 de octubre con dos elencos, uno internacional y otro conformado por artistas locales, que son los mismos contratados desde mayo.  La importancia del estreno de esta ópera desconocida en Lituania, en un teatro poco acostumbrado a programar óperas belcantistas, estriba en mostrar a su público la coproducción escénica de estilo tradicional entre el teatro lituano y la Ópera de Roma. La creación de este montaje se conforma por el diseñador Luigi Ferrigno, vestuarios de Ursula Patzak, dirección escénica de Andrea de Rosa y, en el podio, Sesto Quatrini, director italiano que actualmente ocupa la posición de director artístico y musical de este teatro.  El elenco contará con la presencia de la soprano italiana Francesca Sassu en el rol protagónico; el tenor Michele Angelini en el papel de Riccardo Percy; y, haciendo su debut en el papel de Giovanna Seymour, la joven mezzosoprano italiana Raffaella Lupinacci, discípula de Alberto Zedda, que ha hecho del bel canto en general y de Rossini en particular su especialidad. El elenco local estará conformado por la soprano Joana Gedmintaite, el tenor Deniz Leone y Justina Gringyte.

Guitar rock legend Eddie Van Halen dies of cancer at 65

Edward Lodewijk Van Halen (Eddie Van HalenÁmsterdam January 26, 1955-Santa MónicaCalifornia, October 6,  2020guitar virtuoso whose blinding speed, control and innovation propelled his band Van Halen into one of hard rock’s biggest groups and became elevated to the status of rock god, has died. He was 65. With his distinct solos, Eddie Van Halen fueled the ultimate California party band and helped knock disco off the charts starting in the late 1970s with his band’s self-titled debut album and then with the blockbuster record “1984,” which contains the classics “Jump,” “Panama” and “Hot for Teacher.” Van Halen is among the top 20 best-selling artists of all time, and the band was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 2007. Rolling Stone magazine put Eddie Van Halen at No. 8 in its list of the 100 greatest guitarists. Eddie Van Halen was something of a musical contradiction. He was an autodidact who could play almost any instrument, but he couldn’t read music. He was a classically trained pianist who also created some of the most distinctive guitar riffs in rock history. He was a Dutch immigrant who was considered one of the greatest American guitarists of his generation.

sábado, 3 de octubre de 2020

Texas Opera Companies Rally Together to Create Texas Opera Alliance

Texas Opera Companies Rally Together to Create Texas Opera Alliance

In midst of the global pandemic, five opera companies develop Texas Opera Alliance to ensure the future and accessibility of opera in the Lone Star State

 

HOUSTON – October 1, 2020  Houston Grand Opera (HGO)Austin Opera (AO)The Dallas Opera (TDO)Fort Worth Opera (FWO), and OPERA San Antonio (OSA) are pleased to announce the creation of the Texas Opera Alliance (TOA), a new partnership of the five companies, designed to advance and protect the future of the art form in Texas. Facing the same challenges the COVID-19 pandemic has presented for performing arts organizations across the globe, the five companies have identified this opportunity to give Texans more access to opera through a strategic alliance. The mission of the Texas Opera Alliance is to advance and diversify the operatic art form through innovative production partnerships, audience-building initiatives, and collaborative investments in new works, ensuring that opera continues to thrive in the Lone Star State.

 

In its first year, in addition to each organization implementing its own unique promotional initiatives, TOA will cross promote digital content and programming while creating unique touchpoints with audience members from all five organizations. In addition to streaming video content, TOA will provide member companies access to an array of publications and online resources, webinars, and supplementary programming. Through this cross promotion, the organizations’ digital content will have a larger reach.

 

“The Texas Opera Alliance supports a diverse and innovative group of organizations across the state. Our goal is simple: to make opera accessible. Through this alliance, we will be able to bring new and unique content to audiences all over Texas,” says HGO Managing Director Perryn Leech. “While it is not the season we had planned, it is exciting to see our organizations pushing the boundaries of the art form and bringing incredible opera to the screen. We are grateful that Sarah and Ernest Butler, longtime opera supporters, have made the extraordinarily generous pledge of $1 million to help underwrite HGO’s and Austin Opera’s digital programming, to be shared with opera lovers across Texas.”

 

“Texas is famous for being big with grand ideas, and that’s what I love most about this idea,” says HGO Artistic and Music Director Patrick Summers. “I’m proud of our collaborative projects already in development, such as a digital production of David T. Little and Royce Vavrek’s Vinkensport, or The Finch Opera, an HGO, Austin Opera, and OSA co-production, to be co-directed by OSA General Director E. Loren Meeker (together with Ryan McKinny) and conducted by Austin Opera’s Principal Conductor and Artistic Advisor Timothy Myers. I’m so looking forward to continuing this work with our Texan colleagues.”

 

“I’m heartened and inspired by the unprecedented level of collaboration between our five companies in recent months. I believe these cost-effective strategies to expand our mutual offerings will serve as a new model for the growth and sustainability of our art form,” says Annie Burridge, General Director & CEO of Austin Opera and Vice-Chair of OPERA America. “Nearly every project we are currently working on at Austin Opera intersects with a member of the Texas Opera Alliance, from co-productions to the engagements of Texas-based artists. For example, HGO Studio Artist Elena Villalón has now appeared on the digital stages of Houston, Dallas, and Austin. And thanks to Austin-based philanthropists Sarah and Ernest Butler, a fleet of innovative co-productions between HGO and Austin Opera will now be made available to an audience with no geographical limitations.”

 

“This statewide alliance seems a natural and necessary next step towards championing artistic collaboration and cross-promotional opportunities,” says Ian Derrer, The Dallas Opera’s General Director and CEO. “We look forward to sharing content from our popular TDO Network—viewed by more than 34 million in 50 countries—as well as upcoming digital programs including reprised and original content as we work with our sister companies to elevate this astonishing art form.”

 

“We are thrilled to be a founding member of the Texas Opera Alliance, a unique partnership that allows all of us to maximize our resources and forge new experiences for our patrons,” says OSA General & Artistic Director E. Loren Meeker. “Our unprecedented collaboration will help set a new standard for creativity and lengthen our reach, both on and off stage. In the last few months OSA has embraced this opportunity by presenting two virtual masterclasses with Fort Worth Opera, and we are honored to unite with HGO and Austin Opera on Vinkensport, or The Finch Opera and The Impresario for the HGO Digital seasonThese films push operatic boundaries and provide our patrons with exciting new content. The future is bright with endless possibilities!”

 

"As the newly appointed General Director of FWO, I am elated to join Maestro Illick and my colleagues as a founding member of TOA," says Afton Battle. "During this time in which our patrons are thirsting for quality engagement and access to the cultural stimulation that live theater and the arts provide, the collaborative efforts of TOA will allow us to expand our reach and deepen our connection to the community by leveraging the resources of our fellow sister companies. We are moving into a new creative realm of what it means to experience opera. There is no ceiling to hold us back, only infinite possibilities."

 

Each organization will be creating new digital offerings for Texas audiences. More information about the Texas Opera Alliance, its member companies, and their seasons and digital offerings can be found at www.texasoperaalliance.org

 

 

About Austin Opera

Serving Central Texas since 1986, Austin Opera inspires audiences with its trademark blend of innovation and artistic excellence. With the leadership of General Director & CEO Annie Burridge and the Sarah and Ernest Butler Principal Conductor & Artistic Advisor Timothy Myers, Austin Opera presents a curated season of grand opera productions at the Long Center, the crown jewel of Austin performing arts venues. Combining the finest American and international stars with the outstanding local talent of our Orchestra and Chorus, Austin Opera’s productions include accessible takes on classic operas as well as challenging new works that reinforce the continuing relevance of opera.

 

Opera ATX, powered by Austin Opera, brings groundbreaking new works, emerging artists, exciting composers, and dynamic directors to Austin. By tapping into our city’s live music DNA, Opera ATX reflects the spirit of the city and the pioneering image it’s known for. We create the conditions for operatic experiences completely new to Austin, and perhaps completely new to the art form, by exploring alternative venues and unique local partnerships. Driven by Austin Opera’s love of opera, love of audiences, and love of Austin, Opera ATX shows how Austin is shaping its opera company and inspiring innovative experiences.

 

Austin Opera is also a force in hundreds of classrooms across Central Texas, nurturing the next generation of opera audiences through its award-winning education programs. We work directly with educators, community leaders, students, and parents to make opera relevant, educational, and entertaining for students of all ages.

 

About Dallas Opera

One of the leading opera companies in the country, The Dallas Opera has an extraordinary legacy of world-class productions and thrilling premieres featuring the greatest operatic artists of our time. Inaugurated in 1957 with a concert featuring the incomparable Maria Callas, TDO is known for the notable U.S. debuts of a host of legendary artists. The company has long been an industry leader and innovator through groundbreaking initiatives including the Hart Institute for Women Conductors, TDO Network, free public simulcasts, acclaimed art song recitals, the national vocal competition, special concerts, and outstanding family and award-winning education programs. TDO’s home is the Margot and Bill Winspear Opera House, a jewel in the Dallas Arts District. As one of the largest performing arts employers in North Texas, TDO is proudly committed to diversity, onstage and off, and is a major contributor to the economic vitality and international cultural reputation of this region.

 

About Fort Worth Opera

Founded in 1946, Fort Worth Opera is poised to celebrate its 75th anniversary in 2021. For the last fifteen years, FWO has become one of the leading American companies dedicated to nurturing and performing new opera, in addition to producing performances of traditional repertoire with rising American stars. Our acclaimed Frontiers program is going online this fall with our first digital Libretto Workshop. Our Children’s Opera Theatre typically reaches about 60,000 students across North Texas each season with live, interactive performances. During the COVID-19 pandemic, FWO has created online educational curriculum for local music students to supplement their in-school studies, and COT can also now serve entire families and communities beyond the Dallas-Fort Worth Metroplex. Fort Worth Opera is committed to celebrating all North Texans, and through our ongoing Nóches de Opera program, the company offers exciting community-driven events and powerful operas that represent the diverse cultures of all of the Americas.

 

About Houston Grand Opera

Houston Grand Opera (HGO) is one of the largest, most innovative, and most highly acclaimed opera companies in the United States. HGO was the only American finalist for Opera Company of the Year in the 2019 International Opera Awards. In fulfilling its mission to advance the operatic art to serve an ever-evolving audience, HGO has led the field in commissioning new works (68 world premieres to date) and in training and nurturing promising young artists and administrators. The company contributes to the cultural enrichment of Houston and the nation through a diverse and innovative program of performances, community events, and education projects that reaches the widest possible public. HGO’s pioneering community engagement initiative, HGOco, has served as a model for other arts organizations.

 

The NEXUS Initiative is HGO’s multi-year ticket underwriting program that allows Houstonians of all ages and backgrounds to enjoy opera without the barrier of price. Since 2007, NEXUS has enabled more than 250,000 Houstonians to experience superlative opera through discounted single tickets and subscriptions, subsidized student performances, and free productions.

 

HGO has toured extensively and has won a Tony, two Grammy awards, and three Emmy awards. It is the only opera company to win all three honors.

 

About OPERA San Antonio

OPERA San Antonio’s mission is to produce opera of uncompromising artistic quality and to enrich our community through educational outreach and social engagement. The company is committed to preserving and sharing opera as an art form that is relevant, inspirational, and accessible to residents and visitors of all ages and backgrounds. The civic premise of OPERA San Antonio is that the community needs, and the citizens deserve, access to the major performing arts. 

 

jueves, 1 de octubre de 2020

Italian mezzo-soprano Raffaella Lupinacci will debut as Giovanna Seymour in Donizetti's Anna Bolena at the Lithuanian Opera in Vilnius.

Foto: Raffaella Lupinacci (mezzosoprano) © Fabrizio Sansoni 

Italian mezzo-soprano Raffaella Lupinacci will make her debut in the role of Giovanna Seymour in Donizetti's Anna Bolena at the Lithuanian National Opera and Ballet Theater in Vilnius. Anna Bolena, considered one of Donizetti's best creations, was composed in just one month when the composer was 33 years old, and is the twenty-ninth work in his extensive catalog of operatic compositions. The first local performances of Donizetti's Anna Bolena opera, programmed by the Lithuanian theater, a co-production with the Roma Opera and will be conducted by its the musical direction Sesto Quatrini and directed on stage by Andrea de Rosa. The production will have its premiere on Sunday, October 4, 2020, with subsequent performances on October 14, 15, 16 and 17. In her debut in the role of Giovanna Seymour, young mezzo-soprano Raffaella Lupinacci, one of the most interesting and outstanding artists to emerge from Italy in recent times, who has performed countless Rossinian operas and has made belcanto one of her specialties, will add this challenging role to her already vast repertoire.

https://www.opera.lt/en/whatss-on/anna-bolena-e64#show284_openperformers

 


miércoles, 30 de septiembre de 2020

La mezzosoprano italiana Rafaella Lupinacci debutará como Giovanna Seymour en Anna Bolena de Donizetti en la ópera de Lituania.


Foto: Raffaella Lupinacci (mezzosoprano) © Fabrizio Sansoni 

La mezzosoprano italiana Raffaella Lupinacci debutará en el papel de Giovanna Seymour en Anna Bolena de Donizetti en del Teatro Nacional de Ópera y Ballet de Lituania en Vilnius. Anna Bolena considerada una de las mejores creaciones de Donizetti, fue compuesta cuando el compositor contaba con 33 años en tan solo un mes, y es la vigésima novena obra de su extenso catálogo de composiciones operísticas. Las primeras representaciones locales de la ópera Anna Bolena de Donizetti, programadas por el teatro lituano, que se harán en coproducción con la Opera de Roma bajo y contarán con la dirección musical de Sesto Quatrini y la dirección escénica de Andrea de Rosa, se estrenarán el domingo 4 de octubre del 2020, con posteriores presentaciones los días 14, 15, 16 y 17 de octubre. En su debut en el papel de Giovanna Seymour, estará la joven mezzosoprano Raffaella Lupinacci, una de las voces más interesantes surgidas de Italia, que ha interpretado un sinnúmero de óperas rossinianas, serias y cómicas, y que ha hecho del belcanto una de sus especialidades. Raffaella que está considerada actualmente una de las artistas más interesantes y destacadas de la escena operística italiana y ahora comienza a hacerlo a nivel mundial, sumará este exigente personaje a su ya vasto repertorio.

https://www.opera.lt/en/whatss-on/anna-bolena-e64





 

Il mezzosoprano Raffaella Lupinacci debutta nel ruolo di Giovanna Seymour in Anna Bolena di Donizetti nell'opera lituana in Vilnius

Foto: Raffaella Lupinacci (mezzosoprano) © Fabrizio Sansoni 

Il mezzosoprano Raffaella Lupinacci debutta nel ruolo di Giovanna Seymour in Anna Bolena di Donizetti nell'opera lituana (Teatro Nazionale dell'Opera e del Balletto Lituano) in Vilnius. Anna Bolena è considerata una delle migliori creazioni di Donizetti, composta all'età di 33 anni in un solo mese, ventinovesima nel suo ampio catalogo operistico. Le prime rappresentazioni locali dell'opera Anna Bolena di Donizetti, programmate da questo teatro,  in coproduzione con l'Opera di Roma con la direzione musicale di Sesto Quatrini e regia di Andrea de Rosa, avrà la première domenica 4 ottobre 2020, con le successive rappresentazioni il 14, 15, 16 e 17 ottobre. Al suo debutto nel ruolo di Giovanna Seymour, ci sarà il giovane mezzosoprano italiano Raffaella Lupinacci, una delle voci più interessanti emerse in Italia, chi a eseguito un gran numero di opere rossiniane, e ha fatto del belcanto una delle sue specialità. Raffaella Lupinacci, considerata una delle artiste più interessanti e di spicco della scena lirica italiana e mondiale aggiungerà questo importante ruolo al suo vasto repertorio.

https://www.opera.lt/en/whatss-on/opera-c6/anna-bolena-e64


 

jueves, 24 de septiembre de 2020

La vida como lucha libre: Hombruna de Richard Viqueira en el Centro Cultural Helénico de la Ciudad de México

Crédito de fotos:Centro Cultural Helénico

Por José Noé Mercado

En un ring de lucha libre, como en la vida, hay rudos y técnicos. El bando de los científicos no sólo debe mostrar la limpieza de su arte para derrotar a la esquina de la maldad, sino que debe librarse de sus inacabables artimañas, de sus actos sin ética y sin ley. Aunque es claro que los abnegados superhéroes existen, no siempre pueden soportar el acoso, el martirio o el sacrificio, el cansancio de bullying sufrido, si es a costa de terminar con la espalda sobre la lona mientras el referee completa las tres palmadas que consumen la rendición. Y entonces el técnico se vuelve rudo, si no es que siempre lo ha sido. Así, en masculino, en macho intimidante, en una naturaleza que necesita ser hombruna para chingar a gusto, con licencia sociocultural incluso.Quizá la mayor perversión de una entraña maligna sea el hacer creer en su bondad, o al menos en su neutralidad e inocencia, que se victimiza. Y su misión, placer y única puerta para sobrevivir, es rendir a otros. Quitarle el aire a todo el que se deje, acaso más como acto defensivo que como ataque, pero en una llave asfixiante y extrema que acaba con el soplo de vida. La paradoja consiste en que quien  le arrebata el aire a los demás también se desinfla a sí mismo. Se poncha. Se vuelve flácido. Como en el ciclo del uroboros, los extremos se unen y forman un círculo, como un beso que celebra el erotismo y apenas si se distingue de una respiración boca a boca que interrumpe, en el mejor de los casos, el sueño eterno. Todo ello parecería el subtexto de Hombruna, un monodrama escrito y dirigido por Richard Viqueira e interpretado por la actriz Valentina Garibay, con el que las puertas del Teatro Helénico de la Ciudad de México vuelven a abrir tras la Jornada Nacional de Sana Distancia y su respectivo confinamiento. Esta nueva obra del creador de Bozal, Desvenar o Monster Truck, tuvo su estrenus interruptus el pasado mes de marzo de este hombruno 2020, pero quedó pausado durante seis meses de incertidumbre pandémica. En funciones, mal que mal, históricas y dotadas de medidas sanitarias múltiples que tratan de mantener una asistencia segura del público al teatro, volvió a la escena el pasado 18 de septiembre y se mantendrá en cartelera viernes, sábados y domingos hasta el 11 de octubre. 

En Hombruna, Viqueira pone en escena una aproximación rica, compleja, multicapa, a la vida y obra de Juana Barraza Samperio —la pinche Juana—, aka La Mataviejitas, célebre estranguladora de principios del siglo en la Ciudad de México, condenada a 759 años de prisión por el robo y homicidio de entre 42 y 49 mujeres de la tercera edad. El dramaturgo evita lo simplista de la condena o la tentación de la apología de su protagonista y, más bien, se adentra en una exploración física, psicológica y cultural de una mujer violentada, en una sociedad misógina y abusadora, corrompida, que termina por violentar, por ser un terror para las mujeres, por corroer su entorno, como fórmula enfermiza de supervivencia. Con cada uno de sus actos, de sus magníficas líneas depuradas por un creador de oído social absoluto y afilada lengua artística, la pinche Juana convierte el acto de respirar en un ritual de vida o muerte. Y lo hace en medio de una puesta en escena de belleza casi poética, de ritmo envolvente y trazo implacable. Richard Viqueira lo logra con una iluminación dramatizada y una utilería minimalista consistente en globos, alguna muñeca inflable, bombas de aire, instrumentos musicales de aliento y, sobre todo, a través de una actuación poderosa, que desgrana los matices, el fraseo y los silencios, de Valentina Garibay. 

En el que con alta probabilidad sea el papel mejor interpretado de su joven trayectoria histriónica, Garibay blande en el escenario una serie de destrezas físicas, vocales y psicológicas que permiten un registro colorido del personaje protagonista que encarna, pero que se desprende de manera casi esquizofrénica para mostrarnos también a su abuela, a su profesor de lucha libre, a sus rivales de cuadrilátero, a sus abusadores y, con dolor empático, a las rucas víctimas de una Juana que no sólo es pinche y alevosa sino demoniacamente humana. El timing de Valentina Garibay crea la ilusión en el público de ser perfecto para entrar en confianza con la carismática Mataviejitas, para escuchar hipnotizado su bitácora de vida —salpicada de abundante y socarrona ironía— para al final darse cuenta de que sus poderosas garras le aprietan el pescuezo hasta causarle una ya inevitable asfixia. Viqueira capta con sutileza el ritual seductor y macabro de Juana, y Garibay lo traduce a la escena cortando el aliento del espectador con una belleza atmosférica íntima, lírica y, no obstante, brutal. Ambos lo estrangulan con sus artes. Hombruna es más que una biopic teatral de una de las asesinas seriales más reconocibles del México contemporáneo. Es, más bien, un lúcido y estético close-up al monstruo familiar, social y psicológico que la produjo. Y lo presenta arriba del ring, para recordarle al asistente que cada una de sus respiraciones es un acto de lucha libre que puede arrojarlo a la lona, lo mismo si es técnico o capitán de los rudos.