Faust di Gounod - Teatro alla Scala, Milano

Foto: Brescia & Amisano

Massimo Viazzo

Nel Faust di Charles Gounod (1818-1893) la seduzione della melodia accompagna una storia che si incupisce progressivamente. La prima parte dell’opera è attraversata dall’ebbrezza del desiderio; poi il dramma si stringe attorno a Marguerite, alla sua caduta e alla disperazione della prigione. Il patto con Méphistophélès mette in moto la vicenda, ma è il destino della giovane donna a imprimervi il segno più profondo. La Scala ha ripreso l’opera dopo sedici anni, con la regia di Johannes Erath e Daniele Rustioni sul podio. Nato nel 1859 al Théâtre-Lyrique di Parigi, il Faust conservava nella sua prima veste di opéra comique i dialoghi parlati, secondo una consuetudine del teatro francese dell'epoca. Per il successivo approdo all'Opéra, nel 1869, Gounod li sostituì con i recitativi e introdusse il Balletto della Notte di Valpurga, destinato a diventare uno dei momenti più spettacolari della partitura. La versione scaligera odierna riapre i tagli presentando anche una scelta meno consueta: nel quarto atto è stata recuperata la splendida aria di Siébel «Versez vos chagrins», appartenente alla prima stesura e poi sostituita da «Si le bonheur». Il Balletto è chiaramente mantenuto, seppure leggermente ridotto, mentre resta escluso il Chant bachique del quinto atto, previsto come alternativa. Erath, in una produzione già vista a Valencia nel 2025, in coproduzione anche con la Staatsoper unter den Linden di Berlino e il Teatro Real di Madrid, ha trasferito la vicenda in un mondo di fantasia e artificio, dominato da Méphistophélès, vero burattinaio della scena: domatore, direttore d’orchestra, clown, persino Papa, organista e becchino. Marguerite è una funambola in tutù bianco, circondata da tre sosia; Faust compare sia giovane sia anziano, mentre Valentin indossa i panni malinconici del Pierrot, con un palloncino. Anche Siébel compare inizialmente con quella maschera, coerente con la sua condizione di innamorato respinto, per poi assumere le sembianze di un ulteriore doppio di Marguerite, riprendendone abito e ombrellino. Marthe è una suora, Wagner conserva una caratterizzazione più tradizionale. Un gioco di travestimenti e metamorfosi visivamente suggestivo, talvolta forse un po’ sovraccarico di trovate, ma capace di mantenere vivo l’interesse. Ottimo anche l’impiego della tecnologia. Scene, costumi, luci e video, rispettivamente firmati da Heike Scheele, Gesine Völlm, Fabio Antoci e Bibi Abel, raggiungevano una perfetta sintonia con l’immaginario di Erath, contribuendo a dare unità e riconoscibilità a un mondo teatrale costruito sul gioco dell’artificio e della metamorfosi. Rustioni ha diretto con efficacia teatrale e molta personalità. Il ritmo è rimasto preciso, i colori ben distinti; nei grandi cori e nei passaggi brillanti sono emersi dettagli di notevole nitidezza, mentre nelle pagine liriche il fraseggio ha trovato una naturale distensione. Nessuna enfasi fuori misura, nessun cedimento sul piano dei volumi. Prezioso anche il sostegno ai cantanti, accompagnati con gusto e con un’attenzione costante all’equilibrio fra buca e palcoscenico. L’orchestra non ha mai invaso il loro spazio. Una prova di rilievo, quella di Marina Rebeka. Nella Ballata del Re di Thulé, probabilmente la sua pagina più nota, il canto è stato immacolato, capace di creare un momento di sospensione. Subito dopo, nell’aria dei gioielli «Ah! je ris de me voir si belle», si è mossa a proprio agio, agile e brillante, con una coloratura facile e precisa. Poi il timbro luminoso si è fatto più scuro nella scena della chiesa, spettacolare anche sul piano visivo, e in quella della prigione. Qui la voce ha acquistato il peso espressivo richiesto dalla situazione. La freschezza dell’inizio ha lasciato il posto alla disperazione, senza che venisse meno la qualità della linea. Per il Faust di Vittorio Grigolo il fraseggio, all’inizio, è sembrato meno naturale, forse nell’intento di rendere ogni passaggio il più espressivo possibile. In «Salut! demeure chaste et pure» l’accento è risultato un po’ generico e gli acuti non sempre fermissimi. Una certa enfasi è affiorata anche altrove, con qualche perdita di eleganza. Poi la recita è andata in crescendo. La linea di canto ha acquistato calore e comunicativa, mentre la presenza scenica, sostenuta da un gesto generoso e da un’immediatezza quasi istintiva, ha dato al personaggio una buona evidenza teatrale. Molto importante la prova di Alex Esposito, in un ruolo che Erath ha collocato al centro dell’intero impianto. Il suo Méphistophélès è il burattinaio che muove i fili della vicenda, ma anche un interprete capace di cambiare registro senza perdere mai il controllo della figura. Incisivo, è passato dall’ironia alla minaccia con disinvoltura. In «Le Veau d’or» ha trovato la giusta misura tra mordente e gusto grottesco. Perfetta la Serenata, «Vous qui faites l'endormie», timbricamente subdola e ironica. Esposito ha evitato ogni tentazione caricaturale, dando al personaggio una presenza insinuante, sempre vigile. Un merito tutt’altro che secondario in una produzione che gli affidava tanto spazio. Ernesto Petti ha portato in Valentin il registro nobile e solenne che la parte richiede. In «Avant de quitter ces lieux» la linea si è distesa ampia, aderente al senso dell’onore del personaggio; davanti alla morte si è avvertito il passaggio dalla sicurezza del soldato alla consapevolezza della tragedia. Disinvolta la Siébel di Marcela Rahal, con canto omogeneo e dizione francese nitida in «Faites-lui mes aveux». La tenerezza è rimasta lontana da ogni sentimentalismo e nel quarto atto è arrivata anche la rara «Versez vos chagrins», affrontata con sensibilità. Hyeonsol Park, Marthe, ha puntato sulla vivacità comica, senza appesantire il personaggio. Apprezzabile il Wagner di Xhieldo Hyseni. Il Coro, preparato da Alberto Malazzi, ha mantenuto compattezza e nettezza nei quadri collettivi. Ultima opera della stagione, questo Faust è stato, a parere di chi scrive, anche uno degli spettacoli più riusciti. La parte musicale ha convinto pienamente, grazie alla direzione di Rustioni e a un cast di alto livello; altrettanto merita di essere riconosciuta la personalità della proposta scenica, che pure ha suscitato qualche dissenso in sala. Le contestazioni non cancellano la coerenza di una lettura che, pur con qualche eccesso, ha trovato nel mondo onirico e straniante costruito da Erath una chiave tutt’altro che scontata. Del resto, una vicenda che ruota attorno a un patto diabolico, a un ringiovanimento miracoloso e a un universo continuamente sospeso tra realtà e immaginazione non ha nulla di realistico. Accettarne la dimensione fantastica significa dunque coglierne una possibilità interpretativa pienamente legittima. Si esce così da questo Faust con la sensazione di aver assistito a uno spettacolo capace di convincere su entrambi i fronti, quello musicale e quello teatrale.