Le Nozze di Fígaro en la Opera de Rennes, Francia

Foto: Laurent Guizard

Suzanne Daumann

¿Como se representa una opera que ya ha sido montada de tantas maneras?  ¿Cómo se evita caer en la trampa de la originalidad a cualquier precio?  En esta producción del Théâtre National de Lorraine presentada en Rennes Jean Liernier encontró una respuesta que fue simple, elegante y funcional. Su propuesta simplemente se apegó al libreto sin innecesarias gesticulaciones, acrobacias o streap tease.  Creó un ambiente en los años veintes en el que el conde y la condesa son jóvenes, elegantes y glamorosos y Fígaro y Susanna son sirvientes en vestidos clásicos. Los vestuarios de Werner Strub claramente mostraban las diferencias sociales que marca la historia.  Raffaela Milanesi, interpretó a la condesa, una orgullosa y lastimada mujer, con pasión y dignidad. Siempre elegante hasta el pianissimo más alto que sorprendió, mostró emociones que la hicieron ser conmovedora.  En una simple bata de seda, no perdió su aplomo ni tomó los efectos cómicos del formidable final.  La obra se interpretó con los correctos tiempos con gags que causaron risa y divirtieron, y que conmovieron, a la vez que se admiró la sutileza de la composición que la Orchestre de Bretagne ejecutó fielmente. Conducida con profundidad y espíritu por Ernesto Martínez Izquierdo la orquesta se convirtió en un personaje, dando una dimensión especial a la obra que tanto gusta.  Caterina di Tonno con voz cristalina y felixle dio vida a Susanna, una mujer simple, optimista y divertida. Cherubino fue la mezzosoprano Hélène Delalande quien con rica voz de un cierto metal masculino y su delgada figura de niño hizo un creíble personaje.  Hubiese gustado escuchar mas la voz rica y llena de Kathleen Wilkinson pero su aria de Marcellina fue cortada. El conde Almavida fue un elegante y simple hombre, como un niño que quiere lo que ve, así Kevin Greewlaw dio profundidad y credibilidad a su personaje y cantó con espíritu y sutileza. Youri Kissin fue Fígaro cuyo talento cómico supero su talento como cantante, su arias fueron forzadas y secas, y palideció ante su enérgica Susanna. Los escenarios de Phillipe Miesch fueron una variación más en el tema de la elegante simplicidad, brillante. El final estuvo lleno de juegos pirotécnicos que hicieron que el publico se retirara contento después de esta función.

Elegant and simple – Le Nozze di Figaro at Opéra de Rennes

Photo: Laurent Guizard

Suzanne Daumann

How to stage an opera that has been produced in so many different ways already? How to avoid the trap of originality at any price? In this production of Théâtre National de Lorraine, represented in Rennes in May/June 2012, Jean Liermier has found an answer that is simple, elegant and it works. His staging simply follows the libretto and does without any unnecessary gesticulation, acrobatics and strip tease. He creates an ambiance of the roaring twenties, where the couple count and countess of Almaviva are young, elegant, glamorous, whereas the couple Susanna – Figaro are the classic servants, clad in servants’ uniforms: a blue and black striped dress for Susanna, and the usual chambermaid’s bib, a black suit for Figaro, his red waistcoat is embroidered with what must be the Almaviva arms, and he is seen to wear a chauffeur’s cap as well. Werner Strub’s costumes clearly show the social difference which the plot and most of all the music will later wipe out.

Raffaela Milanesi is playing the countess, a proud and wounded woman, with passion and dignity. Elegant from her little toe to the highest pianissimo that makes our hair stand on end, she shows at the same time those simple emotions that make her a touching human being. She plays the whole of the second act clad in a simple sexy silken nightgown without losing any of her aplomb, and without it taking any of the comic effects of the formidable final. This is performed with the proper comedy tempo, gags and puns are tight on the ground, we are laughing wholeheartedly, we are moved by what is almost a reconciliation, we are angry with Figaro at butting in and ruining it, and we are laughing again about Antonio (very funny in a cook’s hat and an interesting voice as well: Jean Segani) and his flowerpots, and so on – admiring all the while the subtlety of the composition which the Orchestre de Bretagne is rendering faithfully here. Conducted with insight and spirit by Ernesto Martinez Izquierdo, the orchestra is a character in its own right, laughing, commenting, sighing, singing along, and adding this special dimension to the work we love so well and over and over again. Caterina di Tonno, crystal clear and supple of voice, is playing a Susanna who is a simple woman, unfailingly optimist, and tenderly funny. The duet in act 3, this manifesto of feminine solidarity, works wonderfully between those two women, in spite of or maybe because of the contrast between the countess, elegant and lost in a green, loosely waving trouser-dress, that might come straight out of “The Great Gatsby” and Susanna’s simple and naïve wedding dress of white with big red dots. Cherubino is the mezzo-soprano Hélène Delalande. A rich voice with something like almost male metal in it and a long slim boyish figure make her a very credible and lovable Cherubino, all of amorous feelings and awkwardness. We should have liked to hear more of the rich and full voice of Kathleen Wilkinson – a pity that Marcellina has been robbed of her aria. The same goes for Léonard Pezzino (Don Basilio), whose clear and slightly bragging tenor voice makes the furtive singing master credible indeed. Vincent Billier is portraying Don Bartolo, pretentious and human (although we don’t quite understand if he is a lawyer or a medical man actually). The count of Almaviva is an elegantly simple man here: like a child, he wants what he sees, especially when it belongs to someone else, and now he wants Susanna. Like a child, he cannot understand why he can’t always get what he wants. Kevin Greewlaw gives depth and credibility to his character who finds himself duped at the end of every scene: amorous, unbelieving, angry – he is credible and still elegant in all of those changes, and sings his grand aria with lots of spirit and subtlety. Youri Kissin is Figaro, and his comic talent seems to surpass his talents as a singer, the first arias are frankly forced and a bit dry, although he seems to have found his voice by act 4 where he thunders very creditably through the aria. His Figaro seems a bit pale next to a Susanna full of energy and good humour. All the voices, however, blend beautifully in the ensembles, and the recitatives are admirably fine, accompanied with much delicacy by Alessandro Bicci on the harpsichord, who follows carefully every word and intonation. The Choir of Rennes Opéra, led by Gildas Pungier, is distinguishing itself once more by its subtle and nuanced singing.

The sets by Philippe Miesch are another variation on the theme of elegant simplicity: act one is played in a slightly sombre ambiance: the servants’ quarters, which look much like in “Upstairs, Downstairs”. The countess’s room for act two is very bright and the essence of elegant simplicity with just a bed, the necessary doors and a window that lets in such sunny light that we seem to feel the summer breeze that plays with the leaves outside (Jean-Philippe Roy has done a good job with the lighting all over), a clothes-rack with her dressing-gown and her guitar. Act three is set in a hall in the castle, bright again, and again there is mostly doors and windows, an ashtray and a bench where the count and the countess will sing their arias and marry the happier couples, killing each other with looks all the while, and Susanna write a letter, no more. Act four takes place in the castle’s wine cellar, a rather dark place, but a stair in the background leads up to a festively lit garden. The final is again performed at breakneck tempo, no time to catch our breath before the (real!) fireworks (giant sparklers, what fun!) and happy end, and we leave the house with a feeling of contentment at a truly lovely performance. A pity that a few latecomers had to enter the house when Figaro and Susanna had begun their duets, we would have preferred to hear their discussion instead or our neighbours taking their seats…

Élégance et simplicité – Le Nozze di Figaro à l’Opéra de Rennes

Foto: Laurent Guizard

Suzanne Daumann

Comment mettre en scène un opéra aux lectures si multiples et variées ? Comment ne pas tomber dans le piège de l’originalité à tout prix ? Pour la production du Théâtre National de Lorraine, repris à Rennes en Mai/Juin 2012, Jean Liermier a trouvé une réponse simple, élégante et efficace. Sa mise en scène suit simplement le livret et se passe de toute gesticulation inutile, acrobaties et strip-tease. Il crée une ambiance années 20 où le comte et la comtesse d’Almaviva forment un couple jeune, élégant et glamour, et le couple Susanna – Figaro sont des domestiques classiques, peu élégants à première vue dans leurs uniformes, robe bleue rayée avec un petit tablier blanc et la coiffe des femmes de chambres pour Susanna, habit noir avec veston rouge, casquette de chauffeur à l’occasion pour Figaro. Les costumes de Werner Strub marquent ainsi tout de suite la distance sociale que l’intrigue et surtout la musique effaceront ensuite. 

Raffaella Milanesi incarne la femme blessée et orgueilleuse qu’est la comtesse d’Almaviva avec passion et fierté. Élégante du doigt de pied jusque dans les pianissimi aigus d’une finesse à nous faire dresser les cheveux dans la nuque, elle montre en même temps des émotions simples qui la rendent touchante et humaine.  Elle joue tout le deuxième acte en nuisette de soie sans perdre une miette d’assurance, et sans que le comique du formidable final en pâtisse le moindre du monde. Ce final est mené avec le brio et le tempo de la comédie de salon, les gags et les jeu de mots fusent, on en rit aux éclats, on est ému par le début de réconciliation, on en veut à Figaro de tout gâcher et on rit à nouveau de l’apparition d’Antonio (très drôle en chapeau de cuisinier et une belle voix : Jean Segani)  avec ses œillets et  ainsi de suite -  tout en admirant la finesse de la composition qui est merveilleusement servie  par l’Orchestre de Bretagne. Dirigé  par Ernesto Martinez Izquierdo avec esprit et intelligence, l’orchestre est  protagoniste à part entière qui s’amuse, commente, soupire ou rit, qui ajoute cette dimension supplémentaire à l’œuvre que nous aimons tant et encore et encore.  Susanna est interprétée par Caterina di Tonno, à la voix douce et cristalline.  Sa Susanna est une femme simple, douée d’un optimisme à toute épreuve, drôle et émouvante en même temps.  Ainsi le duo du troisième acte, ce manifeste de la solidarité féminine, fonctionne à merveille, malgré ou peut-être à cause du contraste entre la comtesse, élégante et égaré dans  robe-pantalon verte très années 20, et Susanna qui porte une simple robe de mariée blanche avec quelques grandes tâches rouges, un peu naïve. La mezzo-soprano Hélène Delalande, à la voix ronde avec presque un peu de métal masculin, grande et élancée, campe un Cherubino crédible et adorable, tout en maladresses et émois amoureux. On aurait voulu entendre davantage la voix riche et pleine de Kathleen Wilkinson – dommage que Marcellina ait été privée de son aria… Tout comme Léonard Pezzino (Don Basilio) d’ailleurs, dont le ténor clair et un peu fanfaron rend le fourbe maître de chant tout de suite crédible. Vincent Billier campe un Don Bartolo grandiloquent et pourtant humain (bien que l’on ne comprenne pas trop s’il est notaire ou médecin dans l’histoire).

Le comte d’Almaviva ici est un homme élégamment simple : comme un enfant, il veut ce qu’il voit, et surtout ce qui est aux autres, et donc, là, il veut Susanna. Comme un enfant, il ne comprend pas pourquoi il ne peut pas avoir ce qu’il veut. Kevin Greenlaw donne beaucoup de profondeur á ce personnage, qui se trouve dupe à chaque tournant de scène : élans amoureux, incrédulité, colère – il est crédible dans tous ces changements, et il chante son grand aria avec beaucoup d’énergie et finesse. Figaro est interprété par Yuri Kissin, dont le talent de comédien semble dépasser les talents de chanteur, ses premiers airs sont franchement forcés et un peu secs, bien qu’il trouve sa voix plus tard et l’air du final est bien plus musical. Son Figaro semble un peu pâle à côté d’une Susanna pleine d’énergie et de bonne humeur.  Dans les ensembles cependant, toutes les voix sont à la hauteur, et dans les récitatifs, il est admirable de finesse – comme tout le monde d’ailleurs et comme le clavecin d’Alessandro Bicci qui les accompagne avec beaucoup de subtilité, suivant chaque mot et chaque intonation. Subtil et nuancé aussi le chœur de l’Opéra de Rennes, sous la direction de Gildas Pungier.

Les décors de Philippe Miesch  sont encore des variations du thème de la simplicité élégante: le premier acte se passe dans le quartier des domestiques, dans une ambiance qui n’est pas sans rappeler la série Anglaise « Maîtres et Valets». Simple et très élégante, la chambre de la comtesse, où se déroule le deuxième acte : Un lit, trois portes, une fenêtre qui laisse rentrer une lumière tellement ensoleillée que l’on croit sentir la brise qui agite les branches au-dehors (Jean-Philippe Roy est responsable d’un beau travail sur les lumières), un perroquet où pend la robe de chambre de la comtesse, et sa guitare : voilà tout. Le troisième acte a pour décor la salle des pas perdus du château : deux grandes doubles portes blanches, un banc en velours vert, un cendrier, un ascenseur à plats. Le comte chantera son air, assis sur ce banc, la comtesse le sien un peu plus tard, Susanna y écrira la fameuse lettre au comte, et le couple seigneurial y sera assis pour assister aux noces des autres, tout en se foudroyant du regard.  Le final enfin est joué dans une ambiance sombre à l’arrière-plan festif : la cave à vin du château, d’où l’on voit l’escalier qui mène au jardin, décoré de lampions orange. Ce final est encore mené avec un tempo endiablé sans rater le moindre virement. Il vaut bien le vrai petit feu d’artifice qui viendra clore cette folle journée, et l’on quittera la salle satisfait d’une belle soirée.  Dommage seulement qu’une partie du public choisit de pénétrer dans la salle alors que l’ouverture est passée et l’on aurait préféré suivre les discussions de Figaro et Susanna à celles des voisins qui s’installent.

Intervista a Mirco Palazzi

Foto: Mirco Palazzi; Incoronazione di Poppea - Liceu de Barcelona; Lucia di Lammermoor- Avignone. ©

Nato a Rimini, Il basso Mirco Palazzi inizia giovanissimo lo studio del pianoforte per poi dedicarsi al canto, diplomandosi con lode e menzione d’onore al Conservatorio Rossini di Pesaro, sotto la guida di Robleto Merolla. Acclamato inteprete del repertorio belcantista, ha intrapreso una carriera que l´ha portato a cantare nei piu importante teatri italiani: Teatro alla Scala, Regio di Parma, Alighieri di Ravenna, Bellini di Catania, Carlo Felice di Genova, San Carlo di Napoli, Comunale di Bologna, Regio di Torino, Opera di Roma, Maggio Musicale Fiorentino, Festival di Spoleto, Teatro delle Muse di Ancona, Teatro la Fenice di Venezia, Rossini Opera Festival, Accademia di Santa Cecilia. E all'estero: al International Festival di Edimburgo, Staatsoper di Stoccarda, Wexford Festival, Konzertgebouw di Amsterdam, Avignon, Drury Lane di Londra, Liceu di Barcellona, Lipsia, Avignon, Messico, Giappone.

Tra i suoi prossimi impegni: Maria Stuarda e Lucia di Lammermoor al Teatro Massimo di Palermo, Caterina Cornaro (Mocenigo) al Concertegbouw di Amsterdam, Demetrio e Polibio (Polibio) al Rossini Opera Festival, Requiem di Mozart al Gran Teatro La Fenice di Venezia, Missa in tempore belli di Haydn al Teatro San Carlo di Napoli, Don Giovanni (Leporello) alla Dallas Opera, Il diluvio universale (Noè) ed Il Barbiere di Siviglia (Don Basilio) a St. Gallen (con incisione dvd), Messa di Gloria di Puccini con l'Orchestra Regionale Toscana, Il Trovatore (Ferrando) a Koln, Linda di Chamounix (Prefetto) al Liceu di Barcellona, Lucia di Lammermmor (Raimondo) alla Washington National Opera. Mirco ha acettato amabilmente di rispondere ad alcune domande sulla sua carriera.

Ramón Jacques

Quando hai deciso di fare del “canto” la tua carriera e come hai iniziato?

«Ho scoperto il canto quasi per caso alle lezioni di canto corale previste dallo studio del pianoforte, che era il mio strumento principale. L'insegnante di canto corale noto' la mia voce, già per natura impostata, e mi consiglio di studiare canto perché secondo lui ne possedevo le qualità. Da quel momento ho iniziato quasi per divertimento e nuovo entusiasmo lo studio del canto iscrivendomi in seguito di li' a poco al conservatorio di Pesaro dove ho conseguito il diploma in canto sotto la guida del tenore Robleto Merolla. Il canto è diventato la mia carriera da quando ho vinto tre concorsi internazionali (Tagliavini, Zandonai e Masini), da quel momento, infatti sono entrato nel "mondo" professionista anche con l'aiuto di un agenzia che mi aveva notato al concorso "Masini" di Reggio Emilia.»

Vocalmente come ti definiresti?

«Se parliamo del registro vocale direi "basso cantante", in senso lato mi sento un musicista e poco conta per me se si è basso, baritono tenore... La voce è per me uno strumento che serve a raggiungere e realizzare la musica che si interpreta e che questa, poi, arrivi alla sensibilità dell'ascoltatore. Mi piace molto e credo piaccia allo stesso modo anche alla mia voce, il repertorio belcantistico che va da Rossini (opere serie soprattutto) a Donizetti e Bellini, pur amando molto anche autori del 700 come Haendel e Mozart.»

A chi non conoscesse la tua voce, cosa le faresti ascoltare?

«Sicuramente più di una cosa; un'aria di Rossini, nello specifico quella di Lord Sidney del Viaggio a Reims, un'aria da concerto di Mozart che amo moltissimo che è "Mentre ti lascio", un'aria di Donizetti tratta dal Diluvio universale: " Dio tremendo, onnipossente". Farei ascoltare anche qualche cosa di cameristico come il Don Quichotte a Dulcinee di Ravel.»

Come nasce il tuo interesse verso il belcanto?

«È una questione di sensibilità e natura vocale, per dirla più semplicemente è il repertorio in cui mi sento più a mio agio sotto diversi punti di vista.»

Quali sono i ruoli cui ti senti maggiormente legato?

«Sono molto affezionato al Conte Rodolfo della Sonnambula di Bellini, che è stato il mio primo ruolo importante cantato in un teatro altrettanto importante quale il Regio di Parma. Un altro ruolo a cui sono affezionato Raimondo della Lucia di Lammermoor di Donizetti che ho cantato diverse volte con colleghi eccezionali ed in teatri importanti. Per finire un ruolo che mi è rimasto nel cuore è stato Lord Sidney del Viaggio a Reims di Rossini per le difficolta' a cui mi ha fatto andare in contro e per le soddisfazioni che mi ha dato poi. Naturalmente non vedo l'ora di cantare Leporello e Figaro!»

Un ruolo che ti ha portato fortuna. Lo canti ancora?

«Direi Raimondo della Lucia di Lammermoor che cantero' nuovamente l'anno prossimo per il mio debutto a Washington.»

Quali sono le produzioni fra quelle a cui tu hai partecipato che ricordi con particolare piacere?

«Ricordo con particolare piacere la Sonnambula al Regio di Parma con la regia di Pierfrancesco Maestrini e la Lucia di Lammermoor di Graham Vick al Carlo Felice di Genova di cui esiste anche un dvd. Un'altra produzione che mi ha lasciato un bellissimo ricordo è stata la Pietra del Paragone di Rossini con la regia di Gianni Marras. Affettivamente ricordo sempre la Bohéme con la regia di Marco Pucci Catena fatta a Catania, la quale è stata la mia prima Boheme ed anche l'opera ed il luogo in cui ho conosciuto mia moglie (il soprano Raffaella Milanesi, ndr.).»

C’è un cantante, un regista o un direttore che ha influenzato positivamente la tua carriera?

«Direi di si, ed in particolare un direttore artistico: Patric Schimid. Questa persona ha creduto nelle mie qualità artistiche più di ogni altro e mi ha dato l'opportunità di incidere ruoli ed opere meravigliose per la sua casa discografica "Opera Rara". Devo il suo incontro al mio attuale agente Marco Impallomeni che allora era solo un amico e non aveva ancora intrapreso la carriera manageriale. Tra i cantanti che ho conosciuto sono stati molto influenti nel mio cammino artistico ma anche in quello personale, il mio maestro Robleto Merolla ed il basso Bonaldo Giaiotti. Tra i colleghi ammiro sopra tutti il tenore americano Gregory Kunde.»

A te è mai capitato qualche fatto curioso sul palcoscenico?

«Si, una volta nella Lucia di Lammermoor nella scena appena dopo il famoso sestetto, il tenore nell'irruenza della scena ha rischiato di ferirmi veramente urtandomi il naso con l'impugnatura della spada. Per fortuna non è successo nulla di grave tranne lo spavento mio, dei colleghi e del direttore d'orchestra che ha visto meglio di tutti la scena.»

hai altri progetti per l’immediato futuro?

«Si, tra i più interessanti per me ci sono il Demetrio e Polibio al Rossini Opera Festival di Pesaro ed il debutto nel ruolo di Leporello nel Don Giovanni di Mozart per il mio debutto in America ed all'opera di Dallas.»

Entrevista al bajo Mirco Palazzi

Foto cortesia Mirco Palazzi; Lord Sydney Il viaggio a Reims - Roma, auditorium Santa Cecilia ©

Mirco Palazzi, originario de Rimini en Italia, es un joven y destacado bajo que comenzó a muy temprana edad sus estudios de piano para después dedicarse al cantó donde finalmente se diplomó con honores en el Conservatorio Rossini de Pesaro. Después de ganar importantes concursos de canto, debutó profesionalmente en la opera Don Giovanni de Mozart en el festival Música Riva Festival en Riva del Garda. Su prolífica carrera que lo ha llevado a presentarse en los teatros más importantes de Italia como: Teatro alla Scala de Milán, Regio de Parma, Comunale de Boloña, Alighieri de Ravenna, Bellini de Catania, Carlo Felice de Génova, San Carlo de Nápoles, Regio de Torino, Maggio Musicale Fiorentino de Florencia, Festival de Spoleto, Teatro delle Muse de Ancona, Opera de Roma, Rossini Opera Festival de Pesaro, Teatro la Fenice de Venecia, entre otros. En el extranjero se ha presentado en el Festival de Wexford en Irlanda, Festival de Edimburgo, Staatsoper de Stuttgart, Grimaldi Forum de Monte Carlo, St. John´s Smith Square de Londres, Concertgebouw de Ámsterdam, en el Teatro del Liceu de Barcelona, y en Aviñón, Berna, Lieja, Leipzig, Japón y México, por mencionar solo algunos lugares, donde ha interpretado un amplio repertorio de obras, particularmente del genero belcantista. Cuenta además con un vasto catalogo de grabaciones discográficas y muchos compromisos a futuro, como su debut en las operas de Dallas y Washington en Estados Unidos. En esta breve entrevista, Mirco amablemente nos reveló algunos secretos sobre su carrera.

Ramón Jacques

¿Cuando decidiste hacer del canto una carrera y como fueron tus inicios?

Descubrí el canto casi por casualidad en las lecciones de canto coral previstas en el estudio del piano, que era mi instrumento principal. Mi maestro de canto coral se dio cuenta de mi voz, que estaba impostada de manera natural, y me aconsejó estudiar canto porque, de acuerdo a el, yo poseía las cualidades. A partir de ese momento inicié casi por diversión y nuevo entusiasmo el estudio del canto inscribiéndome en seguida en el conservatorio de Pesaro donde obtuve el diploma de canto bajo la guía de tenor Robleto Merolla. El canto se convirtió en una carrera a raíz de que gané tres concursos internacionales (Tagliavini, Zandonai y Masini), y desde ese momento es cuando de hecho entre en el “mundo” profesional y con la ayuda de una agencia que se fijo en mi en el concurso “Masini” de Reggio Emilia.

¿Cómo te definirías vocalmente?

Si hablamos del registro vocal, diría que soy un “cantante bajo”, pero en un sentido mas amplio, me siento un músico y poco importa para mi si se es bajo, barítono o tenor. La voz es para mí un instrumento que sirve para desarrollar y realizar la música que se interpreta, y esta es la que llega a la sensibilidad de quien la escucha. Me gusta mucho, y creo que del mismo modo le gusta también a mi voz el repertorio belcantista que abarca desde Rossini (sus operas serias sobretodo) hasta Donizetti y Bellini, y también le tengo mucho cariño a autores del siglo dieciocho como Haendel y Mozart.

Por cierto ¿Cómo nació ese interés tuyo por el estilo belcantista?

Fue una cuestión de sensibilidad y de naturaleza vocal, o para decirlo de manera más simple, es el repertorio en el cual me siento más a mis anchas desde diversos puntos de vista.

¿A quien no te ha escuchado cantar, que seria lo primero que le harías escuchar para que conociera tu voz?

Seguramente seria mas de una cosa, como un aria de Rossini, específicamente la de Lord Sidney del Viaggio a Reims, o un aria de concierto de Mozart que amo muchísimo que es “Mentre ti lascio”, o un aria de Donizetti del Diluvio universale: “Dio tremendo, onnipossente”. También le haría escuchar algo de música de cámara como el Don Quichotte a Dulcinee de Ravel.

¿Cuáles serian los papeles a los que te sientes mayormente ligado?

Siento muy unido al Conde Rodolfo de la Sonnambula de Bellini, que fue el primer papel relevante que canté en un teatro, por demás importante, y que fue el Regio de Parma. Otro papel en el que estoy identificado es Raimondo de Lucia di Lammermoor de Donizetti que he cantado en diversas ocasiones al lado de colegas excepcionales y en teatros importantes. Pero para concluir, un rol que ha permanecido siempre en mi corazón es el de Lord Sidney del Viaggio a Reims de Rossini, por las dificultades que me ha hecho afrontar y por las satisfacciones que ha terminado dándome después. Naturalmente no veo la hora de cantar los papeles de Leporello y Fígaro.

Algún papel que te haya dado suerte ¿Aun lo cantas?

Diría que el de Raimondo en Lucia di Lammermoor que cantaré nuevamente el año próximo en mi debut en la Opera Nacional de Washington.

¿Cuáles son algunas de las producciones en las que has participado y que recuerdas con particular placer?

En particular, recuerdo con placer la Sonnambula en el Regio de Parma con la dirección artística de Pierfrancesco Maestrini y la Lucia di Lammermoor de Graham Vick en el Carlo Felice de Genova, función de la cual existe una grabación en dvd. Otra producción que me dejó un bellísimo recuerdo fue la de la Pietra del Paragone de Rossini con dirección de Gianni Marras. Afectivamente recuerdo siempre la Boheme con la dirección de Marco Pucci Catena, realizada en Catania, por además de haber sido mi primera Boheme, fue en esa esa opera y en ese lugar donde conocí a mi mujer, la soprano Raffaella Milanesi.

¿Existe algún cantante, director de orquesta o escénico que haya influenciado positivamente tu carrera?

Diría que si, y en particular fue el director artístico: Patric Schmid, una persona que creyó en mis cualidades artísticas mas que cualquier otro y me dio la oportunidad de grabar papeles de operas maravillosas para su sello discográfico “Opera Rara”. Lo conocí gracias a mi actual agente Marco Impallomeni, que en aquel entonces era solo un amigo y no había comenzado a hacer una carrera administrativa. Entre los cantantes que he conocido han habido muchos que han influenciado mi camino artístico pero también el personal, y esta mi maestro Robleto Merolla y el bajo Bonaldo Giaiotti. Entre los colegas admiro sobretodo al tenor americano Gregory Kunde.

¿Te ha sucedido algún hecho curioso sobre un escenario?

Si, una ocasión en una Lucia di Lammermoor en la escena inmediatamente después del famoso sexteto, el tenor en la ímpetu de la salida me hirió de verdad golpeándome la nariz con la empuñadura de la espada. Por fortuna no paso nada grave además de que me asusté y también resto de los colegas y el director de orquesta que vio toda la escena completa.

Finalmente ¿Tienes algunos proyectos en el futuro inmediato?

Si, entre los mas interesantes para mi se encuentran Demetrio e Polibio en el Rossini Opera Festival de Pesaro, y mi debut como Leporello en Don Giovanni de Mozart, en el que será mi primera presentación en Estados Unidos con la compañía de opera de Dallas.

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