An Enchanting Händel Orlando at Rennes Opera

Photo: Opéra de Rennes

Suzanne Daumann

This is a simple story, and Eric Vigner, who signs the staging, keeps it simple. No baroque opulence here, musical and elaborate stage movements, simple decorations and props, and it works wonderfully. A simple story, with simple and deep emotions, and this staging allows the music to hit the public right in the heart: Princess Angelica and the knight Medoro are in love with each other, but Dorinda, the pretty shepherdess, loves Medoro, too, and the knight Orlando loves Angelica – madly. The sage Zoroastro tells Orlando he should rather seek glory than love. But Orlando insists on his quest, and finds madness. Zoroastro will heal him at the last minute, and the happy end is secure. A great cast acts out this story on an almost naked stage. A few pearl curtains symbolize forests, fires and waves, some wooden panels the trees in the forest… Two strange mute characters, young actors in jeans and leather jackets, roguishly handsome and obviously twins (Grégoire and Sébastien Camuzet), act out fights, symbolize nature’s forces and furies and act as Zoroastro’s strong men. Their stage movements are coming out of the music, supple and dance-like and are not in the spectator’s way, but do illustrate the protagonists’ words.  The singers’ costumes are designed to identify their wearers: vaguely timeless suits with a sword for the knights, an elegant beige dress for the princess, and a slightly less elegant one for the shepherdess. As to Zoroastro, he is in a leather jacket and worker’s cap, bringing to mind engine drivers and Russian stage directors. Adriana Kucerova, soprano, incarnates Angelica, with a generous and clear voice, effortless in the demands of Händelian singing. She gives life to all of the complicated emotions of her character, torn between tender love, guilt and regret. Kristina Hammarström, mezzo-soprano, honeyed voice full of tenderness, is a touching Medoro who sincerely regrets hurting Dorinda in order to live his love for Angelica.  David DQ Lee, countertenor, is Orlando and takes us with him on his way to madness, credible and present in every scene and impressive in the madness scene, all the more so that he obviously has to fight the effects of the last two representations. If his voice sounds a bit blunt at the beginning, he is up and soaring whenever it is necessary. The madness scene is a perfect example how it all can work together in opera, staging, singers, orchestra, to build a bridge for the public to enter right into the characters’ hearts, the lighting throws a shine of madness into the public and one enters in a kind of trance. Sunhae Im, soprano, is the perfect sad little shepherdess, with her crystal clear fluting voice; and Luigi de Donato, bass, is a kind and authoritarian Zoroastro.  The excellent Ensemble Matheus supports the singers, essentially in sumptuous and nuanced string sounds, a clear and resounding harpsichord and a few woodwind interventions that are coming so timely that they are hardly noticed. Jean-Christophe Spinosi gives vitality and dramatic tension to the score, especially in the moments that might otherwise be frankly boring. And the evening ends in a party ambiance as the troupe, warmly applauded by an enchanted public, takes up the final chorus again and sketches a few dancing steps.

Un Orlando de Händel enchanteur à l’Opéra de Rennes

Foto: Opéra de Rennes

 

Suzanne Daumann

 

Pour la mise en scène de cette co-production, Eric Vigner fait abstraction de toute opulence baroque, sa scénographie est simple, les jeux de scène élaborés et musicaux, et le tout fonctionne à merveille. L’histoire est simple, elle parle d’émotions simples et profondes, et cette mise en scène permet simplement à la musique d’atteindre le spectateur en plein cœur.  La princesse Angelica et le chevalier Medoro s’aiment, mais Dorinda, la jolie bergère aime aussi Medoro, et le chevalier Orlando aime Angelica – à la folie. Cependant, le sage mage Zoroastro trouve qu’Orlando devrait poursuivre la gloire et non la princesse. Mais  Orlando insiste, cherche l’amour et trouve la folie (dont le guérit, in extremis, Zoroastro, pour assurer un « happy-end »).  Une distribution formidable joue et chante cette histoire sur une scène quasiment nue. Quelques rideaux de perles symbolisent forêts, feux et vagues, quelques panneaux de bois les arbres de la forêt… Deux étranges personnages muets, jeunes acteurs en jeans et veste de cuir, beaux gosses à l’air un tantinet voyou, manifestement des jumeaux (Grégoire et Sébastien Camuzet),  symbolisent tour à tour combats, forces de la nature, furies et sont les hommes de main de Zoroastro. Leurs mouvements de scène découlent de la musique, sont souples, sont  danse, ne dérangent jamais, mais au contraire illustrent très bien les propos des protagonistes.  Les costumes des chanteurs indiquent clairement les personnages : costume cravate vaguement hors du temps et épée pour les chevaliers ; robe en soie beige pour la princesse ; petite robe avec corsage pour la bergère, et veste de cuir et casquette pour Zoroastro qui fait penser à un conducteur de locomotive, ou bien un metteur en scène russe. Angelica est incarnée par Adriana Kucerova, soprano, à la voix généreuse et claire, qui maîtrise à merveille toutes les fioritures du bel canto baroque, et donne vie aux émotions compliquées de son personnage, tiraillé entre amour, culpabilité et regrets.  Kristina Hammarström, mezzo-soprano, voix de miel pleine de tendresse, est un Medoro attachant qui regrette sincèrement de devoir faire de la peine à Dorinda pour vivre pleinement son amour pour Angelica. David DQ Lee, contre-ténor, nous emmène sur le chemin de la folie, crédible et présent dans chaque scène, époustouflant dans la scène de la folie, d’autant plus qu’on sent qu’il combat la fatigue des représentations passés.  Si sa voix semble un peu terne au début, elle est néanmoins à la hauteur quand il le faut.  Cette scène de la folie est un exemple merveilleux d’une production réussie – chanteurs, mise en scène, orchestre, se réunissent ici pour former un pont par lequel le spectateur entre directement dans le cœur des personnages, les lumières jettent un rai de folie jusque dans la salle, et l’on entre dans une espèce de transe.  Sunhae Im, soprano, avec sa voix cristalline et flûtée, incarne parfaitement la petite bergère éplorée, et Luigi de Donato, basse, est un Zoroastro autoritaire et bienveillant. Les chanteurs sont portés par l’excellent Ensemble Matheus, essentiellement en cordes somptueuses et nuancés, clavecin clair et résonnant et quelques interventions de vents tellement à propos qu’on aurait pu ne pas les remarquer. Jean-Christophe Spinosi donne vitalité et tension dramatique à la partition aussi et surtout dans les moments qui auraient pu être franchement ennuyeux.  Et quand la troupe, applaudie chaleureusement par un public enchanté, reprend le chœur final et esquisse quelques pas de danse, la soirée se termine dans une ambiance de fête.

Le Nozze di Teti e di Pelleo en la Opéra De Rennes, Francia

Credito fotografico: Edouard Brane

 

Suzanne Daumann

 

Llego a Rennes porque tengo una cita con Rossini en Nápoles y con Spinosi de una obra poco ejecutada, una cantata escrita en 1816 por Rossini basada en un tema mitológico. De inicio Jean-Christophe Spinosi y el Emsamble Matheus ofrecieron la Sinfonía 82 de Haydn, una obertura ideal para este matrimonio, juguetón y rítmico, y cuando Spinosi es Spinosi, es tiempo de divertirse ya que baila con la partitura y va creciendo el ambiente festivo en el teatro. Sin intermedio, y sin tarima para los solistas y el coro comenzó el preludio de la cantata, de manera ligera, rítmica y tan italiana como uno pudiera imaginarse. Hace su entrada el coro. y la orquesta con vestidos multicolores para las mujeres y trajes para los hombres, dan inicio a la fiesta, porque se trata de un casamiento, el de Teti y Peleo, y con ese ambiente de celebración continuó su curso la cantata. Se presentaron cinco jóvenes solistas, frescos, con espíritu y con sentido del escenario. No fue necesario entender cada palabra del libreto, ni era necesario conocer al pie de la letra todas las operas de Rossini para disfrutar, como alguna vez lo hiciera el rey de Nápoles. La actuación de los solistas y la música de Rossini hicieron su trabajo. Fue entretenida, cautivadora y estuvo repleta de arias, recitativos, ensambles y coros. Peleo (Sébastien Obrecht, tenor) y Teti (Marlène Assayag, soprano) estaban felices por su matrimonio pero temerosos de su futuro. ¿Estarían las furias dispuestas a arruinar todo? Si, pero Júpiter (Xavier Mauconduit, tenor), Juno (Marianne Delacasagrande, mezzo-soprano), Ceres (Camille Poul, soprano) y otros dioses mas descendieron del olimpo para ahuyentar a los espirituoso malos y dejar que la joven pareja fuera feliz. El coro afirmaba con sus cantos esta celebración. Fue una fiesta exitosa de buen canto, de ligero y un poco irónico belcanto, que fue matizado con vigor y precisión por la orquesta, y los solistas repitieron el furioso final antes de retirarse. Grazie, Signor Rossini!

Le Nozze Di Teti E Di Pelleo – An Almost Unknown Rossini At The Opéra De Rennes

Foto Crédit: Edouard Brane

Suzanne Daumann

It is raining cats and dogs as I arrive in Rennes. I have a date with Rossini a Napoli and Spinosi in Rennes for a rarely played work, written in 1816: Napoleon’s troops had left Naples, the Bourbon king Ferdinand IV was back. His granddaughter, Maria Carolina, was to marry the Duke of Berry, and a cantata about a mythological theme had been ordered from Rossini for the celebration. For starters, Jean-Christophe Spinosi and the Ensemble Matheus offer the symphony number 82 by Joseph Haydn. It is the ideal overture for this marriage, playful and rhythmical. And Spinosi is Spinosi is Spinosi and when Spinosi is Spinosi, it’s party time. And there is dancing and playing and fun. Spinosi plays with Haydn, and with the public, with a three times announced and three times suspended final. He dances the score, plays percussion on music stands – and little by little, party mood grows in the house.  No intermission, a little change in the placement of the music stands, and here the maestro is back. How strange, no music stands for the soloists, no stage for the choir? But the prelude of the cantata has begun, light, rhythmical, as Italian as one could wish for. The choir arrives and everything gets clear: the slightly unusual way the orchestra are dressed, with multicoloured dresses for the ladies, suit and tie for the gentlemen, the absence of music stands and stage. The choir arrives talking and laughing: yes, it’s party time, it’s a marriage! The choir members also are dressed for the party, individual and colourful. And the celebration follows the cantata’s course.  Five excellent soloists take turns with the Ensemble Mélime(s), outstanding as usual, in celebrating the marriage of Teti and Peleo, Achilles’ parents, and of course representatives of the noble bride and groom. Five singers, young and fresh and spirited, with wonderful voices and a sense of the stage. No need to understand every word of the libretto, no need to know by heart every opera by Rossini to enjoy oneself like once the king of Naples: the acting of the soloists and Rossini’s music are doing their job. This is charming, entertaining, full of changes, arias, recitatives, ensembles, choirs are following each other, there is no time for boredom: Peleo (Sébastien Obrecht, tenor) and Teti (Marlène Assayag, soprano) are happy about their love and a bit afraid of the future. Aren’t the Furies already on their way to spoil everything? Jupiter (Xavier Mauconduit, tenor), Juno (Marianne Delacasagrande, mezzo-soprano), Ceres (Camille Poul, soprano), and a whole bunch of gods are descending from Olympus in order to chase away the evil spirits and praise the young couple. Jupiter’s infidelities are well documented, and we recognize the Olympian lifestyle: Ceres and Juno are mad at each other, Jupiter is embarrassed, the bride and groom are in their own world, the choir affirms the God’s words of praise, whilst mocking their habits – this is a family party as it should be. It is a successful party, thanks to the impeccable singing of all the protagonists, the light and lightly ironic bel canto, and spirited and competent acting on the part of the soloists, the orchestra’s vigorous, nuanced and precise work. The artists have to repeat the furious final, before they are allowed to retire.  As I leave the opera house, a setting sun is giving fiery highlights to the golden statues on the roof of the Parlement de Bretagne, a few rosy clouds are sailing through a blue sky over the white buildings – surely a last greeting from Jupiter. Grazie, Signor Rossini!

Le Nozze di Teti e di Peleo, un Rossini peu connu à L’Opéra de Rennes

Foto Crédit: Edouard Brane

Suzanne Daumann

Il pleut des cordes lorsque j’arrive à Rennes. Rossini a Napoli, Spinosi à Rennes ont donné rendez-vous pour une œuvre rarement donnée, écrite en 1816 : les troupes napoléoniennes avaient quitté Naples, le roi Bourbon Ferdinand IV était de retour. Pour fêter les noces de Maria Carolina, la petite-fille de celui-ci, avec le duc de Berry, on avait donc commandé une cantate sur un thème mythologique à Rossini. D’abord, Jean-Christophe Spinosi et l’Ensemble Matheus proposent la symphonie n°82 d’Haydn, ouverture idéale pour ces noces, joueuse et rythmée. Et Spinosi est Spinosi est Spinosi, et quand Spinosi est Spinosi, c’est la fête. L‘on danse et l’on joue et s’amuse. Il joue avec Haydn, il se joue du public avec un final trois fois annoncé et trois fois suspendu. Il danse sa partition, transforme des pupitres en percussions improvisées – et l’ambiance de fête emplit, petit à petit, la salle. Pas d’entracte, quelques changements dans l’agencement des pupitres, le chef est de retour. Tiens donc, pas de pupitres pour les solistes, pas d’estrade pour le chœur ? Mais déjà retentit le prélude aux noces, léger, rythmé, italien à souhait. Le chœur arrive, et tout s’explique : L’habillement un peu inhabituel de l’orchestre, avec des robes multicolores pour les dames, costume et cravate pour les hommes, le manque de pupitres, d’estrades. Le chœur arrive de la salle, en discutant et riant : oui, c’est la fête, ce sont les noces ! Les choristes aussi sont en costume de fête, individuel et coloré. Et la fête suit le cours de la cantate. Cinq solistes excellents se relayent avec l’Ensemble Mélisme(s) tout aussi excellent pour célébrer les amours de Thétis et Pélée, parents d’Achille, et bien sûr représentants du couple princier. Cinq chanteurs encore jeunes, frais et spirituels, qui ont des voix merveilleuses et le sens de la scène. Nul besoin de comprendre au mot près le livret, nul besoin de connaître par cœur les opéras de Rossini pour s’amuser comme jadis le roi de Naples : le jeu de scène des solistes, la musique de Rossini font leur effet. C’est charmant, divertissant et diversifié, arias, récitatifs, ensembles, chœurs se suivent sans laisser une chance à l’ennui : Pélée (Sébastien Obrecht, ténor) et Thétis (Marlène Assayag, soprano) se réjouissent de leur amour, et évoquent leurs inquiétudes face à l’avenir. Est-ce que les Euménides ne seraient pas déjà en route pour tout gâcher ? Jupiter (Xavier Mauconduit, ténor), suivi de Junon (Marianne Dellacasagrande – mezzo-soprano) et Cérès (Camille Poul, soprano) et toute une bande de dieux descendent alors de l’Olympe pour chasser ces mauvais esprits et chanter les louanges des jeunes mariés. Les frasques de Jupiter sont bien documentées et l’on reconnaît les habitudes olympiennes : Junon et Cérès se crêpent le chignon, Jupiter est gêné, les mariés sont dans leur monde, le chœur confirme les bonnes paroles des dieux, tout en se moquant de leurs histoires…Un mariage, une fête de famille bien comme il faut donc. Le chant impeccable de tous les protagonistes, le bel-canto léger, un peu ironique et le jeu de scène plein d’esprit et d’assurance des solistes, le travail nuancé, spirituel et précis de l’orchestre en font une fête réussie. Si bien que les artistes doivent bisser le final furieux, avant de pouvoir se reposer.Lorsque je sors de l’opéra, un coucher de soleil donne des éclats de feu aux personnages dorés sur le toit du Parlement de Bretagne, quelques nuages roses flottent dans le ciel bleu sur les immeubles blancs – un dernier salut de Jupiter sans doute. Grazie, signor Rossini !

Andreas Scholl - The Handel & Haydn Society, Boston

Foto: Andreas Scholl
Crédito: The Handel and Hayden Society

Lloyd Schwartz (The Phoenix)

La asociación musical The Handel and Haydn Society de Boston comenzó su temporada ¡195! con su nuevo director Harry Christophers, saludando al publico en el Symphony Hall, antes de cederle el evento al dinámico director francés Jean- Christophe Spinosi y al contratenor alemán Andreas Scholl. He admirado a Scholl desde que el tamaño y la belleza de su voz me abrumaron en el Frauenkirche en Dresde. Mi única desilusión había sido su previa presentación en el Symphony Hall, con la Orquesta Sinfónica de Boston. Esta sala es demasiado grande para un contratenor. Aunque fueron hermosos sus interpretaciones de Handel y Vivaldi con la H&H, su voz no proyecto, y en ocasiones fue cubierta por la relativamente pequeña orquesta barroca. Hubo cosas hermosas – como una deslumbrante aria con cuerdas, “Ah ch’infelice sempre” de la cantata de Vivaldi Cessate, omai cessate (aun mejor cuado fue bisada), y un reticente pero ferviente Stabat Mater de Vivaldi. Sin embargo, en el “Aure, deh, per pietà” de Handel, no borró de mi memoria a Jeffrey Gall en el Giulio Cesare de Peter Sellars/ Craig Smith. El Cesar de Gall se salvó de ahogarse y con compleja urgencia agradeció a la reconfortante brisa (“Aure!”) aun preocupándose por el bienestar de Cleopatra. La expresión perturbada de Scholl no tuvo aquella reacción humana.

ENGLISH VERSION

The Handel and Haydn Society began its 195th (!) season with its new director, Harry Christophers, greeting the Symphony Hall audience before turning the evening over to dynamic French conductor Jean-Christophe Spinosi and German countertenor Andreas Scholl. I’ve admired Scholl since the size and beauty of his voice overwhelmed me at the Frauenkirche in Dresden. My one disappointment had been his previous Symphony Hall appearance, with the BSO. Symphony Hall is too big for a countertenor. Beautiful as his Handel and Vivaldi was with H&H, his voice didn’t project, and it was occasionally covered by the relatively small Baroque orchestra. There were beauties — a ravishing aria with strummed pizzicatos, “Ah, ch’infelice sempre” from Vivaldi’s cantata Cessate, omai cessate (even better when it was encored), and a reticent but fervent Vivaldi Stabat Mater. But in Handel’s “Aure, deh, per pietà,” he didn’t erase my memory of Jeffrey Gall in the Peter Sellars/Craig Smith Giulio Cesare, Gall’s Caesar just saved from drowning and with complex urgency thanking the comforting breeze (“Aure!”) yet still worrying about the safety of Cleopatra. Scholl’s uninflected undersinging had no such emotional underpinning.