The Dallas Opera announces the cancellation of one production slated for the 2011-2012 Season

Photo: Winspear Opera House, Dallas

As part of a careful, multi-year plan to balance and stabilize company finances as rapidly and prudently as possible, the Dallas Opera announced the cancellation of one of the scheduled productions in the upcoming “Tragic Obsessions” Season: Katya Kabanová.  While this move benefitted the company in important ways and contributed significantly to both the critical and popular success of subsequent productions in the new, purpose-built venue, the change also had a dramatic impact on the number of patrons who could be accommodated at any given performance, falling from more than 3,400 to a seating capacity of 2,200. This, combined with the increased intrinsic operating costs of a new, state-of-the-art venue; overtime pay and other expenses related to the decision to perform in repertory; and a commitment to preserve the high level of artistic quality that our audiences rightly expect and deserve, resulted in sharply higher production costs for the Dallas Opera. Whereas TDO could previously accommodate patrons for a popular opera in four performances, it now takes up to six, resulting in a longer and more expensive rehearsal and performance cycle, as well as increased costs for conductors, principal artists, chorus, technicians and stage crews, based on the number of performances and/or hours worked. In short, to produce five fully-staged, world-class productions for the same number of patrons in the new, more intimate facility requires an annual budget increase of approximately $4 million above the previous $12 million level, or roughly 33%. The Dallas Opera will continue to pursue rigorous efforts to balance revenue and expenses while the economy recovers, with the target goal of completing a season with a balanced budget by 2014-2015.

http://www.dallasopera.org/

Dudamel y la Sinfónica Simón Bolívar iluminan a la juventud sudamericana

Foto: Gustavo Dudamel

Fesnojiv

La ovación del público bogotano selló la Gira Bicentenaria. Más allá de cualquier separación geográfica, más allá de las lenguas y acentos, mucho más allá de formalismos diplomáticos, en las profundidades del Sur latieron con más fuerza los corazones y las esperanzas de miles de niños y jóvenes. Sus ídolos, sus ejemplos vivientes, sus hermanos solidarios: el maestro Gustavo Dudamel y la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar estaban allí sobre el escenario y en sus escuelas y núcleos, para compartir el sagrado ritual de la música ejecutada con pasión y excelencia. Tal vez como nunca antes, la consigna “Tocar y Luchar” tiene más vigencia y significado. Durante los encuentros y ensayos que el maestro Dudamel y los músicos de la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar sostuvieron con los jóvenes y niños de los núcleos de orquestas en Brasil, Argentina, Uruguay, Chile y Colombia, quedó claro que para alcanzar el alto nivel artístico y convertirse en emblema del nuevo movimiento sinfónico mundial, hace falta tocar y trabajar mucho para verse en ese ejemplo y modelo venezolano. La Gira Bicentenaria fue más que un tributo musical para el público sudamericano que fue testigo de exitosos conciertos en Bahía, Sao Paulo, Río de Janeiro, Buenos Aires, Montevideo, Santiago de Chile y Bogotá. Se convirtió en un termómetro que constató las altas temperaturas, así como el impacto artístico y social que el Sistema de Orquestas venezolano tiene en Brasil -con Neojibá en Bahia, el Instituto Baccarelli en Sao Paulo y el Programa Guri en el sur de la nación carioca, y Acción Social por la Música en Río y Minas Gerais-; en Argentina -con orquestas juveniles e infantiles en más de 5 provincias-; en Uruguay -con el Núcleo de la Orquesta Juvenil José Artigas-; en Chile -con la Orquesta Juvenil de Santiago-, y en Colombia –con la Fundación Batuta y la Orquesta Binacional Colombo-Venezolana-. Durante el periplo fue reconocida la obra del maestro José Antonio Abreu, creador de El Sistema, emprendimiento social y cultural sin parangón en el mundo que luego de 15 años de trabajo en estos países visitados durante la Gira Bicentenaria está en el camino de la consolidación en los países del sur, donde se está transformando la vida de miles de niños y jóvenes a través de la música. En este sentido, se concretaron nuevos acuerdos de cooperación y asesoría de profesores y músicos venezolanos, así como la pronta creación de orquestas binacionales, como máxima expresión de la solidaridad que las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela tienen con la juventud musical suramericana. La Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar se despidió con un concierto en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo con la Séptima Sinfonía de Mahler, una obra con la que arrancaron aplausos no sólo en este escenario, sino en los diversos teatros en los que se presentaron los venezolanos justamente en el año en que se conmemora el centenario de la muerte del compositor. Los espectadores del sur también escucharon obras del repertorio latinoamericano que son parte del repertorio universal como Santa Cruz de Pacairigua, del venezolano Evencio Castellanos, y la Sinfonía India, del mexicano Carlos Chávez. Una de las obras más aplaudidas por la crítica fue Pájaro de Fuego de Stravinsky, un compositor que la orquesta ha trabajado con profundidad. La Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar y el maestro Dudamel han dado la mejor de sus ofrendas para celebrar el Bicentenario de Venezuela y de los países vecinos y hermanos de América Latina.

Muy buena versión de "Il Viaggio a Reims " en su estreno sudamericano en el Teatro Argentino de la Plata

Fotos: Genitti / Teatro Argentina de la Plata

Dr. Alberto Leal

IL VIAGGIO A REIMS De Gioacchino Rossini Teatro Argentino de La Plata – 17/07/11. REPARTO: Corina: Paula Almenares, Melibea: Nidia Palacios, Condesa de Folleville: Marisú Pavón ,Sra. Cortese: Victoria Gaeta, Caballero Belfiore: Francisco Brito, Conde de Libenskof: Alessandro Luciano, Barón Trombonok: Luis Gaeta, Lord Sydney: Luciano Miotto, Don Profundo: Ricardo Seguel, Do Alvaro: Leonardo Estevez, Don Prudenzo: Nicolás Zechi, Don Luigino: Santiago Ballerini, Delia: María del Rocío Giordano, Maddalena: Lídice Robinson, Modestina: Andrea Maragno Risoleo, Cefirino: Francisco Bugallo Antonio: Ricardo Crampton, Gelsomino: Maximiliano Agatiello. Director de Orquesta: Sergio Monterisi Director de escena original: Emilio Sagi, Repositora: Elisabetta Courir, Escenografía: Daniel Blanco, Vestuario: Pepa Ojanguren. Iluminación: Rubén Conde. Orquesta Estable

Estrenada en 1825 como parte de la celebración por la coronación del Rey X de Francia, solo tuvo cuatro representaciones en su momento, ya que Rossini no pensaba en volver a usarla. El hecho que la mayoría de su música fuera más tarde usada por el maestro para “Le Conte Ory”, demuestra la intención del mismo. Las partes perdidas del manuscrito fueron encontradas en 1977 y luego de reensamblarlas fue representada nuevamente en 1984 en el Festival de Pésaro. A partir de allí se ha podido ver en distintas versiones de muchos de los principales teatros del mundo. La obra en si es un gran divertimento donde la música y el ensamble de los 18 solistas juega un papel preponderante, más allá de lo banal de la trama. No presenta fisuras musicales y se puede ver con gusto, sobre todo en una versión como la presentada por el Teatro Argentino.

Del principio se puede notar que mucho se ha ensayado, y tanto en escenas solistas como de grupo, todo funciona con notable precisión. La puesta original del Maestro Emilio Sagi, creada para el Festival de Pésaro del 2001, aquí repuesta por Elisabetta Courir, deja de lado época y lugar, creando una puesta ágil, simple y vistosa, donde los cantantes pueden moverse sin problema alguno, que no afecta en nada el espíritu original concebido por el compositor. El vestuario de Pepa Ojanguren complementa perfectamente la idea del Director de escena. El Maestro Sergio Monterisi dirigió la Orquesta Estable con conocimiento de estilo y la misma sonó en forma impecable. Tal vez unos tiempos menos lentos hubieran favorecido la versión como un todo. El gran grupo de solistas rindió con gran corrección, con algunos casos netamente destacables. Paula Almerares cantó la parte de Corina con sus habituales cualidades, bello timbre, impecable afinación, excelente línea de canto, resolviendo sin sobresaltos la parte aguda. Y fue correcta como actriz. Otro acierto a los que nos tiene acostumbrados la soprano platense. El barítono Ricardo Seguel logró una auténtica creación de su Don Profundo. Cantó con gran calidad vocal y actoral su difícil aria y se movió como pez en el agua en el resto de la opera, ganándose de mayor ovación de la noche. Creo que sería más que interesante poderlo apreciar en otros roles. Luis Gaeta, convertido casi en un Maestro de Ceremonias, volvió a lucir su impecable línea, su buena voz, que parece no sufrir el paso del tiempo, y sus más que reconocidas dotes de actor. Sin dudas un cantante irremplazable para ciertos roles.

Nidia Palacios, a pesar de algunos problemas con el volumen, cantó con impecable estilo, inmejorables coloraturas y lució su espléndida elegancia en el segundo acto. Marisú Pavón fue una real sorpresa, cantando en estilo, total libertad técnica y mostrando sus innegables dotes de actriz. Luciano Miotto es otro artista para destacar, cantó con buena voz y excelente línea y fue más que correcto como actor. Del resto del más que numeroso elenco es de destacar el adelanto mostrado por Victoria Gaeta, tanto vocal como escénico, la voz cada vez más importante de Ricardo Crampton, que pide a los gritos papeles de mayor lucimiento, y para tener en cuenta en un futuro cercano Santiago Ballerini, notable en su breve intervención. Tal vez lo menos positivo del elenco fue el tenor Alessandro Luciano, aunque sin dejar de reconocer lo difícil de su parte. Un punto más arriba Francisco Brito, que tampoco logró convencerme en lo vocal pero si como actor. Pero lo que debemos apreciar aquí es el gran trabajo de equipo, sin entradas en falso, todo funcionando a tiempo, un verdadero mecanismo de relojería. Sin las pretensiones de otros títulos de Rossini, la frescura y belleza de la música, las hermosas partes cantadas y calidad de la realización, justifican de sobra el hecho de esta puesta y solo queda felicitar a todo el elenco y al Teatro Argentino por un trabajo sin dudas para recordar.

Diego Matheuz dirige en Caracas antes de partir al Teatro La Fenice

Foto: Diego Mattheuz (Crédito: Marco Caselli Nirmal), Nicola Benedetti.

Fesnojiv

Antes de debutar como el nuevo director principal de la Orquesta del Teatro La Fenice, Diego Matheuz dirigirá dos conciertos en Venezuela. El músico barquisimetano conducirá a la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela este viernes, 22 de julio, y el sábado 30 de julio, ambos a las 5:00 pm, en la Sala Simón Bolívar del Centro de Acción Social por la Música, ubicado en el Boulevard Amador Bendayán de Quebrada Honda, Los Caobos. El 22 de julio, el concierto contará con la actuación del reconocido violonchelista Julian Lloyd Webber, quien interpretará el Concierto para violonchelo y orquesta en mi menor, Op. 85 de Edward Elgar, escrito en 1919. Además de ser considerado uno de los músicos más creativos de su generación, Lloyd Webber ha realizado numerosas y sobresalientes grabaciones, entre ellas la de este concierto de Elgar que fue dirigido en por Yehudi Menuhin y elegida por la BBC Music como la mejor versión que se ha hecho de esta obra.  Lloyd Webber también ha sido encargado por el gobierno británico para dirigir el proyecto En Armonía desde enero de 2009 y que se inspira en el Sistema de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, perteneciente a la Fundación Musical Simón Bolívar – adscrita al Ministerio del Poder Popular del Despacho de la Presidencia de la República Bolivariana de Venezuela -. El programa de este concierto también incluirá la Pavana para una infanta difunta de Maurice Ravel, la Sinfonía n.° 35 en re mayor “Haffner” de Mozart y la Sinfonía n.º 1 en re mayor “Clásica” de Prokofiev.

El siguiente concierto, que se llevará a cabo el sábado 30 de julio, tendrá como invitada a la violinista Nicola Benedetti, quien interpretará el Concierto para violín y orquesta en re mayor de Tchaikovsky. La Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela también hará sonar la Suite sinfónica Scheherazade de Nicolai Rimski-Korsakov. Benedetti, quien el año pasado participó en un ensayo didáctico junto a la violinista venezolana Angélica Olivo, el maestro Diego Matheuz y una fusión de estudiantes de música del Reino Unido y Venezuela que se encontraron en el Southbank Center de Londres, también viene a Venezuela para ofrecer clases magistrales.  Nacida en 1987, en North Ayrshire, Escocia, Benedetti ha venido consolidando una carrera sostenida desde los 4 años de edad. Ganadora del premio BBC Joven Músico en el año 2004, la violinista ha tocado regularmente con la Real Orquesta Filarmónica y la Orquesta Real Nacional de Escocia, y tiene seis álbumes grabados.

Camino a andar

Al partir de Venezuela, en agosto, el maestro Matheuz dirigirá a la Filarmónica Real de Estocolmo, la orquesta Saito Kinen en una gira por Asia y, en septiembre, conducirá no sólo a la Orquesta del Teatro La Fenice en su debut como director principal, sino a la Filarmónica della Scala. En el último trimestre del año tiene previsto alzar la batuta frente a la Orquesta Filarmónica de Monte Carlo, en la ciudad italiana de nombre homónimo, y a la Orquesta Philharmonia en Londres. En diciembre, Matheuz dirigirá el tradicional concierto de fin de año del Teatro La Fenice, donde trabajará los próximos cuatro años.

Intervista al soprano Desirée Rancatore

Foto: Il ratto dal serraglio - Teatro Real de Madrid / Javier del Real; Lucia di Lammermoor - Teatro Massimo di Palermo /©Franco Lannino-Studio Camera, I Puritani Wien Staatsoper; Rigoletto - San Francisco Opera.

Renzo Bellardone

Desirée Rancatore nasce nel 1977 a Palermo, dove inizia lo studio del violino e del pianoforte per approdare poi al canto; dopo le prime lezioni con la madre Maria continuerà a perfezionarsi con Margaret Baker Genovesi a Roma. All’età di soli 19 anni e dopo aver già ottenuto apprezzamenti e riconoscimenti, debutta nel ruolo di Barbarina – Nozze di Figaro-al festival di Salisburgo, mentre il suo debutto italiano avverrà nello stesso periodo al Regio di Parma, nel ruolo di ‘Vivina’-L’Arlesiana di Cilea-. Da questo momento calca i palcoscenici dei più importanti teatri d’opera tra cui il Comunale di Bologna, il Maggio Fiorentino, il Carlo Felice di Genova, il Massimo di Palermo, l’Opera di Roma, il Regio di Parma, lo Sferisterio di Macerata ed il Rossini Opera festival di Pesaro. Dopo Parigi, dove per la prima volta interpreta il ruolo che la fa affermare definitivamente, ovvero Olympia , la bambolina di ‘Les Contes d’Hoffmann’, conosce e si fa conoscere a Cincinnati, Bruxelles, Las Palmas, La Corunna, Tokyo, Vienna, Montpellier e Salisburgo. Nel 2004 partecipa alla celebre riapertura del Teatro alla Scala di Milano con ‘Europa Riconosciuta’ diretta dal Maestro Riccardo Muti; collabora con altri grandi direttori quali Conclon, Soudant, Neschling, Biondi e registi ed artisti di riconosciuta fama internazionale.  Soprano concertista e cantante d’opera, dopo aver ottenuto riconoscimenti prestigiosi quali il Premio Zenatello all’Arena di Verona, è stata la protagonista del concerto di Cadonanno a fine 2010 al Teatro ‘La Fenice’ di Venezia.

Lei è ‘La Bambolina - Olympia’ da Les Contes d’Hoffmann per eccellenza, ma a passi sicuri sta conquistando le platee di mezzo mondo anche con ruoli ben più tragici, come ora, che sta per rivestire nuovamente i panni di Gilda in ‘Rigoletto’ allo Sferisterio di Macerata 2011. Ci vuole raccontare di come si cala emozionalmente in ruoli così opposti tra di loro?

Beh…Olympia mi è molto cara per tutto quello che ha rappresentato per molti anni della mia carriera; i ruoli che affronto ormai da cinque anni a questa parte, sono però quelli che più sento miei, sia per qualità di canto, di possibilità d’espressione ed impegno vocale. Calarsi nel personaggio ….. succede da subito, fin da quando cominci a studiare ogni virgola, ogni pausa, ogni parola, facendolo tuo; quando poi lo si porta in scena non è più un interpretare, ma un vivere ciò per cui hai studiato per mesi e che ormai ti è entrato nell’anima.

Lei è figlia d’arte, ovvero figlia di musicisti: quanto ha influito questo, nella sua scelta professionale?

Dovrei dire molto, ma onestamente per la scelta nello studio del canto non è così. Studiavo violino spinta da papà (orchestrale) ma il canto l’ho scelto da sola, nonostante la mamma cantante!!!!!!

Agli inizi della sua folgorante carriera avrà certamente avuto un ‘mito’ cui ispirarsi: ci vuole dire chi e perché?

Tutti noi abbiamo dei miti da cui trarre forza e motivazione per studiare e studiare….quindi si, anch’io avevo ed ho dei miti che mi hanno ispirato e mi ispirano, ma guai a cercare di emularli o copiarli…..ognuno di noi è unico per le proprie caratteristiche. Di Callas, Sutherland, Scotto e di Devia ce ne saranno sempre solo ‘una’ al mondo. Io sono Callassiana nell’anima, ma non per questo non apprezzo le altre grandi della lirica e fra queste Devia è il mio grande mito…

Dopo le prime lezioni con la mamma ed il perfezionamento a Roma, appena maggiorenne ha avuto il debutto significativo e premonitore: Salisburgo. Che ricordi ha di quelle prime, seppur non lontanissime, esperienze?

Delle lezione della mamma o un ricordo vivissimo, anche perché fino a ieri studiavamo insieme!!!! Delle lezioni a Roma con la mitica Signora Baker ho dei ricordi vivissimi di tutti gli insegnamenti di tecnica e di vita che questa Maestra mi ha dato; ricordo persino la voce ed ogni tanto la immagino mentre mi dice una delle sue frasi con l’elegante accento inglese…Del debutto a Salisburgo, a 18 anni, ricordo soprattutto la mia innocenza, la mia estraneità a questo mondo e l’incoscienza di affrontarlo come un gioco: per me è stato un onore ed un privilegio poter cominciare da lì, con i più grandi…

Ormai ha calcato i palcoscenici di molti importanti teatri del mondo ed i suoi ritorni a casa sono sovente legati anche al lavoro, come per ‘Lucia di Lammermoor’ al ‘Massimo’ di Palermo: ci vuole raccontare cosa significa per Lei cantare nella terra d’origine?

Per me è sempre una grande gioia cantare nella mia Palermo e nel teatro che mi ha vista bambina dietro le quinte, osservatrice di un mondo da favola….Emettere quindi suoni in quel tempio, è per me fonte di felicità.

In qualche intervista ha dichiarato che uno dei momenti più belli della sua vita è stato il debutto alla celebre riapertura della Scala nel 2004, con ‘Europa Riconosciuta’. Cosa riporta nel cuore di quella emozione????

Ricordo l’audizione fatta col grande Maestro Muti alle 11 del mattino con l’aria più impervia che abbia mai cantato in vita mia (…e ne ho cantate!!!!) e poi la grande gioia di essere presa , di ricevere i suoi complimenti, di aver avuto la possibilità di scegliere il ruolo dell’opera in questione……poi l’inizio delle prove con lui, una fonte di grande ispirazione musicale e culturale

Ormai ha lavorato con i grandi direttori d’orchestra e registi; cosa si attende, cosa persegue e cosa punta ad offrire con il personaggio di Gilda in ‘Rigoletto allo Sferisterio, con la regia di Massimo Gasparon e la direzione del giovanissimo Andrea Battistoni????

Quello cui punto sempre è emozionarmi emozionando; cerco quel brivido da poter vivere e far vivere: solo così un personaggio anche interpretato mille volte avrà sempre tanto da darti. Sono felice di lavorare con la regia di Massimo con cui stiamo lavorando benissimo e di collaborare con il giovanissimo Andrea che ha gran talento.

Signora Rancatore, sono curioso ed impiccione e frequentando Face Book, mi permetto chiederle: questo, è per lei un momento di serenità?

E’ un momento di equilibrio con me e con gli altri; grazie ai miei ed al mio fidanzato non mi manca mai l’appoggio che necessita a chi fa questo mestiere.

E sempre a proposito di curiosità, qual è il personaggio, mai interpretato, che costituisce il suo sogno segreto?

‘Violetta’ è il mio sogno segreto, ma c’è ancora un bel po’ di tempo prima di arrivarci…..tante ‘Lucie’, ‘Adine’, ‘Elvire’ e ‘Gilde’ mi attendono ancora.

Signora Rancatore, La ringrazio sinceramente per la fresca simpatia con cui si pone e la saluto con un arrivederci allo Sferisterio 2011. In bocca al lupo.

http://desirerancatore.blogspot.com/

Mitridate, Rè di Ponto live from the Bayerische Staatsoper Munich, 21 July, 2011 (Opening Night)

Photo: Anna Bonitatibus as"Sifare" and Patricia Petibon as"Aspasia" (Bayerischen Staatsoper 2011)

Listen to Mozart's "Mitridate, rè di Ponto" (opening night)  broadcast live from the Prinzregententheater (Bayerische Staatsoper Munich)

Munich Opera Festival 2011

Festival Première on Thursday, 21 July 2011

Playing time: 3 hours, 35 minutes (2 intermissions)

19:00 hrs (Germany, Europe)

13:00 pm Eastern Time USA (ET)

12:00 pm  Central Time  USA(CST)

11:00 am Mountain Time  USA (MST)

10:00 am Pacific Time  USA (PST)

Enter:

Español:
Transmisión en vivo de la opera Mitridate de di Ponto de Mozart desde la Opera de Munich, el 21 de julio del 2011 a las 19:00 (horario europeo). Para escuchar entrar al siguiente vinculo y luego ingresar en live hören en el botón rojo del lado derecho superior.

http://www.br-online.de/br-klassik/index.xml 

Click On: live hören (red square on the upper right side)

Cast:
Mitridate - Barry Banks
Aspasia - Patricia Petibon
Sifare - Anna Bonitatibus
Farnace - Lawrence Zazzo
Ismene - Lisette Oropesa
Marzio - Alexey Kudrya
Arbate - Eri Nakamura
Chorus -Chor der Bayerischen Staatsoper
Bayerisches Staatsorchester (The Bavarian State Orchestra)
Conductor: Ivor Bolton

Additional info:

English (Synopsis, Biographies)

http://www.bayerische.staatsoper.de/889-ZG9tPWRvbTEmZmxhZz0xJmlkPTIyNTgmbD1lbiZ0ZXJtaW49OTA5OA-~spielplan~oper~veranstaltungen~vorstellung.html

German:

http://www.br-online.de/br-klassik/programmtipps/highlight-festspielzeit-2011-mozart-mitridate-ID1309264270733.xml

http://www.br-online.de/br/jsp/global/funktion/programmvorschau/programmfahne.jsp;jsessionid=LUYNARTGPOQUECSBUKSSFEQ?datum=21.07.2011&programm=B4

Photo: Barry Banks as "Mitridate" Anna Bonitatibus as"Sifare" and Patricia Petibon as"Aspasia" (Bayerischen Staatsoper 2011)

Lyric Opera of Chicago presents piano superstar Lang Lang

Photo: Lang Lang

Lyric Opera of Chicago presents piano superstar  Lang Lang  at the Civic Opera House May 12, 2012,  in his only Chicago-area appearance in the 2011-12 season. Tickets go on sale to subscribers July 22, to general public August 1

The internationally acclaimed Chinese pianist Lang Lang has chosen the Civic Opera House, home to Lyric Opera of Chicago, for his only Chicago-area concert in the 2011-12 season.  Not that he will be playing operatic transcriptions or collaborating with singers; Lang Lang’s May 12 solo recital will comprise Bach’s Partita No. 1 in B-flat Major, Schubert’s Last Sonata in B-Flat Major, and a dozen Chopin études. The performance will take place a month before the pianist’s 30th birthday.  Tickets for Lang Lang’s May 12 evening recital go on sale to Lyric subscribers July 22 and to the general public August 1. They can be purchased online (www.lyricopera.org) or by calling Lyric’s ticket office (312-332-2244, ext. 5600), and will also be available at Lyric’s box office starting Mon., Sept. 19 at noon.

Regular-priced tickets range from $25 to $125, with premium-priced tickets available for $500, including a post-concert reception with the artist. In addition to the regular theater seating, limited onstage seating will be available to the public for $95 and $125, for which reservations can be made only by calling Lyric’s ticket office (312-332-2244, ext. 5600).  A video camera positioned above the keyboard will enable concertgoers seated in the theater to view the pianist’s hands throughout the recital on a large screen above the stage.

Lang Lang has dazzled Chicago-area audiences (and the world) since his 1999 surprise debut here at age 17, when he replaced an ailing colleague in a Tchaikovsky piano concerto with the Chicago Symphony Orchestra under Christoph Eschenbach at the Ravinia Festival’s “Gala of the Century.” He has performed in countless prestigious venues, before numerous heads of state, and for a television audience of four billion during the opening ceremony of the 2008 Olympic games in Beijing.  Lang Lang’s management approached Lyric Opera about engaging the pianist, and a mutually agreeable date was decided.

“I am honored and thrilled to have an opportunity to perform at the Civic Opera House, the home of the legendary Lyric Opera of Chicago,” Lang Lang said. “My longtime fascination with opera and its power to transform reality has, in a way, informed my own piano playing. I have been trying to channel the same degree of passion and intensity into my performances, and I see this recital as my tribute to this highly compelling genre. It is also a pleasure to play in front of a new audience and I hope that they will enjoy the experience.”

“Having this brilliant pianist play on the stage of the Ardis Krainik Theatre next spring is just the sort of event that Lyric Opera seeks to present outside the regular opera season and repertoire,” said Anthony Freud, general director designate. “Offering exceptional non-operatic performances by the world’s finest artists to our audience fits the larger vision for this company shared by Lyric’s creative consultant Renée Fleming, music director Sir Andrew Davis, and myself.”

When the Renée Fleming Initiative was unveiled in December 2010, Fleming stated, “Lyric’s Civic Opera House is an architectural treasure; one of the most beautiful theaters in the world. The company is also in the advantageous position of owning the theater, which opens up the possibility of non-operatic programming. This type of presenting is occurring in many major theaters today as a way to bring in audiences who might not otherwise be familiar with the theater or the opera, and who might as a result be less intimidated about expanding their musical horizons. Such concerts also serve to increase revenue during Lyric’s off-season.”

Heralded as the “hottest artist on the classical music planet” by The New York Times and as one of Time magazine’s “100 Most Influential People in the World” (2009), virtuoso pianist Lang Lang, 29, has played sold-out recitals and concerts in every major city in the world. He has collaborated with world-renowned conductors including Christoph Eschenbach, Daniel Barenboim, Zubin Mehta, Sir Simon Rattle, and Seiji Ozawa, among others.

His performance at the opening ceremony for the Beijing Olympics in 2008 was viewed by more than 4 billion people, which inspired more than 40 million Chinese children to take up classical piano – the so-called “Lang Lang effect,” as it was dubbed by NBC’s “The Today Show.”

At the beginning of the 2011-12 season, Lang Lang will perform at the San Francisco Symphony’s 100th Anniversary Gala concert and at the Last Night of the Proms at the Royal Albert Hall in London. Also this season, he will be creative director of the Ascent Series at the Cincinnati Symphony Orchestra. In addition, he will tour with the Concertgebouw, Vienna Philharmonic, and the New York Philharmonic.

In 2010-11, Lang Lang performed at the opening night of Christoph Eschenbach’s inaugural season with the National Symphony Orchestra and at Carnegie Hall’s season opener with the Vienna Philharmonic. The Salle Pleyel in Paris presented the “Lang Lang Festival,” which included a joint concert between Lang Lang and tenor Roberto Alagna. London’s Southbank Center presented “Lang Lang Inspires,” which included the “Massed Piano Project,” during which he played with 100 young pianists on 51 pianos. In addition, he performed on the New Year’s Eve concert with the New York Philharmonic at Lincoln Center, and also held residencies in Milan, Madrid and Sydney.

During the summer of 2009 Lang Lang gave a world tour with jazz legend Herbie Hancock, following their performance at the 2008 Grammy Awards. Also that year he performed at the Nobel Peace Prize ceremony for President Barack Obama, and at the Nobel Peace Prize concert in Oslo. (He’d been a guest soloist at the 2007 Nobel Prize concert in Stockholm.) His autobiographies Journey of A Thousand Miles: My Story and Playing with Flying Keys (for children) were published to critical acclaim by Random House in 2009.

Additional highlights of 2009-10 included performing in the Carnegie Hall festival “Ancient Paths, Modern Voices: Celebrating Chinese Culture,” where he premiered Chen Qigang’s new piano concerto, “Er Huang,” and closed the festival with a performance of Rachmaninoff’s second piano concerto with the Shanghai Symphony Orchestra. He presented “Lang Lang and Friends,” a concert featuring rising talent from the United States and China, performing works by Western and Chinese composers. The Musikverein in Vienna presented the “Lang Lang Fest,” which included a joint concert between Lang Lang and mezzo-soprano Cecilia Bartoli. He was the youngest instrumentalist ever invited for a residency with the Berlin Philharmonic, which comprised several concerts, including one with 100 schoolchildren.

In 2008 he launched the Lang Lang International Music Foundation in New York (with support from the Grammys and UNICEF), with the mission of inspiring the next generation of classical music lovers and performers by cultivating tomorrow’s top pianists, championing music education at the forefront of technology, and building a young audience through live music experiences. Through the strategic work of his new foundation, which is committed to children and music education, Lang Lang works with exceptional partners to inspire young people to believe that music can make life better. The Financial Times has called him “evangelical in his efforts to spread the popularity of classical music.”

He gives master classes regularly at top international conservatories and has held music residencies in numerous cities around the world. Lang Lang is the first ambassador of the YouTube Symphony Orchestra, a project created by YouTube and Google devoted to building new audiences and bringing classical music to young people globally.

Lang Lang began playing piano at the age of three. His interest was spurred by his first contact with Western music, an episode of the classic Tom and Jerry cartoon series entitled “The Cat Concerto,” which features Liszt’s Hungarian Rhapsody No. 2. By the age of five, Lang Lang had won the Shenyang Competition and had given his first public recital. Entering Beijing’s Central Music Conservatory at age nine, he won first prize at the Tchaikovsky International Young Musicians Competition and played the complete 24 Chopin études at the Beijing Concert Hall at age 13.

Since 2010 Lang Lang has recorded exclusively with Sony Music Entertainment. He is the featured soloist on the Golden Globe-winning score of The Painted Veil (Alexandre Desplat, composer) and can be heard on the soundtrack of The Banquet (Tan Dun, composer). All of his albums have entered the top classical charts as well as many pop charts around the globe. His album of Beethoven’s piano concertos No. 1 and No. 4 with L’Orchestre de Paris (Christoph Eschenbach, conductor) debuted at the top of Billboard’s classical chart. Lang Lang also appeared on Billboard’s new-artist chart at the highest position ever for a classical artist.

In 2007, Lang Lang was nominated for a Grammy Award (the first Chinese artist to be nominated for best instrumental soloist). He has recorded the movie soundtrack of the Japanese blockbuster film Nodame Cantabile, Chopin’s 24 études for “Project Chopin” (the largest project in honor of Chopin’s bicentenary) ,”Nuit De Mai” with tenor Plácido Domingo, and performed the opening sequence for Gran Turismo, the highly successful video game.

Entrevista con el famoso director italiano Pier Luigi Pizzi

Foto: Pier Luigi Pizzi, Teatro Lauro Rossi

Renzo Bellardone

El director de escena, escenográfo y creador de vestuarios Pier Luigi Pizzi, nació en Milán donde realizó sus estudios de arquitectura y recibio lecciones de teatro de Giorgio Stehler. Desde 1951, Pizzi ha participado como escenografo en mas de 300 espectáculos al lado de diversos directores de escena en los teatros y festivales mas importantes del mundo. En el 2006, Pizzi fue nombrado director artístico del “Sferisterio Opera Festival” de Macerata, Italia. El maestro Pizzi aceptó amablemente hacer esta breve entrevista.

Maestro Pizzi ¿Me permitiría comenzar esta entrevista de modo gracioso? Recorriendo su larga carrera uno se da cuenta que usted es director de escena, escenográfo, diseñador de vestuario. Después, buscando su fecha de nacimiento descubrimos que usted nació bajo el signo de géminis, que de acuerdo a la astrología es el signo dominado por el aire, por la fantasía, y esta caracterizado por un inteligente y creativo dinamismo, por ello, no debería sorprendernos que en las librerías se encuentre un libro con un titulo intrigante como “La Creación Impaciente” presentado justo el día de su cumpleaños. ¿Qué nos puede decir al respecto?

Es un libro que me ha gustado mucho porque el autor Pierfrancesco Giannangeli ha podido, por medio de una feliz síntesis, recorrer mi larga carrera en el teatro de prosa, que esta menos documentada que aquella que esta ligada al teatro lírico. En la gestación del libro, he podido abrir los cajones de un archivo olvidado para revivir veinte años de un viaje iniciado y que poco a poco ha dado cuerpo a tantas memorias, lugares, episodios, ocasiones, amigos; todo ello hecho con felicidad y sin tristeza.

En el Festival Sferisterio de Macerata cumplirá este año su sexta temporada como director artístico, y además, como director de escena, escenográfo y vestuarista firmará la puesta en escena de Cosi Fan Tutte y Un Ballo in Maschera. ¿Estas dos operas inspiraron el titulo de la temporada “Libertad y Destino?

Es más bien lo contrario. La elección de las operas nace siempre del tema.

Sus realizaciones escénicas – que son funcionales para la dirección escénica- además de ser elegantes y esenciales cuentan con elementos en los que resalta la arquitectura, y buscan siempre la “belleza pura” Además de la sólida técnica ¿cuenta de espiritualidad contienen sus realizaciones?

Desde hace años sostengo mi trabajo en un teatro ético, por ello quiero decir que la espiritualidad esta en el centro, y que no excluye la búsqueda estética.

En la dirección escénica de sus obras existe siempre mucho respeto hacia los compositores, hacia los músicos y hacia los cantantes, pero mas allá de ello, ¿Qué parte ha jugado la música en su vida?

Estoy convencido que el respeto es necesario y fundamental. Respecto a la música no puedo imaginarme una vida que pueda esta privada de ella.

Maestro Pizzi creo que todos tenemos algún sueño por realizar, por ello, y a pesar de todas sus realizaciones que se han materializado y tantos reconocimientos que ha obtenido ¿tienes usted algún sueno que quisiera confesar?

No tengo solo un sueño, tengo cien mil y en lo que me resta de vida espero aun poder realizar alguno.

Ahora que estamos cerca del inicio del festival Sferisterio 2011 ¿podría anticiparnos algo respecto a la “paciente o impaciente” creación de sus operas en cartelera para este año?

La programación de la sexta edición del Sferisterio Opera Festival prevé la inclusión de dos operas verdianas en la Arena Sferisterio, que serán un Ballo in Maschera y Rigoletto, este ultimo en coproducción con la Fondazione Pergolesi Spontini de Jesi y el Circuito Lírico Lombardo, así como una velada de ballet en colaboración con Civitanova Danza, como parte del proyecto Danza all’Opera que tendrá como protagonista a Svetlana Zakharova.

En el Teatro Lauro Rossi, tendremos Così fan tutte en coproduccion con la Fondazione Teatro delle Muse di Ancona y la Festa Monteverdiana con Anna Caterina Antonacci. El tiempo de Mahler en el Cineteatro Italia celebra el centenario del gran compositor, y la apertura del festival el 22 de Julio se la hemos confiado a Massimo Cacciari que nos explicará que significado tiene para el, el tema de este año “Libertad y destino”.

Maestro Pizzi le agradezco la cortesía de haber aceptado esta entrevista y por la gentileza de sus respuestas. Saludándolo no me resta mas que expresarle toda mi admiración por su actividad artista, con un hasta pronto ya que nos veremos en el Sferisterio 2011 de Macerata en “Libertad y Destino”

La Italiana en Argel de Rossini en el Teatro alla Scala de Milán

Fotos: Marco Brescia & Rudy Amisano / Teatro alla Scala

Renzo Bellardone

Una escenografía de un refinado rojo antiguo con damasco en oro pálido, recibió la obertura interpretada por la Orchestra dell’Accademia del Teatro alla Scala, dirigida por el maestro Antonello Allemandi quien inicialmente privilegió una lectura lenta respecto a la esperada vivacidad, que aparecería durante el segundo acto y seria constante durante el resto de la funcion. Zulma, que fue la primera en aparecer, fue interpretada por la convincente mezzosoprano Kleopatra Papatheologou quien desplegó una voz calida y potente; después arribó el Bey, del apreciable bajo Simon Lim –que quizás por elección del director de escena- Jean Pierre Ponnelle, repuesta la obra en esta ocasión por Lorenza Cantini- se anunció sin el tono imperioso y autoritario que debería asustarnos a todos, sobretodo a las mujeres, además de los temerosos eunucos. Espectacular estuvo el coro de la Scala dirigido por Alfonso Caiani – cuyos miembros vestidos con elegantes vestuarios reflejaban los colores de la refinada escena, mientras bordaban temblorosos un largo lienzo para Mustafà. La soprano Linda Jung tuvo una buena prueba vocal en el papel de Elvira, la mujer engañada por el Bey. El capitán de los corsarios argelinos, Haly fue personificado por el óptimo Valeri Turmanov quien además de no olvidarse del resultado vocal, supo bromear y ser cómico en el papel del aspirante verdugo; así como mas que creíble pareció Taddeo gracias a la buena interpretación como actor y cantante de Filippo Fontana.
En el recitativo del primer acto entre Mustafà y Lindoro, el tenor Enrico Iviglia, pareció levemente tenso, pero como fue avanzando la opera fue soltándose hasta dar una grata versión de su personaje.  La italiana hizo su ingreso en Argelia con seguridad, por su presencia escénica y su brillante voz: y en el transcurso de la función anuló toda sombra emotiva inicial para dejar espacio solo para la claridad cristalina, aunque de hecho, fue con voz segura y rica de armoniosas tonalidades, como la mezzosoprano valenciana Silvia Tro Santafé afrontó con audaz sabiduría al escenario en su debut scaligero.  Al final del primer acto el ‘Viva viva il flagel delle donne…’ cantado de manera cómica por los eunucos y el ‘…quali occhiate…ho inteso tutto’ cantado por Isabella, reavivaron el espectáculo donde la inexperiencia masculina del atónito Bey se convirtió en creíble frente a la astucia femenil de la italiana. Los momentos divertidos son verdaderamente muchos en esta opera rossiniana, como la investidura del concientemente burlado Taddeo en ‘..Kaimakan, Protettore de’ Musulman’ y la posterior proclamación del ‘Pappataci Mustafà’ con el coro verdaderamente simpático de los Pappataci. Entre gags, comicidad y situaciones escénicas, la narración musical transcurrió con un brillante crescendo de la orquesta y de los cantantes que con técnica y dedicación supieron apagar la vaga perplejidad inicial. Al final la música vence siempre.

2011 Bard SummerScape Festival Enriches Exploration of “Sibelius and His World” with NY’s First Fully-Staged Production of Richard Strauss’s Opera Die Liebe der Danae (July 29 – Aug 7)

Photo: Bard Summerscape: The Richard B. Fischer Center for the Performing Arts/ Danae and the shower of gold (detail) Red figure bell krater from Boeotia, ca 430 BCE. Photo: Herve Lewandowski. Reunion des Musees Nationaux / Art Resource, N.Y.

http://fishercenter.bard.edu/summerscape/2011/

  Reviving an important but rarely performed opera is one of the ways the Bard SummerScape festival paints a nuanced portrait of the past, and this year’s exploration of “Sibelius and His World” is no exception. This year, Bard presents the first fully-staged New York production of Die Liebe der Danae (The Love of Danae, 1940), by Sibelius’s contemporary Richard Strauss. The production, starring soprano Meagan Miller, will be directed by dynamic young opera and theater director Kevin Newbury, both making SummerScape debuts. The opera’s five performances (July 29 & 31; August 3, 5, & 7) feature the festival’s resident American Symphony Orchestra and music director Leon Botstein, whose 2001 Telarc recording of the work won high praise.

Sibelius (1865-1957) and Richard Strauss (1864-1949) were close contemporaries, whose life and work show noteworthy parallels. In selecting Die Liebe der Danae as its operatic centerpiece, Bard aims to investigate those similarities. Like Sibelius, Strauss excelled at painting nature in sound and the two manifested greater command of orchestral color than any other composers of the 20th century. Both flirted briefly with atonality in the wake of Schoenberg’s first expressionist experiments, Strauss with Salome and Elektra and Sibelius with his Fourth Symphony and Luonnotar. Both composers, moreover, abandoned it soon afterwards, Strauss re-embracing a more tonal musical language with Der Rosenkavalier and Sibelius with The Oceanides and the Fifth Symphony. In addition, both composers turned to the distant past, and in particular to myth, to deal with issues of the day. For Sibelius, the Kalevala provided the basis of his exploration of national identity and nationhood. And Strauss turned to the Greeks to explore love, human nature, and money.

Both supported each other’s work: it was Strauss who conducted the Berlin Philharmonic in the world premiere of Sibelius’s seminal violin concerto in 1905, while, for his part, the great Finn studied Strauss’s music in Germany, where he reported finding Salome’s instrumentation “masterly.” If the two, while each achieving a distinctive and original voice, may be said to have resisted musical modernity, this conservatism extended also to politics: both Strauss and Sibelius, facing different pressures in their respective corners of Europe, made compromising concessions to the Nazis. When Finland allied herself with Germany against the Soviets, Sibelius – championed as a Nordic “Aryan” – became a favorite composer of the Third Reich, and his works received numerous performances. While harboring private doubts about the Nazis’ racial laws and policies, he took no public stand against them, and was assiduous in collecting German royalties.

Strauss, based in Berlin, tried to cooperate with the Nazi regime while maintaining a non-political stance, in order to promote his career and advocate for Jewish friends and relations, who included his daughter-in-law and grandchildren. Although he has often been denounced as a Nazi stooge, in fact Strauss’s role was more complicated; it is telling that he privately considered Goebbels’s “Jew-baiting as a disgrace to German honor,” while the Nazi Minister of Propaganda, in his turn, looked forward to having “no further need of this decadent neurotic.”

This year’s opera presentation is Die Liebe der Danae (The Love of Danae, 1940), Strauss’s penultimate opera. Although the composer lived to see the work in dress rehearsal, its intended premiere was postponed by Goebbels’s declaration of “total war,” and the opera was first fully staged posthumously, in 1952. To this day, Danae has been only rarely performed, owing both to its considerable vocal demands and to the taint of its origins in Nazi Germany. Nevertheless, connoisseurs of Strauss tend to have a special regard for the work. According to his biographer Michael Kennedy: “Die Liebe der Danae does not deserve its neglect. Its third act alone lifts it into the category of first-rank Strauss.”

The libretto, written by Joseph Gregor from a scenario by Hugo von Hofmannsthal, combines the legend of King Midas and the myth of Jupiter’s “golden rain” visitation on Princess Danae into a modern fable on the love of money and the power of love. Set in the doomed bankrupt nation Eos, it represents a wry comment on Germany’s own hyperinflation crisis in the last years of the Weimar Republic. As Botstein comments, the premiere suffered from bad timing, for Gregor’s is “a very ironic libretto … filled with a kind of contemporaneity which didn’t fit in the early ’50s.” Botstein adds: “Danae is actually one of Strauss’s masterpieces… his sort of swan song to the operatic form.”

The new production – the first to be fully staged in New York – will showcase soprano Meagan Miller, German baritone Carsten Wittmoser as Jupiter, and as Midas, Canadian tenor Roger Honeywell, soprano Camille Zamora. Set design is courtesy of renowned Uruguayan architect Rafael Viñoly. The opera’s five performances (July 29 & 31; August 3, 5, & 7) will be sung in the original German with English supertitles, and conducted by music director Leon Botstein.

Opera at SummerScape 2011
Richard Strauss (1864-1949)
Die Liebe der Danae (The Love of Danae, 1940)

Libretto: Joseph Gregor

American Symphony Orchestra

Conducted by Leon Botstein, music director

Directed by Kevin Newbury

Set design by Rafael Viñoly and Mimi Lien

Danae: Meagan Miller

Jupiter: Carsten Wittmoser

Merkur: Jud Perry

Pollux: Dennis Petersen

Xanthe: Sarah Jane McMahon

Midas: Roger Honeywell

Semele: Aurora Perry

Europa: Camille Zamora

Alkmene: Jamie Van Eyck

Leda: Rebecca Ringle

Sosnoff Theater

July 29 and August 5 at 7 pm

July 31, and August 3 and 7 at 3 pm

Tickets: $30, $60, $70, $90

Roméo et Juliette de Berlioz con la Orquesta Sinfónica de Boston

Foto: Stu Rosner / Boston Symphony Orchestra

Lloyd Schwarz

La Orquesta Sinfónica de Boston (Boston Symphony Orchestra) concluyó su accidentada temporada con una exquisita obra, la hermosa “sinfonía” para coro y solistas de Berlioz, Roméo et Juliette.  El director suizo Charles Dutoit condujo musicalmente a la orquesta y el coro Tanglewood Festival Chorus se mostró en buena forma, siendo mitad Montesco y mitad Capuleto.  Dutoit es un director que entiende los arcos melódicos de esta música, que nunca se detienen cuando uno así lo espera, y que mantienen al público colgado de cada frase.  Mi única desilusión –que espero no se convierta en una mala señal de lo que sucederá en el futuro- es la forma y el trabajo que le costo a James Levine acomodar a las secciones de primeros y segundos violines en cada extremo del escenario en vez agruparlos todos juntos, y que en este concierto desapareció, ocasionando que lo que la densa masa musical proveniente de los violines en nada ayudara a  los solistas.  La conmovedora mezzosoprano argentina Bernarda Fink, con su calida voz, cantó la elocuente narración de Berlioz con la pieza mas memorable de toda la obra, que en su momento cantó  Lorraine Hunt Lieberson la última ocasión que  esta orquesta interpretó la obra de Romeo.  Fink mantuvo su propia interpretación, por lo que me resulta muy difícil hacer esta comparación.  El pequeño personaje de Mercutio fue interpretado de manera perfecta por el tenor  Jean-Paul Fouchécourt. Dutoit no mantuvo siempre en control el volumen, lo que hizo que por momentos fuera difícil escuchar a los solitas.  En la menos irresistible música de la obra, ocurrieron algunos problemas de coordinación entre el impasible barítono Laurent Naouri (fraile Laurence) y la orquesta. La orquesta que final resultó ser vencedora a pesar de la forma como fue acomodada-  tocó con afable convicción.

New York, New York BAVENO FESTIVAL 2011 – UMBERTO GIORDANO

Foto: New York New York, Discovery Emsemble

Renzo Bellardone

Sabato 16 luglio ore 21.15. Baveno, Cave. VIBRAZIONI DELLA TERRA. New York, New York. Darius Milhaud , Caramel mou, shimmy, Igor Stravinskij, Rag time, George Gershwin, Rhapsody in Blue, Duke Ellington, Satin Doll, In a mellow tone, Paul Whiteman, Sun Count Basie, Moten swing, Benny Goodman, Sing Sing Sing, King Porter Stomp. LUIGI PALOMBI pianoforte. DISCOVERY ENSEMBLE. LUIGI DI FRONZO direttore. MASSIMO OTTONI artista della sabbia

La musica vibra e divampa all’interno della sala della lavorazione del prezioso granito rosa , presso la miniera di Baveno A prima vista potrebbe sembrare fin troppo facile descrivere un programma conosciuto a tutte le latitudini, ma fin dalle iniziali dissonanze del primo brano, dove solo il pianoforte fa udire una voce schietta, ci si deve ricredere e porsi in attesa di qualcosa di nuovo che infatti non tarda a manifestarsi. Dopo l’esecuzione di Milhaud che fa apprezzare l’acustica dell’insolito contenitore musicale e percepito che la formazione suona con uno stile che va oltre il 2000, ma con lo sguardo volto al compositore, il nuovo si palesa: con l’esecuzione di Rag Time di Stravinskij nella versione originale per 11 strumenti, vengono create sonorità sconosciute a chi da sempre lo ha udito interpretato da grandi orchestre; ogni strumento rimanda un suono definito e l’insieme è un sinfonico Rag Time Con Rapsody in Blue pare di essere all’interno di un film ambientato negli anni 30 ed i rumori della città che si sveglia dall’apparente torpore notturno sono un dipinto a tinte definite, tratti decisi ma provocatoriamente sinuosi e arrotondati. Le veloci mani di Massimo Ottoni, a tempo di musica, disegnano sulla sabbia pertinenti ed evocative immagini, riprodotte in diretta su maxischermo posizionato alle spalle del Discovery Ensemble diretto dal Maestro Luigi di Fronzo, che briosamente propone musica coinvolgente ed anche quando reinterpretata, mantiene tutta la verve dei ballabili dell’epoca che ricorda l’eleganza di Ginger e Fred. I giovani orchestrali meritano tutti un plauso per gli effetti ritmici, i bei ‘glissando’, il canto ed il controcanto di trombe e tromboni; trilli, scale, suoni rauchi si succedono tra un sincopato ed uno swing;  il pianoforte suonato da Luigi Palombi è l’elegante filo conduttore che non disdegna il suono puro o le contaminazioni, fino a perdersi in malinconiche blues notes, In Ensemble con i virtuosismi al pianoforte e le sensibili introspezioni sinfoniche, appaiono le mutevoli figure create con la sabbia: città, foreste, pista del circo equestre, strade, cavallo e cavaliere, ponti e treni, figure solitarie e macchie in frenetico movimento alla ricerca della libertà. Jazz,dixieland, sinfonico realizzano un contemporaneo ‘Inno alla gioia’ con la melodiosità del flauto, le sottolineature dei violini, i ritmi delle percussioni, gli squilli delle trombe ed i gravi ironici dei tromboni.  Le Vibrazioni della terra sono palpabili proprio dove un dono della terra viene lavorato per consentire all’uomo un vita dignitosa e confortevole: dalla Terra, per stare sulla Terra, che fin dalle sue più profonde vibrazioni produce suoni che tutti insieme generano, casuale o voluta, inafferrabile ed evanescente, impalpabile ma eterna : Musica. La Musica vince sempre.