lunes, 30 de abril de 2012

Anna Bonitatibus (mezzosoprano)



Profile  Italian mezzo-soprano. The range of Anna Bonitatibus's interpretations now includes over 50 operas. Particularly noteworthy are her appearances in the most important and familiar works of Mozart and Rossini: thanks to these she has performed on Europe's most prestigious stages and in concert halls worldwide. The Baroque repertoire sees her as the protagonist as well as Neapolitan comic opera and French repertoire.
Study Anna Bonitatibus, a native of the Basilicata region of Italy, began studying music at the age of nine. She received a diploma with honours in both Piano and Voice. After winning several International Voice Competitions, she decided to focus on 18th century and on the Belcanto repertoire and technique.

Performances Her first recording in 1992 was La Griselda by Antonio Vivaldi. Since then, she has performed works from the Baroque Period by Handel, Bach, Vivaldi, Porpora, Bononcini, and Scarlatti, as well as Neapolitan comic operas by Cimarosa, Pergolesi, Paisiello, and Pavesi, Mozart masterpieces, and the leading roles in Rossini’s operas. Anna Bonitatibus has appeared frequently in the world’s most famous opera houses and concert halls such as Covent Garden in London; Nederlandse Opera and Conzertgebouw in Amsterdam; Bavarian State Opera and Rundfunk Bayerisch in Munich; Zurich Staatsoper; Salzburg Festival; Dresden Opera; Tchaikovsky Concert Hall of Moscow; Teatro Real of Madrid; Théâtre des Champs-Élysées in Paris; Monnaie Theatre in Brussels; Wien Staatsoper, Konzerthaus and Theater an der Wien; Accademia di Santa Cecilia in Rome; Salle Pleyel in Paris, and Teatro La Fenice in Venice.

In 1999, she made her debut at the La Scala Opera House in Milan in Mozart’s Don Giovanni, conducted by Maestro Riccardo Muti. In that same year, she also sang Adalgisa in a new production of Bellini’s Norma at Teatro San Carlo in Naples.

In 2000, for the inauguration of the Lyon Opera Season, Anna sang Angelina in Rossini’s Cenerentola, a role she has performed many times at Teatro Comunale in Bologna, Dresden Opera, Bavarian State Opera in Munich, Zurich Opera, Rome Opera, Las Palmas, Moscow, and Frankfurt. Angelina and Rosina in Rossini’s Barbiere di Siviglia, which she performed in Florence and Teatro Regio in Parma, are among her favourite roles. Thanks to her performance of Cherubino in Mozart’s Nozze di Figaro (London, Paris, Munich, Turin, Valencia), Sesto in Clemenza di Tito (Amsterdam, Copenhagen, Budapest), and Romeo in Bellini’s I Capuleti e i Montecchi (Tenerife, Moscow, Genoa), Anna Bonitatibus is a foremost interpreter of en travesti roles.


In 2003, she inaugurated the opera season at the Carlo Felice Opera House in Genoa, portraying Marchesa Melibea in Rossini’s Il Viaggio a Reims. Anna Bonitatibus frequently performs French repertoire: in 2005, at the Bavarian State Opera in Munich, she sang Orphée in Gluck’s Orphée et Eurydice, the version that Berlioz revised for the famous mezzo-soprano Pauline Viardot. She appeared in the roles of the Muse/Nicklaus in a new production of the integral version of Offenbach’s The Tales of Hoffmann staged by Lyon Opera, she sang the title role of L’Enfant et les sortilèges by Ravel (Verona), and she performed Charlotte in Massenet’s Werther in Jesi.

In the 2006-07 season, the artist made her Covent Garden debut in Handel’s Orlando, conducted by Sir Charles Mackerras, and returned that same season for Cherubino. During the 2008-9 season, Anna Bonitatibus performed Rosina in Rossini’s Barbiere di Siviglia, in Baden-Baden, the role of Piacere in Handel’s Il Trionfo del Tempo e del Disinganno at Teatro Real in Madrid, Juno in the new production of Cavalli’s Ercole amante in Amsterdam, Cherubino at Théâtre des Champs Elysées in Paris, Nerone in Handel’s Agrippina, and Dorabella in a new production of Mozart’s Così fan tutte at the Zurich Opera House. She closed the Rossini Festival in Pesaro in 2009 with Petite Messe Solennelle.

During the 2009-10 season, the artist made a hugely successful debut as Isabella in Rossini’s L’Italiana in Algeri in Cologne and sang Ottavia in an elegant production of Monteverdi’s L’Incoronazione di Poppea directed by Robert Carsen in Wien. In February 2010, she received excellent reviews for her debut in a new production of Mozart’s Così fan tutte with the Cleveland Orchestra directed by Maestro Franz Welser-Möst. In 2010 she made her debut at the Wien Staatsoper (Il Barbiere di Siviglia) in a season characterized by many Rossini’s titles (Petite Messe Solennelle at TCE in Paris, L’Italiana in Algeri, Stabat Mater in Cleveland and Anversa, Il Barbiere di Siviglia in Catania and Munich) and by the recitals Un Rendez-vous dedicated to the her latest CD (in Jesi, Hamburg, Naples). Her 2010-11 season ends with the debut in Mozart's Mitridate re di Ponto at Opernfestspiele-Bayerische Staatsoper in Munich.

In the 2011-12 season, among others, she’ll made her debut in the role title of Cavalli’s Didone in Caen, Luxembourg and Paris with William Christie as conductor, Le Nozze di Figaro at Covent Garden in London conducted by Antonio Pappano, and new appointments with Rossini, Monteverdi, Mozart, in Italy and abroad.

Conductors Anna Bonitatibus has sung with conductors Ivor Bolton, René Jacobs, Riccardo Muti, Louis Langrée, Daniele Callegari, Marc Minkowski, Thomas Hangelbrook, Alberto Zedda, Bruno Campanel-la, Alan Curtis, Romano Gandolfi, Marcello Viotti, Ottavio Dantone, Sir Charles Mackerras, Myung-Whun Chung, Lorin Maazel, Jeffrey Tate, Will Humburg, Franz Welser-Möst, Nicola Luisotti, and William Christie.


Directors She has worked with stage directors Roberto De Simone, Jerome Savary, Luca Ronconi, Sir Jonathan Miller, Dario Fo, Irina Brook, Beppe de Tomasi, Emilio Sagi, Laurent Pelly, Bartlett Sher, Sven-Eric Bechtolf, Toni Servillo, Jean-Louis Martinoty, David Alden, Jürgen Flimm, Andreas Homoki, Kasper Holten.


Discography Anna Bonitatibus has made many recordings, the latest of which is Un Rendez-vous (Ariette e Canzoni by Gioachino Rossini) released by the Sony Music/RCA Red Label and Haydn’s L’Infedeltà costante released by the DHM/Sony Classical label. She has worked with several record labels: Deutsche Grammophon for Handel’s Tolomeo and Vivaldi’s Andromeda liberata; Virgin for Scarlatti’s Lettere amorose, Deidamia and Un’Opera immaginaria by Handel; Naxos for Verdi’s Falstaff ; Fenice for Rédemption by César Frank; and also BMG, Abeille, Oehms, and Avie. She appears in several opera DVDs: Handel’s Tamerlano for Arthaus; Rossini’s Barber of Sevillle for Hardy Classic; Ercole Amante by Cavalli for Opusarte, Così fan tutte (Arthaus) and the recently released DVD of L’Incoronazione di Poppea, conducted by William Christie and directed by Pier Luigi Pizzi.


sábado, 28 de abril de 2012

FESTIVAL CASA PUCCINI: UN PROGETTO PER PROMUOVERE Puccini e LUCCA NELMONDO‏

Fondazione Giacomo Puccini

Nasce il Festival Casa Puccini, progetto che la Giunta Comunale ha approvato nella sua fase preliminare di fattibilità, condividendo le sue linee generali con la Fondazione Puccini, la Camera di Commercio e le Fondazioni bancarie. Un’idea che già si annuncia come un evento mediatico di grande risonanza nazionale e internazionale che vedrà Puccini al centro di una rilettura elaborata non solo da addetti ai lavori, ma anche da altre personalità come scrittori, filosofi, registi, artisti e musicisti contemporanei.

Il periodo ipotizzato per questa nuova iniziativa è tra fine novembre e inizio dicembre: 15 giorni di concerti, lectio magistralis, incontri, performance dedicate a Puccini proprio nello spazio temporale segnato dalle due date fatidiche, quella della morte (29 novembre) e della nascita del grande musicista lucchese (22 dicembre). “Questa nuova proposta progettuale completa il percorso di valorizzazione della nostra Città nel segno del Maestro, riuscendo ad unire innovazione e tradizione culturale – sostiene il Sindaco Mauro Favilla Presidente della Fondazione Giacomo Puccini. Gli spazi del Museo Puccini devono essere un salotto vivo, un luogo dove produrre nuovi contenuti culturali nel nome del Maestro in piena sinergia con enti di cultura cittadini e della terra di Puccini sintetizzata dal brand Puccini Museum”.

“Tutto nasce - come spiega l’assessore alla cultura Letizia Bandoni - dalla volontà dell’amministrazione comunale e della Fondazione Puccini, che gestisce la Casa-Museo, a far sì che quello che dal 13 settembre scorso è diventato il ‘luogo’ pucciniano per eccellenza, continui ad essere motivo di richiamo e, nello stesso tempo, una piattaforma culturale sulla quale costruire eventi e nuove relazioni strategiche per potenziare l’offerta complessiva del nostro territorio e accrescerne l’appeal in Italia e all’estero”.

Per la prima edizione del festival, secondo l’assessore alla cultura, potrebbe essere scelto un grande tema, come “Le donne di Giacomo Puccini”, che offre vari spunti di riflessione ed è un argomento sempre di grande attualità. L’iniziativa sarà caratterizzata da una serie di incontri cui prendono parte scrittori, registi, con annessa produzione di video, concerti e mostre a seconda del caso specifico, musicisti di oggi che reinterpretano Puccini.

A fianco di questi grandi eventi, si pensa di organizzare incontri che coinvolgano le scuole, con visite guidate alla Casa natale del Maestro e interventi teatrali dedicati alle singole opere. Tanto per dare un’idea del livello al quale punta il festival, i nomi ai quali si sta pensando per la definizione del progetto sono quelli di autori del livello di Alessandro Baricco, Michela Marzano, Luciana Littizzetto, Corrado Augias, Michael Cunningham, Zadie Smith, David Leavitt, Nicole Krauss, di registi come Woody Allen, Pedro Almodovar, James Ivory, fino al nostro Paolo Virzì. Personaggi che aiuteranno ad analizzare la figura di Puccini in rapporto all’oggi con l’ambizione di realizzare un festival per tutti i ‘palati’, di grande respiro e di richiamo internazionale. Nel segno del Maestro e della sua Città.

Emocionante Roméo & Juliette en Miami FGO


Foto:  Gaston de Cardenas for Florida Grand Opera

Sebastian Spreng

Miami Clasica

De Bellini y Delius a Prokofiev y West Side Story, los amantes de Verona han sido, y seguirán siendo, inagotable manantial de inspiración. Tchaicovsky, Svendsen, Berlioz, Stenhammar y Nino Rota son sólo algunos de los que cayeron bajo su hechizo pero Romeo et Juliette de Gounod es la que quizás mejor represente su traslado al género lírico; una ópera que, aunque almibarada, posee imbatible ímpetu romántico para brindar adecuado marco emocional a la tragedia de Shakespeare. El libreto de Barbier y Carré se concentra al máximo en la pareja – amén de “intervenir” el final – y si a primerizos podría resultarle algo extensa, basta con rendirse ante la bella melodía de Gounod (con buen criterio, la presente versión de la FGO, ha hecho cortes que la agilizan. Acertó la Florida Grand Opera al presentarla como conclusión de su temporada 2011-12 y por vez primera en el Adrienne Arsht Center (la última fue en 2004 en el Dade County Auditorium). La buena recepción por parte de la audiencia se debió a una puesta que funcionó en cada departamento. El dispositivo escénico creado por Erhard Rom permitió el desarrollo casi ininterrumpido de la acción: una Verona estilizada, vagamente inspirada en los fondos arquitectónicos del “Quattrocento” y que en su atemporalidad evoca a Giorgio De Chirico y M.E. Escher. Sobre muros y arcos deslizables, Rom proyectó imágenes prerrafaelistas y efectos lumínicos (de agua para los amantes y de fuego para las familias rivales) donde solo una innecesaria luna en la escena del balcón restó magia a su sencilla pero efectiva concepción. Menos colaboró la intervención de bailarines tanto en el prólogo como en otras escenas que sólo distrajeron la atención del discurso musical; vale destacar que, desafortunadamente, esta es una curiosa, endémica tendencia que se ha instalado en muchas puestas en escena, y en todas partes, con el aparente fin de entretener al público en lugar de enseñarle a apreciar las virtudes de la partitura. No obstante, son reparos mínimos frente a una producción que se erige como la más sólida de la temporada con una destacada actuación del coro a cargo de John Keene, quien usa pianisimos al comienzo; así la masa coral pareció contarle en secreto a la audiencia los sucesos por venir.La orquesta dirigida por Joseph Mechavich tuvo un rendimiento parejo y si en alguna instancia faltó más pasión, nunca cubrió las voces. El elenco cumplió con eficacia las órdenes del director David Lefkowich. Desde el Tebaldo del tenor Daniel Shirley, con el justo metal, así como el Frere Laurent de Craig Colclough, con su requerida gravedad; el Paris de Graham Fandrei, el duque de Joo Won Kang, la sonora Gertrudis de Cindy Sadler y el Stephano de Courtney McKeown, asumiendo un papel siempre ingrato, redondearon prestaciones de buen nivel. Mención especial para Jonathan Michie cuyo Mercucio calentó los motores con la canción de la reina Mab y tuvo fluido desempeño escénico, sin contar con la lucha de espada, renglón en que tanto Montescos como Capuletos demostraron destreza. El joven elenco secundó a dos protagonistas físicamente ideales y creíbles. La despreocupada jovialidad y optimismo de Romeo contrastó con la ensoñada y melancólica Julieta, determinada niña-mujer que presiente la tragedia desde el vamos. Como en la vida, la adolescente fue más madura que su impetuoso enamorado reflejando un rasgo típico de la temprana juventud que contribuyó a delinear mejor los personajes. En su primer Roméo, el francés Sébastien Guèze (31) mostró dicción ejemplar, total compenetración y privilegiado physique du role. Un tour-de-force para cualquier tenor, salió airoso del difícil compromiso del aria “Ah lève toi soleil”, tuvo a disposición todos los agudos – incluso para remontar el concertante que cierra el cuarto acto – y jugó una soberbia escena final. Más experimentada, la Juliette de la soprano mejicana Maria Alejandres (28) fue la revelación de la noche. Habiendo cantado el personaje en Covent Garden, Lausanne y La Scala, exhibió notable seguridad y frescura vocal. El caudaloso centro de su voz posee una velada dulzura poco frecuente en sopranos líricas lo que la aleja del “canario” habitual; una que en intención, carga emocional, buen francés e inflexiones podría recordar a la joven Barbara Hendricks. Alejandres cantó un inolvidable ”Amour, reanime mon courage” y en una feliz jugada, la FGO se aseguró su regreso comprometiéndola para Traviata de la próxima temporRomeo y Julieta fue el título indicado para una noche emocionante y emocional que sirvió de apropiado telón final para Robert Heuer quien se retira después de treinta y tres años en la compañía y veintiséis como director general. Emocionante y emocional.





viernes, 27 de abril de 2012

Attila en el Teatro Roma de Avellaneda - Buenos Aires, Argentina



Soprano Haydée Dabusti,  Mejor Cantante Argentina de la Temporada 2011, premiada por la Asociación de Criticos Musicales de la Argentina

CON MAURICE RAVEL RAVEL DEBUTA EN CHILE JAVIER PIERANES, UNO DE LOS PIANISTAS ESPAÑOLES MÁS DESTACADOS DEL MOMENTO‏


Johnny Teperman

A.El compositor francés Maurice Ravel, muy querido y cotizado en Chile, por sus composiciones muy gratas al oído (en especial su famoso "Bolero"), creó una música a la que habitualmente se vinculó con el impresionismo, con un audaz estilo definido como "neoclásico y, a veces, con rasgos del expresionismo, fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta".

El mes de abril en Chile, Ravel fue el compositor de moda: Inicialmente, la Orquesta Filarmónica de Santiago  dirigida por su titular, Rani Calderon, desarrolló el cuarto concierto de la temporada del Teatro Municipal,denominado "Ravel y la Apoteosis de Vals". En esta presentación se rindió tributo a tres grandes  compositores de la historia de la música: Claude Debussy, Wolfgang A. Mozart y Maurice Ravel. Del autor francés se ofrecieron dos importantes composiciones: la "Alborada del gracioso" y "La Valse".

Luego vino el destacado pianista chileno Alfredo Perl, quien, en el marco del ciclo "Grandes Pianistas de Radio Beethoven", dedicó parte de su presentación a tres composiciones del francés: "Pavana para una infanta difunta", "Serenata grotesca" y "Gaspard de la nuit", ovacionadas en este enfoque del talentoso concertista  en el Teatro Municipal.

Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por revelar «los juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón»

"Hay conciertos que se convierten en vivencia inolvidable. Así ocurre con todos los del pianista Javier Perianes, cuyo arte directo y sin fisuras cala siempre hondo en la memoria." Así definió el crítico de música del Diario español "El Mundo" el trabajo artístico de este destacado músico quien debutó como solista con la Orquesta Sinfónica de Chile, en el Teatro Universidad de Chile.

Javier Perianes llegó a Chile con la recomendación de Michal Nesterowicz, ex director de la Orquesta Sinfónica de Chile y recientemente nombrado Director Titular de la Sinfónica de Tenerife, en España, donde está radicado. El talentoso director de orquesta polaco, quien define a Perianes como “un solista de lujo”,  tuvo a su cargo la batuta del cuarto concierto de la Temporada 2012 de la importante agrupación orquestal chilena, en el que el joven pianista fue el solista del Concierto para Piano En Sol mayor de  Maurice Ravel. Además se interpretaron, la Obertura de "El Príncipe Igor" de Borodin y las variaciones "Enigma" de Elgar.

El joven pianista hispano (34 años), estuvo a la altura de sus antecedentes. Impresionó por su categoría, sencillez y talento, además de su gran sensiblidad en su interpretación de un concierto con muchas variaciones como es el del músico galo. Muy aplaudido por el público, accedió a un "encore", luciéndose una vez más, ahora con "La Chica de los cabellos de lino", de Claude Debussy.

Pieranes se trasladó luego a Brasil para tocar en Sao Paulo, junto a la Orquesta Sinfónica del Estado, en donde interpretará "Las Noches en Los Jardines de España" de Manuel de Falla. Obra incluída en su último CD para Harmonia Mundi, que grabó en Londres junto a la Orquesta Sinfónica de la BBC y el director Josep Pons, grabación que ha obtenido críticas muy elogiosas de la prensa especializada.

Sobre el concierto de Ravel, que interpretó en Chile, señaló: "Bueno. Lo conocía bastante. Lo he tocado ya como unas quince veces y la primera fue con la London Symphony Orchestra, ¡fue una experiencia única tocar esa obra por primera vez con ese orquestón! Siempre me hace ilusión interpretarla.

"Ravel es uno de esos músicos que aspira varias influencias, como el jazz, del pasado y del presente, las integra y las transpone en un lenguaje único, una música con sello propio, un sonido inconfundible: el sonido Ravel. Crea una obra como un condensado perfecto de influencias, llena de colores y muy personal a partir de obras y temas que no son suyos. Es fascinante", finalizó el concertista europeo, cuya visita a Chile fue todo un privilegio. 

Festival Casa Puccini en Lucca, Italia

Fondazione Puccini
 
La Giunta Comunale de Lucca aprobó la viabilidad del proyecto de creación del 'Festival Casa Puccini', que sería gestionado por la Comuna, la Fundación Puccini de Lucca, la Cámara de Comercio local y las fundaciones bancarias de la región.
El Festival Casa Puccini se desarrollará entre el 29 de noviembre (fecha de la muerte de Giacomo Puccini) y el 22 de diciembre (día de su nacimiento) en la ciudad de Lucca. La idea es efectuar una relectura de la vida y la obra del maestro luqués a través de profesionales, escritores, filósofos, cineastas, artistas y musicos. Incluyendo conciertos, conferencias magistrales, reuniones, presentaciones, exposiciones, performances y debates.
 
"Esta nueva propuesta de proyecto completa la revalorización que nuestra ciudad realizó con el nombre del Maestro -dice el alcalde Mauro Favilla, Presidente de la Fondazione Giacomo Puccini-, intentando combinar la innovación con la tradición cultural de nuestra ciudad.
Los espacios del Museo Puccini deben ser, también, un lugar para producir un contenido cultural nuevo en el nombre de Puccini, en plena sinergia con la población local, su tierra y su cultura".

"Desde la reinuguración de la Casa Natal de Puccini -explica la Asesora para la cultura Letizia Bandoni- es voluntad de la administración municipal y de la Fundación Puccini, que la Casa-Museo sea el lugar de pucciniano por excelencia y que, al mismo tiempo, sea una plataforma cultural para construir nuevas relaciones estratégicas y eventos que mejoren la oferta global de nuestro territorio en Italia y en el exterior.
Para la primera edición del festival podría elegirse un gran tema, como 'Las mujeres de Giacomo Puccini', que ofrece diversas aristas de reflexión y es una temática de gran relevancia en la vida y la obra del compositor.

Excelente “Un Ballo In Maschera” en el Teatro El Circulo de Rosario Argentina

Fotos: Martin Dominguez

Dr. Alberto Leal

Una de las óperas más representadas de Verdi, que si embargo hace años que no se presentaba en nuestro país. Ambientada originalmente en Suecia fue modificada por el Maestro, debido a la censura, y trasladada a Boston. Ambas versiones se dan en nuestros días, pero la versión americana – la más frecuentada - fue la elegida por el Teatro El Círculo. Este teatro mantiene en los últimos años la cualidad de elegir títulos de forma inteligente, de la misma forma optar por elencos absolutamente acertados y siempre de atracción para el público. La función brindada tuvo nivel de excelencia, tanto vocal como musicalmente y marca otro escalón para un Teatro que crece constantemente en función a la inteligencia de quienes lo manejan. El Maestro Nicolas Rauss realizó un espléndido trabajo, con excelentes tiempos y manteniendo un justo balance entre foso y escenario, dentro de un estilo auténticamente verdiano y con una Orquesta que lo siguió en todo momento, produciendo un notable volumen. Trabajo de excelencia. El Barítono Leonardo López Linares justificó ampliamente el suceso que está teniendo en Europa. Cantó con hermoso timbre de voz, afinado y totalmente en estilo. Su Alzati! là tuo figlio...Eri tu fue tal vez el punto más alto de la función.  La soprano Virginia Tola, en su primer rol dramático, mostró una voz de muy buen volumen, cantó con excelente afinación y estilo, generando una más que digna personificación de Amelia. No dudo que fue la mejor prestación que le he escuchado a la soprano. Bravo! Y adelante en un repertorio para el que está sin dudas dotada. Fue una pena escuchar, antes de comenzar la función, que el tenor Luís Lima no se encontraba bien de salud y que saldría a cantar por respeto al público.

El asna, que sido una sombra durante toda su carrera, le impedía mostrar su talento una vez más. Cantó los dos primeros actos, aunque con algunos problemas, su hermosa voz, plena de armónicos y su importante volumen fueron un placer para los presentes en la función. Pero no pudo completar la ópera y en el último acto el tenor uruguayo, Gerardo Marandino, ocupó su lugar. Cumplió en forma correcta, aunque la inconfundible voz de Lima sobrevolara el ambiente. Esto es otra demostración que para un teatro organizado no existen obstáculos.  Una gratísima sorpresa fue escuchar a la mezzo Anabella Carnevali, con una imponente voz, excelente extensión y un canto pleno de matices, cuesta creer como no figura en forma habitual en las temporadas de los teatros de Buenos Aires. Jaquelina Livieri, como Oscar, canto y actuó en forma impecable, suelta, con estimables condiciones actorales y sin problema alguno en la parte vocal, otro gran trabajo. El Coro estable cumplió con empeño y profesionalismo su papel. Y no bajó de la corrección el resto del elenco. Pablo Maritano y Nicolás Boni, de quienes siempre hemos valorado sus trabajos, no lograron – en esta ocasión – cumplir con los objetivos. Poco atractivo en lo visual, con algunas marcaciones - como la del Coro en el último acto – totalmente primarias, poco ayudados por una iluminación elemental. Este es un trabajo que es mejor no considerar para dos jóvenes talentos que han hecho puestas de gran valor en un pasado reciente. Siempre es un placer concurrir a una función del Teatro del Círculo, más allá de los kilómetros. En una ciudad que se ve cada vez más bonita, el teatro demuestra que los logros dependen de conocer auténticamente de ópera y recurrir a los cantantes más adecuados para cada rol. Quedamos a la espera del próximo título!

La Forza del Destino - Teatro Colón de Buenos Aires

Foto: Teatro Colón de Buenos Aires.

Dr. Alberto Leal

Siempre es gratificante sentirse más joven, sobre todo cuando uno lleva varias décadas encima. Esa sensación me invadió el domingo pasado cuando asistí al estreno de “La forza del destino”. Sentí, por primera vez, luego de su apertura, que nuestro querido Teatro Colón puede volver a empezar a brillar, como su historia lo reclama. Lo que valoriza más el hecho es que la versión fue mucho más completa que las habituales, con cortes abiertos que no sucedió en el pasado y sobre todo tratándose de una difícil obra Verdi. El Maestro Renato Palumbo realizó un magnífico trabajo, siempre en estilo, con gran temperamento pero cuidando la relación foso/escenario. La Orquesta respondió de excelente forma, brindando una impecable parte en lo musical. El hecho de escuchar la espléndida obertura luego del primer acto, contribuyó gratamente a la comprensión del drama.  Magnifico, sin duda alguna, fue el trabajo del maestro Hugo de Ana, de gran prestigio internacional. Desde momentos totalmente despojados hasta un hermoso Cristo de excelente realización – vaya un reconocimiento para los grandes artesanos de nuestro primer coliseo – de gran tamaño, belleza y absolutamente concreto. Su marcación actoral fue siempre precisa y el uso de algunas proyecciones siempre justas e impactantes. Otro tanto merece su diseño de vestuario, con una paleta de colores muy agradables a la vista y una excelente iluminación. Desde el punto de vista vocal se contaba con un elenco de importantes nombres internacionales. El cantante que más méritos mostró a través de la función fue el Barítono italiano Luca Salsi como Vargas. Con un hermoso timbre, un canto afinado y matizado, buen volumen y muy buenas dotes de actor realizó un trabajo de excelencia que tuvo su punto más alto en su aria "Urna fatal del mio destino" y la correspondiente cabaletta "Eglie e salvo...". Esperemos que repita su visita en otro rol verdiano.
 
La soprano Dimitra Theodossiou, de importante fama internacional y a quien tuve la oportunidad de ver, varios años atrás, en la Opera de Kassel, en el rol de Norma, mostró un hermoso timbre, una voz de adecuado volumen y un canto preciso, matizado, con excelente afinación, culminando con un exquisito “Pace, pace mio Dio!”. El tenor Mikhail Agafonov, como Alvaro, mostró un canto seguro, con agudos potentes y buena entrega. No lo favorece su timbre, seco, bajo en armónicos ni su estilo con claras reminiscencias de la escuela rusa. Pero su prestación fue valiosa y bien retribuida por el público.  El bajo Roberto Scandiuzzi con una excelente voz de bajo, dio la dignidad que su papel requiere, mostrando un contundente sector grave y muy buena línea de canto. Creo que para nuestra conocida Agnes Zwierko Preziosilla no es su rol ideal. Volvió a mostrar su impactante volumen, en algunos momentos sus agudos sonaron algo gritados. Pero se movió con bastante gracia y logró redondear un trabajo plausible. Luis Gaeta, compuso, con su reconocido nivel actoral, un simpático Meliton, más allá de alguna molestia en el sector agudo. Sabe explotar cada una de las situaciones que se le presentan y su nivel siempre es positivo. Muy lucido el Trabuco de Fernando Chalabe. Impactante vocalmente, en su corta parte, Fernando Radó y buen nivel en las intervenciones de Leonardo Estévez, Guadalupe Barrientos y Gustavo Feulien. El Coro estable realizó un excelente trabajo, no solo en la parte vocal sino también en lo actoral, moviéndose con gran soltura en toda la función. Solo espero que este sea un primer paso para mostrar el nivel que puede alcanzar nuestro teatro cuando el elenco está elegido con conocimiento. Y cuando se aprovechan los valores del equipo técnico, como en esta oportunidad.  Como siempre tratamos de hacer, estamos en tratativas de cubrir el segundo elenco. Ojala el Colón nos de la oportunidad. Creo que nuestros artistas lo merecen y no dudo que tendremos muy gratas sorpresas.

Karita Mattila (soprano)

© Cory Weaver 2012

Karita Mattila profile on Opera News Magazine by  F. PAUL DRISCOLL


Karita Mattila is an artist who confounds expectations. I have attended her performances in the opera house and the recital hall for more than twenty years, and on every occasion — whatever the venue and whatever the music — her courage and imagination have amazed me. Her choices as a singer and as an actress are invariably daring and original, characterized by her fierce commitment to the moment. Mattila lives completely in the present tense and never rests on her laurels or repeats herself, delivering her music with the concentrated grace of a true champion. She has a voice that is most often described in terms reserved for varieties of light — radiant, luminous, incandescent, shining. The same adjectives apply to the lady herself, whose artistry and integrity literally seem to brighten whatever she sings. The joy Mattila takes in the act of singing is infectious and her capacity for spontaneity boundless, but make no mistake: a Mattila performance is constructed with unyielding rigor and discipline. Truth is everything to her, and truth is never achieved casually or carelessly. When Mattila takes on a great role, she makes the most of the opportunities it offers her. For an artist of her ingenuity, those opportunities do not stop with a character's "big moments," although Mattila delivers those with splendid flair. She has the ability to craft a living person by finding small moments that would escape the notice of a lesser artist. It is what makes her performances so unforgettable. First-class Leonores in Fidelio are rightly judged by their ability to scale the punishing emotional and vocal heights of Act I's "Abscheulicher!" and the exquisite recognition scene with Florestan in Act II. Without question, Mattila knocked those items out of the park in Jürgen Flimm's unorthodox staging of Fidelio in 2000, establishing her place in the Metropolitan Opera's long line of distinguished Fidelio heroines. But the singular, magnificent completeness of Mattila's Leonore was built on scrupulously observed details — her boyish walk, her hungry bite into a banana, her final look at Marzelline when she realized that the girl's heart had been broken by her impersonation of the youth Fidelio. For once, Leonore's high-stakes disguise was completely convincing: Mattila was a believable young man, as well as a believable married woman. Each of Mattila's performances has given me moments to treasure — the slow turn of Elsa's head to look at Lohengrin; the wide grin of glee as Eva crowned Hans Sachs; the set of Lisa's shoulders when she greeted Gherman for the final time; the quick, feverish flash of terror in Chrysothemis's eyes as she realized the enormity of Elektra's anger. At the close of Act II in a 2003 performance of Jenu°fa in Paris, Mattila's air of humility and forgiveness was so believable — and the acoustics of the Châtelet so perfect — that I could actually hear the sound of weeping in the audience as Jenu°fa accepted the love of the man who had disfigured her. The Châtelet production, a minimalist staging by Stéphane Braunschweig, was not a favorite of the soprano's: to my eye, her sympathy with it had seemed complete. Mattila regards her commitment to a production and its director's concept as a thing of honor and believes that any artist does his or her best work as a member of a team. "Artists can't have prejudices," she told me. "You are a failed performer if you have prejudices. You must be able, sometimes, to do things you don't like. That's your challenge. That's what we get paid for." By her own reckoning, Mattila came into her prime as a singer and actor in the 1990s, at a time when opera companies were increasing their commitment to record performances on video — a happy circumstance for those of us determined to savor Mattila's artistry whenever we can. Forced to choose a favorite Mattila performance on video, I'd grab Luc Bondy's revelatory 1996 staging of Don Carlos, in which Mattila is miraculous. Don Carlos's Act III auto-da-fé scene does not usually belong to its Elisabeth, but Mattila, dressed in a blood-red gown that offers full exposure of her superb shoulders, is as much at the center of this scene as any of the other principals onstage: she listens and watches with her entire body, fully present in the political and familial dramas unfolding before her. In 2009, Mattila sang seven performances of Tatiana in a Met revival of Robert Carsen's beautiful staging of Eugene Onegin. I saw the show four times, and Mattila was glorious every night. What was the Onegin moment that took my breath away? It was another Mattila surprise — Tatiana's non-singing entrance in Act III. As Prince Gremin talked about his young wife, Mattila moved with elegance and dignity among the guests in her husband's ballroom. She greeted each person differently, letting us know with a subtle nod of the head or a gracious smile just who at the ball was an old friend and who was a stranger. She never tried to steal focus — her every gesture was bound to the musical rhythm of what Gremin was singing — but with masterful economy, Mattila let us see how the shy young girl had grown into a princess. It was magic, and it is my all-time-favorite Mattila moment — so far. 
F. PAUL DRISCOLL

martes, 24 de abril de 2012

DIRIGIRÁ JORDI SAVALL CONCIERTO EN PALACIO DE BELLAS ARTES DE MEXICO

 
Jordi Savall con La Capella Reial de Catalunya-Hespèrion XXI y Tembembe Ensamble Continuo

  • El domingo 29 de abril en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes 
  •  
  • Con el programa Folias criollas, la ruta del Nuevo Mundo, diálogo musical México-España

El reconocido violista de gamba, director y musicólogo español Jordi Savall estará al frente de La Capella Reial de Catalunya, Hespèrion XXI, al igual que del grupo mexicano Tembembe Ensamble Continuo, en un concierto especial que se llevará a cabo el domingo 29 de abril en el Palacio de Bellas Artes de México D.F., dentro del programa de Eventos Internacionales del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). Largamente esperado por el público conocedor de su obra y por los seguidores de la música antigua, el concierto de Jordi Savall —originalmente planeado para noviembre de 2011—, se realizará en abril de este año conservando el mismo programa: Folias criollas, la ruta del Nuevo Mundo, un diálogo musical entre la España antigua y las tradiciones barrocas y vivientes huasteca, llanera y jarocha del Nuevo Mundo, cuyo antecedente inmediato es el programa Villancicos y danzas criollas. De Iberia antigua al Nuevo Mundo, el cual realizó una exitosa gira en 2010. El programa que interpretarán los grupos liderados por Jordi Savall está conformado por: Folias criollas para cantar y bailar, que incluye obras de la antigua España, del barroco mexicano y piezas de tradiciones musicales vivas. En palabras del propio Jordi Savall, “al igual que la chacona descrita por Miguel de Cervantes, como ‘esta indiana amulatada’, la gran mayoría de músicas que se desarrollaron a partir del ‘descubrimiento’ y la conquista del Nuevo Mundo, conservan esta mezcla extraordinaria de elementos hispánicos y criollos influenciados por las tradiciones indígenas y africanas”. Desde hace más de treinta años, Jordi Savall ha dado a conocer al mundo obras de música antigua que permanecían abandonadas y se ha dedicado a la investigación, a la lectura e interpretación con su viola de gamba, o bien a la dirección orquestal. Sus diversas y variadas actividades como concertista, pedagogo, investigador y creador de nuevos proyectos, tanto musicales como culturales, sitúan a Savall entre los principales artífices de la actual revalorización de la música histórica y como una de las personalidades musicales más polivalentes de su generación. Con su participación en la película de Alain Corneau, Todas las mañanas del mundo (Tous les Matins du Monde), premio César a la mejor banda sonora, su intensa actividad concertística (140 conciertos al año), discográfica (6 grabaciones anuales) y su propio sello editorial Alia Vox, Savall demuestra contundentemente que la música antigua no tiene que ser necesariamente elitista y que interesa a un público cada vez más joven y numeroso. En este concierto el público podrá escuchar sones y folias con gran variedad de ritmos y melodías, de instrumentos antiguos y populares, de cantos viejos y de letras nuevas, que lo llevarán a un viaje por el tiempo.

THE LIFE AND DEATH OF MARINA ABRAMOVIC EN EL TEATRO REAL DE MADRID

Alicia Perris
Una creación de Robert Wilson (Creador, Director de escena, Escenógrafo e Iluminador), Marina Abramovic (Cocreadora), Antony (Director musical y compositor) y William Dafoe (Actor). Encargo y nueva producción del Teatro Real y el Manchester International Festival, con Theater Basel, Art Basel, Holland Festival, Salford City Council y deSingel de Amberes. 19 de abril de 2012.

Fotografo; Javier del Real / Teatro Real  de Madrid
Había expectación esa noche en la sala, pero mucha más se pudo palpar en el Ensayo General y en el estreno. Como ocurrió otras veces, el público tradicional y clásico asistió a regañadientes, pero ya más acostumbrado a las novedades escénicas del coliseo madrileño y los partidarios del “cambio” se frotaban las manos con entusiasmo. Y volvemos a la eterna discusión que se podía escuchar en los pasillos y el foyer del Real: ¿qué tipo de espectáculo es realmente éste y por qué se celebra en este recinto? ¿No hay otras salas donde poder ofrecerlo a unos admiradores de lo nuevo y lo alternativo?  La misma discusión tuvo lugar en su día- cuentan- cuando el Teatro Colón de Buenos Aires, una sala memorable, empezó a ser utilizado para veladas folklóricas o de tango. Algunos lo vieron como una verdadera conquista de las clases menos favorecidas que no acertaban a disfrutar del añejo teatro, aunque una entrada de Paraíso costara por entonces lo mismo que un viaje en colectivo. Otros pensaron que si ésa era una de las únicas salas aptas para ópera, por qué debía compartirse con proyectos que podían presentarse en otros teatros, teniendo en cuenta la cantidad de ellos de que dispone la capital argentina. Los tiempos han cambiado, se nos escurrieron los años por entre los dedos y las aguas han vuelto a su cauce. Se comparte y se adaptan los gustos a las épocas y, hoy más que nunca, a las limitaciones financieras y económicas de un mundo cada vez más terminal y apocalíptico en el gasto desmedido de los recursos de todo tipo. Construir una obra tomando como punto de apoyo la biografía de un personaje público, artista o performer, pero del que se puede prescindir perfectamente es ya arriesgado. La propuesta se compensa con la maestría y la seducción siempre perversa de William Dafoe al alcance de los ojos, la melodiosa actuación de Antony algo encorsetado en un traje que lo convierte en una imagen poco atrayente pero agradable y seductor en lo vocal. La protagonista de la historia se pasea de un lado al otro del escenario y pone de manifiesto su conflictiva relación con su madre (¡quién no ha escuchado antes situaciones parecidas!), su entorno, su historia y la de su país, en otros tiempos parte de una convulsa Yugoslavia. Hace unos años, cuando alguien acertaba a atravesar aquellos parajes, en general muy bellos y bastante vírgenes como turista o mejor, como viajero inquieto lleno de preguntas, se podía palpar en el ambiente el olor de la catástrofe por llegar, hasta ese punto se percibía el mal ambiente entre la gente y los distintos tipos de poblaciones que compartían un mismo territorio. Por momentos, el montaje de Marina Abramovic es portentoso, potente, pero algo de esa tragedia bélica se ha desprendido de la Historia y se ha colado en esta representación, que se degusta con la incomodidad de algo transgresor, pero enfermizo y falto de límites emocionales. Anguloso y lleno de filos. Helador. Si Abramovic hubiera sido bosnia, el resultado hubiera sido muy diferente, probablemente más luminoso, uterino y acogedor.


ÚLTIMAS NOTICIAS DEL TEATRO REAL Y PREVISIONES POR LLEGAR

El miércoles pasado presentó su renuncia el Director General del Teatro Miguel Muñiz, coincidiendo con el conflicto laboral que el coliseo mantiene con sus trabajadores, debido a una diferencia en el pago de salarios que se llevó a cabo en su día y ahora se le reclama a la plantilla. El nuevo director, muy en sintonía con Gerard Mortier tendrá que hacer frente a las posibles huelgas anunciadas para la próxima puesta, el Cyrano de Bergerac con Plácido Domingo. Cada uno de los días de función, educados y perjudicados asalariados entregaron en edición bilingüe (español e inglés), un texto a los melómanos que llegaban para disfrutar de su velada teatral.  La parte sustancial de ese mensaje dice lo siguiente: “ …Hace dos años, a causa de las reducciones en las aportaciones que el teatro percibiría, pactamos con la empresa una serie de medidas que comprendían reducciones salariales y flexibilizaban nuestras condiciones laborales. Desde entonces, nuestro nivel adquisitivo y nuestra calidad de vida en general se han visto mermados de manera significativa. Ahora, debido a una errónea gestión…se nos hace una reclamación económica que consideramos totalmente injusta, abusiva y desproporcionada…Cordialmente, los trabajadores del Teatro Real”.

Cosi Fan Tutte en el Teatro Regio de Turín

Foto: Ramella&Giannese- Teatro Regio di Torino

Renzo Bellardone

Così fan tutte, ossia La scuola degli amanti fue la ultima de las tres operas del compositor de Salzburgo con libreto de Lorenzo da Ponte, cuya primera representación fue en el Burgtheater de Viena el 26 de enero de 1790. La opera, considerada frecuentemente algo mas que una farsa revestida de agradable música se concretiza en un evento hecho de intrigas amorosas y artimañas artificiales que conducen a un final completamente respetuoso de la conveniencias “de fachada” que contenta a los “bien pensados” con un final feliz sin problemas. De cualquier forma la opera es siempre divertida, y muy agradable para ser escuchada, y aun en tiempos difíciles, hace estar de buen humor. Vittorio Borrelli retomó la dirección originalmente firmada por Ettore Scola, la cual demuestra todos los años que tiene. Borrelli la aligeró un poco y meritoriamente la hizo más brillante. En la opera enfocada en cinco personajes hubo un ir y entrar de figurantes y coristas sobre la escena de Luciano Riccerri, de por si rica con una pintura napolitana del siglo dieciséis, además se remarcó el carácter napolitano de la opera con la clase de los vestuarios de Odette Nicoletti, algunas tazuelas y café que tomaban los personajes, y la sobria pero bien utilizada iluminación de Andrea Anfossi. La valida orquesta del Regio fue dirigida por un atento Christopher Franklin que apuntó con éxito todas sus bien calibradas energías hacia el resultado musical y vocal. El coro en sus pocas intervenciones, resultó impregnado y calibrado con la habitual y precisa dirección de Claudio Fenoglio. Fiordiligi fue interpretada por Carmela Remigio quien se lanzó en agilidad y agudos centelleantes así como en tristes recitativos. Laura Polverelli vistió el papel de Dorabella con la habitual seguridad interpretativa que obtiene de una rica paleta de colores. Ambas consolidadas y afirmadas interpretes internacionales de sus respectivos papeles, dieron lo mejor de la opera mozarteana. Marco Nisticò fue un Guglielmo con voz de timbre bronceado y persuasivo y buena prestancia escénica. Ferrando encontró en Andrew Kennedy un buen interprete de vocalidad apropiada, sabiamente utilizada en los diversos registros.  Bien combinados, los dos intérpretes masculinos ofrecieron una apreciable prestación vocal y actoral.  Barbara Bargnesi impartió una “lección de vida de acuerdo a Despina” con la desenvoltura física y la agilidad vocal que el papel pretende.  Carlo Lepore hizo su parte como si estuviese vestido con la piel del personaje.  Con voz profunda y ágil, movimientos y comportamientos bufos, utilizó la mejor técnica para recordar que ‘Belle o brutte..così fan tutte’. El espectáculo fue en general agradable, enriquecido por el elenco y una dirección de óptimo nivel. !La musica vence siempre!.

lunes, 23 de abril de 2012

Una encendida Clemenza en Toulouse

Foto: Patrice Nin

Ruggero Meli

Esta producción que proviene del festival de Aix-en-Provence, donde se representó el año pasado, se realizó con un elenco renovado.  Una puesta simple y buenos vestuarios del renacimiento fueron suficientes para cautivar al público, ya que David McVicar no necesitó de vistosos accesorios ni de extravagante actuación para mantener la trama en alta tensión y al público absorto. Sin embargo, esto no pudo haberse realizado sin el sólido elenco conformado, ya que todos los cantantes se mostraron comprometidos realizando sus interpretaciones de manera intensa y convincente hasta llegar al corazón del drama, en el que la “culpa” fue el elemento clave que atormentó a los personajes durante la función.  El publico contuvo su respiración y se estremeció con Sesto, como si presenciara una película de acción llena de inesperadas situaciones y apasionantes intrigas.  Tamar Iveri resultó ser una muy expresiva y poderosa Vitellia de cuya boca parecían emanar llamas de fuego. Artísticamente pudo manipular al pobre Sesto para sus fines pero al final su culpa la hizo casi enloquecer. Maite Beaumont cantó con pasión y ofreció su calida y hermosa voz aterciopelada de mezzo para hacer un conmovedor Sesto. Es una pena que haya carecido por momentos de mayor proyección pero esta debilidad realzó el débil carácter de su personaje.  La gran sorpresa vino del tenor Woo-Kyung Kim en el papel principal, con su poderosa, refinada y vibrante voz mozarteana.  Su Tito no fue un pobre espíritu, si no que inspiró respeto a través de su noble canto y decisiones.  Una revelación y una voz para tener en cuenta.  Los papeles secundarios no fueron de ninguna manera sacrificados, al contrario se tuvo la suerte de escuchar a una voz muy encantadora del momento; la de Anne-Catherine Gillet, cuya aria “S’altro che lacrime” fue uno de los puntos mas altos de la función. Fue frustrante que haya tenido pocos momentos para cantar porque su suave y sencillo cantó fue divinamente conmovedor. Gillet ha cantando con regularidad en Toulouse y podría haber exigido un papel mayor, pero es también un reto aceptar una parte pequeña y convertirla en una bendición.  Annio fue convincente y aun en este pequeño papel Paula Murrihy exhibió un fuerte temperamento. El barítono Andreas Bauer también hizo un buen papel como Publio. La conducción apresuró un poco a los cantantes en la primera parte, mientras que algunos tiempos fueron lentos en la segunda.  Aun asi, David Syrus dirigió con pasión envolviéndose en la función. En resumen, se  trató casi de un elenco de ensueño en una emocionante producción que nos gustaría escuchar en otra opera de Mozart como Idomeneo!




Don Giovanni di Mozart - Metropolitan Opera House


Foto: Marty Sohl / Metropolitan Opera

Don Giovanni di Mozart è stata una delle opere presentate nella stagione inaugurale del Metropolitan nell’anno 1883, ed ora viene rappresentata in questo teatro con regolarità.Tutte le produzioni hanno annoverato la presenza dei migliori cantanti e specialisti mozartiani, ma ultimamente le stelle stanno gradualmente scomparendo da questo palcoscenico.Questo fatto è emerso in questa rappresentazione in cui il cast si è disimpegnato in modo alterno ed irregolare, diversamente da quanto ci si sarebbe aspettati da un teatro di tale livello. Mentre Gerald Finley nel ruolo di Don Giovanni ha cantato con voce robusta e omogenea di gradevole timbrica, il suo personaggio è stato caricato di esasperante esagerazione. Ellie Dehn nel ruolo di Donna Elvira ha mostrato un timbro di piacevole colore, ma è stata poco fine negli acuti e ha avuto notevoli problemi di intonazione nell’aria “Mi tradì quell’alma ingrata”. La coppia Zerlina – Masetto è stata interpretata da Isabel Leonard che ha dato vita ad una giovane vulnerabile e misteriosa dal canto chiaro e fluido, e dal basso – baritono cinese Shenyang, che ha costruito un personaggio rigido e senza temperamento. Il risultato del suo impegno vocale è stato discreto. Il tenore Matthew Polenzani è stato un elegante Don Ottavio che ha interpretato le sue arie con buona tecnica ed espressività, e il soprano Marina Rebeka una Donna Anna di bell’aspetto scenico e profondità musicale. Il leggendario James Morris ha portato la sua grande esperienza e dignità scenica nei panni del Commendatore. Menzione a parte per il basso-baritono Kyle Ketelsen come Leporello, un ruolo che ha dominato con autorevolezza sotto tutti gli aspetti. La lettura di Sir Andrew Davis è stata colorata e sfumata, ma soprattutto equilibrata. In questa epoca di modernizzazione e rinnovamento scenico si apprezza che la nuova produzione di Michael Grandage e Christopher Oram uscita lo scorso novembre, sia intelligente e collegata al libretto, ricreando una strada con balconi di Siviglia e con un coup de theatre finale in cui Don Giovanni viene letteralmente inghiottito sul palco da lingue di fuoco. RJ

  





 


A fiery Clemenza in Toulouse

Foto: Patrice Nin

Ruggero Meli

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791): La clemenza di Tito. Opera seria in two acts, K.621. Libretto by Metastase adapted by Caterino Mazzolà  created on September 6th 1791 at Prague National Theater.  Production created in July 2011 at Théâtre de l’Archevêché in Aix-en-Provence in coproduction with Théâtre du Capitole in Toulouse and Marseille opera.  Toulouse, Théâtre du Capitole, Friday March 9th, premiere. Woo-Kyung Kim : Tito Vespasiano ; Tamar Iveri : Vitellia ; Anne-Catherine Gillet : Servilia ; Maite Beaumont : Sesto ; Paula Murrihy : Annio ; Andreas Bauer : Publio.  Orchestre national du Capitole. Chœur du Capitole (Alfonso Caiani). Conductor : David Syrus. Staging and scenography: David Mc Vicar (Marie Lambert). Costumes: Jenny Tiramani. Lights: Jennifer Tipton.

This production comes from last year´s Aix-en-Provence festival but with a completely renewed cast. A simple setting and fine costumes from the renaissance are enough to captivate the audience. Indeed David McVicar doesn’t need flamboyant accessories or extravagant acting to keep the plot in a tight tension and keep the audience captivated. However this wouldn’t have been possible without a strong cast. Indeed all the singers were fully involved, intensely and convincingly playing their characters, and leading us into the heart of the drama: where guilt was the key and tormenting element for the characters throughout the performance. The audience held its breath and trembleb for Sesto. It gave the impression it was following an exciting movie full of unexpected situations and an engrossing plot. Tamar Iveri turned out to be a sensational expressive and powerful Vitellia; streams of fire seemed to come out of her mouth ! She could artfully manipulate poor Sesto to achieve her ends but then her guilt torn her into near madness. Maite Beaumont sang with passion and offered her warm and beautiful velvet mezzo voice to her moving Sesto. A pity she lacked at times projection but this “weakness” enhanced her frail character.  The big surprise came from tenor Woo-Kyung Kim in the title role, who posesses a strong powerful, refined and vibrant mozartian voice. His Tito was not see for once, as a weak spirit who instead inspired respect through his noble singing and decisions. A revelation, and a voice to follow ! As for the secondary roles, these were not sacrified at all, on the contrary we were lucky enough to hear one of the most charming soprano voice of the moment: Anne-Catherine Gillet. Her aria “S’altro che lacrime” was one of the highlights of the whole performance and it was frustrating she had so little to sing ! Her soft simple singing was devinely moving. Gillet has often sung here in Toulouse and she could have claimed for a bigger role, but it is also a challenge to accept a small part and turn it into a blessing. Annio was amazingly convincing and even in such a small part Paula Murrihy displayed a strong character. The baritone Andreas Bauer did a fine job too. The conducting was a bit hurrying the singers in the first part, while some tempi were slow in the 2nd part, but David Syrus conducted with passion and was fully involved into the performance. Hopefully it should improve after this premiere.  To put it in a nutshell, a near dream cast in a thrilling staging that we would now love to hear in another Mozart opera: Idomeneo !

Glamour y Simpatía, voces……..Teatro Colón de Buenos Aires

Foto: Teatro Colón de Buenos Aires

Dr. Alberto Leal

En un teatro donde no se han presentado grandes nombres de la lírica actual en las últimas temporadas, teniendo una increíble trayectoria histórica, la presentación de Angela Gheorghiu y Roberto Alagna despertó un gran interés.  Mi primera impresión fue ver el cuarto final de platea vacío, que luego fue llenado con gente del mismo teatro o invitados y los palcos altos igualmente desolados. Incluso algunos de los palcos balcón, donde yo me encontraba, estuvieron vacíos durante la función, no así los pisos superiores donde se podía apreciar un lleno casi total. Debo atribuir esta circunstancia a una cuestión de precios, ya que el interés masivo existía de tiempo atrás. El Colón ha gozado de inolvidables conciertos y recitales de artistas de la talla de Elisabeth Schwarzkopf, Victoria de los Angeles, Ghena Dimitrova, Renato Bruson y en especial el inolvidable concierto de Agnes Baltsa y José Carreras, ambos en el esplendor de sus carreras. Estos y muchos otros han marcado imborrables recuerdos en los que tuvimos la suerte de asistir y han incrementado el ya instalado prestigio internacional del Teatro Colón. Dado los nombres de los participantes en este concierto y su fama internacional era de imaginar otro galardón para nuestro querido Teatro.Ya el programa elegido creaba ciertamente dudas, en este tipo de conciertos se va a escuchar voces, arias conocidas, esplendor vocal. Con una primera parte dedicada totalmente a “Adriana Lecouvreur”, con mayoría de duetos y una segunda parte basada en duetos de Puccini y un aria de Catalani, parecía poco lo que se podía esperar. Es innegable que ambos cantantes mostraron glamour y simpatía, vestidos en forma impecable y derrochando gracia. Pero esto es suficiente para generar un gran concierto?  La primera parte pasó con más pena que gloria. La señora Gheorghiu posee una voz de mediano caudal, un centro que por momentos fue inaudible y agudos poco cubiertos y por momentos destemplados. Esto me lleva a pensar cada día más en los “milagros” de la electrónica, ya que su voz en vivo dista bastante de sus grabaciones por lo menos en sus condiciones actuales. Omitió – sin que esto fuera anunciado- el aria “Poveri fiori” y su trabajo no tuvo relevancia alguna. El tenor Roberto Alagna, que tuve la oportunidad de ver años atrás en un espléndido “Elixir d’ amore” conserva una voz de tenor lírico más entera, aunque algunos de sus agudos fueron algo forzados. Creo que ha cometido un error al abordar papeles spinto o dramáticos, ya que sigue siendo un tenor lírico de volumen normal y aquí claramente uno puede explicar sus problemas en la Scala al cantar Radamés, muy lejos de sus posibilidades actuales, que tampoco acompaña su físico. De todas formas, si volviera a un repertorio más acorde con sus posibilidades vocales, creo que podría recuperar su nivel de años atrás. No parece suceder lo mismo con la Sra. Gheorghiu, considerando que no estaba con ningún problema que afectara su voz, la misma suena sin carne, prematuramente envejecida, con notables problemas en la zona aguda. En la segunda parte ambos cantaron un aria, además de los consabidos duetos, él “E lucevan le stelle”, correcto, tal vez en una forma demasiado introspectiva y ella “Ebben! Ne andró lontana” de La Wally, siempre adelantada a la orquesta y con un destemplado agudo final.  Los cambios en el orden del programa siguieron ocurriendo sin aviso al público y culminaron el programa con el dúo de Tosca “ O dolce mani”, con otro agudo destemplado de la Sra. Gheorghiu y cortado de manera abrupta.  La Orquesta en manos del maestro Ramón Tebar cumplió en general un trabajo correcto, aunque algunas desafinaciones en las cuerdas, especialmente en Tosca, son casi inconcebibles para un organismo de tanta trayectoria. Pero el trabajo del joven director fue de excelencia en el programa como un todo. Y llegó el momento de los bises. Que bises …… En perfecto castellano el tenor respondió que el Teatro no permitía bises. Desde su palco el Director del Teatro contestó “adelante maestro con lo que ustedes quieran”. Solamente se pudo escuchar – a capella - "Historia de un amor", de Carlos Almarán , cantado por Roberto Alagna, como una forma de promocionar su nuevo disco de canciones melódicas. Es sabido que el resto de los bises programados eran también canciones populares que por distintas causas no pudieron ser cantadas ni ensayadas. Y eso fue todo. La Sra. Gheorghiu agarrando de la mano al concertino para que la orquesta salga de escena y el público totalmente desconcertado. Creo que las autoridades del Colón han sido responsables de un programa famélico, hecho a medida al estado actual y necesidades de los cantantes, Alagna va próximamente a cantar “Adriana”, donde un ensayo con partitura en nada le venía mal y también a publicitar su disco de canciones melódicas.  Glamour y simpatía alcanzan para una concierto donde el público concurre a ver grandes voces en su esplendor…que en este caso parece ya cosa del pasado. Lamentable.