Carmen di Bizet - Opera di San Francisco

Foto: Cory Weaver - Anita Rachvelishvili (Carmen)

Il celebre regista e scenografo Jean Pierre-Ponnelle ha mantenuto durante molti anni una relazione stretta e significativa con questo teatro.Carmen continua a essere rappresentata con la produzione che lo stesso ha creato per questo palcoscenico nel 1981.Considerando la brillantezza e il colore mediterraneo con il quale si rappresenta ogni atto, gli scenari rigidi risultavano obsoleti e poco pratici, così l’opera, a causa dei cambi scena, si protraeva per quattro ore. L’opera è stata presentata nella versione originale del 1875 con i dialoghi parlati e l’animata azione e i costanti movimenti marcati dall’ argentino José María Condemi  hanno contribuito a far trascorrere il tempo con fluidità.Musicalmente la direzione di Nicola Luisotti  è stata poco variegata e sottile nei tempi e nella dinamica creando evidenti sfasature con il palcoscenico. Nonostante abbia diretto con emozione ed entusiasmo il suono forte proveniente dalla buca orchestrale in certi momenti copriva le voce. Il ruolo di Don José era assegnato al tenore brasiliano Thiago Arancam di discreto disimpegno vocale e poco presenza scenica, come il baritono compatriota Paulo Szot che era portato a strafare nel  ruolo di Escamillo mostrando argomenti vocali poco convincenti. Entrambi hanno mostrato un livello artistico inferiore a quello solito di questo teatro. Da parte sua il soprano Sara Gartland ha mostrato convinzione nel creare una commovente Micaela e il suo canto aveva eleganza nel fraseggio e chiarezza nella dizione. Infine l’attenzione si concentrava sulla carmen di Anita Rachvelishvili , mezzosoprano di timbro scuro e di fluente emissione , che con i suoi capelli scuri e movimenti seducenti ha mostrato compenetrazione nella parte e ha convinto. Corretto il resto del cast e il Coro. RJ

Tosca en la Opera de San Diego

Foto: Ken Howard

Ramón Jacques

La Opera de San Diego en California dio por iniciado su curso lírico 2009 con una de las operas más representativas del repertorio operístico italiano, como lo es Tosca de Giacomo Puccini. Durante su larga historia, esta compañía se ha caracterizado por ser conservadora en la elección de sus propuestas escénicas, casi siempre tradicionales y poco arriesgadas, pero siempre cuidando la estética y el atractivo visual para el público. Lo anterior no es un tema menor, y cobra mayor relevancia, si se consideran las dificultades monetarias por las que atraviesan todos los teatros estadounidenses, cuyo frágil sistema de financiación, que depende en un alto porcentaje de las contribuciones y aportaciones privadas, se ha visto severamente afectado por la actual situación económica por la que atraviesa este país. La crisis ha ocasionado también la reducción en la venta de abonos y de entradas individuales, por lo que, en la medida de lo posible, lo artístico debe ser lo suficientemente atractivo para no alejar más al publico del teatro.

Con el fin de subsistir al impacto real de esta crisis, en el corto y en el largo plazo, la compañía implementará severas medidas como la reducción de funciones y la eliminación de un titulo en las dos próximas temporadas, en las que se representarán solo cuatro óperas en lugar de las cinco acostumbradas. Haciendo referencia al espectáculo en cuestión, el aspecto escénico y visual fue bien llevado con la elegante y vistosa, pero ya conocida producción del legendario Jean Pierre-Ponelle. Las escenografías son detalladas, realistas y opulentas, concretamente en el primer acto en la Iglesia de San Andrea del Valle. Los dos siguientes actos tienden a ser oscuros, pero manteniendo el apego a la historia, y un impresionante castillo San Ángelo en el tercer acto. Destacables son los legítimos vestuarios que complementaron el aspecto visual de la función.

En la parte vocal, el papel protagónico fue encomendado a la soprano Sylvie Valayre, cuya prestación fue sobresaliente y ampliamente satisfactoria. Su concepción del personaje contó con dos vertientes que se deben resaltar individualmente, pero que son igualmente importantes, y en conjunto constituyen su legítimo éxito artístico: la actoral y la musical. Escénicamente, su concepción es la de una extrovertida, expresiva y seductora Tosca, que es a la vez es romántica y frágil, una idea más cercana a cómo se describe al personaje en la obra original de Sardou. Esta idea dotó al personaje de un carácter más humano y creíble, y es totalmente opuesta a la visión tradicional en la que Tosca es representada como un personaje temperamental, furioso, que mata por rencor. La otra vertiente es la musical, en la que Sylvie desplegó una voz de buena proyección, pareja en todo los registros, y con una tonalidad que tiende a oscurecerse en su registro alto, en los momentos de más exigencia y dramatismo de la obra, pero que a la vez posee la flexibilidad y necesaria para conmover en los pasajes más tenues y dulces del aria ‘Vissi d’Arte’.

El tenor Marcus Haddock, recreó el personaje de Mario Cavaradossi con apariencia juvenil, de buen desempeño, inteligente pero mesurado, y supo sacarle provecho a su seductor timbre, su correcta entonación y su elegante fraseo. Por su parte, el baritono estadounidense Greer Grimsley, mas conocido por sus interpretaciones en óperas de Wagner y Strauss, se mostró seguro y autoritario en el papel del Barón Scarpia, con buen color baritonal variedad de colores en su canto y vigorosa línea de canto en su voz. El resto del elenco y el coro, tuvieron un óptimo aporte al desarrollo de la función. En el podio, se presentó el maestro italiano Edoardo Müller, director musical titular de la compañía, cuya carrera dirigiendo repertorio operístico italiano en este recinto y guiando a esta orquesta, cumplen 29 años de trabajo ininterrumpido. El maestro Müller propuso una aceptable lectura en la que resaltó la musicalidad la orquestación, en sincronía con las exigencias escénicas y los tempi de los cantantes, y transmitiendo su conocimiento del repertorio, el cual ejecutó con armonía y estilo.