¡También en la opera es bueno divertirse! - La Scala di Seta, Rossini Opera Festival, Pesaro

Foto: Studio Amati Bacciardi

Renzo Bellardone

ROSSINI OPERA FESTIVAL 2011- PESARO 18 Agosto, ore 20,00 Per i 150 anni dell'Unità di Italia. LA SCALA DI SETA Farsa cómica di Giuseppe Foppa con música de Gioachino Rossin. Edición critica della Fondazione Rossini,en colaboración con la Casa Ricordi, y cuidado de Anders Wiklund. Director JOSÉ MIGUEL PÉREZ-SIERRA, Director de escena DAMIANO MICHIELETTO, Escena y vestuarios. PAOLO FANTIN, Iluminación ALESSANDRO CARLETTI. Personaggi Interpreti: Dormont JOHN ZUCKERMAN, Giulia HILA BAGGIO, Lucilla JOSÈ MARIA LO MONACO, Dorvil JUAN FRANCISCO GATELL, Blansac SIMONE ALBERGHINI, Germano PAOLO BORDOGNA. ORCHESTRA SINFONICA G. ROSSINI

Sin consideraciones oportunistas sobre la crisis mundial que nos corroe y que en ocasiones atenúa y hasta apaga las sonrisas, es evidente que en tal situación el deseo por reír y divertirse crece aun para lo que frecuentan la opera. Rossini, quien es mas famoso por sus operas “bufas” que por sus operas “serias”, dejo algunas farsas musicales que el Rossini Opera Festival sapientemente ha puesto y repuesto en escena valiéndose de la frescura juvenil de algunos interpretes, como en esta edición 2011 de “La Scala di Seta” Como se había ya mencionado, el elenco fue caracterizado por la juventud, aunque también los “viejos zorros” con barbas y probada experiencia en el escenario se mostraron vocalmente frescos y actoralmete atléticos como anagraficamente jóvenes.  “Planta primer piso A/10 Via Rossini n. 2 Pesaro” Es la escritura que aparece al frente del escenario sobresaliendo del foso y que describe el establecimiento casi fijo, pero muy original de la producción escénica: que contenía divisiones entre las habitaciones (sin paredes), con baños con ducha, camas matrimoniales, sala, una moderna cocina, y un techo a 2.50 metros de altura, todo ello se reflejaba en un gran espejo inclinado creando el techo, además de una puerta-ventana en el imaginario balcón al fondo del escenario y un cuarto familiar. La escena fue montada casi toda en directo por un obrero en overol, y bajo el vigilante ojo de un presunto arquitecto, se hicieron arreglos inquietantes, y según la escena, se usaban los originales vestuarios de Paolo Fantin, así como la dirección artística del emprendedor Damiano Michieletto que sorprende en cada ocasión con sus ingeniosas actualizaciones, perfectamente adaptadas a la obra (absolutamente digno de mencionar son su “Gazza Ladra” en el ROF y su Madama Butterfly del Teatro Regio de Turín). El camino de la opera fue llevado por director de orquesta, el joven José Miguel Pérez Sierra quien con gesto elegante y refinado dejo transpirar la vivacidad de la partitura con nítidas coloraciones, definidas y de estilo, con una Orquesta Sinfónica G. Rossini que lo siguió bien para lograr imprimir el fascinante divertimento. El apartamento con solo el inmobiliario y sin los inquilinos significo poco por lo que para completar la opera durante la briosa obertura, unos estibadores entraron con maniquíes que como en un cuento para niños comenzaron a moverse y a tener vida, pero los maniquíes eran nada menos que los cantantes. El joven amante (clandestinamente casado) Dorvil fue confiado a Juan Francisco Gatell atlético y tatuado, interpretó al personaje con desenfreno juvenil, fogoso y decidido, vestido de motociclista no se negaba a una relación con su mujer secreta. Su timbre particular y su agilidad vocal definieron bien a su personaje. Gatell supo moverse con desenvoltura y espontaneidad emitiendo con una apreciable línea y tonalidad. La soprano israelí Hila Baggio interpretó a su vez una atlética Giulia que en escena se presentó entre flexiones y movimientos gimnásticos mientras cantaba ‘O quanto son grata’ con un bello timbre cristalino y un fraseo definido sin temerle a los agudos.

Esta debutante en el ROF presentó una maliciosa Giulia a la que le dio voz con bellas coloraciones.  El viejo gruño, al final compresivo y acomodaticio Dormont fue John Zuckherman quien personifico al viejito del jardín que jugaba a los bolos al detalle, que fue vocalmente apreciado y supo resaltar las notas que divierten. ‘Sento talor nel core’ es el aria de Lucilla que aquí interpretó de Josè Maria Lo Monaco quien renunció a su agraciada feminidad en favor de la rigidez del personaje, que apenas pudo se soltó para ir en contra el amor. Grato color, buen timbre y extensión segura fue lo que ofreció Lo Monaco.  Simone Alberghini, divirtió divirtiéndose en el papel de Blansac. Todo un experto del escenario con emisión segura se convivió en caricaturesco no solo con su delantal blanco si no cuando estuvo listo para jurar amor eterno y fidelidad. Con la modulación de su voz pudo hundirse, explotar y susurrar. Alberghini es siempre una carta ganadora. Una presencia fiel en el ROF es la de Paolo Bordogna que en Scala di Seta fue un graciosísimo Germano, el sirviente oriental que limpiaba y que intrigaba, deja salir el agua de la ducha, y soñaba con el amor, con una notable cifra vocal y bien cortada para el papel. Cómico por vocación y atento a todas las sutilezas interpretativas que realiza con voz plena y segura ‘…Amore dolcemente…’ De gran clase se escuchó el clavecín en los recitativos y cuando se marcaba. En suma, fue un agradable espectáculo que funciono por su alegría, su simpatía y su profesionalismo. ¡La música vence siempre!

Cuatro operas en el Festival de Rossini (ROF) en Pesaro

Foto: Studio Amati Bacciardi

Massimo Viazzo

MOSE IN EGITTO (20 agosto 2011, Adriatic Arena, Pesaro)

El espectáculo que más ha dado que hablar de si en la edición 2011 del Rossini Opera Festival – una edición de alto nivel que ha colocado a la manifestación de Pesaro ¡y con razón! entre las metas mas deseadas del verano para los melómanos de todo el mundo- ha sido sin dudas el Mosè in Egitto firmado por Graham Vick. El director de escena ingles no solo realizó una actualización de los eventos (aquí los eventos bíblicos perdieron su colocación natural de espacio y tiempo para asumir una dimensión universal sobre un escenario dividido en diversos niveles) si no que radicalizó sus elecciones en una óptica pacifista tout court en las cuales las culpas de los integralismos religiosos por demás monoteístas, como fueran el israelí o el islámico, fueron igualmente distribuidas. Es claro que ver a Mosè (Moisés) con un Kalashnikov en mano mientras entonaba la sublime plegaria del tercer acto fue una imagen muy fuerte, pero la idea de Vick de apuntar el dedo acusatorio sin hacer distinción entre los “presuntos” buenos y malos fue llevada hasta el fondo con gran coherencia pera crear un espectáculo de rara fuerza emotiva y espesor espiritual. Me parecían verdaderamente fuera de lugar las cartas enviadas a los periódicos locales de algunos judíos presentes en el festival que se sintieron “ofendidos” por esta visión. Aquí, se trató de hacer arte, pero arte viva, apasionada y no aislada de la realidad. Bien por Graham Vick, quien eligió, quizás, la vía más incomoda entre tantos otros, sobre los escenarios italianos, frecuentemente condicionados por un público perezosamente tradicionalista, lo que hizo parecer las cosas aun mas incomodas. Esta producción entrará por derecho en la historia del ROF, y se espera que sea repuesta en los próximos años, o por lo menos que alcance a ser grabada en video. Es así, porque también la parte estrictamente musical fue de un óptimo nivel, comenzando por el granítico faraón de Alex Esposito de nítida y esculpida dicción. Menos carismático, aunque correcto estuvo el Mosè (Moisés) de Riccardo Zanellato, mientras que la Elcia de Sonia Ganassi, a pesar de mostrarse afligida y apasionada pareció tener una emisión un poco pesada. Seguro e incisivo estuvo Dmitry Korchak en el papel del príncipe Osiride, y muy preparados estuvieron también los dos tenores Enea Scala (Mambre) y Lijie Shi (Aronne). Roberto Abbado dirigió con pulso y rigor sin dejarse malear por fáciles abandonos y apuntó definitivamente hacia la continuidad dramática.

LA SCALA DI SETA (21 agosto 2011, Teatro Rossini, Pesaro)

La Scala di Seta en la producción de Damiano Michieletto era ya un espectáculo probado y puesto en escena aquí mismo en Pesaro hace dos temporadas. Solo un cantante del antiguo elenco se presentó en esta ocasión, se trataba de aquel sobre el cual Michieletto prácticamente había construido todo su espectáculo. Me refiero a Paolo Bordogna, en el papel del distraído y descuidado sirviente filipino, entorno al cual giraron las acciones. La ambientación y los vestuarios modernos le infundieron vitalidad y exuberancia a una intriga que se asimila mucho a la del Matrimonio Segreto de Domenico Cimarosa (de hecho fue por este motivo que en la premier de1812 en el Teatro San Moisè de Venecia, la farsa rossiniana no tuvo el éxito que merecía). Sobre el escenario del Teatro Rossini se montó una escena que representaba un apartamento moderno con sala, cocina y baño. El publico, y aquí es donde estuvo la vivaz ocurrencia, pudo seguir el desarrollo del acontecimiento viendo también desde la parte de arriba, ya que el fondo se colocaron paredes reflejantes. Las situaciones inventadas por el joven director Veneto eran con frecuencia muy divertidas, nunca desbocadas, ni vulgares y sobretodo siempre estuvieron a tiempo con la música de Rossini, como en su momento lo había mostrado Jean-Pierre Ponnelle. Así, todo el elenco brilló por propiedad vocal y osada recitación, comenzando por el divertidísimo Germano de Paolo Bordogna, triunfador de la velada; sin olvidar a la espiritosa Giulia de Hila Baggio, o al volcánico Blansac de Simone Alberghini, para el cual en esta producción se recuperó la difícil aria de concierto “Alle voci dell’amore”, así como al atormentado Dorvil de Juan Francisco Gatell. Brillante y burbujeante fue la dirección de José Miguel Pérez-Sierra quien estuvo acompañado por una Orchestra Sinfónica G. Rossini en muy buena forma.

IL BARBIERE DI SIVIGLIA (22 agosto 2011, Teatro Rossini, Pesaro)

Alberto Zedda, director artístico del ROF, presentó a su publico la nueva edición critica del Barbiere di Siviglia publicada por la Fondazione Rossini de Pesaro. Las diferencias con la versión actual no parecen ser significativas (solo alguna modificación textual y algún retoque musical), pero sobretodo esta la presencia de un nuevo personaje, la criada Lisa, y para llamar la atención, Lisa de hecho interviene en el Fínale I (sus notas habían sido confiadas siempre a Berta, y aquí Lisa canta en una tesitura mas grave). Para la ocasión se pensó en una ejecución en forma de concierto justo para hacer resaltar de la mayor manera posible, las cualidades de la partitura rossiniana. De cualquier manera, los cantantes efectuaron sus entradas y salidas y algunos movimientos escénicos, ofreciendo autenticidad teatral al evento. Zedda demostró gran sensibilidad para guiar a la dinámica orquesta boloñesa obteniendo fluidez ritmica y brillantez timbrica. El director milanes de ochenta y tres años supo acompañar a los cantantes en un modo estilísticamente impecable durante sus gustosísimas y acrobáticas variazioni. Marianna Pizzolato interpretó una agradable Rosina con voz de timbre comunicativo, pero con algunas indecisiones en la zona más aguda de la tesitura. Franco, arrogante, de buen volumen y sonido rotundo y con cuerpo, estuvo el Fígaro de Mario Cassi. Adecuado estuvo Juan Francisco Gatell en el papel del Conde Almaviva, que sobretodo en el centro pareció recordar el fraseo de Luigi Alva. El desbordante Bartolo de Nicola Alaimo, un barítono de voz clara y perfectamente cómodo en el canto en silabas, supo divertir al público también por la calidad de su muy personal mímica; mientras que Nicola Ulivieri acentuó los trazos de astucia de Don Bartolo con voz plena y resonante. Grandes aplausos y ovaciones se dieron también en la Piazza del Popolo, donde la opera fue transmitida en una gran pantalla.

ADELAIDE DI BORGOGNA (23 agosto 2011, Teatro Rossini, Pesaro)

Pier’ Alli el director de escena de Adelaide di Borgogna, opera de una belleza inesperada, que fue presentada por primera ocasión aquí en el ROF (y cuya música terminaría en buena parte en la futura opera Eduardo e Cristina es una demostración de lo mucho que Rossini tenia en consideración a esta partitura) pareció estar mas interesado en las proyecciones al fondo del escenario, de lagos y hierros, de militares y fuertes, de marchas y procesiones de mujeres indudablemente sugestivos y elegantes (con su ligero toque de ironía y surrealismo) y menos interesado en los movimientos escénicos de los cantantes. No fluyó un espectáculo de innegable impacto visual, pero teatralmente un poco pobre. Se pensaba en un elenco de primer orden, acompañado por la musicalidad y la fineza de Dmitri Jurowski bajo la guía del Coro y la Orchestra del Teatro Comunale de Bolonia. (agrupación que participó también en Mosè y en Barbiere), para electrizar la función. Jessica Pratt donó a Adelaide un timbre adiamantado y pastoso sobretodo en el centro, con facilidad en la coloratura, y privilegió la vena más elegiaca de la princesa prematuramente convertida en viuda. El Ottone de Daniela Barcellona se impuso por el acento heroico aunque también patético, por su osada agilidad y por la solidez de su línea. Nicola Ulivieri diseñó un Berengario de notable espesor vocal con color oscuro y esculpido y rotunda dicción. A la vez, Bogdan Mihai (Adelberto) resultó ser el elemento débil del elenco ya que a pesar de demostrar cierta seguridad en la agilidad y una indudable musicalidad, pero el timbre que no era particularmente seductor, el volumen trémulo y cierta carencia de squilo invalidaron en general su participación. Muy cómodos estuvieron el resto de los personajes y un aplauso para la preciosa y muy fantasiosa realización de los recitativos con el fortepiano, aunque casi no nos habíamos dado cuenta que se trataba, en su totalidad, “solo” de recitativi secchi.

DIGNA VERSION DE LUCIA DE LAMMERMOOR POR JUVENTUS LYRICA, BUENOS AIRES

Fotos: Juventus Lyrica

Dr. Alberto Leal

Lucia de Lammermoor. Música. Gaetano Donizetti. Libreto: Salvatore Cammarano. Lucia: Laura Polverini. Edgardo: Leonardo Pastore. Enrico: Sebastián Angulegui. Raimondo: Roman Modzelewsk. Arturo: Iván Maier. Alisa: Verónica Canaves .Normando: Santiago Sirur. Dirección Escénica: Leonor Manso. Dirección Musical: Hernán Sánchez Arteaga. Orquesta y Coro Juventus Lyrica. Vestuario Mini Zuccheri . Escenografía e iluminación: Gonzalo Córdova

Como tercer título de su temporada, Juventus Lyrica ofreció una buena versión de “Lucia de Lammermoor”, obra maestra del bel canto. Se brindó la versión tradicional, hubiera sido más interesante presentar la versión original completa, de todas maneras es una obra siempre bienvenida. La parte musical fue responsabilidad del Maestro Sánchez Arteaga. Luego de un comienzo algo errático y no totalmente en estilo, la orquesta fue mejorando con el correr de la función, llegando a un muy buen nivel en la última parte de la representación. El Coro tuvo un muy buen desempeño. No me impresionó el trabajo de la consagrada actriz y directora Leonor Manso. Se concentró en algunos pasajes de los principales roles, pero dejando totalmente estático al coro y la falta de movimiento escénico fue una característica de la puesta. Tuvo algunos aciertos, como la escena de la locura, pero su trabajo como un todo es poco convincente. Se movió dentro de una escenografía minimalista pero que creó interesantes climas. El vestuario – cambiado de época – fue interesante visualmente y logró que el argumento se mantuviera creíble. En lo vocal la soprano Laura Polverini mostró un considerable adelanto con respecto a presentaciones anteriores. Mayor volumen, un timbre de notable belleza, seguridad técnica y extensión sin problemas con notable facilidad para las coloraturas. Su "Regnava nel silenzio" fue bellamente cantado lo mismo que la popular escena de la locura, cantada con total facilidad y buen desempeño escénico, aunque con algo menos del dramatismo vocal requerido. Es poco admisible luego de Callas que las coloraturas en “Lucia” sean usadas únicamente como algo meramente ornamental y no se aprovechen para imprimir acentos dramáticos en las mismas. De todas formas un trabajo para destacar y que fue recibido con una ovación.

El tenor Leonardo Pastore, Posee una excelente voz de tenor lírico que maneja con total facilidad, pareja en todo su registro, es afinado, fraseando y matizando con verdadero gusto. Su última escena, "Tu che a Dio spiegasti l‘ali", fue realmente conmovedora. Y fue también ovacionado por el público. Sebastián Angulegui, como Enrico, brindó un personaje creíble en lo actoral con gran entrega y fue siempre correcto en lo vocal. Pero su voz todavía carece de peso necesario para el rol. Es un artista en proceso de crecimiento. Seguramente en un futuro podrá sacarle más provecho vocal. El Raimondo de Roman Modzelewsk mostró una voz que debe ser aún trabajada, un timbre no de los más bellos y presenta limitados recursos en el registro grave. Muy buenas las intervenciones de Iván Maier como Normando, Verónica Canaves y Santiago Sirur, una voz y presencia para tener en cuenta. En suma, una digna versión de Lucia de Lammermoor absolutamente recomendable.

Wozzeck di Berg - Santa Fe Opera

Foto: Richard Paul Fink, Nicola Beller Carbone, Stuart Skelton - Copyrfight Ken Howard / Santa Fe Opera

RJ- Dalla sua fondazione nel 1957, la Santa Fe Opera è diventato il festival estivo operistico più importante del Nord America, e anche se vengono rappresentate opere di repertorio, qui ci sono state diverse première americane di opere contemporanee, opere poco conosciute e anteprime mondiali. Inoltre, Santa Fe è un importante centro di produzioni teatrali e dal suo programma di valorizzazione di giovani cantanti sono emersi importanti nomi come Sherrill Milnes, James Morris, Samuel Ramey, Neil Shicoff, Chris Merritt, tra gli altri . Assistere ad una recita in questo teatro semi-aperto, in mezzo alle montagne e al deserto, sotto una volta stellata, con il canto dei grilli in sottofondo, includendo pure un probabile forte temporale estivo, è una esperienza veramente suggestiva Dopo dieci anni di assenza, Wozzeck è stato ripreso con la semplice e dinamica realizzazione di Robert Innes Hopkins che ha situato la vicenda nel primo Novecento utilizzando pannelli di legno mobili dando così continuità a ciascuna delle scene. L’uso brillante delle luci con colori vivi, come rossi e chiaroscuri, aumentavano ancora di più l'intensità e l’emozione della scena.

L'intenzione del regista teatrale Daniel Slater era quella di raccontare la storia dal punto di vista del personaggio principale, in un clima soffocante e oppressivo per lui e per tutti quelli che gli ruotavano intorno, compreso il pubblico, il tutto con un doppio, che alludeva alla schizofrenia e alla morte, che lo seguiva costantemente. Il ruolo dell’antieroe allucinato è stato interpretato con buona carica istrionica dal baritono Richard Paul Fink con energia vocale e timbro risonante di buon metallo. Il soprano Nicola Beller Carbone ha delineato con credibilità una sensuale ed energica Marie alla quale ha saputo dare penetrazione drammatica con voce chiara e brillante, e volume e fraseggio appriopriati. Corretti Robert Brubaker, un nevrastenico e dispotico Capitano, Eric Owens un Dottore vocalmente solido, come pure Stuart Skelton, il Tamburmaggiore e Patricia Risley, Margret. Buona è stata la prova di David Robertson che ha evidenziato i contrasti della partitura sempre con rotondità timbrica costruendo una tensione controllata.

Wozzeck de Alban Berg en la Opera de Santa Fe, NM

Fotos: Richard Paul Fink (Wozzeck), Nicola Beller Carbone (Marie) - Copyright Ken Howard / Santa Fe Opera

RJ- Desde su fundación en 1957, la Opera de Santa Fe se ha convertido en el festival de opera veraniego mas importante de Norteamérica, ya que además de que ahí se representan obras conocidas de repertorio, se han realizado diversas premieres americanas de operas contemporáneas, operas poco conocidas y estrenos mundiales. Además, Santa Fe es un importante centro de creación de producciones escénicas y sobretodo de talento, ya que de su programa de jóvenes cantantes han surgido importantes nombres como: Sherill Milnes, James Morris, Samuel Ramey, Neil Shicoff, Chris Merritt, entre tantos otros. Asistir a una representación en este teatro semi-abierto, en medio de las montañas y el desierto, con la noche estrellada, el canto de los grillos, incluso fuertes tormentas de lluvia, es una experiencia verdaderamente sugestiva. Después de diez años de ausencia, Wozzeck se repuso con la sencilla y dinámica realización de Robert Innes Hopkins  quien situó la trama en los inicios del siglo XX y con paneles movibles de madera dio continuidad a cada una de las escenas.

La resplandeciente iluminación en vivos colores, como el rojo y claroscuros, cargaron aun más de intensidad y conmoción la escena. La intención del director escénico ingles Daniel Slater fue la de contar la historia desde la visión del personaje principal, en una atmosfera en la que se sintió observado, sofocado y oprimido por todo y por todos los que lo rodean, incluido el publico, y por un doble o mimo, como una especie de alusión a la muerte y la esquizofrenia, que lo persiguió constantemente. El papel del antihéroe alucinado, fue interpretado con buen rendimiento histriónico por el barítono Richard Paul Fink y con la energía vocal de su resonante timbre de buen metal. La soprano Nicola Beller Carbone delineó con credibilidad una sensual y enérgica Marie, a la que dio penetración dramática con su canto de brillante y clara voz, apropiado volumen y fraseo. Correctos estuvieron Robert Brubaker por su neurasténico y déspota Capitán; el bajo-barítono Eric Owens por su solidez vocal como el Doctor; así como Stuart Skelton en el papel del tambor mayor y Patricia Risley como Margret. Buena fue la prueba de David Robertson quien al frente de la orquesta evidenció los contrastes de la partitura así como su plenitud timbrica y sonora construyendo una tensión controlada.

Rossini Opera Festival 2011

Foto: Studio Amati Bacciardi

Massimo Viazzo

MOSE IN EGITTO (20 agosto 2011, Adriatic Arena, Pesaro)

Lo spettacolo che più ha fatto parlare di sé nell’edizione 2011 del Rossini Opera Festival – un’edizione di alto livello tale da collocare la manifestazione pesarese (a ragione!) fra le più ambite mete estive dei melomani di tutto il mondo, è stato senz’altro il Mosè in Egitto firmato da Graham Vick. Il regista inglese non ha effettuato soltanto un’attualizzazione degli eventi (qui le vicende bibliche perdevano la loro naturale collocazione spazio-temporale per assumere una dimensione universale su un palcoscenico suddiviso su più livelli), ma ha radicalizzato le sue scelte in un’ottica pacifista tout court in cui le colpe degli integralismi religiosi per lo più monoteisti, israeliano o islamico che fossero, venivano equamente distribuite. E’ chiaro che vedere Mosè con un kalashnikov in mano mentre intona la sublime Preghiera del Terzo Atto era un’immagine molto forte, ma l’idea di Vick di puntare il dito accusatorio senza fare distinzioni fra i “presunti” buoni o i “presunti” cattivi viene perseguita fino in fondo con grande coerenza per uno spettacolo di rara forza emotiva e di spessore spirituale. E mi sembrano veramente fuori luogo le lettere giunte ai giornali locali di alcuni ebrei presenti al Festival che si sono sentiti “offesi” da questa visione. Qui si tratta di fare arte, ma arte viva, appassionata e non avulsa dalla realtà. Bravo Graham Vick a scegliere, forse, la via più scomoda, che oltretutto sui palcoscenici italiani, spesso condizionati da un pubblico pigramente tradizionalista, pare ancora più scomoda. Ma questo allestimento entrerà di diritto nella storia del ROF ed è sperabile che venga ripreso nei prossimi anni, o almeno che raggiunga la via della registrazione video. E sì, perché anche la parte strettamente musicale era di ottimo livello, a cominciare dal Faraone granitico di Alex Esposito dalla dizione nitida e scolpita. Meno carismatico, ancorché corretto, il Mosè di Riccardo Zanellato, mentre la Elcia di Sonia Ganassi, pur struggente e appassionata, è parsa di emissione un po’ appesantita. Sicuro e incisivo Dmitry Korchak nel ruolo del principe Osiride, e molto preparati anche gli altri due tenori Enea Scala (Mambre) e Iijie Shi (Aronne). Roberto Abbado ha diretto con polso e rigore senza farsi ammaliare da facili abbandoni e puntando decisamente sulla continuità drammatica.

LA SCALA DI SETA (21 agosto 2011, Teatro Rossini, Pesaro)
La Scala di seta nell’allestimento di Damiano Michieletto era invece uno spettacolo già collaudato andato in scena qui a Pesaro due stagioni fa. Solo un cantante del vecchio cast compariva questa volta: si trattava di quello sul quale Michieletto aveva praticamente costruito tutto il suo spettacolo. Mi riferisco a Paolo Bordogna, qui nei panni di uno sbadato e spensierato servitore filippino attorno al quale ruotava tutta la vicenda. Ambientazione e costumi attuali infondevano vitalità ed esuberanza ad un intrigo che assomiglia molto a quello del Matrimonio segreto di Domenico Cimarosa (e anche per questo motivo alla première del 1812 al Teatro San Moisè di Venezia la farsa rossiniana non aveva avuto quel successo che meritava). Sul palcoscenico del Teatro Rossini viene montata una scena che rappresenta le camere di un appartamento moderno, il salotto, la cucina, il bagno..... Il pubblico, e qui sta la spiritosa trovata, può seguire lo sviluppo degli avvenimenti anche dall’alto in quanto il fondale è dotato di una parete riflettente. E le situazioni inventate dal giovane regista veneto erano spesso esilaranti, mai sboccate o volgari, e soprattutto sempre a tempo con la musica di Rossini, come a suo tempo aveva insegnato Jean-Pierre Ponnelle. Tutto il cast brillava così per proprietà vocali e recitazione spericolata, a cominciare proprio dallo spassosissimo Gemano di Paolo Bordogna, trionfatore della serata, ma senza dimenticare la spiritosa Giulia di Hila Baggio, il vulcanico Blansac di Simone Albergini, per il quale questa produzione recuperava la difficile Aria da concerto “Alle voci dell’amore”, e il tormentato Dorvil di Juan Francisco Gatell. Frizzante, spumeggiante la direzione di José Miguel Pérez-Sierra ben assecondato da un Orchestra Sinfonica G. Rossini in buonissima forma.

IL BARBIERE DI SIVIGLIA (22 agosto 2011, Teatro Rossini, Pesaro)

Alberto Zedda, direttore artistico del ROF, ha presentato al suo pubblico la nuova edizione critica del Barbiere di Siviglia pubblicata dalla Fondazione Rossini di Pesaro. Le differenze con la precedente non sono parse significative (qualche modifica testuale, qualche ritocco musicale), ma è soprattutto la presenza di un nuovo personaggio, la cameriera Lisa, ad attirare l’attenzione: Lisa, infatti, interviene nel Finale I (le sue battute sono sempre state affidate a Berta, pur cantando, Lisa, in una tessitura più grave). Per l’occasione si è pensato ad un’esecuzione in forma di concerto proprio per dar maggior risalto possibile alle qualità della partitura rossiniana. I cantanti hanno comunque effettuato le entrate e le uscite, e alcuni movimenti scenici, offrendo verità teatrale alla vicenda. Zedda ha mostrato grande sensibilità nel guidare la dinamica orchestra bolognese, ottenendo fluidità ritmica e brillantezza timbrica. L’ottantatreenne direttore milanese ha anche saputo assecondare i cantanti, in modo stilisticamente impeccabile, durante le loro gustosissime e funamboliche variazioni. Marianna Pizzolato ha interpretato una Rosina piacevole con voce di timbrica comunicativa, ma con qualche indecisione nella zona più acuta della tessitura. Franco, spavaldo, di buon volume il Figaro di Mario Cassi, dal suono rotondo e corposo. Adeguato Juan Francisco Gatell nei panni del Conte di Almaviva, che, soprattutto nei centri, è parso ricordare il fraseggio di Luigi Alva. Il debordante Bartolo di Nicola Alaimo, un baritono di voce chiara perfettamente a suo agio nel canto sillabato, ha saputo divertire il pubblico anche in qualità di una mimica molto personale, mentre Nicola Ulivieri ha accentuato i tratti furbeschi di Don Basilio con voce piena e risonante. Grandi applausi e ovazioni anche in Piazza del Popolo, dove l’opera è stata trasmessa su maxi-schermo.

ADELAIDE DI BORGOGNA (23 agosto 2011, Teatro Rossini, Pesaro)

Pier’Alli, il regista di Adelaide di Borgogna, opera dalle bellezze insospettate per la prima volta qui al ROF (la cui musica finirà in buona parte nel futuro Eduardo e Cristina a dimostrazione di quanto lo stesso Rossini tenesse in considerazione questa partitura) è parso più interessato alle proiezioni sul fondale del palcoscenico, lacustri e ferrigne, di militari e di fortezze, di marce e di cortei muliebri, indubbiamente suggestive ed eleganti (e non senza un tocco leggero di ironia e surrealismo), ma meno ai movimenti scenici dei cantanti. Ne scaturiva uno spettacolo di innegabile impatto visivo, ma teatralmente un po’ povero. Ci pensava un cast di prim’ordine, accompagnato con musicalità e finezza da Dmitri Jurowski alla guida del Coro e dell’Orchestra del Teatro Comunale di Bologna (complessi impegnati con successo anche in Mosè e nel Barbiere), ad elettrizzare la recita. Jessica Pratt donava ad Adelaide un timbro adamantino, pastoso soprattutto nei centri, con facilità nella coloratura, privilegiando la vena più elegiaca della principessa prematuramente divenuta vedova. L’Ottone di Daniela Barcellona si imponeva per l’accento, eroico ma anche patetico, per la spericolatezza delle agilità, per la saldezza della linea. Nicola Ulivieri disegnava un Berengario di notevole spessore vocale, colore scuro e dizione scolpita e rotonda. Bogdan Mihai (Adelberto) risultava, invece, l’elemento debole del cast. Pur dimostrando una certa sicurezza nelle agilità e una indubbia musicalità, il timbro non particolarmente seducente, il volume flebile e una certa mancanza di squillo ne inficiavano la resa complessiva. A loro agio le parti di fianco e un plauso per la preziosa e fantasiosissima realizzazione dei recitativi al fortepiano: ebbene, non ci siamo quasi accorti che si trattava, nella loro totalità, “soltanto” di recitativi secchi.

Interview with soprano Claire Meghnagi

Foto: Claire Meghnagi; Copyright Maxim Reider; Acis und Galatea.

Israeli soprano Claire Meghnagi graduated from the Rubin Academy of Music in Tel Aviv, and continued her studies in Boston and New York. She performs music from Monteverdi to the 21st century and is particularly acclaimed for her interpretation of baroque music and roles in operas by Handel and Mozart.  Claire made her debut at the world's most prestigious venues in 2007 with Les Arts Florissants and William Christie in the Jardin des Voix concert tour. She debuted singing the role of Tullia in Bononcini's Il Trionfo di Camilla while still a student in Boston. Since 2006 she has been a soloist at the Israeli Opera. She made her Wigmore Hall debut in London singing Night/the Plaint/Chinese woman in concert version of The Fairy Queen and debutes in Austria, in the title role of Galatea (Acis and Galatea), with the Wiener Akademie conducted by Martin Haselböck. In concert, she´s sung in a Gala at the Opera Comique in Paris with Les Arts Florissants, Handel's Alexander's Feast with Jerusalem Baroque, Mozart's Exsultate Jubilate and Handel's Judas Maccabeus with the Jerusalem Symphony, and Bach's Cantatas BWV 202, 199 with the Israeli Chamber Orchestra. In 2009, she represented Israel in the prestigious BBC Cardiff Singer of the World competition. In the 2011/ 2012 season, she will sing the roles of Cleopatra (Giulio Cesare in Egitto) at the Finnish National Opera in Helsinki and   Euridice (Orfeo ed Euridice) at Israeli Opera and at the Philharmonie hall in Berlin performing Mahler´s 4th Symphony. Claire generously agreed to do this interview where she speaks about her prolific career.

What is the current state of opera and music in Israel?

Israel has a very active opera and music scene. It is a tiny country but we have so much going on, with a big variety of orchestras and ensembles. We have one big opera house which is the Israeli Opera in Tel Aviv. It has a regular season plus concerts, dance performances and community outreach programs. There is also the Israeli Philharmonic (which also makes about 2 operas a year), plus 8 orchestras and 3 period instrument orchestras that also perform operas and festivals too, so there is so much going on. I think Israel is blessed with many fine musicians who came from all around the world; this is why such a small place has lots to offer.

When did you discover that you had a gifted “voice” and when did you decide to pursue a career in opera?

I discovered my voice at a very early age, I sang for about 2 years with my father who is a synagogue cantor from Italy. I remember he used to sing with me and make "shows" at home and outside, just for fun. Later I realized I had quite a high voice so I started studying at the Conservatory, but it was only after my army service (it is mandatory in Israel, I did 2 years of service with the parachute unit) that I decided I would like to focus in opera and went to study at the music academy in Tel Aviv.

Who has influenced your career in the most positive and profound way?

My father and his sister, Jewish folk singer Miriam Meghnagi have always been my inspiration for music. From the classical world, I learned so much from the great Bill Christie whom I had the pleasure of singing with in 2007, in his Jardin des Voix international tour. This man built the entire French baroque repertoire which was never performed before, and he is a great teacher who really showed me the right way to sing and interpret this repertoire. The greatest inspiration among sopranos would be Maria callas, for her exquisite artistry and the way she went all the way with her characters. Dame Joan Sutherland is another inspiration for singing and I am so grateful I got to meet her when I represented Israel at the BBC Cardiff singer of the world competition in 2009. It was her last performance in public I think, and I remember how we all stood when she went on stage to give the awards. I didn't win it, but meeting her was one of the greatest prizes i could ever have...

How would you define your voice?

This is a bit of a difficult question as I can never listen to myself while I sing, so one never really knows how they sound... But I think my voice has color and musical personality and it is warm and full of feeling tone, it can be dark or bright according to what I´m singing and I hope it´s always warm and it touches hearts..

What would be the first song, aria, opera that you would want to sing to someone who has never heard your voice?

I think it would be Susanna from Le Nozze di Figaro, especially "deh vieni" because it is so close to my heart. She reminds me so much of myself as a young woman tied up in so many different things, but trying to have her way on the man she loves. Also, there is the role of Cleopatra by Handel which defines me very well. This season I am so blessed to sing these 2 roles which are really the core of my repertoire!

How many roles comprise your repertoire?

I have roles from Monteverdi to contemporary music, perhaps around 40!! I haven´t performed all them yet, but I am singing now lots of Handel and Mozart roles.

Tell us more about your experience working and singing with William Christie and Les Arts Florissants….

I mentioned before that Bill is a big inspiration in my life. The Jardins Des Voix tour of 2007 took me along with other 9 young singers to sing in the most prestigious venues of Europe and the USA. It was a once in a lifetime experience!! I was trained by the best of baroque and language professionals, than sang in such amazing venues with the remarkable Les Arts Florissants. Sometimes I had to pinch myself to make sure it was true... The exposure and reviews were so overwhelming; it really made my career start in the best way.

Besides baroque music, what other types of music interest you?

I love all good music no matter what period it is from. I sing lots of Mozart of course, and I especially love Poulenc, Stravinsky and the contemporary music of Berio, Luca Lombardi and Israeli composers like Noam Sheriff, Oded Zehavi and more.

How do you know when a role is a good fit?

Great question! There are roles that just suit me perfectly, in character and vocally, like Susanna, Cleopatra, Semele, Galatea etc. There are also roles which may not feel perfect at first but then the voice grows into them. I try to make every role I sing truly mine, and I also try to get to perform the roles I know that are perfect for me.

What’s your opinion on modern / traditional stage productions?

I think a production has to work dramatically speaking, no matter if it´s modern or not, the ideas, the drama, and the characters must touch and reach the audience. That is how I do it and I am on stage to touch people's hearts.

Do you have any interesting plans or projects for the future?

I have a very exciting year ahead with 3 of my dream roles, concerts with the legendary John Malkovich and debuts in Berlin with the Philharmonie and in the USA. So I only wish to do all well and to be able to combine this crazy lifestyle with my family, I have two children who go with me whenever is possible. I wish I continue to have seasons like this and to be healthy and happy with my family!

Finally, what is that single moment you treasure the most on a stage as an opera singer?

I´ve had more than one. The first one is my performance with my dad, my aunt and my husband (Zvi Orlianski is first cellist with the Israel Camerata). This was a dream come true because we played classical arias alongside traditional Jewish songs, it was pure love and music. The second one ocurred last year when I made my debut at the Musikverein in Vienna, singing the "Messiah" with Martin Haselböck and his period instrument orchestra Wiener Akademie. When the choir sang Amen and after my aria "if God be for us" I looked around at the packed concert hall, at the golden statues and at the glorious paintings, and it was such an amazing spiritual moment, after the amazing singing and all the inspiring playing by the orchestra. I felt completely blessed and wished at that moment that a better world could be made through sublime music. RJ

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Italian Wonderbrass -Stresa Festival 2011

Foto: Italian Wonderbrass

Renzo Bellardone  

STRESAFESTIVAL 2011 Mercoledì 24 agosto – ore 20.30 Castello Visconteo – Voggna. Mondo di suoni Gabrieli, Speer, Bach, Kamen, Mozart, Barber, Bozza, Saint-Saëns. Italian Wonderbrass. Giuliano Sommerhalder, Omar Tomasoni, trombe. Gabriele Marchetti, trombone. Guglielmo Pellarin, corno. Gianluca Grosso, basso tuba

Il Castello di Vogogna abitualmente ospita un concerto brillante dello StresaFestival ed anche questa sera i giovani musicisti dell’Italian Wonderbrass restano fedeli a questa scelta. Dopo la sigla (un brano da Strauss) a ritmo, anzi a passo sostenut, iniziano il concerto che si arricchirà di proposte interessanti e poco divulgate. Partendo da Gabrieli e passando per Speer giungono a Bach e con il ‘preludio e fuga in do minore’ riescono ad evocare dettagliamente tutte le voci dell’organo, strumento per il quale era stata scritta la composizione. Kamen ha invece composto ‘quintet’ e da pianista e direttore d’orchestra ha saputo cogliere sonorità evocative e trarre forse una colonna sonora o un adagio di contemporanea liricità? Forse entrambe le cose, ma quello che conta è che spiritosamente il quintetto la sa interpretare con il gusto della vita. L’ ‘Adagio’ di Barber, originariamente composto per archi fu poi riscritto, per espressa richiesta di Toscanini, per 5 ottoni e i Wonderbrass la ripropongono nella riscrittura di Bozà per i N.Y.Glamour. Lenta ed avvolgente, virtuosisticamente veloce o maestosa come nel quarto movimento, l’esecuzione sfiora il blues in questa accattivante offerta. La ‘danse macabre’ di Saint Saens conclude briosamente il concerto, ma il bis sarà il momento più atteso e più divertente: una miscellanea di brani dalla Bohème a Rigoletto e da ‘Volare’ al ‘Bel di vederemo’ che coinvolgeranno il pubblico nel canticchiare, nel sorridere e nell’applaudire. La Musica vince sempre.

Esotismo e magia esaltati dai London Brass - Stresa Festival 2011

Foto: copyright Andrea Sacchi KS

Renzo Bellardone

STRESA FESTIVAL 2011 Lunedì 22 agosto – ore 20.30. Loggia del Cashmere – Isola Madre Ottoni all'Isola. Bach, Scarlatti, Ewald, Lutoslawski, Marshall, Piazzolla, McDowall. London Brass. Andrew Crowley e David Newell, trombe. Philip Eastop, corno. Linsay Shilling, trombone. Oren Marshall, tuba

ESOTISMO E MAGIA ESALTATI DAI LONDON BRASS

Nati nel 1986 con lo scopo di promuovere le sonorità ed i virtuosismi della musica da camera per ottoni, i London Brass approdano quest’anno allo Stresafestival per il magico appuntamento all’Isola Madre alla loggia del Cashmere, che prende il nome dal più grande esemplare d’Europa del Cipresso del Cashmir che troneggia nel giardino. Certamente bravi i 5 compenenti della formazione di ottoni, non si fanno intimorire dal ‘verso’ del pavone che si fa sentire sull’ultima nota del ‘Contrapunctus IX’ di J.S.Bach….ovvero alla fine del primo brano eseguiti. Pappagalli e fagiani faranno imprevedibilmente da coro alle esecuzioni dell’ensemble. Le caratteristiche percepite sono il suono soffuso e dialogante, mai decisamente imperioso, ma disegnato con stile ‘inglese’, quindi trattenuto per non dirompere. Bel momento è stato un ‘duello tra le trombe’ o quando nascosti tra gli alberi, i concertisti hanno musicalmente dialogato in un botta e risposta a distanza realizzando un momento di suggestione stereofonica. La tarantella di Mendelsshon risulta simpaticamente vivace come ‘Espana di Albeniz… Concerto apprezzato e gradito anche se forse ci si attendeva brio maggiormente coinvolgente e vigore sonoro più accattivante. In ogni caso si può dire che…… la musica vince sempre

Quando la musica trascende i confini dell’anima - Stresa Festival 2011

Foto: copyright Andrea Saachi KS

Renzo Bellardone

STRESA FESTIVAL 201. Stresa - Palazzo dei Congressi - 21 agosto - ore 20,30. RUBEN BURVENICH -Septimal- DMITRIJ DMITRIEVIČ ŠOSTAKOVIČ -Concerto n. 1 in do minore per pianoforte, tromba e archi op.35- JOHANNNES BRAHMS - Sinfonia n. 1 in do minore op. 68 -

Buon Compleanno Festival! Questo è il titolo del concerto inaugurale della cinquantesima edizione dello Stresa Festival, proposto dalle Settimane Musicali di Stresa e del lago Maggiore. Era infatti la sera del 27 agosto 1962, quando Nino Sanzogno al Palazzo dei Congressi di Stresa, dava l’avvio ad una avventura musicale che continua da 50 anni e che brilla ogni anno di più.  Quella sera, nel concerto inaugurale eseguì la Sinfonia n. 1 di Brahms…..ma ne parleremo… Il 21 agosto 2011 ad alzare la bacchetta per dare l’avvio al primo concerto della stagione n. 50 è Gianandrea Noseda, l’amato direttore artistico del Festival. Con la consueta affabile eleganza, saluta il pubblico e presenta la serata, con un accenno affettuoso a Ruben Burvenich, ventunenne compositore belga e vincitore del 5° Concorso Internazionale di Composizione promosso dalle Settimane Musicali, nel cammino di formazione e promozione dei giovani talenti che finiscono poi sul podio e sulle locandine di mezzo mondo. Il primo brano eseguito è appunto di Burvenich ‘Septimal’ in prima assoluta: qualche dissonanza, qualche rimando al blues e qualche dotta citazione (Gershwing???). In ogni caso l’ascolto è piacevole ed anche il pubblico meno avvezzo alla contemporaneità applaude convinto ed interessato. Auguri quindi a Ruben Burvenich! Il secondo brano proposto è il Concerto n: 1 di Šostakovič ed il Maestro Noseda, apprezzato interprete degli autori dell’Est, risulta sempre accattivante in questo repertorio; il suo lavoro di direzione, qui risulta esaltato dai professori della Stresa Festival Orchestra che di anno in anno cresce in ottimizzazione costante. Il Concerto prevede la tromba e per l’occasione è quella suonata da Ivano Buat che diventa voce principale o voce di collegamento in un sentiero di espressiva musicalità. La sensibilità degli archi accoglie anche il tocco deciso, ma non prevaricante di Alexander Toradze, graditissimo ritorno al Festival. Per i grandi artisti il tempo non passa davvero mai ed infatti il grande pianista offre una prestazione di altissimo livello che avvolge e coinvolge. Sensazioni epidermiche,colte anche dal più profondo luogo dell’anima con una direzione ricca di cifra vitale, scevra da imperiosità. La seconda parte del concerto prevede un rimando alla ‘prima nota’ del primo concerto!! Souvenir per Ingrid Bergan e Anthony Perkins in quel film del 1959 di Francoise Sagan ‘Aimez vous Brahms?’…..dopo l’ascolto di questa sera è scontata la risposta! ‘Oui, bien sure!’ Dopo un elegiaco inizio, la vita prende forma ed emerge luminosa con questa monumentale composizione che stasera risplende dei colori più belli dell’arcobaleno con una dolce poesia che trascende i confini dell’anima. La Musica vince sempre.

Ironia e freschezza giovanile per un acquerello gioioso: Il Viaggio a Reims - Rossini Opera Festival, 2011

Foto: Rossini Opera Festival

Renzo Bellardone

ROSSINI OPERA FESTIVAL 2011- PESARO 17 Agosto, ore 11,00. Per i 150 anni dell'Unità di Italia. Festival Giovane. IL VIAGGIO A REIMS Cantata scenica. Libretto di Luigi Baiocchi. Musica di Gioacchino Rossini. Edizione critica della Fondazione Rossini. In collaborazione con Casa Ricordi, A cura di Janet Johnson. Direttore Yi-chen Lin. Elementi scenici e regia Emilio Sagi, ripresa da Elisabetta Courier. Costumi Pepa Ojanguren.Orchestra Sinfonica G. Rossini. Corinna Elena Tsallagova. Marcesa Melibea Adriana di Paola. Contessa di Folleville Maria Aleida. Madama Cortese Vera Chekanova. Cavaliere Belfiore Lu Yan. Conte di Libenskof Ganer Akin. Lord DSidney/Antonio Andrea Vincenzo Bonsignore. Don Profondo Matteo d’Apolito. Barone di Trombonok Giampiero Cicino. Don Alvaro/don Prudenzio Elier Muňoz. Don Luigino Marcos Carrero. Delia Carmen Romeu. Maddalena Marina Pinchuk. Modestina Kanae Fujitani. Zefirino John Colin Gyeantey. Gelsomino Giorgio Misseri

L’allestimento è quello classico del Rof per il Festival Giovane; l’Accademia ha licenziato negli anni diversi artisti che progredendo nello studio si stanno affermando o si sono già affermati nel panorama lirico. La regia e gli elementi scenici di Emilio Sagi, ripresi da Elisabetta Courier sono le sdraio, i tavolini ed il ponticello bianchi; dello stesso colore prevalente i costumi –Pepa Ojanguren- improntati alle divise del personale d’assistenza dell’albergo termale. Regia, scene e movimenti scenici gradevoli ed eleganti, con brillantezza e vivacità. ‘Presto, presto..su coraggio’ e Marina Pinchuk -Maddalena che da il via al canto, spigliata e con buona voce. Il secondo ad apparire in scena è Don Prudenzio con la voce profonda e colorata di Elier Muñoz che darà vita anche ad un ben definito Don Alvaro. ‘Ah..si esamini, si informi’ è l’esordio di Antonio /Lord Sidney attraverso l’interpretazione di  Andrea Vincenzo Bonsignore, che offre una prestazione più che apprezzabile con voce profonda e chiaro fraseggio. A dirigere, sul podio, una deliziosa ragazza: Yi-chen Lin, che mantenendo aggraziata tranquillità , con gesto ampio ed elegante ‘tiene’ l’orchestra ed il palco con la sicurezza di chi sta ottenendo un risultato buono dopo tanto studio, dedizione ed impegno….. Yi.chen Lin dimostra sicurezza e conoscenza offrendo bei momenti di liricità, nell’assoluto rispetto e cura amorevole del palco.  Vera Chekanova è Madama Cortese e si presenta da subito con agilità e limpidezza veramente interessanti. L’attesa apparizione della Contessa di Folleville non si fa attendere e Maria Aleida ‘Modestina, Modestina, ove sei….’ dà immediatamente la cifra della sua presenza scenica ed elasticità vocale piacendo ed appassionando il divertito pubblico.  ‘..Signora?...’ ed appare Modestina con la caratterizzazione perspicace ed efficace di Kanae Fujitani. Il momento è di tragica-comica suspense: ‘Amabil Contessina, v’armate di coraggio’ e Marcos Carrero nei panni di Don Luigino informa che ‘ ..La diligenza ha ribaltato..’ Buon attore e con timbro particolare rende il momento con il dovuto brio quasi da vaudeville. E’ la volta del Barone di Tronbonok, con il volto e la voce profonda e timbrica di Giampiero Cicino. Ganer Akin interpreta invece un Conte di Libenskof ben tratteggiato e piacevole. ‘..Qual Favella..?’ e la Marchesa Melibea prende ecletticamente vita attraverso la voce duttile ed agile di Adriana di Paola.

Espressiva e precisa è Elena Tsallagova interpretando Corinna in modo vivace e decisamente apprezzabile.  Un cavalier Belfiore, affettato e caricaturale viene offerto da Lu Yuan, che utilizza voce ed atteggiamenti ridicoli per creare un simpatico Belfiore/Ganimede. Carmen Romeu è una piacevolissima Delia, Zefirino invece prende vita grazie alla buona resa di John Colin Gyeantey, mentre Giorgio Misseri è un brillante Gelsomino; per il ruolo predominante di Don Profondo è stato scelto il convincente Matteo d‘Apolito, che ben si è difeso nel confronto con i grandi interpreti del ruolo.  Carlo X° chì è??? Ma al Rof è un bimbetto occhialuto con corona in capo e palloncini al posto dello scettro. Pantaloncini corti e scarpe da ginnastica a dissacrare le false convenzioni, in virtù di una sana risata. Se non dimentichiamo che Rossini compì la partitura del ‘Viaggio a Reims’ pensando alle ‘miglior voci’ dell’epoca, non possiamo che apprezzare che le impervie difficoltà siano affrontate, con buon esito, dai ragazzi dell’accademia ed apprezzare altresì la caparbia volontà di continuare a perseguire ricerca e formazione seppur in mezzo alle tempestose difficoltà. La Musica vince sempre.

ESTRELLAS DEL BALLET CLASICO DE RUSIA OFRECEN UNA SERIE DE PRESENTACION DE PRIMER NIVEL EN CHILE

Foto: Ballet Clásico Ruso

Johnny Teperman 

Un grupo de diez genuinos representantes del virtuosismo, la elegancia y la fuerza del Ballet Clásico Ruso, ofreció una serie de presentaciones en nuestro país, las que partieron en el Teatro Nescafé de las Artes de la capital. El conjunto, formado por cinco parejas de bailarines, destacó un elevado nivel técnico al ofrecer un repertorio de fragmentos de las más destacadas obras de la historia del ballet. Este conjunto, denominado “Estrellas del Ballet Clásico Ruso” se presentó en la capital, con dos muy exitosas exhibiciones de su arte. Luego hubo actuaciones en las ciudades de Viña del Mar, Concepción, Talca, Temuco y Puerto Montt,  Este selecto grupo de bailarines estrellas de los Ballets Bolshoi de Moscú, Kirov de San Petersburgo (Actual Mariinsky), Hermitage y Mikhailovsky Ballet está integrado por Artem Yachmennkov (Bolshoi Theatre y San Francisco Ballet); Irina Perren (World - Steemed Dancer of the Bolshoi & Mikhailovsky Theatre); Marat Shemiunov (World - Steemed Dancer of the Bolshoi & Mikhailovsky Theatre); Tatiana Tkachenko (Mariinsky Theatre - Ex Kirov); Sergey Kononenko (Mariinsky Theatre - Ex Kirov); Oxana Bondareva (Mikhailovsky Ballet Company), Vera Arbuzova (Mikhailovsky & Eifman Ballet Company); Ekaterina Borchenko (Mikhailovsky Ballet Company), Viktor Lebedev (Hermitage & Mikhailovsky Theatre) y Mikhail Venshchikov (Mikhailovsky Ballet Company).  El repertorio que se puso en escena en Chile, en un espectáculo de más de dos horas, incluyó piezas de las obras maestras de fama mundial del patrimonio del ballet clásico como Don Quijote, El Lago de los Cisnes, La Bayadera , Espartaco, Raymonda y El Corsario.  Al igual que lo que opina Lyudmila Bragina, Directora y Manager del elenco “Estrellas del Ballet Clásico Ruso”, quien además es Manager Director del Theatre “Russian Ballet”, destacamos las principales virtudes de la escuela rusa que practica este elenco:  “Hace suya la suavidad y la elegancia de la escuela francesa y el estilo armonioso de los italianos, creando un estilo único del espectáculo, la belleza y la riqueza artística en la ejecución de cada movimiento de la danza. Es de gran importancia para los artistas rusos buscar un entendimiento completo de las escenas a dúo, en donde el hombre siempre encarna la elegancia, la atención a su pareja, mientras la bailarina es femineidad, elegancia y gracia”.  Desde hace aproximadamente 20 años, los solistas y primeros bailarines del Ballet Clásico Ruso, en particular del Teatro Mariinsky de San Petersburgo y del Teatro Bolshoi de Moscú, decidieron agruparse para mostrar su trabajo al público que no podía acceder a la presencia del elenco con obras completas, excepto en Moscú o en escenarios de Londres, Paris o Madrid.  Este conjunto de connotados solistas son invitados habituales de los teatros de danza clásica más prestigiosos del mundo en particular de Europa y los Estados Unidos.

MICHAEL TILSON THOMAS LEADS THE SAN FRANCISCO SYMPHONY IN ITS FIRST PERFORMANCES OF POLARIS: VOYAGE FOR ORCHESTRA

Photo: MTT by Bill Swebenski and Thomas Adès

MICHAEL TILSON THOMAS LEADS THE SAN FRANCISCO SYMPHONY IN ITS FIRST PERFORMANCES OF POLARIS: VOYAGE FOR ORCHESTRA. SEPTEMBER 29-OCTOBER 1 AT DAVIES SYMPHONY HALL

Co-commissioned new work by Thomas Adès includes video projection by artist Tal Rosner

Michael Tilson Thomas (MTT) will lead the San Francisco Symphony (SFS) in the orchestra’s first performances of its co-commission Polaris: Voyage for Orchestra, with music by Thomas Adès and film projections by Tal Rosner, September 29, 30 and October 1 at 8 pm at Davies Symphony Hall. The Orchestra will also perform Mozart’s Symphony No. 35, Haffner and Stravinsky’s Petrushka, a work written in 1911, the year of the orchestra’s founding. Polaris: Voyage for Orchestra is a collaborative work by Thomas Adès and Tal Rosner. In January 2011 MTT conducted the New World Symphony (NWS) in the world premiere at the new Frank Gehry-designed home of the NWS in Miami. In April 2011, Adès led the Los Angeles Philharmonic in the west coast premiere of Polaris during their “Aspects of Adès” festival. The piece derives thematic material from sailors’ use of celestial navigation. Rosner’s visuals were inspired by Rockwell Kent’s illustrations for the 1930 edition of Moby Dick. Thomas Adès is known for his work as a composer, a pianist and a conductor, and has led many orchestras including those of the Royal Opera House in London and the Zurich Opera. Adès’ first opera was the 1995 work Powder her Face, and he has had recent works premiered at the Royal Opera House and at the BBC Proms. He served as composer-in-residence for several organizations, including at the Ojai Festival in 2000. He held Carnegie Hall’s composer chair during the 2007-08 season, and in 2009-10 he was the Royal Stockholm Philharmonic’s featured composer. In April 2010 pianist Emanuel Ax performed the West Coast premiere of Adès’ SFS co-commissioned Three Mazurkas in recital at Davies Symphony Hall. On Sunday, October 2, following the San Francisco Symphony’s performances of Polaris, Thomas Adès will perform Three Mazurkas and other works of his with the Calder Quartet at Cal Performances in Berkeley.

Video artist Tal Rosner has worked with musicians and dance companies to create a new genre of classical music videos, samples of which can be found on his website. He created the title sequence for all five seasons of MTV’s program Skins, and his 2008 short film Without You won the Cinephilia Best Experimental Film Award at the 2010 London Short Film Festival.  Stravinsky’s Petrushka was premiered in the same year as the San Francisco Symphony’s first concert, 1911. Pierre Monteux, SFS Music Director from 1935-1952 premiered the work in Paris.

SAN FRANCISCO SYMPHONY

Davies Symphony Hall

Thursday, September 29 at 8 pm

Friday, September 30 at 8 pm

Saturday, October 1 at 8 pm

Michael Tilson Thomas conductor

San Francisco Symphony

Mozart Symphony No. 35 in D major, K.386, Haffner

Thomas Adès/Tal Rosner Polaris: Voyage for Orchestra (San Francisco Symphony co-commission) (with video/projections)

Stravinsky Petrushka

PRE-CONCERT TALK: Scott Foglesong will give an “Inside Music” talk from the stage one hour prior to each concert. Free to all concert ticket holders; doors open 15 minutes before.

AUDIO PROGRAM A free audio podcast about Stravinsky’s Petrushka will be

NOTES: downloadable from sfsymphony.org/podcasts and from the iTunes store.

CD SIGNING: Thomas Adès will sign CDs in the Symphony Store following the performance on October 1.

BROADCAST: Portions of these concerts will be broadcast on Classical 89.9/90.3 KDFC.

TICKETS: $35-$145. Available at sfsymphony.org, 415-864-6000, or the Davies Symphony Hall Box Office on Grove Street between Van Ness Avenue and Franklin Street in San Francisco.