West side story à la Wagner with happy end - Die Meistersinger von Nurnberg at the National Theatre in Munich State Opera Festival

Photos:Wilfried Hösl

Oxana Arkaeva**

West side story à la Wagner with happy end “Die Meistersinger von Nurnberg” at the National Theatre in Munich State Opera Festival July 31^st, 2016

The visit to the Bavarian State Opera is always a remarkable experience. The landmark of the Capital of the Bavarian State hosts its annual summer festival in the building of the National Theatre at the representative Max-Josep-Square. Running from the end of June until the end of July, the Munich Opera Festival precedes the next two prestigious European summer festivals in Bayreuth and Salzburg and concludes the Opera Houses main season. Attended performance on the July 31st presented the dernière of series of seven shows and marked the twelfth of the Opera in Munich productions of this great opera. Taking place on a warm evening this show had a touch of the premiere night with all the glamor of an international audience coming in limousines and taxis. Surrounded by the beautiful architectural ambiance and attended by friendly, attentive personal the visitors enjoyed Champagne and tasteful snacks looking forward to the beginning of the show.

Background

To listen to and to watch the “Meistersinger” performance is always a task, bearing in mind an extreme length of the performance of more than five hours and its complex ideological and philosophical context. Thus, one was pleasantly surprised to experience a highly entertaining show that came out to be musically, as well as artistically, of an extraordinary level. After the fiasco of his “Tannhäuser” at the Paris Opera and contrary to his own, not very flattering opinion about traditional opera, Wagner decided in 1861 about to write a comic opera. Distancing himself from his idea of musical drama Wagner composed an opera that does not deal with some divine power and Gods and tells story of real historical figures. The score features aria-like solo scenes, polyphony in composition, German church chorales, and folk songs. The last one effectively misused by Nazi propaganda of Third Reich, which made Wagner a banned composer in some countries.

Staging

This centuries-old story, reinforced by the sober stage settings of construction scaffolds and gray apartment buildings with chipped plaster (Patrik Bannwart) and well-shaped characters, appears quite up-to-date. Witnessing the everyday life of the community of hard working people we experience an atmosphere of helplessness (there is a lot of beer drinking going on) with St. Johann Fest and the Meistersinger singing contest offering some rare cultural and social highlights. Taking place in sort of boxing ring, with pouring down confetti and accompanied by Hollywood-like video projections (Falko Herold) as well action supporting stage lighting (Michel Bauer) we become the spectators of some kind “The Voice” show with a glamorous atmosphere of covered-up poverty and despair. Keeping up with the practice of the tragic-comedy genre, stage director David Bösch tells the story that is comprehensible to everyone. Placed in the fifties (flattering costumes by Meentje Nielsen), one cannot let go an impression of suddenly being put into a kind of Wagner's "West Side Story". Moving cars and delivery vans, girls in petticoats and groups of young men in shorts, acting either as dutiful citizens or as Hitler Jugend aggressive gang, the bourgeois society is confronted by the gum chewing rebel, a young, strong woman and innovation seeking city shoemaker.

Singers

Right at the beginning, we meet Wolfgang von Stolzing, a young knight, who left his parents castle to come to Nurnberg. Dressed in the leather jacket, with huge earphones and strumming on his guitar ( a delightfully amusing scene with the bust of Wagner) his figure reminds that of Bernsteins´ Tony. Unconscious about his talent, he acts, thinks and lives only for the moment. Despite the ardent address from his mentor, Hans Sachs, von Stolzing easily rejects the Meistersinger title putting his personal happiness in the first place. Jonas Kaufmann gives in this production his Stolzing Debüt and can be considered a public darling. He acts and sings naturally, thus remaining authentic and approachable. Sadly, his impressive stage presence often overwhelms his presence as a singer. Musically he struggles with hight notes and from time to time has difficulties to overcome the orchestra. Nevertheless, his final song “At the bright morning”, was sung with exquisite musicality and touching Piani thus considered one of the musical highlights of this evening.

At Stolzings´side, we experience his elderly protector: The city shoemaker and widely recognized Mastersinger Hans Sachs. A good-natured man, widower, maverick and philosopher, he is the only one who recognized Stollings´ talent and who is ready to sacrifice his personal luck for the sake of the young couple happiness. Wolfgang Koch presented well-balanced baritone voice, which in the monologs in the second and third acts found to its best form. His famous “Despise me, not the Master title” scene presents another musical highlight and achieves an enormous impact with the silence in the audience being almost physically perceptive.

Artistically and from a singing point of view, the strongest performance on this evening was given by tenor Martin Ganter in the role of Sixtus Beckmesser. A City Clerk and Meistersinger Guild Marker. His rules possessed, caught in the old times, pedantic, elderly men, deeply in love with Eva and completely lacking any talent and creativity, Beckmesser is genuinely convinced to be able to win the singing contest, by just stealing and memorizing Stolzing´s Song. Leading the life of a continuous challenge and failure and unceasingly making a fool of himself (absolutely hilarious serenade scene with a ukulele in the second act and ridiculous glittery outfit in the third act), singer´s authentic portrayal of this unfortunate character deserves our entire sympathy and compassion. Musically Ganter convinced with his singing, presenting young sounding, clear voice, with easy top, well balanced middle voice and excellent diction.

Stolzing, Sachs, and Beckmesser build a love triangle around Eva, the young daughter of wealthy city goldsmith. Christof Fischesser in the role of Veit Pogner offers a bright, pleasant baritone sound, good articulation and gives the figure of dutiful, but somehow a distant father, who promises his daughter Eva as a trophy prize for the winner of the upcoming singing contest. Soprano Sara Jakubiak sings and performs a courageous, independent young woman who wants to break free. Resembling the character of Maria from "West Side Story" and deceptive in her elf-like appearance, she manipulates and acts to achieve this goal. Vocally, soprano presented a resolute but sweet, lyrical sounding soprano which, if necessary, can develop an impressive power and expression.

Tenor Benjamin Bruns in the role of Sachs´s apprentice David and Okka von der Damerau, mezzo-soprano, in the role of Eva´s companion Magdalene, give an admirable buffo couple. David, who seems to be a younger version of Beckmesser, tries to follow the rules accurately and to do everything properly. Thus he occasionally accepts his master´s violent treatment to become a companion. Bruns enjoys a lovely sounding tenor voice that sure has enough power and expression for the role of Stolzing in the future. Okka von der Damerau as Magdalene is pleasant to look at and to listen to. A pretty singer with a beautiful, female appearance and supple voice, she gave a convincing performance of a worldly-wise and gracious young woman. The rest of the cast is perfectly fitted together and include singers with throughout good voices for all Meistersingers and City keeper (Tareq Nazmi with warm bass sound). Together with the excellently prepared Choir (Sören Eckhoff), we are invited to dive into an atmosphere of the beautiful midsummer night and hearty laugh at the hilarious male cheerleaders at the beginning of the third act.

Orchestra

The real star of this evening though is the Bavarian State Orchestra and its leader, Kirill Petrenko. Completing his third season as a general music director, Petrenko advanced to the Master of orchestral sound and power. There is love in the air between him and his orchestra. Hardly at the pit; he begins straightway to conduct as if he could not wait to start to make music. From the very first minute and throughout the performance one is overwhelmed by his musicality and his knowledge of Wagner’s´ score. With each instrument group perceptible en detail and yet sounding like unique entity, Petrenko's temperament and endurance seemed to have no limits of never decreasing high emotional level. We witness precise, accurate, yet relaxed, energetic and dynamically powerful conducting in the prelude to the first act; The sensitive, thoughtful, reflective, almost impressionistic prelude to the third act and melancholic, romantic feeling in dynamically perfectly balanced “Johannisnacht” choir in the second act.

Conclusion

Despite lacking some pointing and emphasizing towards Wagner’s political and social concerns as well his ideas about the role of the art and artist, this production nevertheless offers a rare opportunity to experience an amenable, easy "Meistersinger” of an excellent musical quality. The production will return to the National Theater on Max-Joseph-Square next season with performances on September 30th, as well as on October 3rd and 8th 2016.

Cast on July 31^st, 2016:

Conductor: Kirill Petrenko, Stage director. David Bösch, Stage setting: Patrick Bannwart, Costumes: Meentje Nielsen,Video: Falko Herold , Light: Michael Bauer Dramaturgy: Rainer Karlitschek , Choir: Sören Eckhoff, Hans Sachs: Wolfgang Koch,Veit Pogner: Christof Fischesser,Sixtus Beckmesser: Martin Gantner, Kunz Vogelgesang: Kevin Conners, Konrad Nachtigall: Christian Rieger, Fritz Kothner: Eike Wilm Schulte, Balthasar Zorn: Ulrich Reß, Ulrich Eißlinger: Stefan Heibach, Augustin Moser: Thorsten Scharnke, Hermann Ortel: Friedemann Röhlig, Hans Schwarz: Peter Lobert, Hans Foltz: Dennis Wilgenhof, Walther v. Stolzing: Jonas Kaufmann ,David: Benjamin Bruns, Eva: Sara Jakubiak, Magdalene: Okka von der Damerau, Night guard: Tareq Nazmi. Bavarian State Orchestra Choir and extra Choir of the BSO.

**Oxana Arkaeva. The Winner of Placido Domingo World Opera Contest in Mexico, soprano Oxana Arkaeva, enjoyes vast range of concert and opera repertoire with more than a 100 roles sung and more than twenty years on international stages as well as a member of “fest” ensembles in Germany. Besides her singing career, she is involved in music project organizing and management activities. Curently she copmplets her Executive Master in Arts Administration (EMAA) studies at the Univercity in Zurich and acts as advisor and presentation trainer and for the person of public life and politic. Links: www.arkaeva.com and http://www.emaa.uzh.ch/de/StudierendeEMAAVI.html

Stresa Festival 2016 - Galliano e Camerata Ducale

Renzo Bellardone

STRESA  FESTIVAL 2016 - GALLIANO E CAMERATA DUCALE Isola Madre, Loggia del Cashmere 27 agosto JOHANN SEBASTIAN BACH, Concerto in do min. per oboe, violino, archi e basso continuo BWV 1060 RICHARD GALLIANO, Opale, Concerto per fisarmonica e orchestra d’archi

CARLOS GARDEL, Por una cabeza, per violino e archi RICHARD GALLIANO, Melodicelli, per fisarmonica e archi ANTONIO VIVALDI, Concerto in sol min. «L’Estate»,  per violino e archi RV 315

ASTOR PIAZZOLLA, Aria & Libertango; Oblivion, per fisarmonica e archi RICHARD GALLIANO, Tango pour Claude, per fisarmonica e archi; La Valse a Margaux, per fisarmonica e archi

Nel giardino prospiciente la Loggia di Palazzo Borromeo all’Isola Madre si è assistito alla costruzione di un ponte tra l’emozione conosciuta e l’emozione nuova che sorge dalla rivisitazione. Bach e Vivaldi incontrano la fisarmonica di Richard Galliano e le sue riscritture che illuminano di rinnovata luce e brillantezza contemporanea interrotta dai  lampi e bagliori dei ritmi  argentini e di tradizione. L’ensemble, quello della Camerata Ducale, è diretto da Guido Rimonda che si è esibito con il pregevole Stradivari del 1721 appartenuto a  Jean-Marie Leclair  al cui proposito si narra una storia avventurosa e misteriosa che culmina con la sua morte per assassinio nel 1764; il cadavere di Leclair venne scoperto solamente due mesi dopo la morte e il corpo, ormai in via di decomposizione, lasciò una macchia nerastra della mano che ancora oggi è visibile sullo strumento. Le violon noir, passato di proprietario in proprietario, è approdato a Guido Rimonda che lo suona ormai da anni in concerto. Questo violon ha un suono dolce e corposo da cui Rimonda trae voci e colori preziosi. Galliano e Rimonda, insieme alla Camerata Ducale, hanno colto e proposto una nuova idea di musica classica riscritta con tempi e ritmi di celebri ballabili conosciuti alla tradizione popolare, rendendo lieve e gradevole l’ascolto. La location di forte suggestione architettonica e paesaggistica ha compiuto l’opera di coinvolgimento emotivo attraverso una esperienza multisensoriale; l’aver proposto l‘Estate’ di Vivaldi nella riscrittura di Galliano che acuisce l’alternarsi di ritmi lenti ed accelerati è stato forse un involontario, ma efficace fil rouge con il concerto Jazz della Gambarini che aveva interpretato l’estate di Bruno Martino Concerto ‘tutto esaurito’ grazie ad un pubblico entusiasta. La Musica vince sempre.

Stresa Festival 2016 - Oltre la Porta - Prima mondiale

Renzo Bellardone

STRESA FESTIVAL 2016 – ‘OLTRE LA PORTA’ –Prima mondiale REGINA PALACE HOTEL  27 AGOSTO 2016 Alda Caiello, Giulia Peri, soprani Gabriella Sborgi, mezzosoprano Stresa Festival Ensemble Carlo Boccadoro, direttore

IGOR STRAVINSKIJ, Three Songs from W. Shakespeare CARLO BOCCADORO, Oltre la porta Libretto di Cecilia Ligorio Prima assoluta – commissione Stresa Festival per i 400 anni dalla morte di W. Shakespeare

Delle Three Songs  vale la pena di evidenziare la seconda dove vive ‘la Tempesta’ e la terza che alleggerisce l’atmosfera ( per tutti, meno che per i mariti traditi) raccontando infatti del cucù sia con i suoni che ne simulano il verso, sia per il significato sottinteso circa i mariti traditi. Interessante e vivace la direzione di Carlo Boccadoro e del trio flauto, clarinetto, viola su cui si è innesata la calda voce del mezzosoprano Gabriella Sborgi. Dopo questa introduzione è giunto l’atteso momento di ascoltare in prima assoluta la ‘commissione 2016’ dello Stresa Festival, ovvero ‘Oltre la porta’ con i testi essenziali e modernamente efficaci di Cecilia Ligorio su scrittura musicale di Carlo Boccadoro, noto compositore ed artista ad ampio raggio. La musica ben ritmata non risulta ostica al primo ascolto, anche se forse necessiterebbe di essere riascoltata per meglio apprezzarne la ricercatezza stilistica e comunicativa e gli entusiasti crescendo degli archi.  Le voci sono altresì interessanti: Gabriella Sborgi sfodera il consueto gran temperamento interpretativo “…niente, niente, niente…”; Alda Caiello affascina con la ben conosciuta voce limpida e squillante che irrobustisce il senso drammatico della vicenda; Giulia Peri arriva da metà sala cantando con timbro chiaro e luminoso che illumina gli acuti. Per tutte e tre le interpreti si sono apprezzate sia la cura del fraseggio che l’attenzione alla dizione. Il Ponte ideale tra la tragedia di Shakespeare ed una storia di triste contemporaneità è rafforzato dai nomi dati dalla Ligorio ai personaggi, in omaggio al grande autore, cogliendoli dal suo “Re Lear”   oltre ad evidenti rimandi alla ‘Tempesta’ “…pregavo il mio cuore di diventare insensibile alla tempesta…” La Musica vince sempre

Murió el cantante y compositor mexicano Juan Gabriel

Juan Gabriel, el gran cantante y compositor mexicano conocido por clásicos como Querida y Amor eterno, falleció este domingo 28 de agosto. Tenía 66 años.  "Alberto Aguilera Valadez", su verdadero nombre, el día de hoy completó su tiempo y se graduó de la vida, dice el email emitido por uno de sus representantes.  Juan Gabriel se encontraba en Estados Unidos como parte de su gira MeXXIco es todo, donde ofreció un concierto en Los Ángeles  el viernes 26 ante 17.500 asistentes en el Forum de Inglewood.  Su música era conocida por despertar emociones por doquier. Su Querida estuvo todo un año en el primer puesto de las listas de popularidad en México. En sus presentaciones en vivo era capaz de hacer llorar a cualquiera con Hasta que te conocí  pero también ayudaba a olvidar las penas al ritmo de El Noa Noa. Era, indudablemente, el alma de la fiesta. En más de cuatro décadas de trayectoria  compuso más de 1.500 canciones interpretadas por artistas como Marc Anthony, Raúl Di Blasio, Ana Gabriel, Angélica María y Lucía Méndez. Produjo para más de 50 artistas que incluyen a Paul Anka, Lola Beltrán y Lucha Villa y lanzó más de 30 discos. Su disco Juan Gabriel en vivo desde el Palacio de Bellas Artesestableció récords de ventas y también se lanzó en video, algo inusual para los artistas de la época. En el 2013 repitió la hazaña al cumplir 40 años de trayectoria con otro concierto en el palacio que quedó plasmado en el disco Mis 40 en Bellas Artes de 2014. Se destacó como filántropo, donando las ganancias de algunas de sus presentaciones a hogares infantiles en México y en 1987 fundó Semjase, un orfanato para 120 pequeños donde se les enseñaba música y el cual financiaba personalmente. En 1985 la asociación de cronistas de espectáculos de Nueva York lo premió como el artista del año. En 2009 fue incorporado al Paseo de las Estrellas de Las Vegas y la Academia Latina de la Grabación, que otorga los Latin Grammy, lo honró como Persona del Año .

Katia e Marielle Labèque, pianoforti - Stresa Festival

Renzo Bellardone

L’appuntamento con Stresa è ormai un punto fermo per gli appassionati di festival e di musica ‘scelta’. Per ‘scelta’ si intende la qualità della scrittura oppure l’elevata interpretazione, oppure  entrambi i fattori; quest’ultima ipotesi ha sottolineato l’inaugurazione della parte corposa dello StresaFestival 2016, insieme all’eleganza ed alla raffinatezza, cuore della serata.

STRESA FESTIVAL 2016 – 23 agosto Stresa Palazzo dei Congressi Katia e Marielle Labèque, pianoforti MAURICE RAVEL, Ma mère l’Oye; Rapsodia Spagnola IGOR STRAVINSKIJ, La Sagra della primavera, per due pianoforti** Animazione visiva su partitura per pianoforte Una produzione Sanpapié su commissione Stresa Festival. In scena: Aisling Lenti, Francesca Martignetti, Martina Monaco, Saverio Bari, Tony Contartese, Vlad Scolari. Regia Stefano Monti. Con la collaborazione di Monique Arnaud. Aiuto regia Tony Contartese. Assistenza alla regia Emanuele D’Ancona. Elementi scenici Cecila Sacchi. Coreografia Lara Guidetti Hanno partecipato alla ricerca dell’allestimento Francesco Bonati, Beatrice Cazzaro, Clara Chiesa, Cosimo D’Agnessa, Anja Dimitrijevic, Aisling Lenti, Alizarina Silva, Collaborazione realizzata nell’ambito del Corso di Laurea Magistrale in Scienze e Tecniche del Teatro dell’Università IUAV di Venezia.

L’elemento caratterizzante e distintivo del concerto inaugurale dello Stresa Festival 2016 è senza dubbio la raffinata eleganza che ha connotato la sensibile interpretazione ai pianoforti di  Katia e Marielle Labèque. La scrittura scelta è di per sé elegante ed il tocco delicato ed essenziale ne amplifica la valenza, portando l’uditore a cavalcare nubi sornione e venti irriverenti. L’aggressività   della ‘Sagra’ è stata colta con vitale fermezza senza sconti alle acidità dissonanti e all’ossessività ritmica. Le sorelle Labeque si sono presentate al pubblico con signorile semplicità, offrendo un concerto di indubbio valore e classe. La scenografia multimediale a cura dello Iuav di Venezia, già ospite allo Stresa Festival in edizioni passate, ha implementato lo spettacolo con oggetti mossi nel buoi con movimenti ritmici: maschere, cornici, quadri, manichini, forme e colori. Il racconto per immagini è stato gradevole ed ha rimarcato il cammino di modernità artistica che il Festival sta dando alle sue proposte. Un breve bis ha concluso la serata e le note del ‘quarto movimento’ di Philip Glass insolitamente movimentato ed estroverso hanno raccolto ancora un prolungato applauso alle artiste. La Musica vince sempre

Italian soprano Daniela Dessi dies at 59

Foto: Nicola Allegri

Italy's La Scala opera house says soprano Daniela Dessì has died. She was 59. Last month, Dessi wrote to her fans on Facebook saying she had to cancel all her summer performances due to an undisclosed health problem. The ANSA news agency quoted her companion, Fabio Armiliato, as saying she died in Brescia after a "brief, terrible and incomprehensible illness." In a statement Saturday, La Scala said Dessi's solid technique, strong temperament and "rare interpretative sensibility" made her one of the "most notable figures on the international operatic scene." It added that her performances "remain among the unforgettable pages of La Scala's history from recent decades." Aside from La Scala, Dessi performed in major opera houses including the Metropolitan in New York, Vienna's Staatsoper and the Deutsche Oper in Berlin.

Murió la soprano Daniela Dessì

Foto: NIcola Allegri

Una de las figuras más importantes del panorama operístico internacional, la soprano italiana Daniela Dessì falleció ayer a los 59 años a causa de cáncer. La noticia fue confirmada hoy a los medios italianos por su compañero sentimental, el tenor Fabio Armiliato, y casas operísticas, que enviaron sus condolencias mediante comunicados. Dessì figuró figuró en teatros internacionales como La Scala de Milán, el Metropolitan Opera House de Nueva York y el Deutsche Oper de Berlín. "La cantante lírica se caracterizó por su técnica, su fuerte temperamento y una rara sensibilidad interpretativa", expresó La Scala. El teatro milanés explico, que en estos casi 30 años de colaboración, se le recordará por su Fiordiligi en 'Così fan tutte', por sus papeles verdinianos con Riccardo Muti y sus interpretaciones de Puccini y Cilea que permanecerán como páginas inolvidables en la historia del teatro de los últimos decenios. A finales de julio, la cantante había anunciado en su página de Facebook la cancelación de todas sus actuaciones por motivos de salud. Además de su participación en La Scala se recuerda su colaboración en el Staatsoper de Viena con Claudio Abbado y Muti también la quiso en la Ópera de Filadelfia con "I Pagliacci". También en 2014 interpretó en el Liceu de Barcelona la "Manon Lescaut" bajo la dirección escénica de Liliana Cavani y con Renato Palumbo como director.

Dos recitales de Jonas Kaufmann en el Teatro Colón de Buenos Aires

Fotos: Arnaldo Colombaroli y Fabian Persic

Gustavo Gabriel Otero

Twitter: @GazetaLyrica

El debut argentino del tenor alemán Jonas Kaufmann, efectuado el sábado 6 de agosto de 2016 dentro del Festival de Música y Reflexión o Festival Barenboim, fue tan espléndido como breve. El escueto programa con el tenor como solista apenas contó con las cuatro Canciones del caminante, de Mahler. Originalmente se había anunciado un programa Wagner -del cual sólo quedó en el inicio del concierto, el Preludio al Acto III de Los maestros cantores de Nüremberg, vertido con sutileza por la orquesta- y por lo tanto un programa con sólo cuatro canciones, y para peor escritas originalmente para barítono, eran, a priori, una desilusión. Naturalmente que ante la sublime interpretación de Kaufmann las prevenciones del público se transformaron en gozo. Fuera programa completó con un aria y una canción de Wagner, totalizando una presencia de poco menos de media hora. Muy poco para la expectativa del público. Pero la modélica interpretación del Winterstürme wichen dem Wonnemond de la Walkyria de Wagner valió por toda la noche. Del intimismo del lied se pasó a la potencia wagneriana con una voz sólida, potente y de notable expansión. Por último, y con Daniel Barenboim, al piano cantó Träume, la última de las canciones de los Wesendonck Lieder, de Wagner. En la segunda parte la Orquesta West-Easten Divan ofreció una lectura correcta de la Sinfonía nro. 41 de Mozart. 

Por lo que las ganas de justipreciar acabadamente las virtudes del tenor alemán se trasladaron hacia la semana siguiente en la cual ofreció un recital –el mismo que entre sus dos presentaciones en el Colón, cantó en Sao Paulo y Lima- acompañado, al piano, por Helmut Deutsh, en el que se prodigó por más de dos horas incluidos siete bises, encores o propinas. El domingo 14 de agosto todo cambió: con un programa de lieder encarado con plana honestidad artística e interpretativa el tenor Jonas Kaufmann, acompañado al piano por Helmut Deutsch, deslumbró y fascinó al público del Colón. Cada acercamiento a las obras puede ser tenido como referencial y demostró al público argentino su talento artístico, sus convicciones estéticas, y su bien ganado lugar en el firmamento lírico actual. La tarde comenzó con cuatro canciones seleccionadas de las innumerables escritas por Schubert para continuar con cinco de los números de la serie de doce canciones del opus 35 de Robert Schumann. Tenor y pianista se amalgamaron en perfecta conjunción para dar el matiz justo a cada palabra, cada inflexión y cada detalle. Finalizó la primera parte con cuatro canciones de Henri Duparc, aquí la interpretación se plegó al estilo francés y la dicción de Kaufmann fue razonable. De esta primera parte quedó claro que ambos intérpretes buscaron, y lograron, diferenciar a los tres autores y dentro de cada ramillete de canciones cada una era acometida con una textura y un enfoque particular. Luego de la pausa vinieron los momentos de mayor emoción ya que el repertorio permitió al tenor salir de la interpretación absolutamente camarística y comenzar a mostrar un poco de su voz plena. Así los Tres sonetos de Petrarca de Liszt fueron vertidos en forma exquisita por la voz de Kaufnann con pianísimos, filados y medias voces difíciles de igualar. El programa terminó con seis canciones de Richard Strauss. 

Aquí lució su brillo, su extensión y su volumen. Ante el júbilo del público ofreció siete bises o propinas que cautivaron el operístico público del Colón: El ‘Aria de la flor’ de Carmen, ‘Celeste Aida’, ‘L’anima ho estanca’ de Adriana Lecouvreur de Cilea.; la exquisita canción ‘Ombra di nube’ de Licinio Refice con texto de Emidio Mucci; ‘Nessun dorma’ de Turandot de Puccini; Core’ngrato de Salvatore Cardillo y ‘Tuyo es mi corazón’ de la opereta El país de las sonrisas de Lehar. Jonas Kaufmann, muy emocionado por la extraordinaria demostración de afecto y agradecimiento del público de Buenos Aires, terminó con una rodilla en tierra en el escenario y sus brazos abiertos como en un gran abrazo. Un gesto inolvidable.

I Seminario Internacional de Desarrollo de Audiencias - Sala Delmira Agustini del Teatro Solís (Montevideo – Uruguay)

I I Seminario Internacional de Desarrollo de Audiencias

22, 23 y 24 agosto

Sala Delmira Agustini del Teatro Solís (Montevideo – Uruguay)

En el marco del 160 aniversario del Teatro Solís de Montevideo (República Oriental del Uruguay) y con el respaldo del conglomerado de salas de teatro que conforman el O.LA. (Organización Latinoamericana de Ópera), el Teatro Solís, El Auditorio Nacional del SODRE y el Instituto de Artes Escénicas del Uruguay (INAE) organizan el II Seminario Internacional de Desarrollo de Audiencias.

Las políticas de Desarrollo de Audiencias han venido creciendo en la región generando áreas y programas específicos que impulsan estas acciones. Frente a los desafíos de impulsar el acceso de la ciudadanía a las artes escénicas en sus diversas expresiones, consideramos necesario realizar un evento internacional que permita poner en común estas experiencias e intercambiar sobre los temas más relevantes que hacen a las políticas culturales contemporáneas.

La actividad es gratuita y está dirigida a gestores, artistas, realizadores, docentes y toda persona interesada.

Las inscripciones se realizan exclusivamente completando el formulario hasta el miércoles 17 de agosto inclusive.

Por consultas e información comunicarse con el Departamento de Educación al Tel.1950 3323 int 129. o via mail a inscripcioneseducacion@teatrosolis.org.uy

Conferencias:

Jean Caune (Francia). "El rol del Estado en la formación de públicos y la mediación cultural. La experiencia de Francia"

Javier Ibacache (Chile) : "Los públicos de hoy: críticos, infieles y participativos

Gonzalo Vicci (Uruguay): "Públicos y artes escénicas. Posibilidades de abordaje desde la educación artística".

Flavio Desgranges (Brasil) "mediación cultural: estrategias para fomentar la relación entre el espectador y la escena teatral".

Fernando Peirone (Argentina) "Sujeto y cultura en el siglo XXI. Un análisis de los nuevos hábitos de consumo, apropiación, elaboración y producción cultural"

Conferencia de cierre: "La evolución del Desarrollo de Audiencias en los modelos europeos" a cargo de José Luis Rivero Plasencia (Director Insular de Cultura, Educación y Unidades Artísticas de Tenerife, España)

Conversatorios:

Los consumos Culturales y el rol de la programación en el desarrollo de las audiencias 

El desarrollo de las audiencias como apuesta estratégica. Mediación Cultural: estrategias y enfoques El rol de los artistas en el desarrollo de las audiencias

Participan:

Juan Carlos Adrianzen - Director Gran Teatro Nacional de Lima, Perú

Darío Lopérfido - Director Teatro Colón, Buenos Aires

Angel Ancona - Coordinador del Sistema de Teatros de ciudad de México 

Alejandra Martí - Directora Desarrollo de Audiencias Teatro Municipal de Santiago, Chile

Daniela Bouret Vespa - Directora del Teatro Solís, Montevideo

Gonzalo Halty - Director General del Auditorio Nacional del SODRE Dra. Adela Reta, Montevideo

Susana Dominzain - Observatorio UDELAR 

Rosario Radakovitch - FIC UDELAR

Gabriel Maccio Pastorini- AJECID-Argentina

Flavio desgranges (Brasil)

Margarita Mora Medina - Teatro de Bogota

Javier Ibacache (Chile)

Ricardo Ramon- CCE en Montevideo

Jean Caune (Francia)

Fernando Garriz - La Scala de San Telmo (Buenos Aires) 

Ana Durán - Programa de Formación de Espectadores, Buenos Aires

Sonia Jaroslavsky - Programa de Formación de Espectadores, Buenos Aires

Gustavo Robaina - Desarrollo de Audiencias, Teatro Solís

Alejandro Belloti - Jefe Suplemento de cultura Diario Perfil, Argentina

Melissa Giorgio Alcalde - Desarrollo de Audiencias Gran Teatro Nacional de Lima, Perú

Andrea Fantoni - Auditorio Nacional del Sodre Dra. Adela Reta, Montevideo

Escuelas de Formación Artística del Sodre - Director Martín Inthamoussú

Escuela de música Vicente Ascone - Gustavo Constenla 

EMAD - Santiago Sanguinetti 

EUM - Leonardo Croatto

IENBA - Sebastian Alonso

Operalia en Guadalajara México

Elsa Dreisig - Operalia

José Noé Mercado / La Digna Metáfora

En esta ocasión ninguno de los siete cantantes mexicanos pudo pasar a la final del máximo concurso operístico en el mundo; el tenor surcoreano Keon Woo Kim y la soprano francesa Elsa Dreisig fueron los ganadores del certamen. Luego de 22 años regresó a México Operalia, el reconocido concurso mundial de canto encabezado por Plácido Domingo, para celebrarse del 19 al 24 de  julio en Guadalajara, Jalisco, teniendo como sede el Teatro Degollado, en el marco de su 150 aniversario. El certamen en su edición número 24 —apoyado por la Secretaría de Cultura federal y la Secretaría de Cultura jalisciense, además de contar con el patrocinio de Rolex, marca de la que el maestro Domingo es embajador— tuvo como atractivo particular para la comunidad lírica nacional el contar con siete cantantes mexicanos seleccionados entre sus 40 participantes provenientes de 16 países seleccionados para iniciar en la ronda de cuartos de final. Los jóvenes mexicanos participantes en la justa fueron las sopranos Sofía Troyo, de 27 años de edad; Angélica Alejandre, de 28, y Anabel de la Mora, de 30; los tenores Fabián Lara, de 27; Alan Pingarrón, de 28; y los barítonos Emmanuel Franco, de 32, y Juan Carlos Heredia, de 27. Las expectativas para cosechar buenos lugares no eran pocas por realizarse la justa en tierras nacionales y por el talento vocal que siempre ha distinguido a nuestro país. La gran final, a realizarse el domingo 24, Plácido Domingo empuñaría la batuta para dirigir a la Orquesta Filarmónica de Jalisco y así acompañar a los 12 finalistas calificados para la última ronda. Los miembros integrantes del jurado este año, además del maestro Domingo,  fueron Marta Domingo, directora de escena; F. Paul Driscoll, editor en jefe de la revista Opera News; Anthony Freud, director general de la Lyric Opera de Chicago; Jonathan Friend, administrador artístico del Metropolitan Opera House de Nueva York; Jean-Louis Grinda, director general de la Monte Carlo Opéra; Peter Katona, director de casting de la Royal Opera House de Londres; Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real de Madrid; Marco Parisotto, director musical de la Orquesta Filarmónica de Jalisco; Andrés Rodríguez, consultor artístico; e Ilias Tzempetonidis, director decasting de la Opéra National de París. Las 23 ediciones anteriores de Operalia, la primera de ellas celebrada en París en 1993, la segunda en la Ciudad de México, se han realizado en ciudades como Madrid, Burdeos, Tokio, Hamburgo, Quebec, Moscú, Pekín, Verona y Los Angeles, y han conformado un prestigio internacional al concurso, en el que han sido impulsados ganadores que se convertirían en auténticas figuras del universo lírico como la soprano sueca Nina Stemme, la mezzosoprano estadounidense Joyce DiDonato, el tenor argentino José Cura, la soprano italiana Carmen Giannasttasio, o los tenores mexicanos Rolando Villazón, Arturo Chacón, David Lomelí y la soprano María Katzarava. 

Elsa Dreisig - Operalia

Sin embargo, la algarabía en redes sociales de la comunidad operística mexicana, exaltada de apoyo a sus favoritos, alumnos, amigos, conocidos o connacionales en todo caso, se fue apagando. A la ronda de cuartos de final sólo sobrevivieron tres de los siete cantantes mexicanos y todos sucumbieron en la semifinal, si bien el barítono Juan Carlos Heredia se adjudicó el premio final en el género de zarzuela. El viernes 22, que se difundió la noticia de finalistas con participantes de Rusia, Ucrania, Estados Unidos, Canadá, Kosovo y Corea del Sur, el ambiente interesado en Guadalajara, tanto como Facebook, recibió un balde de agua helada. Un golpe de realidad. No porque las voces mexicanas participantes no hayan hecho un esfuerzo meritorio ya desde su misma clasificación o porque no cuenten con talento suficiente para desarrollarse profesionalmente. Pero justo ésa, quizás, es la diferencia. Que sus colegas, a la misma edad, proceden de países en los que la formación académica implica prepararlos para integrarse a producciones y teatros profesionales de forma inmediata. En México, ante la limitada oferta de espacios profesionales para desarrollar y mantener una carrera constante, las opciones son buscar talleres, estudios, cazar alguna producción en provincia donde puedan colocarse en el elenco. La competitividad que brinda el escenario, el profesionalismo que se adquiere cuando un talento se asume como artista y no como estudiante es decisivo a la hora de medirse con el talento de otras latitudes. Claro que hay ejemplos de que es posible que talentos extraordinarios como los de Villazón, Lomelí, Katzarava o Chacón se hayan impuesto en su momento en Operalia. Pero quizás el objetivo como comunidad lírica en México tendría que encontrar el mecanismo para no seguir produciendo excepciones, sino realmente una cantera de cantantes, o, mejor aún, artistas, que van mucho más allá de una voz hermosa o con potencial. ¿Pero habrá alguien, una institución, trabajando en ello?

Sachs and the City – Richard Wagner’s Meistersinger von Nürnberg in Munich, July 28 2016

Photo © Wilfried Hösl

Suzanne Daumann

The Meistersinger’s city of Nürnberg is a somewhat rundown affair in David Bösch’s uninspired and uninspiring production for the Munich Staatsoper: shabby 1970s apartment blocks, complete with satellite dishes and a cigarette vending machine, are the background for Act 2, the rest is scaffolding around a kind of boxing ring, decorated with a few lights and banners for the final scene. The lacklustreness of the set and costumes reduces the storyline to its bare basics: young alpha-male arrives in the herd; old alpha-male instantly recognizes his qualities and takes him under his wing. Old beta-male doesn’t understand a thing and gets his comeuppance good and proper. Young alpha-male gets the alpha-female and they live happily ever after. The second theme, the eternal and unanswerable question of craft in the arts, of talent versus hard work, is not really addressed. Given the bleak sets, one can only suppose that the stage director identifies most strongly with carefree and talented newcomer Walther von Stoltzing. Stoltzing’s inspirations, however, bring him the beauties that Wagner wrote for him.  Sachs’ house is a mobile workshop, a small truck of the kind normally used for selling snacks and fast food on the streets. It’s kind of cute, but one wonders: why? And why should Hans Sachs be a drunk? Certainly, it is amusing to see young Stoltzing choke on his laced coffee in the morning after the aborted elopement, and the whole stage play around this coffee and schnaps is entertaining to watch, but what does it have to do with everything else? Sachs is the very incarnation of integrity and honesty; he has enough self-control and discernment to encourage Walther and to stay away from Evchen himself. He is the one who pulls the strings – an alcoholic would never have achieved all this. The Meistersingers themselves are just as drab as their environment, grey and brown suits long gone out of fashion: they seem to cling to a better past and when the future comes along, they don’t see it with a favourable eye. This at least makes sense and goes with the story. Fortunately, Kirill Petrenko and the Bayrische Staatsorchester, along with a magnificent cast, bring at least some musical sparkle to this production. With his usual energy, Petrenko reveals and highlights many a lovely detail of the score. But even they cannot remedy the tediousness of Act I, and neither can the occasional gag in the staging; one wonders if, when arias can be cut or rearranged in Don Giovanni or Le Nozze di Figaro, nothing could be done about this. Wolfgang Koch, with his powerful and warm baritone voice, is Hans Sachs, and he brings out the whole range of emotions that he experiences. Baritone Martin Gantner is equally perfect as Sixtus Beckmesser, ridiculous and touching at the same time. With the golden suit he wears for the contest scene, he is the only shining thing in this production. Jonas Kaufmann is Walther von Stoltzing, the newcomer who butts in, full of irreverent talent, carefree and a tad naïve.  Winning the contest is important to him only as a means to get the girl he loves. Kaufmann, who is in his forties, seems to belong to this set of people who don’t believe in years and whose youth in truth never ends: his every movement on stage is full of youthful energy and he is totally credible in his part. Needless to say, he has the loveliest music to sing in this opera, and he delivers the goods: with his particular timbre, warm and strong, and his particular brand of pianissimo, his every intervention is pure delight. Sarah Jakubiak, light of voice and of foot, charming and natural in her every movement, is the adored Evchen. Okka von der Damerau is Magdalene, full of wit also vocally. Young tenor Benjamin Bruns is equally convincing in the role of the apprentice David. The quintet of Act III, “Selig wie die Sonne”, when all these wonderful voices come together, is a moment of serene beauty. It is a pity Veit Pogner doesn’t have more to say – we’d have liked to hear more of Christoph Fischesser and his elegant baritone. An entertaining evening all in all, but nothing that will stay with us for longer than it takes to get home, no new insights into the workings of the story itself, nor into the inner life of the characters. Drab’s the word.