La Voix Humaine a l’Opera di San Francisco

Fotos: Cory Weaver/San Francisco Opera

Ramón Jacques 

Con la recente apertura del teatro Taube Atrium Theater ( che può contenere fino a 299 spettatori) l’Opera di San Francisco incorpora un nuovo spazio che le permette di ampliare la propria offerta artistica affrontando opere da camera, recital, e opere contemporanee che difficilmente potrebbe allestire sull’enorme palcoscenico del War Memorial Opera House. Le produzioni del progetto denominato SF Opera Lab riempiranno anche un vuoto nel calendario e precisamente nei mesi in cui non è programmato nulla. Uno dei progetti più ambiziosi di questa nuova iniziativa è senza dubbio La Voix Humaine con la magnifica interpretazione di Anna Caterina Antonacci. Nonostante le apparizioni nel celebre soprano italiano siano state poche con questa compagnia, ogni volta ha lasciato un marchio indelebile del suo temperamento e della sua arte in personaggi come: Adalgisa in Norma, Ermione di Rossini, Cassandra nei Troiani di Berlioz come pure Cesira nella prima mondiale della Ciociara di Marco Tutino, ruolo creato appositamente per lei. Ora, Anna Caterina Antonacci ha interpretato il ruolo di Elle nell’opera di Francis Poulenc,  una delle sue specialità, non solo per le sue capacità istrioniche ma anche per l’affinità che tiene con il repertorio francese. 

Con pochi elementi scenici, una sedia circondata da cucini per terra, un telefono e in fondo una enorme fotografia di Parigi vista attraverso un vetro bagnato da gocce di pioggia,  si è venuto a creare un ambiente pulito ma ideale per lo sviluppo della trama. La Antonacci ha dato vita ad un personaggio credibile pieno di angoscia, timore, solitudine e disperazione.  Una artista che sa trasmettere e comunicare sentimenti, e questo risalta maggiormente nell’intimità della sala con la vicinanza  tra l’interprete e il pubblico, che è riuscito a catturare con la sua attrattiva e seducente presenza scenica.  Vocalmente la sua proiezione è stata adeguata e la sua dizione francese deliziosa ed elegante. In ogni momento era accompagnata al pianoforte da Donald Sulzen, suo accompagnatore abituale, che ha creato un contesto musicale perfettamente adeguato per l’artista, con profondità e esattezza.  Prima di entrare in pieno nella drammaturgia di Poulenc la Antonacci ha offerto una selezione di canzoni francesi, un mini recital tanto emozionante come la seconda parte, che includeva la Morte di Ofelia di Berlioz, le Chansons de Bilitis di Debussy così come un seducente ciclo di canzoni dello stesso Poulenc intitolato la Frâicheur et le Feu.

La Voix Humaine en San Francisco

Fotos: Cory Weaver/San Francisco Opera

Ramón Jacques 

Con la reciente apertura del teatro Taube Atrium Theater (con capacidad para 299 espectadores) la Ópera de San Francisco incorpora un nuevo espacio que le permite ampliar su oferta artística abordando operas de cámara, recitales y obras contemporáneas que difícilmente podría montar en el enorme escenario del War Memorial Opera House. Las producciones del proyecto denominado “SF Opera Lab” llenarán también un vacío en el calendario del teatro, precisamente en los meses en los que no se programaba nada. Uno de los proyectos más ambiciosos dentro de esta nueva iniciativa es sin duda “La Voix Humaine” con la magnífica interpretación de Anna Caterina Antonacci. Si bien las apariciones de la destacada soprano italiana han sido escasas con esta compañía, en cada una de ellas ha dejado una huella imborrable de su temperamento y su arte, en personajes como: Adalgisa en Norma, como Ermione de Rossini, en Cassandre en Les Troyens de Berlioz y como Cesira en el estreno mundial de La Ciociara de Marco Tutino, papel que fue creado especialmente para ella. Actualmente, Anna Caterina Antonacci ha hecho del papel de Elle en la obra de Francis Poulenc una de sus especialidades, no solo por sus capacidades histriónicas, si no por la afinidad que tiene con el repertorio y la lengua francesa. 

Con pocos elementos en escena, una silla rodeada de almohadas en el suelo, un teléfono y al fondo una enorme fotografía de París vista a través de un vidrio mojado por gotas de lluvia, se creó un ambiente sencillo pero ideal para el desarrollo de la trama. Antonacci hace un personaje creíble, lleno de angustia, temor, soledad y desesperación. Es una artista que transmite y comunica sentimientos, y eso resalta más en la intimidad de la sala con la cercanía entre la interprete y el público, al que logró envolver con su magia y expresividad. Con ella cada frase tiene una intención, así como en cada ademán y movimiento donde imprime su atractiva y seductora presencia escénica. Vocalmente su proyección fue adecuada y su dicción francesa deliciosa y elegante. En todo momento, tuvo el acompañamiento al piano de Donald Sulzen, su cómplice musical habitual, quien creó un marco musical muy adecuado para la artista, con profundidad y exactitud. Antes de entrar de lleno al dramatismo de Poulenc, Antonacci, ofreció una selección de canciones francesas, un mini recital tan emocionante como la segunda parte, que incluyó “La mort d’Ophélié”de Berlioz, “Chansons de Bilitis” de Debussy, así como un seductor ciclo de canciones de Poulenc titulado “La Frâicheur et le Feu”

Il Segreto di Susanna y La Voix Humaine en San Antonio, Texas

Foto: Greg Harrison

Ramón Jacques

Como cierre de su temporada 2015 la Opera San Antonio ofreció una  interesante y satisfactoria cartelera compuesta por Il Segreto di Susanna de Ermano Wolf Ferrari y La Voix Humaine de Francis Poulenc, con la expectativa de contar con la presencia de la soprano Anna Caterina Antonacci, en una rara aparición de la notable soprano en un escenario de ópera estadounidense-Sus próximos compromisos en este país serán en la Opera de San Francisco en junio y julio de este año como Cesira en La Ciociara de Marco Tutino y como Cassandre en Les Troyens de Berlioz- Este díptico, cómico-trágico, que fue un éxito para la artista en la Opéra-Comique de Paris en el 2013, es un proyecto digno de reconocimiento para un teatro de ópera que privilegió, antes que otra cosa, la parte artística y musical. Para apreciar el detallado trabajo actoral y dotar la escena de un carácter más personal e íntimo, la función se realizó en el Studio del Tobin Center, un espacio ideal por sus reducidas dimensiones y capacidad. Visualmente sencilla y elegante estuvo la escenografía, en perspectiva, del salón de una casa, así como los refinados vestuarios de estilo antiguo. Desde la alegre obertura se pudo intuir la jocosidad contenida en la partitura de Wolf Ferrari, que fue interpretada con temple y balance por músicos de la Sinfónica de San Antonio bajo la conducción del director Andrés Cladera. Aquí, Antonacci deleitó como Susanna con su particular gracia y desenvoltura escénica, y la musicalidad en su canto. El bajo-barítono Wayne Tigges fue un discreto Conte Gil de desmedida fuerza en su canto. En la segunda parte, en el mismo salón, pero con una tina de baño en el centro del escenario, en la oscuridad, y con un teléfono en la mano, apareció Anna Caterina Antonacci para encarnar con magnetismo y seducción al personaje de Ella. La Voix Humaine es una obra que parece adaptarse muy bien a su sensibilidad dramática, y con ella transmitió los estados de ánimo por los que atravesó su personaje, como la angustia y la desesperación. Su canto se beneficio de su notable dicción francesa y de un amplio rango de colores en su timbre. La opera se interpretó con la versión para piano compuesta por el propio Poulenc. Donald Sulzen acarició con su instrumento cada nota y suntuosa melodía de la partitura en un constante intercambio y dialogo con la voz, en un ambiente incomparable. 

Il segreto di Susanna di Wolf Ferrari - La Voix Humaine di Poulenc, Opera San Antonio

Foto: Greg Harrison

Ramón Jacques 

A chiusura della stagione 2015 l’Opera di San Antonio ha offerto una interessante e soddisfacente proposta con il Segreto di Susanna di Ermanno Wolf Ferrari e La Voix Humaine di Francis Poulenc, con l’aspettativa di contare sulla presenza del soprano Anna Caterina Antonacci in una rara sua apparizione sulle scene d’opera statunitensi – i suoi prossimi impegni in questo paese saranno all’Opera di San Francisco nel giugno e luglio di quest’anno come Cesira nella Ciociara di Marco Tutino e come Cassandra nei Troiani di Berlioz. Questo dittico, tragi-comico, che fu un successo per l’artista all’Opéra-Comique a Parigi nel 2013, è un progetto degno di riconoscimento per un teatro d’opera che ha privilegiato, prima di ogni cosa, la parte artistica e musicale. Per apprezzare il dettagliato lavoro attoriale e dotare la scena di un carattere più personale e intimo, la rappresentazione è stata realizzata nello Studio del Tobin Center, uno spazio ideale per le sue ridotte dimensioni e ampiezza. Visivamente semplice e elegante era la scenografia, in prospettiva, del salone della casa, così come raffinati i costumi di stile antico. Dall’allegra ouverture si poteva intuire la giocosità contenuta nella partitura di Wolf Ferrari, che è stata interpretata con tempra e bilanciamento dai musicisti della Sinfonica di San Antonio sotto la direzione di Andrés Cladera. Qui, l’Antonacci ha delineato una Susanna con la sua particolare grazia e disinvoltura scenica, e la musicalità del suo canto. Il basso baritono Wayne Tigges è stato un discreto Conte Gil eccessivo nella forza del suo canto. Nella seconda parte, nella stessa sala, ma con una vasca da bagno al centro della scena, nell’oscurità, e con un telefono in mano, è apparsa Anna Caterina Antonacci per incarnare il magnetismo e la seduzione del personaggio di Elle. La Voix Humaine è un’opera che pare adattarsi molto bene alla sua sensibilità drammatica e con essa ha trasmesso gli stati d’animo che attraversavano il suo personaggio, come l’angoscia e la disperazione. Il suo canto ha beneficiato della sua ottima dizione francese e di un ampio spettro di colori per quanto riguarda la sua timbrica.L’opera è stata intepretata nella versione per pianoforte composta dallo stesso Poulenc. Donald Sulzen ha accarezzato con il suo strumento ogni nota e sontuosa melodia della partitura in un costante intercambio con la voce, in un ambiente incomparabile.

Anna Caterina Antonacci - Teatro della Zarzuela, Madrid

RJ Con un recital del soprano Anna Caterina Antonacci ha avuto inizio la ventunesima edizione del Ciclo di Lied che si segue con tanto interesse a Madrid e che si presenta nel Teatro della Zarzuela, luogo che per le sue dimensione è uno spazio ideale per questo tipo di proposte. Star seduti in poltrona a presenziare a questo evento, e star davanti ad una artista in tutto il senso della parola, crea una esperienza musical-teatrale, dato che non solo canta con gusto, ma vive, sente e trasmette con senso e istrionismo ogni parola e frase che emette. L’Antonacci è una artista capace di combinare differenti stili di musica in diverse lingue con grande facilità e con un alto livello interpretativo, e così ha brillato dall’inizio alla fine della serata. Ma soprattutto, l’Antonacci è capace di entusiasmare, commuovere e sedurre chi le sta davanti. Nella prima parte del programma, scelto minuziosamente, ha presentato il Lamento di Arianna di Carl Orff, opera in stile monteverdiano, che ha maneggiato con precisione, e che è stato seguito da un ciclo di sette canzoni di Ottorino Respighi, piccole opere cariche di una certa aria mediterranea e canto popolare, che ha trasmesso con eleganza e dizione impeccabile, raggiungendo il punto più sublime in brani come Stornellatrice o Pioggia. Il terzo blocco concludeva con le 4 Canzoni d’Amaranta di Francesco Paolo Tosti, infuse di grande senso poetico. La sua brunita, brillante, estesa ed omogenea tonalità vocale non ha smesso di brillare in ogni momento. Nella seconda parte del concerto ha dotato di sensualità il suo canto e la sua espressione cantando in francese, lingua che si adatta bene al suo temperamento e che si imprimeva in Le Fraîcheur et Le Feu di Francis Poulenc, sette brevi e semplici Mélodies y Chansons che ha caricato di grazia e intenzione. Di Maurice Ravel ha regalato 5 Mélodies Populaires Grecques e dello stesso autore ha cantato con sentimento e in yiddish, 2 Melodias Hebraicas. Al fine ha concluso il suo recital con le Siete canciones populares españolas  di Manuel de Falla, nelle quali ha mostrato una dizione e una pronuncia castellana sorprendente, e ha saputo ornamentale adeguatamente. Qui risaltava il suo indimenticabile Paño moruno la magia della sua Nana e il profumo del canto jonde (flamenco) in Polo. L’accompagnamento al pianoforte di Donald Sulzen, che è stato appropriato, ha mostrato l’intesa esistente tra la tastiera e la voce dell’artista.

Recital de Anna Caterina Antonacci en el Teatro de la Zarzuela de Madrid

Foto: B Ealovega

Ramón Jacques

Con un recital de la soprano Anna Caterina Antonacci dio inicio la edición XXI del Ciclo de Lied, que se sigue con tanto interés en Madrid y que se presenta en el Teatro de la Zarzuela, recinto que por sus dimensiones es un espacio ideal  e intimo para este tipo de presentaciones. Estar sentado en una butaca para presenciar este evento, es estar ante la presencia de una artista en todo el sentido de la palabra, que crea una experiencia musical-teatral, ya que no solo canta con gusto, si no que vive, siente y transmite con sentido e histrionismo cada palabra y frase que emite. Antonacci es una artista capaz de combinar diferentes estilos de música en diversos idiomas con gran facilidad y con el alto nivel interpretativo con el que se lució del principio al fin de la velada. Pero sobretodo, Antonacci es capaz de entusiasmar, conmover y seducir a quien tenga enfrente. En la primera parte de un programa elegido minuciosamente, ofreció el Lamento d’Arianna de Carl Orff, obra en estilo monteverdiano que manejó con precisión y que fue seguido por un ciclo de siete canciones de Ottorino Resphighi, pequeñas obras cargadas de cierto aire mediterráneo y de cantos populares que transmitió con elegancia e impecable dicción con las que alcanzó a tocar sublimes puntos, como en Stornellatrice o Pioggia. El tercer bloque concluyó con las Quatrro canzoni d’Amaranta de Francesco Paolo Tosti que matizó con gran sentido poético. Su oscura, brillante, extensa y homogénea tonalidad vocal no dejo de brillar en cada momento. Para la segunda parte dotó de sensualidad su canto y sus expresiones cantando en francés, lengua que se adapta bien a su temperamento, y que imprimió en  Le Fraîcheur et Le Feu de Francis Poulenc, siete breves y sencillas Mélodies y Chansons que cargó de gracia e intención. De Maurice Ravel regaló las Cinq Mélodies Populaires Grecques y del propio autor cantó con sentimiento y en yiddish, Dos melodías hebraicas. Por si fuera poco, cerró su participación con las Siete canciones populares españolas de Manuel de Falla, en las que demostró una asombrosa dicción y pronunciación castellana, y supo ornamentar adecuadamente. Aquí resaltaría su indeleble Paño moruno, la magia de su Nana, y el perfume del cante jondo con el que roció a Polo. El acompañamiento al piano de Donald Sulzen, que fue apropiado, mostro el entendimiento existente entre su teclado y la voz de la artista.

Recital de Anna Caterina Antonacci en Florencia

Anna Caterina Antonacci en el Maggio Musicale Fiorentino
Gianluca Moggi

Massimo Crispi

El hada del tiempo perdido ha vuelto en Florencia, en la sabrosa mini temporada de música vocal de cámara de la  edición 76 de Maggio Musicale Fiorentino. Y cuando canta  Anna Caterina Antonacci, todos se precipitan para renovar el  rito celebrando esta artista inconmensurable. Al Teatro Goldoni, pequeña joya florentina, que al final lo  destinaron a la música vocal de cámara, Antonacci nos ofreció  uno de sus preciosos y raros recitales, junto con su pianista  Donald Sulzen. Los temas elegidos por la soprano fueron  varios, aun porque el recital se dio en un día muy especial:  el cumpleaños número 200 de Richard Wagner. Así que, en  homenaje al inmenso compositor alemán, los Wesendonk  Lieder terminaron el programa.  Aun si, a pesar de que fuese bien cantado, ese ciclo parecía  ajeno a la concepción misma del recital. Pues muchas más son  las verdaderas joyas que Antonacci e Sulzen nos mostraron. Lo más del concierto se basó sobre el repertorio francés entre  los siglos XIX y XX, sobre todo con obras de Debussy, Duparc, Fauré, Chausson y Berlioz, autores electivos de la soprano  italiana. Los sujetos principales fueron la soledad y el erotismo. Las ‘Ariettes oubliées’, ‘Le promenoir des deux amants’, las  ‘Chansons de Bilitis’ fueron el personal homenaje de Antonacci  à Claude Debussy, y se puede hablar de verdad de algo   muy personal. Raramente toda sensualidad de los versos de  Paul Verlaine, Pierre Louÿs y Tristan l’Hermite se escuchó de  manera tan vital y carnal como nos enseñó el hada por su  interpretación: su gesto vocal, difundiendo en el aire oscuro  del teatro hacia nuestros oídos, posándose y vibrando sobre nuestra piel, en nuestros corazones, fue como una caricia inesperada, un beso profundo. Las cabelleras de las dos  amantes fundiendo en el abrazo amoroso perturbando en  ‘La chevelure’ (del ciclo sáfico de Bilitis) nos pareció tan real  que ella nos llevó en su mundo, cada fonema era un vórtice de carnalidad. Quien nunca ha escuchado a Antonacci, sobre todo en ese repertorio, no puede imaginar cuántas facetas  puede esconder el erotismo en la música. Y la generosa y sensual hada nos regaló ese sueño ardiendo. Así como en las ‘Quattro canzoni d’Amaranta’ de Francesco  Paolo Tosti, nos ofreció el canto de una mujer sola y desesperada, pero aun titánica en su voluntad de dominar la  amargura de un destino de soledad que querría condicionarla. Tambien la soledad de Ofelia (‘La mort d’Ophélie’ de  Hector Berlioz) Antonacci la interpretó igualmente trágica y emocionante, aun porque el alma de la gran actriz trágica  siempre respira en su corazón y en su voz. Insuperable. ¿Y qué  decir de su interpretación tan moderna envolviéndonos en la  extrema y lacerante soledad de ‘Tristesse’ de Gabriel Fauré?  Donald Sulzen, por su parte, dio su mejor aporte sobre  todo en las obras francesas, con un toque líquido y sensual,  preparando el camino a la soprano y permitiéndole la libertad  de emociones y sensualidad que esa música y el verso francés  exigen. Esa calidad parece ajena a muchos cantantes de lengua materna francesa, que hoy casi rechazan la riqueza  fonética y poética de su idioma, además empobreciéndolo con  constipaciones vocales y tímbricas. No es un caso que unos entre los máximos interpretes de mélodies fueran extranjeros: una estrella, restando en el Olimpo, es Felicity Lott. En ese firmamento también tiene su  sitio Anna Caterina Antonacci, añadiendo el calor de su voz y carnalidad mediterráneas, y nos recuerda que nuestro paraíso está en la Tierra y que, en nuestro caso, tuvimos la suerte de  probar un trocito de su cielo en el Teatro Goldoni de Florencia.  Variados y extravagantes bis, siempre en el nombre de la  versatilidad artística típica del dúo.

Anna Caterina Antonacci - Recital, Firenze.

Foto: Maggio Musicale Fiorentino

 

Massimo Crispi

 

La fata del tempo perduto torna a Firenze, nell'ambito della ricca rassegna dedicata alla Liederistica del 76° Maggio Musicale. E quando canta Anna Caterina Antonacci si accorre in massa per rinnovare il rito di cui quest'artista incommensurabile ci rende partecipi. Al Teatro Goldoni, piccolo gioiello fiorentino, finalmente aperto alla musica vocale da camera, Antonacci si è esibita in uno dei suoi preziosi e rari recital, insieme all'ormai consueto pianista Donald Sulzen. I temi scelti dal soprano erano vari, anche perché questo recital cade in un giorno particolare che è il duecentesimo anniversario della nascita di Richard Wagner. E, in omaggio al compositore tedesco, ecco che i Wesendonk Lieder chiudono il concerto, anche se questo ciclo, pur bene eseguito, sembrava quasi un corpo estraneo al programma. Ma ben altri sono i veri gioielli che Antonacci e Sulzen ci hanno mostrato. La maggior parte del recital era basata sul repertorio francese tra Ottocento e Novecento, soprattutto Debussy, ma anche Duparc, Fauré, Chausson, Berlioz, repertorio d'elezione del soprano italiano. Temi principali erano la solitudine e l'erotismo. Le "Ariettes oubliées”, "Le promenoir des deux amants", le "Chansons de Bilitis" erano l'omaggio personale del soprano a Claude Debussy, e veramente di qualcosa di estremamente personale si può parlare. Raramente tutta la sensualità di Paul Verlaine, Pierre Louÿs e Tristan l'Hermite è stata espressa in maniera così vivida e carnale come Antonacci ci ha mostrato attraverso la sua lettura: il suo gesto vocale, che si diffondeva nell'aria oscura del teatro nelle nostre orecchie, sulla nostra pelle, nei nostri cuori, era come una carezza inattesa, un bacio sempre più profondo; il confondersi, nell'amplesso amoroso, delle chiome delle due amanti a Mitilene ne "La chevelure" (dal ciclo di Bilitis) era così reale da trasportarti nel suo mondo, ogni fonema era un vortice di carnalità. Chi non ha mai ascoltato Antonacci, soprattutto in questo repertorio, non può immaginare quante sfaccettature possa avere la sessualità nella musica. E lei, generosa fata, ci ha elargito questo sogno ardente

Così come nelle "Quattro canzoni d'Amaranta" di Francesco Paolo Tosti ci ha offerto il canto di una donna sola e disperata, ma titanica nella sua voglia di sovrastare l'amaro fato di solitudine a cui è soggetta. E la solitudine di Ofelia ("La mort d'Ophelie" di Hector Berlioz) era ugualmente tragica e toccante, anche perché l'anima della grande attrice tragica sempre alita nel cuore e nella voce di Antonacci. Insuperabile. E che dire a proposito della modernità della sua coinvolgente interpretazione di "Tristesse" di Gabriel Fauré - Théophile Gautier, altra solitudine estrema e dilaniante? Donald Sulzen, dalla sua parte, ha espresso il meglio di sé soprattutto nei brani francesi, con un tocco liquido e sensuale che non faceva altro che preparare la strada al soprano, lasciandola libera di esprimere questa selva di emozioni e di sensi che anche il verso francese richiede. Qualità assolutamente estranea a molti cantanti di madrelingua francese, che sembra che spesso vogliano escludere la ricchezza fonetica e poetica del proprio idioma, per di più impoverendolo, talvolta, con timbri stitici e ritenzioni emotive. Non è un caso che alcuni tra i più fini dicitori di mélodies siano degli stranieri: una, per restare nell'Olimpo, è Felicity Lott. Nell'Empireo sta pure Anna Caterina Antonacci, che aggiunge un calore timbrico tutto mediterraneo e una carnalità più accentuata, ricordandoci che il nostro vero Paradiso sta sulla terra e che, nel nostro caso, ci è stato concesso di assaggiarne un pezzettino al Teatro Goldoni di Firenze. Numerosi e bizzarri bis, sempre nell'arco della versatilità artistica tipica del duo.

 

 

 

Anna Caterina Antonacci: el hada del tiempo perdido - Teatro della Pergola de Florencia, Italia.

Anna Caterina Antonacci. Credito fotografico: Serge Derossi/Naïve

Lunes 12 de marzo del 2012. Teatro della Pergola de Florencia, Italia. Amici della Musica, L’arte del Canto (XXXI). Recital de Anna Caterina Antonacci y Donald Sulzen (pianista).

Massimo Crispi

Cuando uno asiste a un recital de Anna Caterina Antonacci se da uno cuenta, tarde o temprano, que forma parte de un evento.  Algo ocurre ya que apenas entra en  escena la artista; el carisma, la clase, y la extraordinaria belleza indemne de Antonacci anuncia que un rito especial está a punto de manifestarse: la sacerdotisa de la música, de la gestualidad, de la palabra está allí para la iniciación de un nuevo adepto y para suscitar sueños multicolores a quien ya la conoce. De todas formas siempre se tiene la idea que ella canta para uno y solo para uno.… Esta artista siempre nos deja sin palabras por su capacidad de vibrar las cuerdas más secretas de cada uno de nosotros, y además, los que escuchan tienen la extraña sensación que el tiempo se detiene. Surge espontánea la reflexión que el tiempo para ella hubiera hecho una excepción y se paró en una edad de oro, porque Anna Caterina Antonacci parece que no pertenece a ese mundo, hecho de velocidad y distracción. Parece que esta creatura encantadora de otra época es la prueba que sí es posible una conexión espacio-temporal entre hoy y el temps perdu, y quien sabe si ella está consciente de ello o es algo innato. El programa de ese recital florentino se basó sobre dos temas muy amados por Antonacci. Uno de sus repertorios mas frecuentados, por la riqueza de su tono y para las posibilidades expresivas es el barroco. La atormentadora pasacalle del “Lamento della Ninfa” de Claudio Monteverdi, abrió el recital y capturó al publico en su vórtice emotivo - también por la característica de esa danza, con un bajo obstinado y una melodía que le se envuelve como una espiral; solo ella sabe crear esa emoción en esa forma y tan intensa. Como en este recital se renunció a la forma filológica del fragmento - donde hay un coro masculino de pastores comentando el llanto desesperado de la ninfa y creando al mismo tiempo un efecto estereofónico salió algo nuevo, totalmente distinto, e independiente de la partitura original sí funcionó muy bien también con piano: el madrigal casi se volvió una aria moderna, con libertad interpretativa y rítmica como el mismo autor anhelaba, y que llegó directo al corazón de los que las escuchaban.

El barroco, decíamos, con sus epígonos, dio nombre a la primera parte del programa “In stile antico” (en estilo antiguo) porque parodias del estilo antiguo son las arias de Ottorino Respighi y de Stefano Donaudy, autor, ese ultimo, de una colección de arias sobre textos de los siglos XVI y XVII, con música de un estilo arcaico y que los demás cantan casi con distracción, sin darse cuenta de verdad de aquel idioma antiguo y refinado. Antonacci sacó de esas arias tanta poesía que nos quedamos hipnotizados. Como una Armida moderna, nos atrajo y nos perdió en su jardín encantado de la voz, para que saboreáramos cada sílaba, como si ella nos contara historias que nunca hubiéramos notado, a pesar que esos fragmentos los hemos escuchado varias veces en otras interpretaciones. La impresión fue la de escucharlas como novedades, y al final uno se da cuenta que esas arias llevan muchos mas afectos y música.

Antonacci sí tiene el gran mérito de saber decir, contar los sonidos, las frases, los fonemas, vistiéndose integralmente del texto que quiere transmitir, inventando situaciones y tonos, pintando caracteres, también transmitió sensaciones, sentidos, escalofríos. Ella enseñó con facilidad cuantos colores puede tener un sonido, cuantas trampas hay en las líneas de un aria, y lo hace con el amor de quien sabe contar anécdotas preciosas y especiales, cosas tan raras para expertos pero explicadas con claridad olímpica, para que todos entiendan, sin perder su clase inalcanzable que es su traje perpetuo. Y esa clase, al final, es la sencillez.  Su tono, decíamos… La textura tan especial de Anna Caterina Antonacci, quien escapa (por suerte) a las clasificaciones, comprendiendo sin fracturas las texturas de soprano y mezzosoprano, llena de escalonados y colores, según el afecto que ella quiere expresar, es una de las riquezas mas grande de esta artista, que cantando pliega su voz a una expresión teatral en cada fragmento lo cante o lo diga. El programa donde hubo vínculos internos entre Cesti y Respighi, Cilea y Pizzetti, Mascagni, Refice y Tosti, fue el fruto de una elección inteligente y tenia un evidente fin narrativo. Muchas fueron las sorpresas y los redescubrimientos, poniendo una cortina sobre los tantos programas banales, que saben a rancio de vez en cuando porque siempre proponen los ciclos de Schubert o Schumann, que son magníficos, sin duda, pero parece que solo estos fueran los únicos existentes.

Las “Quattro canzoni d’Amaranta”, uno de los mas considerables ciclos de Francesco Paolo Tosti, el dúo lo interpretó con mucho pathos, aunque con una elección dinámica muy rápida, que el vórtice emocional nos dejó sin aliento. En “L’alba separa dalla luce l’ombra” la segunda canción, con una velocidad que el verso de D’Annunzio justamente impulsaba, el dúo la ofreció sin todas las prolijidades y los puntos coronados como muchos tenores, sobre todo, están acostumbrados a poner. Resultó como una fluida carrera en contra de la luz, luz siempre presente en el canto de Antonacci, mejor dicho casi como un choque de dos luces, la luz del sol del día surgiendo y la otra del canto titánico elevandose, dominando el amor perdido, el canto que quiere evitar el encuentro obligatorio con el porvenir, el canto que quiere quedarse en un abrazo nocturno sin fin. Quizás la elección de un tiempo mas elegiaco en el primer fragmento del ciclo “Lasciami!”, ya en la introducción instrumental, hubiera servido para crear una atmosfera y preparado la sorpresa de la segunda canción, pero estos son solo detalles.

Si el estilo antiguo y arcaico fue el carácter de la primera parte del recital, los reflejos acuáticos fueron el tema de la segunda. Así que los reflejos de la laguna en el ciclo “Venezia” de Reynaldo Hahn, que es quizás él mas que Proust el guardián del temps perdu, eran lo que se necesitaba. La sabiduría de Antonacci y Sulzen, los dos divirtiéndose muchísimo en su recitación, cada uno con su propio instrumento, de los textos en idioma veneciano (aunque de vez en cuando hubieron algunas pequeñas faltas de pronunciación), entusiasmó además un publico ya enamorado (como podria ser lo contrario!) desde el inicio del recital. Inalcanzable, por espíritu y sutilezas, “L’avertimento” mientras “La biondina in gondoleta” (nada que ver con la famosa canción folclórica, con otra música) fue una verdadera joya de arte dramático, tallado y cincelado que mejor no se podía.

Los reflejos en el agua continuaron con la celebre “L’invitation au voyage” de Henri Duparc, donde Antonacci acentuó de manera sublime la voluptuosidad del verso de Baudelaire, casi como si ella fuera una pintora de paisajes y de atmosferas liquidas. Después continuó con dos fragmentos de Gabriel Fauré, “Cygne sur l’eau” y “Au bord de l’eau”, este ultimo en una interpretación tan moderna que reveló toda la actualidad del lenguaje de ese autor, a menudo confinado en una dimensión de salón y poco mas. Su ciclo “L’horizon chimérique”, con sus cuatro canciones casi una simétrica conclusión en oposición/nexo con el ciclo de Tosti, terminó el recital con una fuerte emoción. Ese repertorio en lengua francesa que Antonacci domina perfectamente, quizás mejor que muchos cantantes de lengua materna cuya escuela actual esta en mal estado, y que despertó memorias que creíamos sepultadas en un pasado remoto en interpretaciones como las históricas de Charles Panzéra, Régine Crespin o Camille Maurane, que unían la conciencia fonética con una vocalización digna de ese nombre. Y esa voz llena, dramática, aún capaz de caricias improvisas, de Anna Caterina Antonacci no podía ser mejor.

El papel del pianista Donald Sulzen fue tan importante como el de la soprano. Los dos artistas se daban y tomaban recíprocamente ideas, tiempos y colores sin parar. Sulzen creó un camino sonoro donde la huella ágil y aterciopelada de Antonacci podía avanzar sin obstáculos, planeando sin golpes, amalgamándose perfectamente y enseñando una gama de colores que es raro escuchar. A menudo se subestima la presencia de un pianista “acompañador” y se disminuye precisamente su papel de pianista. Él es al contrario el motor rítmico y harmónico que apoya a la cantante y le permite expresar sus encantos vocales, como los que el hada Antonacci nos desveló. Las obras de Fauré y Duparc pusieron en evidencia, quizás por una estructura pianística más espesa que en las obras italianas, la sabiduría del gran “acompañador”, enseñando la red de voces internas que interactúan con la voz de la artista y no solamente las superficiales como frecuentemente ocurre. Fueron preciosos los arreglos que Sulzen hizo en “Marechiare” de Tosti, muy gracioso y en perfecta harmonía con los reflejos en el agua del programa (sobresaliente cantora napolitana fue Antonacci!), y de Moon River, ultima caricia que nos dispensó la soprano, cuarto y ultimo de los bises que el dúo donó a un publico delirando y pidiendo con gracia que el sueño nunca se acabara… Yo también me desperté muy a mi pesar...

Recital di Anna Caterina Antonacci - Firenze, Teatro della Pergola

Foto: Anna Caterina Antonacci © Serge Derossi/Naïve

Firenze, Teatro della Pergola. Amici della Musica, L’arte del Canto (XXXI).  Recital di Anna Caterina Antonacci e Donald Sulzen.

Massimo Crispi

Quando si assiste a un recital di Anna Caterina Antonacci ci si rende conto, prima o poi, di essere parte di un evento. Già da quando lei mette piede in palcoscenico qualcosa accade. La presenza, la classe, la straordinaria avvenenza incorrotta di quest’artista annunciano che un rito speciale sta per compiersi: la sacerdotessa della musica, del gesto e della parola è lì per iniziare qualche nuovo adepto e per suscitare i sogni più variegati a chi già la conosce. Si ha sempre l’impressione che canti per te e solo per te… L’artista lascia sempre a bocca aperta per la sua capacità di mettere in vibrazione le corde più segrete di ognuno di noi e, soprattutto, si ha la strana sensazione che, per chi ascolta, il tempo si fermi. Viene il dubbio, a ben pensarci, che per lei il tempo si sia veramente fermato in un’età aurea, Anna Caterina Antonacci sembra non appartenere ad un oggi fatto di velocità e distrazione. Questa fatale creatura d’un’altra epoca è forse la dimostrazione che è possibile una connessione spazio-temporale colla dimensione del temps perdu, chissà quanto in lei consapevole e non innata.

Il programma scelto per Firenze seguiva due temi, molto cari ad Antonacci.

Uno dei suoi repertori d’elezione, per ricchezza timbrica e per possibilità espressive, è il barocco e, infatti, colla struggente passacaglia del “Lamento della Ninfa” di Claudio Monteverdi, che apriva il programma, già dai primi accenti il pubblico era catturato nel vortice emotivo - accentuato dal ripetersi del basso ostinato e dalla melodia che vi si avvolge intorno - che solo lei sa creare in questa forma e con quest’intensità. Rinunciando alla filologia, che esigerebbe un basso continuo e un coro maschile che compiange la ninfa, stemperando il suo pianto disperato e creando una stereofonia timbrica, viene fuori una cosa nuova, assolutamente indipendente dalla partitura originale ma che funziona benissimo anche col pianoforte: il madrigale diventa quasi un’aria moderna, con libertà interpretative e ritmiche indicate peraltro dallo stesso autore, che giungono dritto al cuore di chi ascolta.

Dunque: i temi scelti da Antonacci per il programma. Il primo era svolto sul barocco e i suoi epigoni, titolandosi “In stile antico”, e parodie dello stile antico sono le arie di Ottorino Respighi e Stefano Donaudy, autore di una raccolta di brani su testi sei e settecenteschi in stile arcaicizzante, spesso eseguiti distrattamente e genericamente da molti cantanti. Antonacci ha tirato fuori da queste arie una tale poesia da restare ipnotizzati: moderna Armida, ci attirava e ci faceva perdere nel suo giardino incantato della voce, facendoci assaporare ogni sillaba, raccontandoci storie mai notate prima, anche se quei pezzi li abbiamo magari ascoltati altre volte e da altri interpreti. Sembravano nuove, ecco, ci si accorgeva di quanta musica e di quanti ulteriori affetti quelle arie sono portatrici. Antonacci ha il grande merito di dire, narrare i suoni, le frasi e i fonemi, calandosi integralmente nel testo da trasmettere, inventando situazioni e dipingendo caratteri, o anche solo trasmettendoci sensazioni, sentimenti, brividi. Quanti colori può avere uno stesso suono lei lo dimostra con facilità, quante trame sono nascoste tra i versi di un’aria lei ce le illustra con l’amore di chi sa di raccontare aneddoti preziosi e speciali, rarità da intenditore spiegate con olimpica chiarezza per garantire l’accesso a tutti, pur senza perdere la classe inarrivabile che la caratterizza. Classe, alla fine, fatta di semplicità.

Il suono, dicevamo. Il suono così particolare di Anna Caterina Antonacci, che sfugge (per fortuna) alle classificazioni, che comprende, senza fratture, le tessiture di soprano e mezzosoprano, pieno di sfumature e di timbri, a seconda dell’affetto che lei vuole esprimere, è una delle più grandi ricchezze di quest’artista che ha piegato la sua voce all’espressione teatrale in ogni cosa che canta e che dice.

Il programma, coi suoi rimandi interni tra Cesti e Respighi, Cilea e Pizzetti, Mascagni, Refice e Tosti, scelto con intelligenza e con un evidente scopo narrativo, era pieno di sorprese e di scoperte, eclissando la banalità di molti programmi vocali in circolazione, spesso stantii perché ripropongono quasi sempre e solamente i cicli storici schubertiani o schumanniani, splendidi, per carità, ma come se non esistesse che quello.

Le “Quattro canzoni d’Amaranta”, uno dei più notevoli cicli tostiani, erano così piene di pathos nell’interpretazione del duo, pur in una scelta di tempi piuttosto rapidi, che il tornado di emozioni non lasciava respiro: “L’alba separa dalla luce l’ombra” velocizzato seguendo appunto il ritmo del verso dannunziano, senza tutte quelle lungaggini e un eccesso di punti coronati a cui siamo abituati dalle correnti letture, soprattutto tenorili, era una fluida corsa contro la luce, che pure invadeva il canto di Antonacci, anzi forse piuttosto lo scontro di due luci, la luce del sole del giorno nascente e quella del canto che si eleva titanico, sovrastando l’amore perduto, il canto che vuole sottrarsi all’incontro inevitabile coll’avvenire, in un abbraccio notturno che si vorrebbe eternare. Forse un tempo più elegiaco nel primo dei brani, “Lasciami!”, già dall’introduzione pianistica, avrebbe giovato all’atmosfera e preparato la sopresa del secondo brano, ma sono dettagli.

Se lo stile antico e arcaicizzante caratterizzava la prima parte del concerto, i riflessi acquatici erano il tema della seconda. E quindi i riflessi lagunari della raccolta “Venezia” di Reynaldo Hahn, lui forse più che Proust il vero custode del tempo perduto, ci stavano proprio bene. La sapienza di Antonacci e di Sulzen, che si divertivano enormemente nel recitare entrambi, ognuno col proprio strumento, i testi in idioma veneziano (seppure non sempre foneticamente esatto), ha entusiasmato ulteriormente un pubblico che già dall’inizio aveva dimostrato (e come poteva essere il contrario) un profondo affetto verso i due artisti. Inarrivabile, per spirito e per sottigliezze, “L’avertimento” mentre “La biondina in gondoleta” (attenzione, nulla a che vedere colla nota canzone folclorica, tutt’altra musica) era un vero gioiello d’arte drammatica, intagliato e cesellato come meglio non si potrebbe fare.

I riflessi acquatici continuavano nel celebre “L’invitation au voyage” di Henri Duparc, dove la voluttà del verso di Baudelaire veniva accentuata in maniera sublime da Antonacci, quasi pittrice di paesaggi e liquide atmosfere, che proseguivano nei brani successivi di Gabriel Fauré, il delizioso “Cygne sur l’eau” e “Au bord de l’eau”, quest’ultimo in un’interpretazione così moderna da accentuare l’attualità di un autore spesso confinato a una considerazione salottiera e nulla più. Il ciclo “L’horizon chimérique”, coi suoi quattro brani, simmetrica conclusione in opposizione/congiunzione col ciclo tostiano di Amaranta, concludeva il recital con una forte emozione. Questo repertorio in lingua francese, dominato alla perfezione da Antonacci, forse meglio di cantanti di gallica madrelingua la cui scuola attuale è in grande decadenza, riportava a memorie che si credevano relegate a un passato remoto, a interpretazioni storiche come quelle di Charles Panzéra, Régine Crespin o Camille Maurane, dove la consapevolezza fonetica era tutt’uno con una vocalità degna di questo nome. E la vocalità piena, drammatica, pur capace di carezze improvvise, di Anna Caterina Antonacci era proprio il meglio che ci si potesse aspettare.

Non ha avuto un ruolo secondario il pianista Donald Sulzen, fornendo e prendendo spunti i due interpreti l’uno dall’altro, assecondandosi e suggerendosi idee di continuo. Sulzen creava un sentiero sonoro dove il passo felpato di Anna Caterina Antonacci avanzava senza indugi, planando senza colpi, fondendosi perfettamente e creando un’enorme tavolozza coloristica come raramente accade di sentire. Spesso si sottovaluta la presenza di un pianista “accompagnatore” sminuendone proprio il ruolo di “pianista”. Egli è invece il motore ritmico e armonico che sostiene il cantante e che gli permette di esprimere le magie vocali, come quelle con cui ci ha stregato la maga Antonacci. I brani di Fauré e Duparc evidenziavano, anche per una scrittura pianistica forse più densa che nella musica italiana, la sapienza del grande “accompagnatore”, mostrando il reticolo di voci interne che interagiscono colla voce del cantante e non solo quelle superficiali come talvolta accade. Pregevoli gli arrangiamenti di Sulzen di “Marechiare” di Tosti, spiritoso e in perfetta armonia coi riflessi sull’acqua del programma, e di Moon River, pensato e cantato da Antonacci come una lievissima carezza, quarto e ultimo dei bis generosamente concessi dal duo a un pubblico delirante che chiedeva con affetto che il sogno non finisse più. Anch’io mi sono risvegliato a malincuore.