L’Incoronazione di Poppea en Bogotá Colombia

Crédito: Juan Diego Castillo / Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo

Ramón Jacques 

L’incoronazione di Poppea (SV, 308 La Coronación de Popea) fue la última composición operística de Claudio Monteverdi (1567-1643) compositor italiano, a quien se le atribuye ser el fundador del desarrollo de la ópera.  Por su amplia carrera como director coral (fue maestro di capella en la basílica de San Marco en Venecia), interprete de instrumentos de cuerda, y especialmente por su fructífera carrera como compositor, donde creó obras de música secular y sacra (como sus libros de madrigales, sus obras religiosas a gran escala como Vespro della Beata Vergine, además de tres operas)  se le considera una figura  preponderante por el papel que jugó en la transición del periodo renacentista al barroco en la historia de la música, sobre todo por su desarrollo en la forma y la melodía a través del uso de la técnica del basso continuo, que es característica en la ejecución de la música barroca. Su ópera L’Orfeo (1607) es considerada la ópera más antigua del género, y sigue siendo repuesta por los teatros, aunque no con la frecuencia que debería.  Fue durante su periodo en Venecia, que compuso L’Incoronazione di Poppea, drama musical en un prólogo y tres actos con libreto en italiano del poeta veneciano del siglo XVII Giovanni Francesco Busenello (1598-1659), conocido en la escena operística Venecia porque además de trabajar con Monterverdi hizo libretos para otro conocido compositor como Francesco Cavalli (1602-1676). L'Incoronazione di Poppea tuvo su estreno durante el canal veneciano en 1643 en el Teatro Santi Giovanni e Paolo, de la ciudad lagunar. Con motivo del decimoquinto aniversario del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, inaugurado el 26 de mayo del 2010, y con una amplia agenda de eventos musicales, danza y teatro programados para la ocasión, se presentó en carácter de estreno, en Colombia este título monteverdiano, que no suele ser montado con mucho menor frecuencia que Orfeo, y que al menos en los últimos diez años donde ha sido vista el mayor número de ocasiones ha sido en teatros Italia (es recordado el ciclo de óperas de Monteverdi con montaje de Robert Wilson en el Teatro alla Scala), pero especialmente en diversos teatros de Francia.  Por tal motivo, no sorprende que este montaje se realizó por una colaboración entre Francia y Colombia, en la que participaron el ensamble de instrumentos antiguos francés Le Poème Harmonique bajo la conducción de su director Vincent Dumestre y del grupo de teatro colombiano La Compañía Estable con la dirección escénica de su fundador Pedro Salazar, quien además de realizar diversas puestas de escena teatrales, incursiona ya la ópera, en especial en este recinto.  De las tres obras que permanecen de la  carrera de Monteverdi en la ópera, en  L’Incoronazione di Poppea es en la que más sorprendió  ya que  la trama (inspirada en la Antigüedad) rompió con los temas completamente mitológicos e incorporó  personajes humanos, además de abordar temas que aún están vigentes en la actualidad como la autoridad y su abuso, el ego, la traición, vista a través de  la conquista del poder por la amante de Nerón, Poppea, que no rehúye a cometer crímenes para alcanzar sus objetivos. La historia es además eficaz desde el punto de teatral y el dramático, así como en las escenas cómicas intercaladas en la partitura, sin olvidad la fastuosa música de Monteverdi.  En su concepción escénica, Pedro Salazar buscó explorar la existencia, como el mismo lo llama, de ‘los nerones’, que desde su perspectiva nunca han dejado de existir, y siempre han estado presentes, como hoy en día, especialmente en América Latina.  Su propuesta buscó plasmar un mensaje político y de denuncia de los vicios, excesos y corrupción que caracteriza a esos personajes que nunca han dejado de existir.  En el aspecto actoral se vieron personajes humanos y cercanos a la realidad que conoce el público y el montaje a pesar de ser actual, tiene sus guiños al pasado.  En escena se utilizaron pocos elementos escénicos consistente en muchas figuras geométricas, cubos, estatuas y columnas que entraban y salían en cada cambio de escena; y al fondo del escenario, creando un efecto visualmente interesante, hubo una cortina que, representado la cúpula interior del Panteón de Agripa en Roma, con su abertura central (óculo) que apunta al cielo, solo que aquí lo hacia el fondo del escenario, donde ocasionalmente se abría para que aparecieran personajes como el de Amore, además de cortinas con diseños geométricos, o incluso posters de propagando política.  El trazo escénico fue ideado por Julián Hoyos, con la buena iluminación de Humberto Hernández, y los encantadores y lucidores vestuarios confeccionados por Sandra Diaz, coloridos vestuarios y túnicas de seda, una combinación que mezclaba rasgos del pasado con la actualidad, y que especialmente al personaje de Nerone, con un atuendo y amenazante gorra militar lo hacía parecer, como si fuera un dictador.  El elenco vocal mezcló experiencia con juventud, y se eligieron solo cantantes de países del cono sur, que el propio Vincent Dumestre adicionó y seleccionó para la ocasión.  Así, sobresalieron la mezzosoprano sueca-chilena Luciana Mancini, en su caracterización de Nerone, una cantante con mucho oficio en el canto antiguo, quien exhibió, seguridad, apegó al estilo, brillantes tonalidades y buen gusto en las fiorituras y los adornos; y escénicamente se exhibió como un soberbio y altivo emperador.  Buen desempeño tuvo también la mezzosoprano colombiana Andrea Niño, otra artista curtida, quien mostro nitidez y claridad en su canto, y que le dio al personaje de Poppea esa mezcla de capricho, vanidad, pretensión y fragilidad. El joven contratenor uruguayo Agustín Pennino, quien cuenta ya con nombre en importantes montajes de música antigua y con carrera en ascenso, dio vida al exasperado y vengativo Ottone con una tonalidad oscura y elasticidad en su instrumento vocal.  Bueno fue el desempeño vocal y actoral de la mezzosoprano colombiana Yeraldin León, quien dio personalidad a los personajes de Ottavia y Virtù.  Gratas sensaciones dejó por sus cualidades vocales la soprano brasileña Luanda Siqueira como Fortuna y Drusilla; así como la soprano local Lina Marcela López, que sobresalió por su canto en el papel de Amore, (además dio vida a Valleto), y el bajo venezolano Álvaro Carrillo como un sólido Seneca.  El elenco se completó con artistas que hicieron un trabajo digno: como el contratenor venezolano Fernando Escalona como Arnalta y el tenor colombiano Luis Hernández Luque como la Nutrice (ambos realizaron sus respectivos personajes en travesti) además de otros tres cantantes locales que fueron Camilo Delgado como Lucano, el Soldado I y el Familiare II; el tenor Andrés Silva como Liberto y Soldato II; y el barítono Jacobo Ochoa quien personificó a los personajes de Mercurio, Littore, Consoli y Familiar II.  En el foso, Vincent Dumestre condujo al reducido grupo de instrumentistas de Le Poème Harmonique con seguridad, conocimiento y brío, extrayendo un sonido compacto, conmovedor pero fulgurante y luminoso, priorizando el texto, las dinámicas y los silencios dramáticos.   Aunque la partitura es extensa, y las versiones más conocidas son las que se hicieron para Venecia y Nápoles, lo que aquí se escuchó se basó en una edición de Paris del siglo XVII, que contiene el dúo Partiam, que contiene la melodía de Pur ti miro, uno de los pasajes más conocidos de la obra, que, aunque no se escuchó en la función, se cantó como bis, al concluir la velada y después de los aplausos.  Otro importante evento a destacar dentro de la presente temporada es la presencia de Les Arts Florissants, que bajo la conducción de William Christie ofrecerá una versión escénica de la semiópera con prólogo y cinco actos de Henry Purcell (1691-1695), The Fairy Queen, z. 629 (1691).

El burgués gentilhombre por Le Poème Harmonique en los Teatros del Canal de Madrid, España

Foto: Marco Borggreve - Teatros del Canal de Madrid

Ramón Jacques

Le Bourgeois Gentilhomme,  la obra maestra del genero de la comedia-ballet, que nació de la unión del talento del dramaturgo Molière y el músico Jean Baptiste Lully, y cuyo estreno tuvo lugar en 1670 en la corte de Luis XIV, fue representada en su versión original e integra en los Teatros del Canal de Madrid por Le Poème Harmonique, el ensamble francés especializado en el repertorio musical de los siglos XVII y principios del XVIII.  Con la intención de reivindicar la tradición del teatro de Mòliere, la Comedia Francesa omitió las partes cantas y bailadas dejando una obra que carecía de coherencia artística y dramática. Fue así como en el 2004, el músico Vincent Dumestre (fundador en 1998 del ensamble), junto al director de teatro Benjamin Lazar y la coreógrafa Cécile Roussat representaron la obra en el ambiente escénico, festivo y desenfrenado, propio de la comedia-ballet, restituyéndole los diálogos originales, así como los ballets de Beauchamp y la música e intermedios musicales de Lully, como la ceremonia turca, que incluye la celebre y conocida Marche pour la cérémonie des Turcs. Un amplio grupo de actores y bailarines enriquecieron una interpretación musical y vocal de muy alto nivel, ante la atónita mirada de Monsieur Jourdain, personaje en el cual convergen el canto, la danza y el teatro, que fue interpretado con justa comicidad e inocencia por el actor y comediante Olivier Martín Salvan.  En la parte escénica, Benjamin Lazar intentó recrear una estética de época con un detallado y cuidado énfasis sobre la pronunciación, la declamación, los estilizados movimientos, danzas y la gestualidad barroca, pero sin dejar a un lado las situaciones cómicas. Lo más sugestivo de esta puesta escénica fue que se realizó completamente con la iluminación de unas velas situadas al frente del escenario, lo que creó un contraste entre luces y sombras que transportó a la escena, y a los espectadores, hacia un ambiente mágico y poético. Los vestuarios de Alain Blanchot lucieron por su elegancia y buena confección. Buena fue la prueba de los cantantes, destacando a la soprano Claire Lefilliâtre por su calido y cristalino timbre. Por su parte, Dumestre dirigió con seguridad y entusiasmo, por momentos tocando la guitarra barroca, a una orquesta que emitió un sonido uniforme, suntuoso y dinámico en su sección de cuerdas, sobretodo en el bajo continuo.

Il Borghese Gentiluomo e Le Poème Harmonique - Teatros del Canal, Madrid.

Foto: Marc Borggreve - Teatros del Canal Madrid

Ramón Jacques

Le Bourgeois Gentilhomme, opera punto di riferimento della comédie-ballet, nata dalla unione dei talenti del drammaturgo Molière e del compositore Jean-Baptiste Lully, la cui prima fu nel 1670 alla corte di Luigi XIV, è stata riproposta in versione originale e integrale nei Teatros del Canal di Madrid da Le Poème Harmonique, ensemble francese specializzato nel repertorio barocco. L’operazione voleva rivendicare la tradizione del teatro di Molière, che la Comédie Française aveva impoverito omettendo sempre le parti ballate e cantate, facendo perdere all’opera la sua coerenza artistica e drammatica. Così, come nel 2004, il direttore Vincent Dumestre (fondatore dell’ensemble nel 1998), insieme al regista Benjamin Lazar e alla coreografa Cécile Roussat hanno ricreato l’ambiente scenico, festoso e sfrenato tipico della comédie-ballet, riappropriandosi dei dialoghi originali, i balletti di Beauchamp e la musica di Lully, como la ceremonia turca, inclusa la celebre Marche pour la cérémonie des Turcs. L’interpretazione musicale, d’altissimo livello, è stata fornita da un ampio gruppo di attori e ballerini davanti allo sguardo attonito di Monsieur Jourdain, personaggio attorno a cui ruotano canto, danza e prosa, interpretato colla giusta comicità ed innocenza dall’attore Olivier Martin Salvan. Il regista Benjamin Lazar ha voluto ricreare un’estetica dell’epoca soffermandosi con enfasi nei dettagli di pronuncia, nella declamazione, e con movimenti stilizzati, danze e gestualità barocche, senza trascurare le situazioni buffe. Estremamente suggestiva è stata l’illuminazione dello spettacolo che era data unicamente da candele sul boccascena e che ha contribuito a creare in scena e tra il pubblico un contrasto magico di luci e ombre. I costumi di Alain Blanchot risplendevano per eleganza e fattura. Buona è stata la prova dei cantanti, con riguardo al soprano Claire Lefilliâtre, dal timbro caldo e cristallino. Dal canto suo Dumestre si è distinto per sicurezza ed entusiasmo, suonando in alcuni momento anche la chitarra barocca, e la sua orchestra era uniforme, sontuosa e dinamica negli archi, soprattutto nel basso continuo.

"Le Bourgeois Gentilhomme" enamora al publico de los Teatros del Canal de Madrid

Crédito fotos: Marco Borggreve

Alicia Perris

Comedia -Ballet de Molière y Lully. Le Poème Harmonique. Vincent Dumestre (Dirección orquestal).Benjamin Lazar (Director de escena). Cécile Roussat (Coréografa). Actores, cantantes, bailarines y orquesta.

Con un espectáculo de prácticamente cuatro horas de duración y un solo descanso, el público madrileño, entre los que se habían desplazado habituales y cargos del Teatro Real, críticos musicales y teatrales, francófonos y amantes de la cultura francesa y del buen teatro, la noche del estreno de “Le Bourgeois gentilhomme” de Molière y Lully fue, para seguir con la lengua original del espectáculo, “éblouissante”. Una pléyade de artistas bien preparados, motivados, con unas posibilidades vocales, corporales y de manejo de situaciones fuera de lo común, la representación estuvo pensada ad maiorem gloriam de la escena clásica francesa, la que disfrutaba y producía la corte versallesca del siglo XVII. La duración de la propuesta se ve compensada sin problemas con un disfrute visual y sonoro, a los que no estamos acostumbrados en Madrid. La belleza, el ingenio, desbordan por los cuatro costados. Siempre un punto de sorpresa en la propuesta, la fascinación de la pirueta, de la escenografía, de la iluminación, del vestuario y del lenguaje, la fluidez hasta en la acrobacia, una recreación original siguiendo las pautas que se utilizaban en la época de la creación de la obra. Incluso la luz proviene de la instalación en la sala de más de quinientas velas. Glorioso pasatiempo éste que intenta corregir las costumbres divirtiendo, como ya proponían los clásicos griegos y latinos, alrededor de una figura disparatada, representada con maestría por el fantástico Olivier Martin Salvan, en el Burgués, acompañado de Nicolas Vial, Louise Moaty o Benjamin Lazar, entre los principales actores, sobre la que pivotan todas las referencias del autor sobre la época que le toca vivir y criticar. El trabajo actoral es inenarrable, el ensamblado de las diferentes artes que componen el proyecto, inédito. Cada minuto de la obra está cuidado y calibrado al extremo para redundar en una performance que roza la perfección. La comedia -ballet del “Bourgeois Gentilhomme” se estrenó el 14 de octubre de 1670 en el Castillo de Chambord, y entonces el propio Lully desempeñó el papel de Mufty y Monsieur Jourdain fue recreado, como solía hacer Jean Baptiste Poquélin, por el propio autor. En 1669 un embajador del Gran Turco llegó a la corte francesa, ocasión que sirvió para un despliegue social y artístico, a mitad de camino entre la antropología y el disparate. Luis XIV aprovechó para volcarse en una exaltación de su poder y su magnificencia. Una circunstancia histórico-política que desemboca en una obra maestra y en el disfrute y la alegría de un ocio fascinante. El de la corte despreocupada, licenciosa y festiva del Rey Sol, que se estira y se despereza con desvergüenza. Y se divierte. En un momento en que se ha recuperado y se glorifica el Barroco, Le Poème Harmonique ha realizado una verdadera labor arqueológica con el patrimonio musical de Francia. Y ha demostrado cómo el éxito de una obra del siglo XVII convierte en actual lo que podría haberse convertido en un material polvoriento solo útil para la consulta en las bibliotecas. Como escribe Vincent Dumestre, “Le bourgeois gentilhomme fue un gran éxito desde la primera representación. A través de los años, esta comedia-ballet, construida alrededor del “ballet turc ridicule”, a petición de Luis XIV, se ha convertido en uno de los clásicos de la cultura francesa, aún muy popular entre el público de todas las edades”. El francés hablado y recitado a la usanza de la época, también un hallazgo y un disfrute. Todo, una delicia.

Le Poème Harmonique - Lezioni di Tenebre di Couperin, Città del Messico

Fotos: Le Poème Harmonique - Crédito: Benedicte Desrus / Festival del Centro Histórico

Ramón Jacques

L’esibizione de Le Poème Harmonique, gruppo francese specializzato nell’interpretazione della musica dei secoli XVII e XVIII, era uno degli eventi della XXVI edizione del Festival de México (FMX), importante festival che si svolge sempre nei luoghi più antichi del centro di Città del Messico. La sede di questo concerto è stata il cortile centrale del Antiguo Convento y Hospital de Pobres y Convalecientes de la orden de los Betlemitas, edificio del XVII secolo che ospita oggi un museo di storia economica e dove, alla luce di qualche candela dietro il palcoscenico, si è creato un ambiente estremamente evocativo per l’esecuzione delle Leçons de ténèbres pour le mercredi Saint del compositore francese François Couperin. Le leçons de ténèbres sono degli adattamenti polifonici delle lamentazioni del profeta Geremia, que piangeva la distruzione di Gerusalemme da parte dei babilonesi e furono composte per le liturgie della Settimana Santa del 1714 nell’Abbazia di Longchamps, in Francia.

La splendida e commovente esecuzione del brano da parte dell’ensemble sotto la direzione di Vincent Dumestre, che suonava anche la tiorba, è riuscita a estrarre costantemente la serenità e la spiritualità insiti nel brano con un suono compatto e omogeneo. Nella prima delle tre parti, per soprano e basso continuo, è emersa l’intensità contenuta della linea vocale, senza che si perdessero il carattere e la tranquilla continuità del brano. Nelle due parti restanti si è aggiunta la voce di un secondo soprano e sia Eugénie Warnier che Claire Debono hanno esibito un timbro purissimo, nitido ed emozionante, in particolare nella più nota Troisième Leçon de Ténèbres à 2 voix che, con un ripieno armonico più ricco grazie alla viola da gamba e l’organo, è arrivata a toccare nel profondo l’ascoltatore, trasportandolo in un’altra dimensione e, forse, in un’altra epoca.

Le Poème Harmonique - Lecciones de tinieblas en el fmx-Festival de México

Fotos: Robin Davies y Benedicte Desrus / Festival del Centro Histórico - fmx- Festival de México

Ramón Jacques

La presentación de Le Poème Harmonique, el ensamble francés especializado en la interpretación de música de los siglos XVII y principios del XVIII, fue parte de la edición 26 del fmx-Festival de México, importante festival cuyos eventos se han realizado siempre en las recintos mas antiguos del centro de la ciudad de México.

La sede de este concierto fue el patio central del Antiguo Convento y Hospital de Pobres y Convalecientes de la orden de los Betlemitas, construcción del siglo XVII que hoy alberga un museo de historia económica, y en el que a la luz de unas velas alrededor del escenario, se creó un ambiente verdaderamente evocador para la ejecución de Lecciones de tinieblas (Leçons de ténèbres pour le mercredi Saint) del compositor francés François Couperin. Las lecciones de tinieblas son adaptaciones polifónicas de las ‘Lamentaciones’ del profeta Jeremías, quien sollozaba la destrucción de Jerusalén por los Babilonios, que fueron compuestas para las liturgias de la Semana Santa de 1714 en la Abadía de Longchamps, Francia.

La espléndida y conmovedora ejecución de la obra por parte del ensemble y bajo la segura dirección de Vincent Dumestre, quien interpretó la tiorba, logro extraer en todo momento la serenidad y espiritualidad que contiene la pieza con un sonido compacto pero homogéneo. En la primera de las tres partes, para una soprano y bajo continuo, se sintió la intensidad contenida en la línea vocal, sin perderse el carácter ni la apacible continuidad de la pieza. En las dos partes restantes se incorporó la voz de una segunda soprano, y tanto Eugénie Warnier como Claire Debono, exhibieron un timbre cristalino, nítido y conmovedor, particularmente en la mas conocida tercera lección (Troisième Leçon de Ténèbres à 2 voix) que con un relleno armónico mas rico, con la viola de gamba y el órgano, logró tocar fibras profundas transportando el espectador a otra dimensión o quizás otro tiempo.