Entrevista a la soprano María Rey-Joly

Ramón Jacques

La versatilidad artística y vocal de la soprano madrileña María Rey-Joly la ha llevado a convertirse en una destaca interprete del repertorio operístico, sinfónico, de cámara, de música española, así como de zarzuela.  Su repertorio abarca papeles de óperas que van desde Mozart hasta Wagner pasando por Verdi, sin olvidar los de zarzuela o de música antigua como La Clementina de Boccherini. Se ha presentado en teatros importantes como:  Ópera de Lausana en Suiza, el Teatro de La Zarzuela y Teatro Real de Madrid, así como el Teatro de la Maestranza de Sevilla, el Teatro Campoamor de Oviedo, el Teatro Giuseppe Verdi de Trieste, Teatro Giglio de Lucca, el Teatro Regio de Turín y el Teatro Juárez de Guanajuato, México; por mencionar algunos. En esta entrevista, María nos cuenta como ha logrado diversificar artísticamente su carrera, y sobre su interés por el canto y la actuación que ha podido plasmar en la ópera, la zarzuela, así como en obras de adaptaciones operísticas, y como ha sido para ella volver a pisar un escenario en estos meses de pandemia.

¿Qué fue lo que te atrajo al canto y como decidiste hacerlo tu profesión?

El canto estuvo siempre presente en mi vida desde pequeña. Mi madre era también soprano. Pero que al final se convirtiese en mi profesión fue algo que sucedió de manera casual, algo de lo que me alegro enormemente. Al principio estudiando piano y violín para, por fin, terminar dedicándome por completo a la lírica.

The Opera Locos

¿Como definirías en la actualidad tu voz y como te gustaría que presentarte por primera vez frente a un publico que no te conoce?

Tengo una voz de extensión amplia y de agudo potente. Una voz lírica coloratura con tintes dramáticos  A la hora de que me oigan por primera vez, prefiero que me conozcan cantando un rol entero, e interpretando un personaje en el escenario. No solo hay que escuchar, hay que mirar y sentir.

¿Cómo resumirías en pocas palabras tu trayectoria artística-vocal y cuál es el papel que has interpretado que más satisfacción te ha dado?

En mi carrera he tenido la oportunidad de hacer papeles muy distintos y variados, algo que realmente me encanta. Empecé centrándome sobre todo en la ópera y la zarzuela, y guardo un recuerdo especial de la Fiordiligi del Così fan tutte que hice en la producción de Giorgio Strehler en el Piccolo Teatro de Milán; como también me siento orgullosa de ser una invitada habitual del Teatro de la Zarzuela donde tanto he aprendido sobre este género que tanto quiero. Con el tiempo he ido incorporando proyectos no sólo líricos, buscando en la interpretación otras maneras de expresarme como artista. De esta forma he conseguido encontrar un equilibrio entre cantante y actriz, lo que me hace muy feliz.

¿Cuál es el repertorio que actualmente estas cantando y que papeles te gustaría incorporar más adelante?

Me siento muy cómoda en Mozart, con roles como Fiordiligi, Donna Anna, Vitellia, Donna Elvira, Elletra. También en el repertorio francés y el Verdi lírico. Poco a poco tengo intención de incorporar papeles algo más dramáticos, pero ese es un trabajo que hay que tomarse con calma y respetando mucho la voz.

Agnese de Paer - Teatro Regio di Torino

En tu biografía te defines como soprano y como teatrera ¿Cómo significa para ti ser ‘teatrera’ y que implica desde el punto de vista actoral? 

Fue el director Albert Boadella quien me llamó en una ocasión teatrera. Me estaba dirigiendo en una obra suya y decidí tomar el término como un reflejo de mi verdadera emoción por mi profesión. Es el teatro el que me mueve y utilizo cualquiera de sus lenguajes para expresarme. Ya sea cantando, con un texto o con el lenguaje gestual.

Hablabas de tu interés y de tu trayectoria interpretando zarzuelas. Con esa experiencia ¿Que dificultades vocales, artísticas plantea este género con relación a la ópera? Y ¿Qué puedes aportarle a la zarzuela como cantante de ópera y viceversa?

Me encanta la zarzuela porque me da la posibilidad de comunicarme en mi idioma y desde mis raíces. No hay gran diferencia entre la zarzuela y la ópera en cuanto a la vocalidad y al canto. Es el texto hablado el que va a presentar más dificultad, ya que es necesario otro tipo de proyección y articulación, así como una interpretación actoral. Esto es lo que hace que me sienta muy cómoda en este género. Me permite expresarme como cantante y actriz. Asimismo, esto hace que uno se enriquezca como intérprete y siempre será muy positivo a la hora de hacer ópera.

Sueno de una Noche de Verano
Teatro Zarzuela / Javier del Real 

Has formado parte de elencos de zarzuelas que se hicieron en Madrid y otras ciudades de España con fastuosas escenografías y vestuarios de diseñadores conocidos, dirigidas por renombrados directores de escena y de orquesta, y un nivel sobresaliente.  Entonces ¿Por qué consideras que no se presentan más zarzuelas en teatros fuera de España, considerando además que con el supertitulaje el idioma no es una barrera, para ello está el ejemplo de las óperas rusas o checas?

Fuera de España no se cuenta con una tradición en este género y esto hace más complicada su programación. El problema es que, si no se programa, se hace más difícil que la gente la conozca y se genere un acercamiento. Sinceramente no sé porque que no se programa más en escenarios internacionales, es algo que para mí no tiene sentido dada su enorme calidad. Lo que si te puedo decir es que cada vez que he tenido la oportunidad de representar Zarzuela fuera de España el éxito y la aceptación han sido enormes, y la zarzuela triunfa allá donde vaya.

¿Puedes hablarnos más sobre las ocasiones en las que has cantado zarzuela fuera de España y donde has notado su buena aceptación?

Si. He tenido diversas experiencias con zarzuela y con música española, en recital y en representación escenificada, y siempre con una magnifica recepción. Por ejemplo, en el Teatro Verdi de Trieste Italia, con un montaje de Emilio Sagi de La Generala de Vives donde personifiqué a la Princesa Olga, o también en San José de Costa Rica en el Teatro Nacional, en un recital de zarzuela en el que se interpretaron romanzas, números de coro y de orquesta, y fue tan grande el éxito que el público salió entusiasmado y con ganas de querer ver más zarzuela.

¿Y si nos enamoramos de Scarpia?

¿Qué nos puedes decir acerca de “The Opera Locos” el espectáculo del que has formado parte en recientes temporadas, con el que has hecho giras por España y Europa y que ha recibido premios, así como también de “¿Y si nos enamoramos de Scarpia?” cuya temporada acabas de terminar ahora a finales de agosto?

The Ópera Locos es un espectáculo gestual, de la compañía Yllana, basado en el mundo de la ópera en donde sus cinco intérpretes utilizan diferentes fragmentos o arias de ópera para expresar sus emociones. Son las vivencias de una compañía de ópera que va a provocar que el público ría, se emocione, se conmueva e incluso llore. Es el triunfo del amor.  [Nota: La producción de The Opera Locos que ganó el premio Max 2019 a Mejor Espectáculo Musical en España, se representó por primera vez en la Ciudad de México en junio del 2019 en el Teatro San Rafael]

De igual manera, en la función “¿Y si nos enamoramos de Scarpia?”, de Albert Boadella se utiliza el ambiente de la ópera para desarrollar un espectáculo. Es la obra que recién termine a finales de agosto en los Teatros del Canal de Madrid. En este caso se trata de una función teatral donde se intercala el texto hablado con fragmentos de ópera. Mi personaje es una soprano que ataca el machismo en la ópera mientras intenta ensayar un recital con el director y otra soprano. ¡Es una reyerta lírica!

¿Consideras que este tipo de proyectos que son adaptaciones de óperas han hecho cambiar en ti el concepto inicial que tenías de lo que es la lírica y el canto?

Pienso que lo ha enriquecido, porque le brinda más opciones y elimina barreras, ya que no hay límites.

Agnese de Paer - Teatro Regio di Torino

Otro proyecto importante y muy reciente para ti fue dar vida al papel principal de la ópera Agnese del compositor Ferdinando Paer en Turín, Italia con la dirección musical de Diego Fasolis, que fue el primer montaje moderno de esta ópera desconocida. ¿Qué nos puedes contar de esa experiencia y sobre la ópera?   

Fue una experiencia maravillosa y un privilegio dar vida a Agnese de la mano del maestro Fasolis y en el magnífico Teatro Regio di Torino. Agnese es una ópera semiseria, con referencias del bel canto, Rossini e incluso Mozart. Creo que la mayor dificultad que presentaba abordar este personaje era la responsabilidad que conllevaba hacerlo después de tanto tiempo sin llevarse a los escenarios. Mostrar al gran público una ópera desconocida y sin apenas tener referencias.

¿Cuál es el teatro en que el que te has presentado en tu carrera y que te ha dejado la mejor impresión?

Es el Teatro de la Zarzuela, ya que allí comencé mi carrera y a él me siento profundamente ligada.

¿Qué recuerdos tienes de tu paso por el Festival Cervantino de Guanajuato de México en la edición del 2012?

Al Festival Cervantino de Guanajuato fuimos con una ópera de Tomas Marco titulada “El caballero de la triste figura”, y allí fue el mejor sitio para nuestro Quijote. Fue una de esas bonitas experiencias que se te quedan grabadas. Por el magnífico Festival, el Guanajuato mágico, el maravilloso teatro Juárez, y el cálido público. ¡Ya estoy deseando volver!

¿Te consideras satisfecha con lo que has logrado en tu carrera o te quedan aun mas retos por cumplir?  ¿Qué proyectos futuros tienes?

Creo que soy una privilegiada y me siento profundamente agradecida por todo lo que la profesión me ha brindado hasta el momento. En el futuro sigue habiendo más ópera, teatro, zarzuela como tambien The Opera Locos. El próximo mes de septiembre seré Musetta en la Ópera de Liége en Bélgica y en el mismo teatro Fiordiligi en abril del 2021.

¿Y si nos enamoramos de Scarpia?

¿De qué forma has aprovechado este periodo inesperado de inactividad para tu beneficio personal y artístico?

Lo he aprovechado para estudiar, trabajar técnicamente y preparar nuevos proyectos. También ha sido un momento de reflexión, de pararse y pensar, que fue algo inevitable y necesario.

Eres de las pocas artistas que ha tenido una intensa actividad durante este convulsionado periodo ¿Cómo describirías esta experiencia?

Con The Opera Locos hemos estado 3 semanas, haciendo un total de 18 funciones. Tanto en este caso como en las funciones de ¿Y si nos enamoramos de Scarpia?, 4 semanas también en los Teatros del Canal con un total de 20 representaciones, que concluyeron a finales de agosto, la respuesta del público ha sido tremendamente cálida. Estaba deseando volver a disfrutar del teatro y así se ha visto reflejado con una afluencia importante en cada espectáculo llegando incluso a llenar en algunas ocasiones, siempre dentro del aforo reducido previsto en este momento. Por parte del teatro se ha realizado un protocolo para cada representación extremadamente cuidadoso, haciendo que el público que venía por fin al teatro se sintiera muy seguro. Mascarillas en todo momento, distancia de seguridad, orden tanto a la hora de acceder a la sala como para salir de ella, gel desinfectante, mitad de aforo en la sala. Nosotros, los artistas, hemos sido testados en diferentes momentos para poder realizar nuestro trabajo con total seguridad. Los Teatros del Canal han hecho un esfuerzo valiente y necesario y esto ha sido reconocido por el público y muy valorado por los profesionales que trabajamos en él.

¿Como ves desde tu punto de vista el futuro de la lírica? ¿Consideras que volveremos al teatro como lo hacíamos en el pasado?

El teatro con restricciones es algo que ya estamos viviendo gracias a teatros valientes que apuestan por la cultura con todas las medidas de seguridad pertinentes. Como el de los Teatros del Canal, donde como ya mencioné hicimos esas dos producciones con un público cálido deseoso de vivir de nuevo el teatro. Por mi parte, si, espero y confío en que volveremos a los teatros como antes. ¡Ese es mi mayor deseo!

El sueño de una noche de verano en el Teatro de la Zarzuela de Madrid

Fotos: Javier del Real

Ramón Jacques

La labor de recuperación de obras olvidadas continua en el Teatro de la Zarzuela, y en esta ocasión se trató del sueño de una noche de verano, ópera cómica en tres actos de Joaquín Gaztambide, que fuera estrenada hace más de 166 años. Aunque Gatzambide fue un prominente compositor de zarzuelas de la mitad del siglo 19 y su contribución al género fue significante, sus composiciones han sido injustamente olvidadas, por suerte este coliseo madrileño se ha dado a la tarea de irlas recuperando de manera gradual.  Personalmente recuerdo haber presenciado aquí mismo en diciembre del 2012, una función de El Juramento con una grata puesta en escena de Emilio Sagi.  Una característica de los montajes que aquí se ven es el buen gusto en su diseño y su confección, sean modernos, tradicionales o polémicos, y esta no ha sido la excepción.  La trama de esta nueva producción, una adaptación, narra las peripecias en torno al rodaje para cine de una zarzuela homónima de la obra Shakespeare, financiada por una aristócrata italiana. La novedosa y enmarañada propuesta juega con el concepto del teatro dentro del teatro, y tanto el creador de la escena Nicolas Boni, como el director de escena Marco Carniti sitúaron la acción en la Roma de los 50, la de la ‘Dolce Vita’ donde aparecen diversos personajes de Shakespeare, así como el propio literato, Orson Wells, Guillermo del Toro (aquí Guillermo del Mono), Falstaff o la Reina Isabel que es en realidad la aristócrata italiana y productora del espectáculo. 

Los artistas interpretan personajes que viven entre el sueño y la realidad, entre lo absurdo y lo cómico, pero en divertidas situaciones, que Carniti supo incorporar en la justa medida.  Los elegantes vestuarios de Jesús Ruiz y la iluminación de Albert Faura redondearon la parte visual del espectáculo.  En el podio, el experimentado Miguel Ángel Gómez Martínez mostró pericia y conocimiento para resaltar la jovialidad y la delicadeza melódica de la orquestación que mezcla algunas cualidades italianas con ritmos españoles. La Orquesta de la Comunidad de Madrid mostró oficio, así como el coro del teatro y los artistas en escena.  La soprano María Rey-Joly, con amplia experiencia en este escenario, personificó una sensual y refinada Reina Isabel/Tortellini cantando con claridad vocal; y el tenor Santiago Ballerini, mostró su grata timbre belcantista en sus intervenciones como Guillermo del Moro/ Shakespeare. Divertido y jocoso estuvo el Falstaff del barítono Valeriano Lanchas, quien cantó con profundidad y potente emisión. y Sandra Ferrández actuó y cantó bien a una veleidosa Olivia de Plantagenet, cómplice de la princesa Tortellini.

Agnese di Fernando Paer - Teatro Regio di Torino

Foto: Edoardo Piva @ Teatro Regio di Torino

Renzo Bellardone

Alessandro Manzoni non avrebbe esitato a pensare e magari a scrivere “Agnese, chi era costei?” e credo che ce lo siamo chiesti in diversi, ma cultura è anche curiosità, quindi eccomi al regio di Torino per questa “prima” in epoca moderna di Agnese !

AGNESE – Teatro Regio Torino 24 marzo 2019 Agnese Dramma semiserio in due atti Libretto di Luigi Buonavoglia dalla commedia Agnese di Fitz-Henry di Filippo Casari Musica di Ferdinando Paer Edizione critica a cura di Giuliano Castellani Prima rappresentazione in epoca moderna

Quando non si hanno parametri precedenti e non si è musicisti, ma solo amanti della Musica, viene ovviamente difficile  saper commentare sapientemente una nuova produzione, un’opera ascoltata per la prima volta, ma trasporre le emozioni è davvero cosa più facile, in quanto la libertà di sensazioni prima che di espressioni è assolutamente libera! Veniamo quindi ad “Agnese” in Prima assoluta in epoca moderna al Regio di Torino: l’impressione è che si tratti musicalmente di una pagina  intelligente tra Mozart e Rossini! Ci sono tutti i rimandi immaginabili ed anche l’incalzare di certe frasi sono tipiche dell’epoca storica. Diego Fasolis dirige con piglio e grande caratura, da esperto consumato qual è: tiene l’orchestra ed il palco con naturalezza ed evidente conoscenza! Leggendo le note di regia di Leo Muscato e confrontate poi con il palco non si può che concordare con l’ambientazione favolistica e forse anche un po’ magica dei micro mondi realizzate da Federica Parolini  con enormi scatole di latta che riportano ai primi del ‘900 e che magicamente si aprono e scoprono il mondo che vive all’interno di quella scatola, di quel mondo vissuto da quelle persone in quel momento ! 

Ecco quindi la scatola che racchiude la camera del manicomio dove è rinchiuso Uberto, magistralmente interpretato da Markus Werba con sicurezza e colore compatto e massiccio; già apprezzato in altre occasioni ed anche al Regio, recentemente  in  Die Zauberflöte, ha rinnovato la carica interpretativa e la bella modulazione che per pura citazione ricordiamo in  “Come la nebbia al vento”; la stessa aria viene poi ripresa dal soprano madrileno María Rey-Joly che gradevolmente ho scoperto in questa occasione: la presenza scenica è fuori di ogni dubbio ed anche la capacità interpretativa: per quanto concerne il canto ha veramente affascinato in ogni tono, passando dalla poesia del citato ‘Come la nebbia al vento’ alle variazioni e agilità di altri momenti! Una bella scoperta che ci si augura di confermare in altre occasioni italiane e godere così  ancora della sua morbidezza e facilità negli acuti.  L’opera è ricca di duetti e per estrema sintesi mi piace citare quello tra Don Girolamo interpretato con brillantezza e vivacità da Andrea Giovannini che ha caratterizzato molto bene il personaggio e Don Pasquale esaltato dall’interpretazione e da una buona vocalità dal basso comico Filippo Morace; nei rispettivi ruoli di protomedico e di intendente dell’Ospedale dei pazzi il primo esplicita al secondo con impeto esilarante, le vere pazzie dalle false e per veri pazzi si intendono gli avari, i presuntuosi gonfi come un pallone che in preda alla loro esaltazione sfrontatamente balzano qua e là tutto freneticamente abbracciando ;  altri pazzi sono i gelosi, i giocatori viziosi, i miseri poeti e color che si fidano delle femmine! Evidente l’ilarità che trabocca ancor più grazie alle capacità d’intepretazione di Giovannini e Morace. Edgardo Rocha, tenore interessante che pur giovane vanta già un notevole percorso di crescita,  qui interpreta con sicurezza ed estensione,  il fedigrafo poi pentito Ernesto, marito di Agnese la quale era fuggita dalle sue intemperanze con la figlioletta di sei anni interpretata da Sofia La Cara ed appunto la fuga aveva provocato la pazzia del padre Uberto. 

Non dilungarsi è impresa difficile, proverò quindi a sintetizzare: Lucia Cirillo è Carlotta figlia di Don Pasquale che risolve con vivacità e convincimento,  Giulia Della Peruta interpreta Vespina con sorprendente caparbietà ed agilità vocale, davvero interessante e Federico  Benetti è un ottimo custode dei pazzi cui da voce con il bel timbro profondo e scuro. Silvia Aymonino firma i costumi che aiutano ad esaltare la leggerezza e l’ironia della vicenda: esilarante il momento in cui tutte le suore che operano in manicomio sono tutti gli uomini del coro, travestiti appunto da suore in un ilare tratteggio giocoso! Carlo Caputo al cembalo sottolinea con delicata poesia alcuni salienti momenti dell’opera, come si apprezza l’inattesa scena finale quando enormi vasi da farmacia e contenitori  uno dei quali  racchiude anche una enorme vipera sotto aldeide formica,   fanno da contorno ad ‘una cameriera che dentro alla scena suona l’arpa accompagnando la canzone utile al rinsavimento di Uberto. Il coro del Regio è veramente eccezionale e composto da veri artisti del canto e dell’attorialità: efficacemente sotto la guida di Andrea Secchi interloquiscono fra di loro, con le parti principali e con l’insieme registico!  Una nota positiva la riservo anche alle luci ben disegnate da  Alessandro Verazzi che in alcuni momenti contribuiscono sostanzialmente alla narrazione, come quando il colore mattone pervade la scena avvalorando la temporalità del racconto. Evviva le riscoperte, evviva le nuove messe in scena, evviva chi sostiene la cultura! La Musica vince sempre.

El Juramento de Gaztambide - Teatro de la Zarzuela de Madrid

Foto: Fernando Marcos

 

RJ

 

El Teatro de la Zarzuela de Madrid recuperó durante la presente temporada la poco conocida zarzuela en tres actos del compositor Joaquin Gaztambide, “El Juramento”   Estrenada en este mismo escenario en 1858 la obra, cuya acción se traslada a 1710 durante la guerra de Sucesión entre Felipe V y los austriacos, estuvo olvidada durante mucho tiempo. Fue en el 2000 cuando Emilio Sagi la rescató y la presentó con un divertido montaje minimalista, de pocos elementos en escena, amplios espacios, árboles que representaban un bosque, y los elegantes vestidos y corsés en tonos blancos y crema, así como las pelucas blancas, del reconocido modisto Jesús del Pozo. Esta producción fue la misma que se utilizó en esta reposición. La alegre iluminación en brillantes tonalidades blancas y amarillas principalmente dio vida y relieve a la escena. En su dirección, Sagi trató la trama como una comedia llena de sentimentalismo, situaciones y enredos entre personajes de diferentes rangos sociales con su justa dosis de comicidad. La alegre música y orquestación al igual que sus romanzas, tienen influencia de la opera italiana, pero con su singular toque español. Con su vasta experiencia en opera, el director Miguel Ángel Gómez Martínez, ofreció una lectura segura al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, y del Coro extrayendo la musicalidad y efervescencia con precisión y cuidado por las voces. El papel de María fue bien interpretado por la soprano Sabina Puértolas con nítido y brillante timbre. Divertida y astuta fue la Baronesa de María Rey Joly, soprano de elegante y homogéneo canto. Destacados estuvieron Gabriel Bermúdez como el Marque y David Menéndez como Don Carlos, y correctos el resto de los cantantes del elenco. RJ

Candide de Voltaire/Bernstein aligera el verano musical de El Escorial, España

Fotos: Jaime Villanueva

Alicia Perris

Candide, opereta en español en dos actos de Leonard Bernstein (1918-1990) sobre una novela de François Marie Arouet (1694-1798), más conocido como Voltaire, adaptado por Hugh Wheeler. Director de escena y producción: Paco Mir. Director musical: Manuel Coves. Director del Coro: Félix Redondo. Coréografo: Francesc Abós. Reparto: Narrador/Pangloss: Jordi Bosch. Candide: Antoni Comas. Cunegunda: María Rey-Joly. Anciana/ Baronesa: Eva Diago. Paquette: Anna Mateo. Maximilien: Axier Sánchez. Barón, juez, arzobispo, español, Vanderdendur, gobernador: Juanma Cifuentes. Pangloss suplente, oficial, mendigo, inquisidor, judío, español, padre Bernard, recaudador: Xavier Ribera-Vall. Capitán, Martín, Crook y el hombre “pajaritos”: César San Martín. Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM). 29 de julio de 2011.

Candide ou l´optimisme fue una obra portentosa ya en el siglo XVIII, cuando la escribió Voltaire, su autor, para poner en cuestión las teorías filosóficas de Leibniz, ese halo de confianza pese a todo, ese intento de mirar con buenos ojos hasta lo imposible y desastroso, lo abyecto y vil, lo malvado, que en nuestros días y por estos lares recibió el poco apropiado apelativo de “Buenismo”. Tanto desconfió Voltaire de que la obra fuese bien recibida y tantos problemas tuvo el filósofo de las Luces en su tiempo con su vida y producción, que firmó la novela con el seudónimo de “Monsieur le Docteur Ralph”.  En la Alliance Française de Buenos Aires, cuando estudiábamos con ahínco una lengua que ahora se bate en retirada, ¡ah, pero qué gloriosa retirada, que historia y qué trayectoria!, Candide formaba parte de la literatura al uso, ésa que se leía con placer y se preguntaba invariablemente en los exámenes: en la capital argentina por entonces, éramos hijos irrefutables de la Enciclopedia y sus filósofos. Aunque ya empezábamos a darnos cuenta de que no vivíamos “en el mejor de los mundos posibles “y que no “tout est au mieux” y sobre todo de que había cosas que se podían mejorar.

En aquellos tiempos el personaje de Voltaire y su preceptor, el Doctor Pangloss nos fascinaban a todos, como Cunegunda, la dudosa pretendiente y novia ideal. Ahora desfilan todos por el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial en una puesta con un trabajo actoral y un despliegue escénico que resultan poco frecuentes de ver.  La obra resulta una maravilla de esfuerzo, de delicadeza y dedicación teatral, con unos cantantes que son también grandes actores y actrices, porque además de ser talentosos están bien dirigidos y la supervisión artística sabe con claridad a qué puerto quiere llegar con cada gesto, con cada voz y cada escena. La partitura de Leonard Bernstein, el que fuera uno de los más internacionales directores de la Filarmónica de Nueva York , conocido por sus Conciertos para jóvenes en la televisión de los años 60, autor también de West Side Story y Un día en Nueva York, es ágil, refrescante y hace una buena pareja con el texto, satírico, pícaro y concluyente: visto lo visto y ante tanto desatino existencial, el hombre debe ocuparse de su propio destino (“il faut cultiver notre jardin”), o como dijeron en la versión del Escorial: “hay que trabajar”. Candide fue condenada en Ginebra por su lucidez, cómo no y su combate indesmayable contra la intolerancia, el fanatismo religioso y la falta de entendimiento de la razón a favor del uso y abuso de la fuerza bruta, la guerra y la violencia. Puro siglo XVIII. La orquesta y coro de jóvenes suena fenomenal, ajustada, con motivación, encendida. Son puro entusiasmo. La propuesta de Paco Mir rezuma teatro por los cuatros costados, sin caer en la pedantería ni en la falta de acercamiento a un público variado, como el que llena la sala en época estival, a mitad de camino entre las piscinas y los cursos de verano de la Universidad. Muy bien Jordi Bosch en Pangloss, Antoni Comas redondea un Candide omnipresente y exigido en lo vocal y actoral. La novia eterna del protagonista tiene en María Rey-Joly una cantante excelente, bella, con una técnica vocal cuidada y sugerente y dando siempre lo mejor de sí misma en una ópera larga y compleja a pesar de las apariencias de supuesta frivolidad. Es deliciosa, como Anna Mateo en Paquette. Segura y contundente, creativa, Eva Diago como la anciana. Muy convincente y lleno de recursos Juanma Cifuentes. Muy bien también Xavier Ribera-Vall en sus múltiples papeles e igual César San Martín. El público, que llenaba el teatro y que en ocasiones hizo dos horas de carretera, ida y vuelta a Madrid para disfrutar del espectáculo, aplaudió entusiasmado y ésta tal vez sea la mejor prueba de que, en este caso sí, “las cosas bien hechas bien parecen”.

Luisa Fernanda al Teatro de la Zarzuela di Madrid

Foto: Jesús Alcántara – Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Ramón Jacques

Al Teatro de la Zarzuela di Madrid è andata in scena la Luisa Fernanda, uno dei titoli più popolari ed esemplari di zarzuela, il teatro lirico spagnolo.  Questa commedia lirica in tre atti del compositore mardileno Federico Moreno Torroba (1891-1982), creata il 26 marzo 1932 per il Teatro Calderón di Madrid, è ambientata verso la metà del XIX secolo, al tempo del regno di Isabella II e  possiede una trama dove la commedia del triangolo amoroso di inganni e tradimenti si fonde con intrighi politici. Luisa Fernanda è un'opera strettamente legata alla carriera di Placido Domingo, che per moltissimi anni ha interpretato il ruolo tenorile di Javier Moreno (e di recente quello baritonale di Vidal Hernando), rendendo popolare la nota romanza romanza “De este apacible rincón de Madrid” che fa parte del programma di molti suoi recital. Nonostante quest'opera sia stata rappresentata in grandi teatri internazionali come l'Opera di Los Angeles, l'Opera di Washington e il Teatro Arcimboldi di Milano, tra i tanti, non ha mai raggiunto la popolarità che ha in Spagna e nei paesi ispanofoni americani, dove ha raggiunto addirittura le diecimila rappresentazioni.  Regista di quest'edizione era Luis Olmos,  attuale direttore artistico del teatro, che ha realizzato scenografie virtuali con immagini animate su schermi fissi sulla scena, creando così una cornice agile e piacevole, unitamente a una buona illuminazione e ai coloriti costumi d'epoca.  L'Orquesta de la Comunidad de Madrid era diretta con entusiasmo e sicurezza da Cristóbal Soler, che ha estratto i marcati accenti iberici della partitura adottando tempi adeguati, creando una sorta di simbiosi tra l'orchestra e l'ampio cast vocale, il coro, i danzatori e gli attori.  Tre solidi cast vocali si alternavano in questa produzione, formati da artisti che, oltre ad avere una certa familiarità col genere della zarzuela, provenivano anche da carriere liriche di tutto riguardo, o che, come nel caso del soprano Cristina Gallardo-Domas, erano alla prima esperienza nella zarzuela.  Abbiamo assistito a due dei cast annunciati: il ruolo della protagonista è stato interpretato dai soprani  Amparo Navarro e Ana Ibarra, ottime da entrambi i punti di vista, vocale e scenico. Il ruolo del colonnello Javier Moreno, fidanzato di Luisa Fernanda, è stato cantato da Alex Vicens, di gradevole vocalità lirica, e da  Enrique Ferrer, con voce più robusta e ferma. Vidal Hernando, il possidente dell'Estremadura pretendente di Luisa Fernanda, è stato affidato al caldo timbro baritonale di Carlos Bergasal; il personaggio della volubile e seducente  Duchessa Carolina, è stato allietato dall'eleganza e dalla brillante linea vocale del soprano Yolanda Auyanet, molto nota nei teatri d'Italia, e dalla grazia e disinvoltura scenica e dal timbro colorito di Maria Rey-Joly. Il resto del cast, con gli attori e il coro diretto da Antonio Fauró, ha contribuito al successo dello spettacolo.

Luisa Fernanda en el Teatro de la Zarzuela de Madrid

Foto: Ana Ibarra como Luisa Fernanda y Alex Vicens.  Crédito: Jesús Alcántara / Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Ramón Jacques

El Teatro de la Zarzuela de Madrid presentó en su escenario Luisa Fernanda, uno de los títulos más populares y emblemáticos de la zarzuela, el género lírico español. Esta comedia lírica en tres actos del compositor madrileño Federico Moreno Torroba (1891-1982) que fue estrenada el 26 de marzo de 1932 en el teatro Calderón de Madrid, contiene una trama que además de transcurrir a mediados del siglo XIX en tiempos del reinado de Isabel II, combina la comedia con un triangulo amoroso de engaños y decepciones en medio de un contexto de intrigas políticas. Luisa Fernanda es una obra estrechamente vinculada a la carrera de Placido Domingo, quien durante muchos años ha interpretado el papel para tenor de Javier Moreno (y recientemente el papel para barítono de Vidal Hernando) y ha hecho popular la conocida romanza de este personaje “De este apacible rincón de Madrid” que ha cantado en la mayoría de sus conciertos. A pesar de que la obra ha sido representada en importantes escenarios internacionales como: la Opera de Los Ángeles, la Opera de Washington y el Teatro Arcimboldi de Milán, entre otros, nunca ha logrado alcanzar la popularidad que tiene en España y en los países hispanoparlantes de América, donde se calcula que se han realizado mas de diez mil funciones. La propuesta escénica para esta reposición del regista Luis Olmos, actual director del teatro, consistió de escenografias virtuales con imágenes animadas transmitidas en unos paneles fijos sobre el escenario, que crearon un marco visual muy ágil y estético, considerando además la correcta iluminación y sobretodo los elegantes y coloridos vestuarios de la época. Dirigiendo con entusiasmo y mano segura a la Orquesta de la Comunidad de Madrid, Cristóbal Soler, extrajo los marcados acentos españoles contenidos en la partitura con adecuados tiempos, dando la impresión de crear una simbiosis entre la orquesta y el amplió grupo de cantantes, coristas, bailarines y actores sobre el escenario. Desde el punto de vista vocal, se tuvo el acierto de conjuntar tres sólidos elencos de cantantes que además de contar con experiencia en el genero, han desarrollado importantes carreras en la lírica, o en el caso de la soprano Cristina Gallardo-Domâs, quien cantó su primera zarzuela. De dos elencos presenciados, el papel principal fue interpretado por las sopranos Amparo Navarro y Ana Ibarra, quienes cumplieron de manera óptima con el papel tanto en su actuación como en su desempeño vocal. El papel de Javier Moreno, el coronel novio de Luisa Fernanda, fue interpretado por el tenor Alex Vicens, de grata vocalidad lírica, y por Enrique Ferrer, quien mostró una voz robusta y firme. Como Vidal Hernando, el hacendado de Extremadura que pretende a Luisa Fernanda, Carlos Bergasa cantó con calido timbre baritonal; y el personaje de la voluble y seductora Duquesa Carolina, se benefició de la elegancia y brillante línea vocal de la soprano Yolanda Auyanet, de amplia carrera en teatros italianos, y de la gracia y desenvoltura escénica así como de la colorida tonalidad en el timbre de Maria Rey-Joly. El resto de los solistas, actores y el coro dirigido por Antonio Fauró aportó su parte al éxito del espectáculo.

Entrevista a la soprano María Rey-Joly

Fotos cortesía María Rey-Joly; Don Giovanni, Doña Francisquita, Adios a la Bohemia – zarzuela Teatro Español de Madrid, Falstaff , Cosi Fan Tutte en Lausana, Suiza.

Ramón Jacques

La versatilidad artística y vocal de la soprano María Rey-Joly la ha llevado ha convertirse en una destaca interprete del repertorio operístico, sinfónico, de cámara, así como de zarzuela y de música española. Originaria de Madrid, estudió violín y piano para licenciarse posteriormente en canto en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Completó su formación bajo la guía de destacados cantantes como Gundula Janowitz, Brigitte Fassbaender, Raina Kabaiwanska y Plácido Domingo, y en la Verbier Academy de Suiza. Fue además galardonada en diversos concursos internacionales de canto entre los que destaca el primer premio de la VIII edición del Concurso Internacional Francisco Alonso.

Su repertorio abarca papeles de operas que van desde Mozart hasta Wagner, sin olvidar los de zarzuela, entre los que se podría mencionar a: Pamina de Die Zauberflöte, Fiordiligi de Così fan tutte, Donna Elvira de Don Giovanni, Norina de Don Pasquale, Musetta de La Bohème, Alice Ford de Falstaff, Micaela de Carmen, Woglinde en Das Rheingold y Götterdämmerung, Ortlinde y Helmwige en Die Walküre, así como Francisquita en Doña Francisquita, Ángela en El Hijo Fingido, la Princesa Olga en La Generala, María en El Juramento, Miss Kelly en Los sobrinos del capitán Grant, Sara en Le Revenant, Zobeida en El Asombro de Damasco, Aurora en La Parranda, Trini en el Adiós a la Bohemia, Antonelli en El dúo de la Africana, Eliseo en La Gran Vía y Narcisa en La Clementina entre tantos otros.

Recreó el personajes de Fiordiligi en la notable producción de Così fan tutte de Giorgio Strehler, en el Piccolo Teatro de Milán, en numerosos teatros europeos y en el Teatro de Ópera de Lausana, Suiza. Se ha presentado en diversos teatros como: Teatro de La Zarzuela , el Teatro Real , el Auditorio Nacional, el Teatro Español y el Teatro Monumental de Madrid, Teatro de la Maestranza de Sevilla, Teatro Giuseppe Verdi de Trieste, Teatro Quirino de Roma, Teatro G. Verdi de Gorizia, Teatro Giglio de Lucca, Teatro de Opera de Estambul, Teatro Villamarta de Jerez, Teatro Campoamor de Oviedo, Teatro Arriaga de Bilbao, Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria, Auditorio de Santa Cruz de Tenerife, Festival de Santander, Palau de la Música de Valencia, Verbier Festival (Suiza) , Teatro de la Ópera de Tours etc.

María aceptó amablemente realizar esta entrevista en la que nos habla sobre su fructífera e internacional carrera en la lírica.

¿Cómo fue tu acercamiento al canto y tu preparación hasta llegar a ser la soprano de carrera internacional que eres hoy?

En mi caso no fue muy difícil que me acercara al mundo del canto, ya que lo tenía en casa. Mi madre era una magnífica soprano y así fue creciendo en mí, desde muy pequeña, mi afición por la música. Al principio estudiando piano y violín para, por fin, terminar dedicándome por completo a la lírica.

¿Qué seria lo primero que te gustaría que te escuchara cantar alguien que no conoce tu voz?

Creo que sería cantando una representación de ópera en vivo. No hace falta que sea un rol concreto, porque creo que lo interesante es la interpretación completa de un personaje de principio a fin. Creo que es donde realmente se puede ver el trabajo del artista.

¿Cómo definirías las características de tu voz?

Este siempre es un tema un poco subjetivo y creo que les corresponde a otros tratarlo, los que te oyen desde fuera. Sí te puedo decir que soy un soprano lírica, aunque también canto papeles de un repertorio más ligero o de coloratura.

¿Que cantante del pasado o del presente consideras que te ha influenciado positivamente?

En la carrera creo que te influyen muchos cantantes, desde los que puedes escuchar en grabación o desde tu butaca en el teatro hasta el que tienes a tu lado en el escenario cualquier día en cualquier representación. Por supuesto, tengo cantantes a los que admiro como: Plácido Domingo, Mirella Freni, Bryn Terfel, Diana Damrau, Barbara Frittoli, Carol Vaness, Natalie Dessay.

¿Cuáles papeles de tu actual repertorio te satisface interpretar y consideras que se identifican con tu propio temperamento?

Afortunadamente el repertorio es muy extenso y eso ofrece muchas posibilidades. Me encanta poder interpretar papeles muy diferentes y dispares entre sí. Sobre personajes concretos, he disfrutado siempre mucho cantar Alice Ford de Falstaff por su aspecto vocal y su dramaturgia. Creo que Falstaff es una ópera absolutamente genial y Alice, un papel redondo. También debo decir que Fiordiligi es de mis preferidos, ya que fue un privilegio poder interpretarla en el montaje de Giogio Strehler, y Mozart es un seductor que me cautivó desde el primer momento. Sobre el temperamento de los personajes me encanta la comedia y disfruto mucho haciendo papeles divertidos aunque también tengo sitio para el drama, como por ejemplo, Adiós a la bohemia, una ópera de Sorozábal, que es una joya de obra con un personaje tan maravilloso como es Trini.

Es imposible dejar de resaltar tu aporte a la interpretación y difusión de la zarzuela. ¿Cómo nace tu acercamiento a este género?

Desde la admiración y el respeto. Creo que es un género maravilloso y me siento muy afortunada de haber podido interpretar cualquiera de los títulos que he hecho hasta ahora.

En tu opinión ¿Cuáles consideras que son las dificultades u obstáculos por los que la zarzuela no se programa habitualmente en las temporadas de los teatros internacionales?

Fuera de España no se cuenta con una tradición en este género y esto hace más complicada su programación. El problema es que si no se programa, se hace más difícil que la gente lo conozca y se genere un acercamiento. Creo que sería un acierto que los teatros apostaran más por el género, ya que por mi experiencia sé que cuando se ha llevado la zarzuela fuera de España, la acogida ha sido siempre abrumadora.

¿Puedes hablarnos más sobre esa experiencia a la que te refieres?

Si. He tenido diversas experiencias con zarzuela y con música española, en recital y en representación escenificada, y siempre con una magnifica recepción. Por ejemplo en Trieste Italia, con un montaje de Emilio Sagi de La Generala de Vives, o el caso mas reciente, en San José de Costa Rica, en un recital de zarzuela en el que se interpretaron romanzas, números de coro y de orquesta, y fue tan grande el éxito que el publico salió entusiasmado y con ganas de querer ver mas zarzuela.

Por cierto ¿Cuál es tu relación con la música de los compositores de Iberoamérica?

Mi relación con los compositores iberoamericanos hasta el momento ha sido muy breve aunque espero que esto cambie pronto. Desde mi colaboración en el disco de María de Buenos Aires Suite de Piazzolla con la Versus Ensemble (para el sello discográfico Naxos) espero ansiosa el momento de volver a retomar una música que considero tan maravillosa y tan rica.

Dos producciones importantes en las que has participado son: Margarita la Tornera de Chapi en el Teatro Real de Madrid y recientemente en La Clementina de Boccherini por diversos teatros de España. ¿Nos podrías hablar sobre lo que estas han significado para ti?

Para mí, Margarita la Tornera fue un momento realmente importante. Era mi primer papel como solista y lo hacía en el Teatro Real de Madrid y compartiendo escenario con Plácido Domingo, ¿qué más podía pedir? ¡Fue una experiencia maravillosa! La Clementina me ocurre en otro momento de mi carrera, en el que cuento con más experiencia y solidez pero no por eso me produce menos excitación. Cada proyecto nuevo es como el primero y creo que es importante no perder esa ilusión y entrega.

¿Cuál es el momento más memorable que recuerdas haber vivido sobre un escenario?

El calor del público, eso es algo que queda con uno para siempre.

Finalmente ¿Qué retos o sueños tienes por cumplir en el futuro?

Mi reto más importante es superarme cada día e intentar siempre dar lo mejor. Creo que soy una privilegiada por poder dedicarme a esta profesión, que es lo que más me gusta, y disfrutar como lo hago cada vez que me subo al escenario, ese es un sueño que puedo revivir constantemente.

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