Don Carlo en Milán

Foto: Brescia&Amisano / Teatro alla Scala

Massimo Viazzo

Un Don Carlo de éxito contrastante es el que abrió la nueva temporada scaligera, inauguración realizada como es costumbre el 7 de diciembre, fiesta de Sant’Ambrogio, el santo patrón de la ciudad de Milán (aunque esta reseña corresponde a la segunda función). Sobre todo, fue contrastante por la parte visual, ya que, frente a los hermosos vestuarios de época negros, que ostentaban opulencia, y eran muy elegantes, diseñados por Francesca Squarciapino hubo un montaje funcional que al final fue un poco monótono, caracterizado por una escena sustancialmente fija ideada por Daniel Bianco dominada por una torre central giratoria de falso alabastro y por enormes puertas que se desmantelaban y se reconstruían. El director escénico Lluís Pasqual se limitó solamente a ilustrar la oscura historia de amor, poder y muerte, dejando sustancialmente a los cantantes solos sobre la escena, tratando con gestos estereotipados y repetitivos, sin especial atención a la interacción entre ellos y sin una búsqueda psicológica en profundidad. Tampoco la conducción de Riccardo Chailly convenció plenamente.  El cincelado de los detalles particulares, el cuidado de los timbres, la búsqueda de la transparencia y la precisión parecieron limitar una visión teatral muy amplia que en una ópera articulada como esta, es fundamental. Si bien es cierto, el profundo análisis efectuado por el director de orquesta milanés ha llevado a descubrir timbres y motivos frecuentemente sepultados en los recovecos de la partitura y que rara vez emergen como en esta ocasión.  Debe recordarse que, aunque la Scala ha elegido la versión de la ópera de 1884, la conocida ‘versione di Milano’, para entender mejor, la de cuatro actos sin el de Fontainebleu.  Quizás los tiempos han madurado para llevar a la capital lombarda la versión francesa de la obra maestra verdiana que nunca ha sido representada en la sala del Piermarini.  Al final, se puede afirmar que ha sido notable la ejecución orquestal, pero ello un poco en detrimento de un desempeño dramático general. El elenco estuvo verdaderamente excelente, comenzando por Francesco Meli que vistió el papel del protagonista como ya lo había hecho en la última edición scaligera de este título en el 2017 (en 5 actos) bajo la guía de Myung-Wun Chung. Meli delineó un Don Carlo inquieto e interior con una excavación del personaje. Su línea de cantó pareció refinada y el fraseo ideal.  Meli con una excelente proyección vocal convenció no obstante sus notas más agudas no estuvieron siempre a punto.  Anna Netrebko interpretó a Elisabetta di Valois con una voz suntuosa, de color bruñido. Tu che le vanità, la muy esperada aria del cuarto acto, encantó por la seguridad de la línea, la pompa tímbrica y el acento real, a pesar de una dicción no siempre muy clara.   Su antagonista femenina, la Princesa d’Eboli, fue personificada por Elina Garanča con voz imperiosa, timbre seductor, fascinante presencia y una capacidad fuera de lo común para dominar la extensa tesitura.  La suya fue una Eboli de carácter fuerte, feroz, dramáticamente atormentada, con rasgos quizás un poco álgidos, pero de gran nivel.  O Don Fatale fue uno de los momentos más electrizantes de la función.  Michele Pertusi se identificó totalmente con el papel de Filipo II dando una verdadera lección de canto alternándola con melodías cantadas a flor de piel, mezze voci siempre nítidas y rotundas en los timbres, por momentos más intensas, apremiantes y perentorias.  Pertusi sabe muy bien cómo alcanzar la palabra escénica verdina y esto se notó en su capacidad de colorear las frases emitiéndolas con claridad y certeza dramática.  El vértice emotivo de su interpretación, Ella giammai m’amo, entusiasmó mucho. También Luca Salsi posee el color y el acento que parecen ser hechos especialmente para cantar Verdi, y personificó al papel de Roderigo matizando las frases y cantando con refinamiento.  Su Per me giunto è il dì supremo... Io morrò, ma lieto in core fue de enmarcar. Salsi convenció también a los que pensaban que su voz de adaptaba a papeles brutales y violentos que a los refinados y nobles como el del Marques de Posa.  Jongmir Park sustituyó a Ain Anger, previsto inicialmente en el elenco, y dibujó un Gran Inquisidor un poco estentóreo y expresivamente muy monocorde, con gran volumen, pero poca comunicación.  Entre los papeles menores, amerita ser citada Rosalía Cid, una Voz del Cielo de timbre muy puro y luminoso, un rayo de luz al final de la escena del Auto de Fe.  Finalmente, estuvo extraordinario el Coro del Teatro alla Scala dirigido con precisión y emoción por Alberto Malazzi.

Don Carlo - Teatro alla Scala, Milano

Foto: Brescia&Amisano / Teatro alla Scala

Massimo Viazzo

Un Don Carlo dall’esito contrastato ha inaugurato la nuova stagione scaligera, inaugurazione avvenuta come di consueto il 7 dicembre, festa di Sant’Ambrogio, santo patrono della città di Milano (questa recensione si riferisce alla recita del 10 dicembre). Contrastato innanzitutto per la parte visiva. Sì perché a fronte di bellissimi costumi d’epoca neri, ostentanti ricchezza, ed elegantissimi, preparati da Franca Squarciapino, e un impianto scenico funzionale ma alla fine un po’ monotono, caratterizzato da una scena sostanzialmente fissa ideata da Daniel Bianco dominata da un torre centrale girevole di finto alabastro e da enormi cancellate che si scomponevano e ricomponevano, il regista Lluís Pasqual si è limitato solamente ad illustrare la fosca vicenda di amore, potere e morte, lasciando sostanzialmente i cantanti soli in palco alle prese con gesti stereotipati e ripetitivi, senza una particolare cura dell’interazione tra di loro e senza un’approfondita indagine psicologica. Anche la direzione di Riccardo Chailly non ha convinto appieno. Il cesello dei particolari, la cura timbrica, la ricerca di trasparenza e precisione sono sembrati limitare una visione teatrale più ampia che in un’opera articolata come questa resta fondamentale. E’ altrettanto vero che l’approfondita analisi effettuata dal direttore d’orchestra milanese ha portato a scoprire sottigliezze timbriche e motiviche spesso sepolte nei meandri della partitura e raramente emerse come in questa occasione. Ricordo anche che la Scala ha scelto la versione dell’opera del 1884, la cosiddetta «versione di Milano», per intenderci quella in quattro atti senza l’atto di Fontainebleu. Forse i tempi sarebbero maturi per portare nel capoluogo lombardo la versione francese del capolavoro verdiano mai rappresentata nella sala del Piermarini. Alla fine si può affermare che notevole è stata la resa orchestrale, ma questa un po’ a discapito di una tenuta drammatica complessiva. Il cast è stato davvero eccellente, a cominciare da Francesco Meli che ha indossato i panni del protagonista come già nell’ultima edizione scaligera di questo titolo del 2017 (in 5 atti) sotto la guida di Myung- Whun Chung. Meli ha tratteggiato un Don Carlo inquieto e impulsivo con un ulteriore scavo sul personaggio. La linea di canto é parsa rifinita e il fraseggio ideale. Meli con una proiezione vocale eccellente ha convinto nonostante le note più acute non siano state sempre a fuoco. Anna Netrebko ha interpretato Elisabetta di Valois con una voce sontuosa, di colore brunito. Tu che le vanità, l’attesissima aria del quarto atto, ha incantato per la sicurezza della linea, lo sfarzo timbrico e l’accento regale, nonostante una dizione non sempre chiarissima. La sua antagonista femminile, la Principessa d’Eboli, è stata impersonata da Elina Garanča con voce imperiosa, timbrica seducente, presenza fascinosa e capacità fuori dal comune di dominare l’estesa tessitura. La sua è stata un Eboli volitiva, feroce, drammaticamente tormentata, a tratti forse un po’ algida, ma di grande livello. O Don fatale è stato uno dei momenti più elettrizzanti della recita. Michele Pertusi si è immedesimato totalmente nel ruolo di Filippo II dando una vera lezione di canto, alternando melodie cantate a fior di labbro, mezze voci sempre nitide e rotonde timbricamente, a momenti più intensi, incalzanti e perentori. Pertusi sa benissimo come rendere la parola scenica verdiana e questo lo si notava dalla sua capacità di colorare le frasi rendendole con chiarezza e verità drammatica. Il vertice emotivo della sua interpretazione, Ella giammai m’amo, ha entusiasmato. Anche Luca Salsi ha il colore e l’accento che sembrano fatti apposta per cantare Verdi. Salsi ha vestito i panni di Rodrigo sfumando le frasi e cantando con raffinatezza. Da incorniciare il suo Per me giunto è il dì supremo... Io morrò, ma lieto in core. Luca Salsi ha convinto anche chi pensava che la sua vocalità fosse adatta a ruoli truci e violenti più che a quelli raffinati e nobili come é quello del Marchese di Posa. Jongmir Park ha sostituito Ain Anger, previsto in un primo tempo nel cast, e ha tratteggiato un Grande Inquisitore un po’ stentoreo ed espressivamente troppo monocorde: grande volume ma poca comunicativa. Tra le parti di fianco merita una citazione Rosalia Cid, una Voce dal Cielo di timbro purissimo e luminoso, un raggio di luce al termine della scena dell’Autodafé. Straordinario, infine, il Coro del Teatro alla Scala diretto con precisione ed emozione da Alberto Malazzi.

Elīna Garanča en Bellas Artes de México

Fotos: Opera de Bellas Artes / INBAL 

José Noé Mercado

«El pasado, creo, es mucho más difícil

de ocultar que el presente»

Mala onda

Alberto Fuguet

Parecía un déjà vu. Con algunos detalles distintos, desde luego, pero de cierta forma era algo ya visto o vivido en 2017. La mezzosoprano letona Elīna Garanča, personalidad estelar de la ópera internacional en las últimas dos décadas, salió al escenario la noche del pasado 2 de marzo para seducir, ya desde su presencia misma, al público mexicano.

Seis años después de la serie de cuatro conciertos que ofreció en nuestro país (Sala Nezahualcóyotl de la Ciudad de México; León, Guanajuato; Torreón, Coahuila y Álamos, Sonora), la cantante nacida en Riga el 16 de septiembre de 1976 volvió a tierras aztecas para interpretar un programa lírico casi idéntico a los de su primera visita.

Pero a diferencia de aquel 2017 en el que fuera invitada por agrupaciones orquestales y un festival, en este 2023 Elīna Garanča fue presentada por la Compañía Nacional de Ópera (CNO), en una gala que abrió su temporada anual, en el marco del 75 aniversario de la institución en ocasiones también llamada Ópera de Bellas Artes, que cuenta con la dirección artística de Alonso Escalante Mendiola, y cuya subdirección asumió a partir de este evento Lilia María Maldonado García.

La gala fue anunciada con bombo y platillo, como era de esperarse. Lástima que sólo haya sido eso: un concierto con una renombrada figura del canto mundial y que no se le aprovechara, no obstante los retos que ello significara, para una producción escénica, como podría suponerse de una compañía operística en pleno festejo en el Palacio de Bellas Artes.

Puesto que como ya se ha visto, una gala puede integrarla a su programación una agrupación orquestal, en una sala de concierto o auditorio; un montaje operístico rara vez. Pero, más aún, porque existen en activo pocos cantantes que reúnen, por una parte, el talento artístico mezclado con una capacidad vocal deslumbrante; y, por otra, una imagen carismática que se proyecta en los escenarios, tanto como en los medios masivos de comunicación, lo cual construye un producto artístico que seduce y cautiva al público erudito, lo mismo que al aficionado ocasional o que recién se aproxima al espectáculo lírico.

Así es la mezzosoprano letona Elīna Garanča, quien como en 2017 volvió a sobreestimular las expectativas líricas del público mexicano como pocas veces (o nunca) en los últimos años. Y, en ese sentido, no lo defraudó. 

Desde que salió a escena con un luminoso vestido con base dorada y plata, como la emisión de su voz, la letona reafirmó su personalidad refinada, elegante y, sobre todo, muy consciente de sus cualidades vocales y su evolución, lo que se podía comprobar en la selección del programa, integrado por caramelos para su instrumento, en cierta medida breve y algo caprichoso, ordenado con particularidad para ser cómodo y lucidor.

Si bien Elīna Garanča no deja atrás su pasado barroco, belcantista y clásico, desde tiempo atrás sí quedaron a un lado los personajes travestidos que tan bien le funcionaron, tanto como los personajes de una naturaleza más ingenua e infantil, por decirlo de algún modo. La mezzosoprano expresó días antes, en conferencia de prensa, que no gusta de interpretar ningún papel en más de 50 ocasiones, lo que le obliga a replantearse su repertorio y sus posibilidades interpretativas.

La gala del jueves 2 de marzo comenzó con la participación del Coro de Bellas Artes preparado por Rodrigo Elorduy, que se sumó en “Gli arredi festivi” de Nabucco de Giuseppe Verdi a la Orquesta del Teatro de Bellas Artes comandada en esta ocasión por el maestro estadounidense Constantine Orbelian, batuta habitual en las presentaciones solistas de la mezzosoprano letona.

Siguieron dos piezas ya asentadas en el repertorio verista de la cantante: “Voi lo sapete o mamma” de Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni e “Io son l’umile ancella” de Adriana Lecouvreur de Francesco Cilea. De Samson et Dalila de Camille Saint-Säens, la orquesta abordó la Bacchanale y con la solista báltica la célebre aria de seducción “Mon cœur s'ouvre à ta voix”.

Luego de lo francés, y de vuelta a la italianísima Cavalleria rusticana (nótese entonces lo arriba adjetivado como orden caprichoso), se interpretó el Intermezzo y luego Garanča unió su voz al coro en “Regina Coeli… Ineggiamo, il Signor non è morto”.

Bajo la concertación de Orbelian, la orquesta convocó un sonido decoroso y pulcro (libre de fallas), si bien algunos tiempos se percibieron algo pausados y en ciertas frases, sobre todo las de carácter verista, podía apetecerse más filo.

Es importante decir que se utilizó la nueva concha acústica del recinto (flamante al menos en materia lírica, pues otras agrupaciones ya la han utilizado regularmente) y en una primera impresión la imagen sonora resulta algo plana. Los metales, por ejemplo, pasaron desapercibidos, sin brillo. Por entusiasmo, al coro no debió ponérsele reparos.

Para el intermedio, por su parte, Elīna Garanča había dado muestras contundentes de su escuela y del despliegue de cualidades. Su esmaltada y no obstante lustrosa voz es manejada con maestría técnica y delicado gusto interpretativo. No grita al cantar, lo que se valora con claridad (de nuevo) en los acentos veristas que aborda, sin desbordarse. La emisión se aprecia natural, quizás en estricto sentido fría, calculada, gélida seguramente para quien busca intensidad de emociones pero, en sus códigos, irreprochable y ejemplar. Suena como en una grabación cuidadosa y metódica

Si todo ello hace de Garanča una referencia obligada en el panorama operístico actual, a su canto, a su idea de canto y a su filosofía vocal, se suma una belleza escénica que fulgura. No por exótica o estrafalaria, sino justo por una imagen como de portada de revista, que agrada e invita al deleite sutil, que se aleja del aspaviento. Luego del intermedio, Elīna Garanča volvería a escena con un vestido negro sobre el que lució una suerte de gabardina fucsia que le dio aires fashionistas para sumergirse en España, país en el que pasa parte de su vida.

Luego de la Danza española No. 1 de La vida breve de Manuel de Falla a cargo de la orquesta, Elīna Garanča ofreció un par de romanzas de zarzuela, género para el que si bien puede discutirse si sus abordajes se encuentran entre las primeras opciones para acercarse a ese repertorio, lo cierto es que contribuyen a mantenerlo en movimiento, a borrar un poco esa impresión de que está muerto y enterrado. Además, claro, de que lo internacionaliza al proyectarlo fuera de nichos focalizados como España o, curiosamente, México. La Canción de Paloma de El barberillo del Lavapiés de Francisco Asenjo Barbieri y “Cuando está tan honda” de El barquillero de Ruperto Chapí y Lorente dieron muestra de todo ello.

La recta final de la gala llegó con pasajes de Carmen de Georges Bizet, infaltable para el público, para los intérpretes operísticos y, de manera especial en este caso, Elīna Garanča. En primer lugar, el Preludio, con la orquesta. En segundo, en voz de la mezzosoprano letona, la habanera, las seguidillas y la canción bohemia.

La musicalidad, la intención rítmica, los reguladores de emisión, las inflexiones y los matices de Garanča, entre otras herramientas técnicas y expresivas, fueron sorprendentes y admirables, lo que compensó toda posible frialdad interpretativa de la mezzosoprano báltica.

Como es de suponerse, desde mucho antes el público había entrado en éxtasis. Incluso cronistas añosos o novicios que escribirían sobre la gala fallarían al consignar los encores en sus respectivos medios de comunicación. La Ópera de Bellas Artes erraría en sus redes sociales al consignarlos como bises. Probablemente, ya no escuchaban de la emoción que les invadía.

Con “Carceleras” de Las hijas del Zebedeo de Ruperto Chapí (pieza en la que la cantante se dio el simpático lujo de gorgorear exageradamente acaso como recuerdo de su años belcantistas), la canción “Granada” de Agustín Lara y el aria “O mio babbino caro” de Gianni Schicchi de Giacomo Puccini, Elīna Garanča cerró una velada tendiente a la exquisitez, media infrecuente de la Ópera de Bellas Artes en su pasado.

Cuatro óperas en el Met de Nueva York: La Bohème – Aida – La fanciulla del west – Samson et Dalila

Fotos: Gentileza Met Opera. Crédito: Ken Howard y Marty Sohl

Gustavo Gabriel Otero

Twitter: @GazetaLyrica

En principio presenciar un espectáculo lírico en la Ópera Metropolitana (The Metropolitan Opera) de Nueva York implica una presentación de calidad, una orquesta y un coro de primera línea, sólidos elencos y puestas en escena en general tradicionales pero resueltas teatral y visualmente de la mejor manera; cuatro espectáculos diferentes en cuatro días consecutivos son habituales en el escenario del Met.

La Bohéme: Puesta inoxidable y buenas voces (10/octubre/2018)

La Bohème con la producción bella y clásica de Franco Zefirelli estrenada en 1981 siempre genera satisfacción general, deslumbrando a los espectadores por su potencia visual y dramática, por la perfección de los movimientos de masas y por los detalles de escenografía. Vittorio Grigolo aportó un canto pleno de matices y estampa juvenil a su Rodolfo mientras que Nicole Car fue una adecuada Miní. Bien cantado y actuado el Marcello del barítono Etienne Dupuis. Susanna Phillips dio gracia y simpatía a su Musetta. Poderosa la voz de Matthew Rose como Colline, adecuado Javier Arrey como Schaunard, correcto el resto del elenco en sus breves roles y con eficacia y corrección los Coros que dirige Donald Palumbo. James Gaffigan condujo con precisión y tiempos adecuados a la orquesta de la Casa.

Aida: El triunfo de Anna y Anita (11/octubre/2018)

Otra puesta con años de triunfos la de Aida concebida por Sonja Frisell de una perfección casi insuperable. Anna Netrebko fascinó como Aida con graves poderosos, agudos de acero, centro brillante plenamente dramático y refinamiento expresivo. La Amneris de Anita Rachvelishvili derrochó sutileza y ternura cuando fue necesaria pero también potencia y fuerza o ira desenfrenada. Quinn Kelsey como Amonasro aportó su voz cálida, bien timbrada y de enorme caudal. El tenor Aleksandrs Antonenko (Radamés) no estuvo a la altura de las damas ni de sus antecedentes. Su caudal es enorme pero la emisión se descontrola con facilidad, su fraseo es anodino y su línea de canto errática. El bajo Dmitry Belosselskiy fue un Ramfis de calidad y que exhibió sólida autoridad, mientras que El Rey de Ryan Speedo Green resultó compenetrado y profundo. Adecuado el resto del elenco y brillante el Coro. Inobjetable la orquesta bajo la dirección de la experimentada batuta de Nicola Luisotti.

La fanciulla del west: todo en su lugar (12/octubre/2018)

La producción escénica firmada en 1991 por Giancarlo del Monaco es suntuosa, plena de detalles actorales y con la necesaria fuerza dramática y poesía. Eva-Maria Westbroek fue una Minnie de gran caudal vocal, controlado vibrato y conocimiento pleno de la partitura. No defrauda Yusif Eyvazov en su debut como ‘Dick Johnson’ que encara con buen volumen, registro amplio y agudo poderoso. Željko Lučić compone un potente sheriff Rance con solvencia musical y escénica.De gran calidad Carlo Bosi (Nick) y Matthew Rose (Ashby). Potente y brillante el coro y homogéneo y correcto el resto del elenco. Marco Armiliato condujo con excelencia la orquesta acentuando los momentos líricos y destacando la extraordinaria orquestación y la modernidad de la partitura.

Samson et Dalila: Dos protagonistas de lujo (13/octubre/2018)

La nueva producción escénica firmada por Darko Tresnjak apuesta a la imaginación al estilo de las películas bíblicas de Hollywood de las décadas de 1940 y 50: profusión de dorados, brillo y tonalidades del rojo al rosado para los filisteos y gris para los hebreos, paredes enrejadas simulando grillas, al estilo islámico y una imagen gigantesca de Dagón partida al medio para el final. Los movimientos actorales son tradicionales sin proponer otras lecturas o mayores profundizaciones psicológicas. Roberto Alagna fue un Samson con dicción francesa inmaculada, perfección en el decir, arrojo vocal, profunda intencionalidad y convicción escénica. Elīna Garanča encarnó a Dalila con su extraordinaria técnica vocal, su cautivante color vocal y su perfecto fraseo. Con muy buena dicción y correcta emisión el ‘Sumo Sacerdote’ de Laurent Nauori; Dmitry Belosselskiy le dio al viejo hebreo calidad vocal mientras que fue correcto el resto del elenco. El Coro de la casa ofreció una actuación de notable perfección pasando de la sutileza de los pianísimos al mayor brío vocal sin pérdida de la excelencia. Sir Mark Elder condujo a la orquesta con mano segura, con nervio y con sensualidad.

Temporada 2018-2019 del Metropolitan de Nueva York

Crédito fotográfico: Metropolitan Opera House

Gustavo Gabriel Otero

Twitter: @GazetaLyrica

La principal novedad artístico-administrativa de la próxima temporada es que, adelantando su llegada como Director Musical, Yannick Nézet-Séguin ocupará ese cargo desde septiembre de 2018 en lugar de hacerlo desde 2020. Nézet-Séguin dirigirá tres óperas y dos conciertos en el Carnegie Hall en las próximas dos temporadas, en lugar de las dos óperas por temporada originalmente programadas. Con la asunción al cargo de Director Musical septiembre de 2018, Nézet-Séguin también asumirá todas las responsabilidades artísticas conexas y como estaba originalmente previsto comenzará a realizar un mínimo de cinco óperas por temporada a partir de la temporada 2020-21.

Como es habitual la Temporada se iniciará con una nueva producción escénica, en este caso será Samson et Dalila de Saint-Saëns, confiada a Darko Tresnjak con decorados de Alexander Dodge, vestuario de Linda J. Cho, coreografía de Austin McCormick e iluminación de Donald Holder. El estreno será el 24 de septiembre de 2018 con el protagónico de Roberto Alagna y Elina Garança, bajo la batuta de Sir Mark Elder.

Tres títulos más se presentarán en nuevas producciones escénicas y si se suman las reposiciones totalizan veintinueve óperas diferentes en 27 espectáculos en el curso de la Temporada 2018/2019. Singular importancia adquiere la presentación de tres Ciclos de la monumental Tetralogía El anillo del Nibelungo de Wagner bajo la dirección de Philippe Jordan, director musical de la Ópera de París, con inicio el 9 de marzo de 2019. En los elencos Christine Goerke, Greer Grimsley, Michael Volle, Stefan Vinke, Andreas Schager, Eva-Maria Westbroek, Stuart Skelton, Jamie Barton, Tomasz Konieczny , Karen Cargill, Sarah Connolly, Gerhard Siegel, Evgeny Nikitin, Dmitry Belosselskiy, Günther Groissböck, y Eric Owens. Además de los tres ciclos completos, el Met presentará representaciones individuales no relacionadas con el ciclo de Das Rheingold el 14 de marzo de 2019 y Die Walküre el 25 de marzo y el 25 de abril de 2019. Las últimas dos funciones líricas de la Temporada serán el sábado 11 de mayo de 2019 con Diálogos de carmelitas por la tarde y El ocaso de los dioses, en la noche.

Nuevas Producciones

Luego de la nueva producción de Sansón y Dalila que abrirá la Temporada, los títulos que serán ofrecidos con nuevas puestas escénicas son: Marnie de Nico Muhly, La Traviata de Verdi y Adriana Lecouvreur de Cilea. Sansón y Dalila se ofrecerá en ocho oportunidades entre el 24 septiembre y el 20 de octubre con la dupla Alagna-Garança, y la participación de Laurent Naouri y Elchin Azizov; mientras que en marzo de 2019 Samson serán Aleksandrs Antonenko y Kristian Benedikt con la Dalila de Anita Rachvelishvili, contabilizándose cinco funciones más. Marnie de Nico Muhly tendrá su estreno el 19 de octubre, con la dirección escénica de Michael Mayer, la batuta de Robert Spano, e Isabel Leonard en el papel principal (7 funciones). Marnie es una coproducción con English National Opera, donde la ópera se estrenó en 2017. Desde el 4 de diciembre de 2018 subirá a escena la nueva producción de La Traviata de Verdi firmada por Michael Mayer. Será protagonista la soprano Diana Damrau acompañada por Juan Diego Flórez (Alfredo) y Quinn Kelsey (Giorgio Germont). Estrenando su cargo de director musical Yannick Nézet-Séguin empuñará la batuta en las primeras ocho funciones. A partir del 5 de abril de 2019, Nicola Luisotti dirigirá a Anita Hartig como Violetta, Stephen Costello como Alfredo, y a Artur Ruciński alternándose con Plácido Domingo en el rol de Giorgio Germont, en siete funciones. Adriana Lecouvreur de Francesco Cilea, con función inicial en la Gala de Año Nuevo del 31 de diciembre de 2018, será una coproduction entre la Royal Opera House de Londres, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona; la Wiener Staatsoper; la San Francisco Opera y la Opéra Paris firmada por David McVicar con escenografía de Charles Edwards, vestuario de Brigitte Reiffenstuel, coreografía de Adam Pudney e iluminación de Adam Silverman; en la batuta Gianandrea Noseda y el protagónico a cargo de Anna Netrebko, quien cantará seis funciones. Jennifer Rowley será Adriana los días 23 y 29 de enero de 2019; mientras que el elenco se completa con Piotr Beczala (Maurizio), Anita Rachvelishvili (Principessa de Bouillon), Ambrogio Maestri (Michonnet), Carlo Bosi (el Abate) y Maurizio Muraro (Príncipe de Bouillon).

Reposiciones

Inicia la lista de reposiciones la clásica producción de Franco Zefirelli de La Bohème de Puccini que volverá el 25 de septiembre de 2018. Las once funciones programadas serán dirigidas por James Gaffigan. En los elencos Nicole Car, Vittorio Grigolo, Angel Blue, Étienne Dupuis, Ailyn Pérez, Michael Fabiano, Susanna Phillips y Simone Piazzola. Al día siguiente, 26 de septiembre, tendrá lugar el debut en el Met de Anna Netrebko en el protagónico de Aida en la extraordinaria puesta de Sonja Frisell. Completarán los elencos Anita Rachvelishvili (Amneris), Aleksandrs Antonenko (Radamès) y Quinn Kelsey (Amonasro), todos bajo la batuta de Nicola Luisotti. En las catorce funciones programadas se alternarán con la soprano rusa, Tamara Wilson, Sondra Radvanovsky y Marjorie Owens. Dolora Zajick y Olesya Petrova también serán Amneris, mientras que Yonghoon Lee cantará Radamès, y Roberto Frontali, Amonasro. En algunas funciones Plácido Domingo subirá al podio orquestal.

Desde el 4 de octubre Jonas Kaufmann y Yusif Eyvazov comparten el rol de Dick Johnson, en La Fanciulla del West de Puccini protagonizada por Eva-Maria Westbroek. Sondra Radvanovsky será Tosca, con Joseph Calleja como Cavaradossi y Wolfgang Koch como Scarpia, en la producción de Sir David McVicar estrenada el 31 de diciembre de 2017. Retorna, desde el 30 de octubre, la producción de Sir Richard Eyre de Carmen con Clémentine Margaine, con funciones en noviembre, enero y febrero, alternándose como Dion José los tenores Yonghoon Lee y Roberto Alagna. La producción de Robert Carsen de la única ópera de Arrigo Boito, Mefistofele, regresa al Met el 8 de noviembre, protagonizada por Christian Van Horn, con Michael Fabiano como Faust, Angela Meade como Margherita y Jennifer Check como Helena de Troya. En noviembre, Pretty Yende protagoniza Les Pêcheurs de Perles de Bizet, con Javier Camarena como Nadir y Mariusz Kwiecień como Zurga.

Il Trittico de Puccini, cuyo estreno mundial se produjo en el Met hace exactamente 100 años, retorna a su escenario desde el 23 de noviembre. Amber Wagner canta a Giorgetta con Marcelo Alvarez como Luigi y George Gagnidze y Lucio Gallo como Michele en Il Tabarro; Kristine Opolais es Suor Angelica; mientras que Plácido Domingo protagoniza Gianni Schicchi, con Kristina Mkhitaryan como Lauretta, y Atalla Ayan como Rinuccio. Stephanie Blythe será la Frugola en Il Tabarro, la Principessa en Suor Angelica y Zita en Gianni Schicchi. Bertrand de Billy en el podio. El 14 de diciembre de 2018 Gustavo Dudamel hará su debut en el Met dirigiendo Otello de Verdi protagonizada por Stuart Skelton, con Sonya Yoncheva (Desdemona) y Željko Lučić (Iago).

Como es habitual en diciembre se cantará La Flauta Mágica en traducción al inglés en un espectáculo pensado especialmente para las familias (19, 22, 24, 27 y 29 de diciembre de 2018, y 1, 3 y 5 de enero de 2019). Pelléas et Mélisande regresa a partir del 15 de enero de 2019, dirigida por Yannick Nézet-Séguin. Isabel Leonard interpreta a Mélisande y Paul Appleby como Pelléas, con Marie-Nicole Lemieux como Geneviève, Kyle Ketelsen como Golaud y Ferruccio Furlanetto como Arkel en la producción de Sir Jonathan Miller. También en enero el doble programa compuesto por Iolanta -con Sonya Yoncheva y Matthew Polenzani- y El Castillo de BarbaAzul, con Angela Denoke y Gerald Finley (24 y 28 de enero y 1, 4, 9 y 14 de febrero).

Además se reponen Don Giovanni de Mozart (con Luca Pisaroni, Peter Mattei, Rachel Willis-Sørensen, Guanqun Yu, Susanna Phillips, Aida Garifullina, Serena Malfi, Stanislas de Barbeyrac, Pavol Breslik, Ildar Abdrazakov y Adam Plachetka); La Fille du Régiment de Donizetti (con Pretty Yende y Javier Camarena) y Rigoletto de Verdi (protagonizada por Nadine Sierra y Rosa Feola como Gilda, junto a Vittorio Grigolo y Bryan Hymel como el duque, y Roberto Frontali y George Gagnidze en el papel principal), con la controvertida puesta ambientada en Las Vegas de los años 60 de Michael Mayer.

Falstaff retorna el 22 de febrero, con Ambrogio Maestri en el papel principal mientras que La Clemenza di Tito, con Matthew Polenzani en el protagónico lo hará desde el 30 de marzo de 2019, con la clásica puesta en escena de Jean Pierre Ponnelle de 1984. Dirigida por Yannick Nézet-Séguin, Dialogues des Carmélites de Poulenc volverá a la escena desde el 3 de mayo de 2019, Isabel Leonard será Blanche de la Force, Adrianne Pieczonka Mme. Lidoine, Erin Morley la Hermana Constance, David Portillo será el Chevalier de la Force, y Karita Mattila la Primera Priora.

Otros espectáculos y transmisiones en HD

La orquesta de la Metropolitan Opera ofrecerá tres conciertos en la sala del Carnegie Hall los días 18, y 3 y 14 de junio de 2019. Continuarán las transmisiones simultáneas de los sábados por la tarde en vídeo y audio de alta definición a salas de cine de todo el mundo. La temporada de transmisiones comenzará el 6de octubre con Aida y continuará con Samson et Dalila el 20 de octubre y La Fanciulla del West  el 27 de octubre. El estreno de Marnie se podrá ver el 10 de noviembre, mientras que la nueva producción de La Traviata se irradiará el 15 de diciembre. Ya en 2019 la serie se reanudará el 12 de enero con Adriana Lecouvreur, a la cual seguirán Carmen el 2 de febrero, La Fille du Régiment el 2 de marzo y Die Walküre el 30 de marzo. Para finalizar el 11 de mayo de 2019 con Dialogues des Carmélites de Francis Poulenc.

Más información en: www.metopera.org

Tres óperas en Paris: Don Carlos – Così fan tutte – La viuda alegre

Fotos: Agathe Poupeney, Don Carlo, Guergana Damianova La Viuda Alegre, Cosi Fan Tutte Christophe Pele

Gustavo Gabriel Otero

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París, 13-14-15/octubre/2017. Opèra National de Paris. Ópera de La Bastilla y Palacio Garnier. Giuseppe Verdi: Don Carlos; Wolfgang A. Mozart: Così fan Tutte y Franz Léhar: Die Lustige Witwe (La viuda alegre).  

La Ópera Nacional de París incluye en la Temporada 2017-2018 veintidós óperas en veintiún espectáculos y catorce programas de ballet. Por el estilo de programación se pueden presenciar entre dos y tres óperas distintas en el curso de una semana. Se ofrecen anualmente 203 representaciones de ópera (141 en La Bastilla y 62 en el Palacio Garnier), 173 funciones de ballet (45 en La Bastilla y 121 en Garnier), 4 conciertos sinfónicos (uno en Bastilla y tres fuera de sede), 5 recitales y 4 conciertos de mediodía en el Palacio Garnier, además de conciertos en el Anfiteatro y en el Studio de La Bastilla. Participar de tres espectáculos operísticos consecutivos permite apreciar el funcionamiento de este coloso artístico, la calidad de sus producciones y la notable prestación de la orquesta. Además de tres estilos musicales diferentes, tres idiomas en los textos y tres formas de presentar lo escénico: de la modernidad vaga, pero finalmente fría y aburrida, de Krzysztof Warlikowski para el Don Carlos estreno de esta Temporada, pasando por la propuesta, de enero de este año, esencialmente coreográfica de Anne Teresa De Keersmaeker para Cosí fan tutte; a la probada puesta de Jorge Lavelli, original de 1997, para La viuda alegre que resulta un verdadero bálsamo ante otro tipo de propuestas.

Don Carlos 

Don Carlos. Ópera en cinco actos (París, 11 de marzo de 1867). Libreto de Joseph Mérry y Camille Du Locle. Krzysztof Warlikowski, dirección escénica. Małgorzata Szczęśniak, escenografía y vestuario. Christian Longchamp, dramaturgia. Claude Bardouil, coreografía. Felice Ross, iluminación. Denis Guéguin, vídeo. Ildar Abdrazakov (Philippe II, Roi d’Espagne), Jonas Kaufmann (Don Carlos, Infant d’Espagne), Sonya Yoncheva (Élisabeth de Valois), Elīna Garanča (la Princesse Eboli), Ludovic Tézier, (Rodrigue, Marquis de Posa), Dmitry Belosselskiy (le grand inquisiteur), Ève-Maud Hubeaux (Thibault), Krzysztof Baczyk (Un Moine), Julien Dran (le Compte de Lerme), Hyun-Jong Roh (Héraut royal) Silga Tīruma (voix en haut) Tiago Matos, Michal Partyka, Mikhail Timoshenko, Tomasz Kumiega, Andrei Filonczyk y Daniel Giulianini (députés flamands). Orquesta y Coro Estable de la Opéra National de París. Director del Coro: José Luis Basso. Dirección Musical: Philippe Jordan.

La Opéra National de Paris ofreció una nueva puesta en escena de Don Carlos a 150 años de su estreno mundial en la versión original en francés tal como fuera inicialmente pensada por Giuseppe Verdi -antes de considerar cualquier corte-, y sin la presencia del ballet ‘La Peregrina’ que fue compuesto y agregado durante los ensayos que precedieron al estreno mundial el 11 de marzo de 1867. En elenco de lujo, pleno de estrellas internacionales de la lírica actual que probablemente pocos teatros en el mundo pueden reunir, y el concurso de los excelentes cuerpos estables de la Ópera de Paris aseguraron un alto nivel musical. La puesta en escena de Krzysztof Warlikowski no aporta nada nuevo anclando la obra en un siglo XX indeterminado; mereciendo, en esta segunda función, potentes, sonoros y casi generalizados abucheos.  Philippe Jordan condujo con pericia a la orquesta resaltando los tintes de grand opéra a la francesa de la partitura. Jonas Kaufmann en el ingrato rol de Don Carlos estuvo a la altura de las circunstancias, con buen francés y administrando su caudal vocal con inteligencia; sin dejar de recurrir a la voz plena, a su inmenso caudal y a su agudo amplio y potente. Sonya Yoncheva resultó una Élisabeth de poderosos medios vocales, correcto fraseo, aceptable francés y buena línea de canto. Ildar Abdrazakov como Philippe II triunfó principalmente en su aria ‘Elle nd m’aime pas’, fue muy correcto en los dúos con el Marqués de Posa y con el gran Inquisidor; quizás le faltó carácter e intensidad tanto en la escena del Auto de fe como en la de la Rebelión. El barítono francés Ludovic Tézier fue modelo de interpretación como Rodrigue. Si fraseo elegante, su línea de canto depurada, su francés inmaculado, su dramatismo y su expresividad fueron evidentes en toda la velada. Elīna Garanča fue una princesa Éboli electrizante. Quizás falten algunos graves profundos pero los compensa con su arrolladora personalidad, su entrega sin límites, sus agudos de acero y su centro de terciopelo. Potente y correcto pero sin brillar el grand inquisiteur de Dmitry Belosselskiy, adecuadas Eve-Maud Hubeaux (Thibault) y Silgar Tīruma (voz del cielo), eficaz tanto vocal como actoralmente el conde de Lerma de Julien Dram, homogéneos los seis diputados flamencos, correcto el resto del elenco y de excelencia el Coro que dirige José Luis Basso.

Cosí fan tutte

Così fan Tutte. Ópera en dos actos. Libreto de Lorenzo da Ponte. Anne Teresa De Keersmaeker, dirección escénica y coreografía. Jan Versweyveld, escenografía e iluminación. Jan Vandenhouwe, dramaturgia. An D’Huys, vestuario. Ida Falk-Winland (Fiordiligi), Stephanie Lauricella (Dorabella), Cyrille Dubois (Ferrando), Edwin Crossley-Mercer (Guglielmo), Maria Celeng (Despina), Simone Del Savio (Don Alfonso). Bailarines de la Compañía de Danza Rosas: Cynthia Loemij (Fiordiligi), Samantha van Wissen (Dorabella), Michaël Pomero (Guglielmo), Julien Monty (Ferrando), Marie Goudot (Despina) y Boštjan Antončič (Don Alfonso). Orquesta y Coro Estable de la Opéra National de París. Director del Coro: José Luis Basso, preparación del Coro: Alessandro Di Stefano. Dirección Musical: Marius Stieghorst. 

La coreógrafa Anne Teresa De Keersmaeker trabaja con una doble distribución formada por cantantes y bailarines. Cada solista tiene su correlato en un bailarín y la duplicidad que ya está en el libreto de Lorenzo Da Ponte es amplificada por esta concepción. Si a priori se puede especular que la danza puede distraer esto no ocurre, el trabajo diferente de Anne Teresa De Keersmaeker se visualiza inteligente, milimétrico, bien pensado y presentado. La segura dirección orquestal, desde el clave, de Marius Stieghorst concreta una versión ligera, con vuelo, ágil. La respuesta de la Orquesta se pliega a la sutileza Mozartiana a la perfección y el equilibrio entre el foso y la orquesta está siempre asegurado. La soprano sueca Ida Falk-Winland es una Fiordiligi de porte principesco que resuelve con inteligencia y buen gusto los escollos de una partitura muy ardua y con exigencias en todo el registro. Mientras que la Dorabella de Stephanie Lauricella es segura, compenetrada y eficaz. Con bella emisión, potentes agudos y sutileza canora encarnó a Ferrando el tenor Cyrille Dubois mientras que el barítono francés Edwin Crossley-Mercer en Guglielmo mostró amplias condiciones vocales, registro pleno y parejo, canto sólido y muy bien timbrado. La soprano hungara Maria Celeng como Despina derrochó simpatía y calidad vocal y Simone Del Savio (Don Alfonso) demostró aplomado desempeño. En sus breves intervenciones el Coro, preparado para la ocasión por Alessandro Di Stefano, mostró estilo y sutileza.

La viuda alegre

Die Lustige Witwe (La viuda alegre). Opereta en tres actos, libreto de Victor Léon y Leo Stein, basada en la comedia de Henri Meilhac ‘L'attaché d'Ambassade’. Jorge Lavelli, dirección escénica. António Lagarto, escenografía. Francesco Zito, vestuario. Dominique Bruguière, iluminación. Laurence Fanon, coreografía. Véronique Gens (Hanna Glawari), Thomas Hampson (Conde Danilo), Franck Leguérinel (Barón Mirko Zeta), Valentina Naforniţa, (Valencienne), Stephen Costello (Camille de Rosillon), Siegfried Jerusalem (Njegus) Alexandre Duhamel (Vizconde Cascada), Karl‑Michael Elbner (Saint Brioche), Michael Kranebitter (Kromow), Peter Bording (Bogdanovitch), Anja Schlosser (Silviana), Edna Prochnik (Olga), Julien Arsenault (Pritschisch), Yvonne Wiedstruk (Praskowia), Esthel Durand (Lolo), Isabelle Escalier (Dodo), Sylvie Delaunay (Jou-Jou), Virginia Leva-Poncet (Frou-Frou), Ghislaine Roux (Clo-Clo), Marie‑Cécile Chevassus (Margot) y Laura Agnoloni (una dama). Orquesta y Coro Estable de la Opéra National de París. Director del Coro: José Luis Basso. Dirección Musical: Marius Stieghorst.

La dirección escénica de Jorge Lavelli es clara, sirve elegantemente el propósito de la obra, mueve a los solistas con destreza y a las masas con distinción. Con sutileza y perfecto estilo el maestro Marius Stieghorst -director musical asistente de la Ópera Nacional de París- condujo la faz musical. La respuesta de la dúctil orquesta se plegó con excelencia a las melodías de Lehar. Véronique Gens como Hanna aportó glamour y elegancia, adecuada línea de canto, volumen mediano y timbre grato. Con carisma y simpatía desbordante Thomas Hampson fue un Danilo de excelente actuación, cuidada elegancia, pulcra emisión, belleza vocal, excelente fraseo y perfecta intencionalidad. Valentina Naforniţa dio el carácter adecuado tanto vocal como escénico a Valenncienne: juventud y agudos brillantes. A su lado el tenor Stephen Costello derrochó como Camille de Rosillon, canto seguro, emisión firme y atractiva personalidad. Franck Leguérinel resultó un simpático Mirko Zeta de buena prestación. Un lujo contar con Siegfried Jerusalem como Njegus, ajustados y solventes tanto Alexandre Duhamel (Vizconde Cascada) como Karl‑Michael Elbner (Saint Brioche). Las Grisettes derrocharon simpatía mientras que fue correcto el resto del elenco. El Coro Estable que dirige el maestro José Luis Basso a la par de su calidad vocal se divirtió y divirtió a los asistentes.