Trittico Weill - Teatro alla Scala, Milano

Foto: Brescia & Amisano

Massimo Viazzo

Il Trittico Weill, rappresentato al Teatro alla Scala, costituisce la naturale evoluzione del Dittico che nel 2021, durante la pandemia COVID-19, fu messo in scena a teatro vuoto, con la sola ripresa televisiva e la trasmissione in streaming. In quell’occasione, furono abbinati due lavori di Kurt Weill (1900-1950): il balletto con canto Die sieben Todsünden (I sette peccati capitali) (1933) e Mahagonny Songspiel (1927). Ora, sempre per la regia di Irina Brook (che ha curato anche scene, costumi e video), è stata aggiunta la commedia musicale The Songs of Happy End (1930), privata dei dialoghi, a formare uno spettacolo unitario su testi di Bertold Brecht. Vale forse la pena ricordare che il fruttuoso sodalizio tra Weill e Brecht durò soltanto 6 anni, tra il 1927 e il 1933, ma furono sei anni di grande impegno, dibattiti e creatività. Dallo spettacolo scaligero emerge con evidenza una satira contro una società dedita al denaro, amorale, triviale, anti-ambientalista, tanto vacua quanto tristemente attuale. Con ritmi incalzanti, canzoni orecchiabili da cabaret e danze anche banali, il compositore tedesco rifugge il realismo, puntando dritto all’ironia, al cinismo e allo straniamento per ottenere una immediata compartecipazione da parte del pubblico. Non ricorre a urla o grida espressioniste, ma utilizza il veicolo di una musica falsamente piacevole, sempre gradevole all’ascolto. In questo contesto, lo spettacolo di Irina Brook è abbastanza convincente nel saper coinvolgere attori, cantanti e danzatori che attraverso la loro arte attestano con forza la volontà di esistere, la volontà di vivere, nonostante tutto, in un quadro post-apocalittico dai tratti ecologisti, dopo aver sperimentato le tentazioni del vizio e del peccato alla costante ricerca di un luogo da sogno, una città straordinaria, un Eldorado fantastico in cui tutto è possibile, ma che in realtà non esiste. Al termine dello spettacolo, l’inserimento del tango-habanera Youkali lascerà nel pubblico un barlume di speranza. Certamente, il luogo tanto agognato della felicità, della pace e dell’amore non esiste, ma proprio per questo è fondamentale acquisire consapevolezza nel vivere appieno il presente. «Ho dovuto concepire una nuova storia che tenesse insieme tutti gli elementi in modo credibile e logico», afferma la regista, «e alla fine ho immaginato la vicenda di una compagnia teatrale alla fine del mondo: mentre loro sono all’interno del teatro, fuori non c’è più nulla». Un’idea interessante, sviluppata con mezzi limitati, anche ricorrendo a material riciclati, su un palcoscenico sostanzialmente vuoto. Tuttavia, dal punto di vista teatrale, lo spettacolo è risultato monocorde, anche talvoltainconsistente, soprattutto nella prima parte, e spesso prevedibile. La seconda parte, “Happy End”, è risultata migliore: i cantanti, tutti vestiti in abito scuro, si esibivano presentando i vari brani in una sorta di cabaret spettrale, più simile a un incubo che a un luogo di piacere. In generale, però, si sarebbe potuto osare di più. Se l’intento dello spettacolo era quello di disturbare o scandalizzare, l’esito non è stato sufficientemente efficace. L’aspetto musicale, al contrario, si è rivelato di maggiore qualità. Sul palcoscenico, un cast internazionale ha interpretato molteplici ruoli, dimostrando un’ottima sinergia. Ciò ha consentito di apprezzare appieno le esuberanti ed estroverse canzoni di Kurt Weill. Alma Sadé ha interpretato Anna I, Bessie e Mary, Lauren Michelle ha interpretato Anna II, Jessie e Jane, Wallis Giunta era Lilian Holiday ed è stata l’interprete di Youkali, Markus Werba ha vestito i panni di Bill Cracker, Elliott Carlton Hines quelli di Fratello I, Bobby e Sam, Andrew Harris ha interpretato la Madre (en travesti) e Jimmy, Matthäus Schmidlechner è stato il Padre, Charlie e un uomo, Michael Smallwood ha dato voce a Fratello II, Billy e Hanibal Jackson, Natascha Petrinsky ha interpretato la Mosca e Geoffrey Carey l’attore. Si segnalano in particolare la performance di Alma Sadé, spigliata ed espressiva, Lauren Michelle, dalla timbrica vellutata e dotata anche di talento nella danza, l’istrionico Bill Cracker interpretato da Markus Werba, la Madre, sonora e comunicativa, cantata con voce maschile da Andrew Harris. Wallis Giunta ha deliziato con una Lilian graziosa ma anche intensa, mentre Elliott Carlton Hines ha mostrato una vocalità voluminosa ed estremamente comunicativa. In ogni caso, come ho affermato precedentemente, l’intero cast si è dimostrato all’altezza. Riccardo Chailly, che più volte ha espresso il suo amore per questo repertorio, ha fortemente voluto questa proposta. E infatti ha diretto con la giusta trasparenza, evidenziando precisione e nettezza ritmica, una cura del dettaglio e un’estrema attenzione al giusto colore timbrico, passando con scioltezza ed eleganza tra un tango e un blues, tra un valzer e una marcia. Una interpretazione maiuscola.

Yuja Wang y la Mahler Chamber Orchestra en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México

Foto: Julia Weseley y  Geoffroy Schied

Considerada una de las pianistas más destacadas de su generación en el mundo, por su gran sentido artístico, su enorme talento y su virtuosismo absoluto, Yuja Wang se presentará el próximo 6 de junio en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, dirigiendo desde el piano a la Mahler Chamber Orchestra (MCO), agrupación fundada en 1997 por el legendario director de orquesta italiano Claudio Abbado e integrada por 50 de los más destacados músicos del mundo, procedentes de 25 países. El repertorio que interpretarán estará conformado por la Obertura Coriolano de Ludwig van Beethoven, el Concierto para piano y orquesta No. 2 en Fa menor, Op. 21 de Frédéric Chopin, el Concierto en Mi bemol mayor “Dumbarton Oaks” de Igor Stravinsky y el Concierto para piano No. 1 en Si bemol menor, Op. 23 de Piotr Ilich Tchaikovsky. Será la tercera vez que Yuja Wang se presente en México, luego de sus dos actuaciones en el Palacio de Bellas Artes con la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la batuta de su entonces director, Carlos Miguel Prieto, la primera fue en octubre de 2017 y la segunda en agosto de 2020. Con su próximo concierto la pianista debutará en el país como directora de orquesta, al frente de la Mahler Chamber Orchestra y también fungirá como solista. La crítica ha elogiado las propuestas interpretativas de Yuja Wang con programas desafiantes en recintos icónicos, como el Carnegie Hall de Estados Unidos, La Scala de Milán de Italia, el Teatro Real de España, el Royal Albert Hall de Londres y el Palacio de Bellas Artes de México. Wang declaró al New York Times que “cada programa debe tener vida propia y ser una representación de cómo me siento en ese momento”. Wang ha tocado bajo la batuta de directores tan destacados como el mismo Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Gustavo Dudamel, Lorin Maazel, Neville Marriner, Zubin Mehta, Yannick Nézet-Séguin, Sir Antonio Pappano, Esa-Pekka Salonen, Yuri Temirkanov, Michael Tilson Thomas, Pinchas Zukerman y Carlos Miguel Prieto. Ha colaborado con las principales orquestas del mundo, incluyendo las de Boston, Chicago, Cleveland, LA Phil, Nueva York, Filadelfia, San Francisco y Washington, en Estados Unidos; así como la China Philharmonic, la Filarmonica della Scala, la London Philharmonic, la Orchestre de París, la Orquesta Nacional de España, la Orquesta Filarmónica de Israel, la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, la NHK Symphony de Tokio, la Royal Concertgebouw Orchestra y la Orquesta ​Sinfónica Nacional de México. En enero de 2023 Yuja Wang dio muestra de su ilimitada calidad artística durante su presentación maratónica de obras de Serguéi Rachmaninoff en el Carnegie Hall, junto al director Yannick Nézet-Séguin y la Orquesta de Filadelfia. Este evento histórico para celebrar los 150 años del nacimiento del pianista y compositor ruso incluyó interpretaciones de sus cuatro conciertos y la Rapsodia sobre un tema de Paganini en una misma tarde en la que el público abarrotó el recinto. En la temporada 2022/23, Yuja Wang interpretó el Concierto para piano No. 3 de Magnus Lindberg, en su estreno mundial, con la Orquesta Sinfónica de San Francisco, y participó en otras presentaciones de esta obra en Norteamérica y Europa. De madre bailarina y padre percusionista, Yuja Wang nació en Beijing, China. Tras estudiar piano en su país desde los 6 años, recibió formación avanzada en Canadá y en el Curtis Institute of Music de Filadelfia, bajo la dirección del gran maestro estadounidense Gary Graffman. Su descubrimiento internacional sucedió en 2007, cuando reemplazó a Martha Argerich como solista de la Orquesta Sinfónica de Boston. Dos años más tarde, firmó un contrato exclusivo con Deutsche Grammophon, hasta la fecha ha lanzado tres álbumes en solitario y dos grabaciones de conciertos. Su estatus de estrella de la música fue confirmado al ser nombrada por Musical America, la revista estadounidense más antigua sobre música clásica, como su Artista del Año 2017. En 2024 ganó su primer Grammy internacional en la categoría de Best Classical Instrumental Solo por su disco The American Project (2023). El video de ella tocando El vuelo del abejorro (Flight of the Bumblebee) de Nikolái Rimski-Kórsakov en la plataforma YouTube cuenta con casi 4 millones de vistas. Se ha consolidado entre los músicos más importantes, con actuaciones y grabaciones aclamadas por la crítica y el público. En 2021 recibió un premio Opus Klassik por su estreno mundial del concierto de John Adams Must the Devil Have All the Good Tunes?, con la Filarmónica de Los Ángeles, dirigida por Gustavo Dudamel, quien ha expresado: “Trabajar con Yuja Wang es motivo de inspiración. Su genialidad, su forma de interpretar, su capacidad técnica, ¡lo siento siempre como un privilegio y una gran alegría!” (El Clarín).  La MCO se ha consolidado como una de las principales agrupaciones de su género, bajo la filosofía de “El Sonido de la Escucha”, inspirada en Claudio Abbado (1933-2014) mentor fundador de la agrupación. Trabaja como un “colectivo global” y es dirigida por sus miembros en colaboración con su oficina de gestión, ubicada en Berlín. La orquesta es conocida por sus actuaciones sin director, en las que el atrilista elegido dirige al grupo desde su instrumento, lo que permite un diálogo musical muy atractivo. Recientemente, ha seguido este formato de interpretación y dirección en las actuaciones con sus socios artísticos Yuja Wang y Mitsuko Uchida, junto a quienes realiza diversas giras al año. En 2024, la agrupación asumió la dirección artística de la Musikwoche Hitzacker, que presenta anualmente un repertorio diverso caracterizado por la música de cámara. El colectivo de músicos mantiene residencias en Berlín, Salzburgo y Lucerna. A partir de 2026, sucederá a la Orquesta Filarmónica de Berlín en el Festival de Pascua de Baden-Baden.  En su presentación en el Auditorio Nacional la acompañará el violinista alemán José Maria Blumenschein, quien actúa con la Mahler Chamber Orchestra desde hace casi dos décadas, a partir de 2023 comparte el puesto de concertino con Matthew Truscott. También es el Primer Concertino de la Orquesta Sinfónica de la Radio WDR en Colonia. Ha sido Concertino Asociado de la Orquesta de Filadelfia y Primer Concertino de la Ópera y Filarmónica Estatal de Viena. También actúa con regularidad junto a destacadas orquestas y grupos, como la Orquesta del Festival de Bayreuth, Orquesta Sinfónica de Londres, Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, Orquesta Estatal Sajona de Dresde y la Orquesta NDR de la Filarmónica del Elba.  Nacido en 1985, recibió su primera clase de violín a los cuatro años en Friburgo, Alemania, en el Instituto Pflüger para Niños Superdotados. En 1990 inició su formación con Vera Kramakowa en Mannheim y en 2001 fue aceptado en el Curtis Institute of Music de Filadelfia, donde estudió con el director de orquesta y violinista Joseph Silverstein, y se desempeñó como concertino de la Orquesta Sinfónica de Curtis. El concierto Yuja Wang & Mahler Chamber Orchestra se llevará a cabo el viernes 6 de junio a las 20:30 horas en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México (Reforma 50, Bosque de Chapultepec). 

Hamlet en Turin

Fotos: Daniele Ratti - Mattia Gaido

Massimo Viazzo

Hamlet de Ambroise Thomas (1811-1896) es una ópera lírica en cinco actos con libreto de Michel Carré y Jules Barbier, inspirada en la tragedia homónima de William Shakespeare. Su primera representación tuvo lugar en la Ópera de París en 1868 y desde entonces, si bien en un modo poco continuo, el título fue insertado un poco en las estaciones operísticas de todo el mundo.  Hamlet fue representado por primera vez en Italia en el Teatro Regio de Turín en el 2001, en la versión original francesa, con Ludovic Tézier y Annick Massis. Sin embargo, esta versión es un estreno absoluto, ya que de hecho se trata de la primera representación escénica de la versión inicialmente concebida para tenor y que después fue rehecha para barítono, quizás por la ausencia de un intérprete considerado ideal. La ópera conserva el tema principal del drama shakesperiano, como la venganza y el tormento interior de Hamlet, pero presenta también algunas diferencias, entre las cuales está la eliminación natural de personajes y episodios, un mayor interés por la inspiración romántica de la historia, y, sobre todo, la presencia de un final alternativo, diré antiético, respecto al original.  El libreto de la ópera no termina con la muerte de Hamlet, sino con su coronación, en realidad en esta producción se rehace en un cierto modo como el borrador shakesperiano recuperando la muerte del héroe.  Ambroise Thomas apunta sus propias cartas hacia la intensidad emotiva de los personajes, y, reflexionando con el estilo de la grand-opéra francesa del siglo XIX, combina drama y lirismo con una rica orquestación, valorizando tanto los momentos de intensidad introspectiva como recurriendo a los típicos tableaux vivants. Sin embargo, el ballet en esta edición, que procedió a la escena de la locura de Ophélie en el cuarto acto, fue eliminado.  El espectáculo ideado por Jacopo Spirei, nuevo montaje del Teatro Regio de Turín se distinguió por el respeto convenido al libreto, con las refinadas escenografías de Gary McCann, los suntuosos vestuarios del siglo 19 de Giada Masi, la iluminación bien calibrada y eficaz de Fiammetta Baldisseri, las apropiadas y nunca invasivas coreografías firmadas por Ron Howell.  Desarrollado con cuidado, se mostró cercano a la evolución de las situaciones y fue psicológicamente profundo, presentando un protagonista perturbado y alienado desde su ingreso en la escena. La narración ha subrayado los estilos introspectivos con notables sugestiones psicoanalíticas ligadas a su infancia, acompañándolo así en un viaje interior que no podía más que concluir de manera trágica. Además, se debe señalar como los lujosos ambientes hacen que venga un poco a la memoria la célebre película de Kenneth Branagh, una de las mejores adaptaciones cinematográficas del drama shakesperiano.  De notable impacto escénica fue la pantomima con el que concluyó el segundo acto en el que la compañía de teatro representa “Le Meurtre de Gonzague” un homicidio que recuerda fuertemente el del padre de Hamlet por parte del hermano Claudius Enormi Pupazzi hecho por figurantes, inquietantes y amenazadores, que invadían el escenario como espectros listos para juzgar y para vengar.  También la ejecución de la parte musical se mostró con notable factura, comenzando por la dirección de Jérémie Rhorer, el director parisino dirigió con gran competencia estilística demostrando un extraordinario conocimiento de la partitura y evidenciando los aspectos trágicos y románticos con una gestualidad precisa y proficua. Teatralmente cercana, su lectura, segura y consciente, supo extraer lo mejor de la Orchestra del Teatro Regio.  Valioso fue el elenco elegido, como John Osborn en el papel del protagonista Hamlet quien cantó con elegancia bien transportado. Su superfina técnica le permitió gestionar con bravura las dificultades de su parte.  Sabiendo ser engreído (Ô vin, dissipa la tristesse), y más íntimamente afligido (J’ai pu frapper le misérable… Être ou ne pas). Su Hamlet convenció plenamente también desde el punto de vista caracterial.  A la vez estuvo convincente la Ophélie de Sara Blanch, una verdadera revelación. La soprano española estuvo vocalmente segura y conmovedora en su escena, mostrando notable facilidad para afrontar la coloratura (en su escena de locura), y sobre todo, plenitud en el timbre, lo que le permitió ser poéticamente expresiva. Clémentine Margaine interpretó una Gertrude de notable impacto, con una bella voz de mezzosoprano, bruñida y de rara potencia. En el papel de Claudius  Riccardo Zanellato estuvo muy seguro, mencionando al musical Laërte de Julien Henric y al Espectro de Alastair Miles, con presencia vocal y esculpida frase musical. Se deben señalar también los apreciables desempeños de Alexander Marev (Marcellus), Tomislav Lavoie (Horatio), Nicolò Donini (Polonius), Janusz Nosek y Maciej Kwasnikowki (como el primero y el segundo sepulturero). Al final, unas palabras para el Coro del Teatro Regio, muy solicitado en esta ópera, preparado y vocalmente determinado, bajo la habitual capacidad de Ulisse Trabacchi.

Recital con musica de Philip Glass en Vercelli

Foto: Società del Quartetto di Vercelli

Raffaele Crespi

La Società del Quartetto di Vercelli, histórica asociación fundada en 1881, que patrocina el Concurso Internacional Viotti, de canto (donde se dieron a conocer cantantes como Luciano Pavarotti o Mirella Freni, entre otros) y de piano, ha presentado desde siempre a su público temporadas concertistas bastante sobresalientes, de notable nivel y sobre todo originales, ubicadas en locaciones de gran belleza artística. En este contexto, se coloca el homenaje pianístico al gran compositor estadounidense Philip Glass (nacido en 1937 y aún en actividad). Como se sabe, la música de Glass se caracteriza por un estilo minimalista basado en estructuras repetitivas y progresiones harmónicas hipnóticas.  Sus composiciones crean un sentido de movimiento continuo a través del uso del patterns rítmicos, cíclicos y mínimas variaciones.  Glass combina elementos de la música clásica con influencias del pop, al rock, y del jazz a las tradiciones musicales no occidentales creando su distintivo y envolvente sonido.  Sus obras abarcan desde las bandas sonoras cinematográficas, como la Koyaanisqatsi, y sinfonías, óperas líricas y la música de cámara, siempre con un impacto emotivo profundo y meditativo.  Naturalmente que tiene música para piano, y en el concierto inaugural de un tríptico dedicado a la música estadounidense del siglo XX, el pianista Massimo Viazzo ofreció una amplia selección de los Études for solo piano de Philip Glass. Compuestos entre 1991 y el 2012 y divididos en dos volúmenes, estos estudios tenían el enfasis, como declaró el compositor, de perfeccionar la propia técnica y de ampliar su propio repertorio concertistico  Viazzo enfatizó con precisión y de manra muy incisiva el aspecto rítmico percusivo (Étude 6), como también ha sabido insertarlo en la tradición pianística occidental exaltando su expresividad Étude 16). Su interpretación fue hipnótica (Étude 12), impetuosa (Étude 11) y pasional (Étude 7), convincente y siempre envolvente. Dotado di una técnica impecable, Massimo Viazzo ha demostrado también notable sensibilidad colorística y movilidad en el fraseo, sin interesarse mínimamente en hacer una ejecución meramente mecánica de las piezas del programa.  Al final, el numeroso público presente en la espléndida sala de Museo Borgogna de Vercelli, en la región del Piamonte italiano, la ha tributado una ovación al pianista que agradeció con dos bises, siempre dedicados a Glass: Truman Sleeps y Opening. Además, de gran espesor estuvo la introducción al concierto confiada al profesor Guido Michelone, histórico de la música, y de la pluma aun notable a nivel nacional, quien con acumen y garbo desveló muchas curiosidades poco conocidas de la obra de Glass haciendo que lo que se escuchó fuera aún más significativo y envolvente para el público en la sala.

La Scala di Seta y Prima della Scala en Novara

Foto: Teatro Coccia di Novara

Renzo Bellardone

La divertida farsa de Gioachino Rossini, La scala di seta (La escalera de seda), estrenada el 9 de mayo de 1812 en Venecia, se representó en el Teatro Coccia casi en el mismo aniversario de su estreno, hace 213 años. Al tratarse de una pieza en un solo acto, estuvo acompañada y precedida por un nuevo encargo, Prima della scala (Antes de la escalera), confiada al joven compositor Federico Gon con libreto de Stefano Valanzuolo, que no intenta una parodia que podría producir aspectos discutibles, sino la invención de un antecedente plausible e imaginativo para la puesta en escena de la pieza en un acto de Rossini.El resultado es absolutamente divertido y atractivo y, al final, incluso parece real. La historia precedente se convierte de hecho en una sola con La scala di seta y, modificando solo algunos detalles de la escena y el vestuario, sin intermedio, llegamos al aplauso final. La música de Gon es absolutamente escuchable a primera oída y sin buscar extravagancias agrada y entretiene. El libreto es cautivador. En ambos casos la dirección estuvo a cargo de Deda Cristina Colonna, conocida hace años en el papel de coreógrafa renacentista y barroca, y gratamente redescubierta en el papel de directora teatral. Su trayectoria artística verdaderamente respetable sobresale en sus creaciones, abarcando en el tiempo hasta lo contemporáneo, con el estilo de quien ha escudriñado y experimentado diferentes mundos artísticos. Su dirección fue muy divertida y recuperó gestos y actitudes —en primer lugar, los gestos del ilusionista— que dieron continuidad a la narración. La orquesta Filarmónica Italiana estuvo dirigida por Francesco Pasqualetti, a quien conocí cuando era un joven director que buscaba la precisión y el gesto, asistiendo a las master-classes impartidas por Gianandrea Noseda, en el marco del Festival de Stresa. Me lo he encontrado en otras ocasiones en el Regio de Turín o en Pisa, y ahora cuenta con una trayectoria artística decididamente importante y es considerado un intérprete refinado y ecléctico, que acepta los desafíos y los resuelve con elegancia, como se le reconoce internacionalmente. A la orquesta del Teatro Coccia dirigió con mesura y atención, manteniendo el ritmo vivo que hace amado a Rossini. La escenografía de Matteo Capobianco parte de la idea del circo y hace aflorar recuerdos, luces y colores que desde siempre han fascinado a los niños y hacen brillar de alegría sus ojos. La escena inicia en blanco y negro para retratar el dolor por el fallecimiento del dueño del circo, que se revelará como una noticia falsa puesta en marcha solo para probar a sus colaboradores, y luego cobra vida con luces y colores a medida que continúa la historia. La escalera que sube y baja es el hilo conductor escénico y narrativo, como lo son los trajes del propio Capobianco, histriónicos y festivos, que encajan muy bien en el conjunto. Las voces fueron todas agradables y adecuadas para los papeles realmente brillantes. Zabatta/Dormont fueron interpretados por el tenor seguro y agradable Davide Lando. Alina Tkachuk dio rostro y voz brillante a los personajes de Nina/Giulia. Ezio/Dorvil estuvieron interpretados con vivacidad y buenas notas altas por Paolo Nevi. Yo Otahara fue una Lucilla interesante y el bajo Dogukan Ozkan estuvo encargado de los personajes de Silvano/Blansac, que abordó con buen timbre y color. Emmanuel Franco no solo es interesante de escuchar, sino también interpretó muy bien el rol de Germano.

Prima della Scala e La Scala di Seta - Teatro Coccia di Novara

Foto: Teatro Coccia di Novara

Renzo Bellardone

Un simpatico ritorno all’Opera in occasione di una prima esecuzione e di una proposta spiritosa e di  livello musicale ed artistico.

“PRIMA DELLA SCALA” e “LA SCALA DI SETA”- Teatro Coccia Novara 11 maggio 2025 PRIMA DELLA SCALA Nuova commissione in prima esecuzione mondiale Musica di Federico Gon Libretto di Stefano Valanzuolo LA SCALA DI SETA Musica di Gioachino Rossini Libretto di Giuseppe Maria Foppa Direttore Francesco Pasqualetti Regia Deda Cristina Colonna Scene e Costumi Matteo Capobianco Assistente ai Costumi Silvia Lumes Luci Ivan Pastrovicchio Zabatta/Dormont -  Davide Lando Nina/Giulia   -  Alina Tkachuk Ezio/Dorvil   - Paolo Nevi Lucilla  -   Yo Otahara  Silvano/Blansac  -  Dogukan Ozkan Germano   -  Emmanuel Franco Orchestra Filarmonica Italiana Produzione Fondazione Teatro Carlo Coccia

La divertente  farsa rossiniana ‘La Scala di seta’ andata in scena il 9 maggio 1912 a Venezia, viene riproposta nella ‘bomboniera’ del Teatro Coccia esattamente nella ricorrenza della prima rappresentazione. Trattandosi di un atto unico viene abbinata e preceduta da una nuova commissione “Prima della scala”,  affidata al giovane compositore Federico Gon su libretto di Stefano Valanzuolo i quali  si cimentano, non in una parodia che avrebbe potuto sortire aspetti discutibili, ma   con l’invenzione di un plausibile fantasioso antefatto alla messa in scena appunto dell’atto unico rossiniano. Il risultato è assolutamente divertente e coinvolgente ed alla fine sembra addirittura tutto vero. Il racconto che precede diventa di fatto un tutt’uno con ‘La Scale di seta’ e modificando solo alcuni particolari della scena e dei costumi, senza intervallo, si arriva all’applauso finale.  La musica di Gon è assolutamente ascoltabile in prima battuta e senza ricerca di stravaganze piace e diverte.  Il libretto è accattivante con battute che si ricordano ...‘Venghino signori venghino, pianghino signori pianghino’ In entrambi i casi la regia è affidata a Deda Cristina Colonna, conosciuta anni fa nel ruolo di coreografa rinascimentale e barocca e ritrovata piacevolmente nelle vesti di regista teatrale; nelle sue realizzazioni spicca la sua analisi ed un percorso artistico veramente di tutto rispetto che spazia temporalmente fino a giungere al contemporaneo con il tratto di chi ha scrutato e sperimentato diversi mondi artistici.  Questa regia è divertentissima e fa riprendere gesti e atteggiamenti, una per tutte i gesti dell’illusionista,  che danno la continuità alla narrazione. L’orchestra è la Filarmonica Italiana diretta da Francesco Pasqualetti, incontrato la prima volta nei panni del giovane direttore d’orchestra che ricercava la precisione ed il gesto, frequentando le Master Class tenute dai grandi del momento ed in quel caso si trattava di Gianandrea Noseda nell’ambito dello Stresa Festival. Ritrovato in altre occasioni al Regio di Torino o a Pisa, vanta ormai un percorso artistico decisamente importante ed è ritenuto un raffinato ed eclettico interprete che accetta le sfide e le risolve con eleganza,  come internazionalmente riconosciuto. Al Coccia ha diretto con misura e attenzione, mantenendo il ritmo vivace che fa amare Rossini. La scenografia di Matteo Capobianco parte dall’idea del circo e fa affiorare ricordi, luci e colori che hanno affascinato e affascinano i bambini di sempre e fanno luccicare gli occhi di allegrezza. La scena inizia in bianco e nero a raffigurare il dolore per la dipartita del proprietario del circo, che si rivelerà una fake news messa in atto solo per mettere alla prova i propri collaboratori,   per poi ravvivarsi di luci e colori man mano che la vicenda prosegue. La scala che sale e scende è il filo rosso scenico e narrativo, quanto i costumi dello stesso Capobianco, istrionici  e festosi che si incastonano molto bene all’insieme. Le voci sono tutte gradevoli e adeguate ai ruoli davvero brillanti.  Zabatta/Dormont  incontrano  il tenore  Davide Lando sicuro e piacevole. Alina Tkachuk da volto e voce squillante ai personaggi di  Nina/Giulia. Ezio/Dorvil  vengono resi con  briosità e buoni acuti da Paolo Nevi. Yo Otahara  è una interessante Lucilla  ed al basso  Dogukan Ozkan sono affidati i personaggi di  Silvano/Blansac che affronta con buon timbro e colore. Emmanuel Franco è  oltre che interessante all’ascolto rende ottimamente Germano. La Musica vince sempre.

 

 

Études for solo piano di Philip Glass - Vercelli

Fotos: Società del Quartetto di Vercelli

Raffaele Crespi

La Società del Quartetto di Vercelli, associazione storica fondata nel 1881 che patrocina il Concorso internazionale Viotti di canto e pianoforte, riserva da sempre al suo pubblico stagioni concertistiche assai poco scontate, di notevole livello e alquanto originali, collocate in location di grande bellezza artistica. In questo contesto si colloca l’omaggio pianistico al grande compositore statunitense Philip Glass (classe 1937 e ancora in attività). Come si sa la musica di Philip Glass è caratterizzata da uno stile minimalista, basato su strutture ripetitive e progressioni armoniche ipnotiche. Le sue composizioni creano un senso di movimento continuo attraverso l’uso di pattern ritmici ciclici e variazioni minime. Glass combina elementi della musica classica con influenze dal pop, al rock, dal jazz alle tradizioni musicali non occidentali, creando un suono distintivo e coinvolgente. Le sue opere spaziano dalle colonne sonore cinematografiche, come quella per Koyaanisqatsi, a sinfonie, opere liriche e musica da camera, sempre con un impatto emotivo profondo e meditativo. E naturalmente c’è la musica pianistica. Nel concerto inaugurale di un trittico dedicato alla musica americana del XX secolo, il pianista Massimo Viazzo ha presentato un’ampia selezione degli Études for solo piano di Philip Glass. Composti tra il 1991 e il 2012 e suddivisi in due volumi, questi studi avevano lo scopo, come dichiarato dal compositore, di perfezionare la propria tecnica e ampliare il proprio repertorio concertistico. Viazzo ha enfatizzato con precisione e incisività l’aspetto ritmico percussivo (Étude 6), ma ha saputo anche inserirli nella tradizione pianistica occidentale, esaltandone l’espressività (Étude 16). La sua interpretazione è stata ipnotica (Étude 12), impetuosa (Étude 11) e passionale (Étude 7), convincente e sempre coinvolgente. Dotato di una tecnica impeccabile, Massimo Viazzo ha dimostrato anche notevole sensibilità coloristica e mobilità di fraseggio, non interessandosi minimamente a un’esecuzione meramente meccanica dei brani in programma. Al termine, il numeroso pubblico presente nela splendida sala del Museo Borgogna di Vercelli ha tributato un’ovazione al pianista, che ha ringraziato con due bis sempre dedicati a Glass: Truman Sleeps e Opening. Di grande spessore è stata inoltre l’introduzione al concerto affidata al professor Guido Michelone, storico della musica e penna assai nota a livello nazionale, che con acume e garbo ha svelato molte curiosità inmerito all’opera di Glass rendendo l’ascolto ancora più significativo e coinvolgente per il pubblico in sala.

 

Hamlet di Ambroise Thomas - Teatro Regio di Torino

 

Foto:

Massimo Viazzo

Hamlet di Ambroise Thomas (1811-1896) è un’opera lirica in cinque atti, su libretto di Michel Carré e Jules Barbier, ispirata all’omonima tragedia di William Shakespeare. La prima rappresentazione ebbe luogo all’Opéra di Parigi nel 1868 e da allora, sebbene non in modo continuativo, il titolo è stato inserito nelle stagioni operistiche un po’ in tutto il mondo. Al Teatro Regio di Torino, nel 2001, Hamlet è stato rappresentato in Italia per la prima volta nella versione originale francese, con Ludovic Tézier e Annick Massis. Quella odierna è comunque ancora una prima assoluta: si tratta infatti della prima rappresentazione scenica della versione inizialmente concepita per tenore e poi rielaborata per baritone forse per l’assenza di un interprete ritenuto ideale. L’opera conserva i temi principali del dramma shakespeariano, come la vendetta e il tormento interiore di Amleto, ma presenta anche differenze, tra cui la naturale eliminazione di personaggi e episodi, un maggiore interesse per l’afflato romantico della vicenda, e soprattutto la presenza di un finale alternativo, direi antitetico, rispetto all’originale. Il libretto dell’opera, infatti, non termina con la morte di Amleto, ma con la sua incoronazione. In verità, in questo allestimento, ci si rifa in un certo qual modo alla stesura shakespeariana recuperando la morte dell’eroe. Ambroise Thomas punta le proprie carte sull’intensità emotiva dei personaggi e, riflettendo lo stile della grand-opéra francese del XIX secolo, combina dramma e lirismo con una ricca orchestrazione, valorizzando sia momenti di intensità introspettiva sia ricorrendo a tipici tableaux vivants. Il balletto, in questa edizione, che precederebbe la scena della pazzia di Ophélie nel quarto atto, è stato invece eliminato. Lo spettacolo, ideato da Jacopo Spirei, nuovo allestimento del Teatro Regio di Torino, si è distinto per il rispetto accordato al libretto, con le raffinate scenografie di Gary McCann, i sontuosi costumi ottocenteschi di Giada Masi, le luci ben calibrate ed efficaci di Fiammetta Baldisser e le coreografie appropriate e non invadenti firmate da Ron Howell. Sviluppato con cura, si è rivelato avvincente nell’evoluzione delle situazioni e psicologicamente profondo, presentando un protagonista turbato e alienato fin dal suo ingresso in scena. La narrazione ne ha sottolineato gli aspetti introspettivi con palesi suggestioni psicanalitiche legate alla sua infanzia, accompagnandolo così in un viaggio interiore che non poteva che concludersi tragicamente. Da segnalare, inoltre, come gli ambienti lussuosi in cui è ambientato richiamino un po’ alla memoria il celebre film diretto e interpretato da Kenneth Branagh, una delle migliori trasposizioni cinematografiche del drama shakespeariano. Di notevole impatto scenico è stata la pantomima che concludeva il secondo atto, in cui la compagnia teatrale rappresenta “Le Meurtre de Gonzague”, un omicidio che richiama fortemente quello del padre di Hamlet da parte del fratello Claudius. Enormi pupazzi mossi da figuranti, inquietanti e minacciosi, invadevano il palcoscenico come spettri pronti a giudicare e vendicare. Anche la realizzazione della parte musicale si è rivelata di notevole fattura. A cominciare dalla direzione di Jérémie Rhorer. Il direttore parigino ha diretto con grande competenza stilistica, dimostrando una straordinaria conoscenza della partitura ed evidenziandone gli aspetti tragici e romantici con una gestualità precisa e proficua. Teatralmente avvincente, la sua lettura, sicura e consapevole, ha saputo trarre il meglio dall’Orchestra del Teatro Regio. Di valore il cast allestito. John Osborn, nei panni del protagonista Hamlet, ha cantato con eleganza e trasporto. La sua tecnica sopraffina gli ha permesso di gestire con bravura le difficoltà della sua parte, sapendo essere sia spavaldo (Ô vin, dissipa la tristesse), che più intimamente travagliato (J’ai pu frapper le misérable… Être ou ne pas être!). Il suo Amleto ha convinto pienamente anche dal punto di vista caratteriale. Altrettanto convincente l’Ophélie di Sara Blanch, una vera rivelazione. Il soprano spagnolo, vocalmente sicura e commovente sulla scena, ha mostrato notevole facilità nell’affrontare la coloratura (Scena della pazzia), ma anche, e soprattutto, una pienezza timbrical che le ha consentito di essere poeticamente espressiva. Clémentine Margaine ha interpretato una Gertrude di notevole impatto, con una bella voce mezzosopranile, brunita e di rara potenza. Riccardo Zanellato nel ruolo di Claudius è stato una sicurezza. Detto del musicalissimo Laërte di Julien Henric e dello Spettro di Alastair Miles, di presenza vocale e dalla frase musicale scolpita, si segnalano le apprezzabili prove di Alexander Marev (Marcellus), Tomislav Lavoie (Horatio), Nicolò Donini (Polonius), Janusz Nosek e Maciej Kwasnikowki (primo e secondo becchino). Una parola infine anche sul Coro del Teatro Regio, molto sollecitato in quest’opera, preparato e vocalmente determinato, è stato diretto da Ulisse Trabacchin con la consueta competenza.