La Didone di Cavalli - Lussemburgo

Foto: Anna Bonitatibus Pascal Gely / Théâtres de la Ville de Luxembourg

La Didone di Francesco Cavalli, gioiello musicale del primo barocco, su libretto di Giovanni Francesco Busenello basato sul  Libro IV dell’ Eneide di Virgilio, vide la luce a Venezia nel 1641. Didone è la prima incursione di William Christie e Les Arts Florissants nelle opere di Francesco Cavalli, considerato il maestro del genere veneziano, dove la tragedia e la commedia si alternano come in un’opera di Shakespeare. Cavalli ispirò e influenzò molti compositori, come, ad esempio, Lulli, il quale è stato importantissimo nello sviluppo e nei progetti dell’ensemble francese. La serata è stata piena di soddisfazioni in ogni senso, iniciando dal golfo mistico, dove Christie dirigeva dal suo clavicembalo, e da dove giungeva un suono compatto, omogeneo, carico di leggerezza, dinamismo e musicalità. La parte scenica, coproduzione dei teatri di Caen, Lussemburgo e Champs Elysees di Parigi, è stata affidata a Clément Hervieu-Léger, che ha esaltato i contrasti della trama ponendola in un tempo indefinito, separando l’azione in due parti. La prima parte è la notte buia della distruzione di Troia, molto carica di tensioni. La seconda nella soleggiata Cartagine in ricostruzione. Eleganti costumi e un’eccellente l’illuminazione, in un costante gioco di chiaroscuri, hanno creato immagini suggestive che parevano estratte e ispirate ai dipinti del Rinascimento italiano. La parte vocale è stata assolutamente superlativa. Si stagliava su tutti il mezzosoprano Anna Bonitatibus, grande esperta del belcanto e del barocco, che ha offerto una commovente e delicata interpretazione di Didone, con un timbro chiaro, brillante ed espressivo nel suo recitar cantando.  Il tenore Kresimir Spicer è stato un bravo Enea con una voce opulenta e lirica. Di tutto il cast, vastissimo, e tutto all’altezza del grande impegno vocale, si distaccano il controtenore dal grande virtuosismo Xavier Sabata come Iarba, e la luminosità della voce del soprano Claire Debono nel doppio ruolo di Iris e di Venere. R

Grupo estadounidense "Pearl Jam" marca un concurrido y emotivo contacto con el público> chileno

Foto: Pearl Jam

Johnny Teperman

Comandados por el sempiterno Eddie Vedder, los integrantes del grupo estadounidense "Pearl Jam", celebraron sus 2 años de vida con bombos y platillos, ante más de 50 mil personas, en el Estadio Monumental, de la comuna de Macul. El reecuentro de "Parl Jam"con sus fans locales, no hizo más que confirmar, los sentimientos compartidos de afecto, en un concierto que superó las dos horas y media, con un repertorio especialmente escogido para la ocasión. La cita había empezado una hora antes, con la presentación de la agrupación californiana X, invitada por Pearl Jam para acompañarles en toda su gira Latinoamericana. Exene Cervenka (voz), John Doe (bajo y voz), Billy Zoom (guitarra) y D.J. Bonebrake (batería) subieron al escenario y ofrecieron temas como “Poor girl”, “Los Angeles” y “The Hungry Wolf”. Al cuarteto punk se le vió mucho más cómodo y seguro que en Sao Paulo (ciudad en donde partió el tour) y el público chileno los siguió con interés y gran consideración. Agradecidos por la acogida, los X hicieron subir al escenario a Eddie Vedder, quien interpretó con ellos “Devil doll”, siendo todos muy aplaudidos. Casi una hora después Vedder retornó junto a los guitarristas Mike McCready y Stone Gossard, el bajista Jeff Ament y el baterista Matt Cameron, y ante un Estadio Monumental llenísimo, los músicos de Seattle comenzaron su aguardado show, con “Unthought Known” (Backspacer, 2009), seguida por “Why go”, tema de su exitoso debu discográfico "Ten" (1991). Con las primeras 5 canciones del repertorio, la agrupación había repasado cinco etapas distintas de su trayectoria, abarcando desde su inolvidable "Génesis" hasta su lanzamiento más reciente, encarnado en la canción“Olé”. Con las 31 canciones, repartidas en tres partes, "Pearl Jam" logró convencer tanto a los menos conocedores del grupo -que esperaban los éxitos como “Alive”, “Black” y “Jeremy”-, como a los más devotos, quienes vibraron con las rarezas o temas que la banda interpreta con menos frecuencia, como su versión de “Public Image” o “Cropduster”, del subestimado Riot Act. También hubo oportunidad de homenajear a algunas de sus influencias, versionando “I Believe In Miracles” de los Ramones, y “Baba O’Riley” de The Who, entre otras. Mike McCready sorprendió como inspirado solista canciones como “Even flow” o “Yellow Ledbetter” (que marcó el adiós), mientras que Stone Gossard se descargó totalmente por completo en “Do the evolution” y Boom Gaspar (el tecladista que les acompaña desde 2002) brilla en la improvisación que adorna “Crazy Mary”, todo ello construido sobre la base rítmica de Matt Cameron y Jeff Ament. Auténticos supervivientes entre las bandas que en lo noventa fundaron el subgénero del rock conocido como grunge, un movimiento capitaneado por Nirvana, Soundgarden Alice in Chains, el conjunto de Vedder demostró que sabe reciclarse y cautivar a un respetable que lo llevo nuevamente al tope de un mágico concierto.

 

La Didone de Francesco Cavalli en Luxemburgo

Foto: Anna Bonitatibus (Didone) - Copyright Pascal Gely

La Didone, joya musical del barroco temprano, estrenada en Venecia en 1964 con libreto escrito por Giovanni Francesco Busenello quien se basó en el Libro IV de la Eneida de Virgilio, es la primera incursión de William Christie y Les Arts Florissants en el repertorio de obras del compositor Francesco Cavalli (1602-1676), considerado como el maestro del género veneciano que entrelaza la comedia y la tragedia como sucede en las obras de Shakespeare. Cavalli inspiró e influenció a  diversos compositores, tales como Lully, que tan importante ha sido en la trayectoria y el desarrollo de esta agrupación de música antigua francesa. La velada estuvo llena de satisfacciones en todos los sentidos artísticos, comenzando desde el foso, con W. Christie dirigiendo desde el clavecín, de donde emanó un sonido compacto y homogéneo, con una sensación de ligereza, dinamismo y musicalidad. La parte escénica, coproducción entre los teatros de Caen, Luxemburgo y Champs-Élysées de Paris,  fue encomendada al actor Clément Hervieu-Léger, quien en su primera puesta en escena operística, exaltó los contrastes de la obra situándola en un tiempo indefinido en el que separó la acción en dos partes: la primera que transcurre durante la oscura noche de una destruida Troya cargada de tensión; y la segunda que transcurre bajo la brillante luz solar de Cartago en reconstrucción. Con elegantes vestuarios y una iluminación contrapuesta por un juego de claroscuros, se crearon sugestivos imágenes que parecieron ser  extraídas e inspiradas en los cuadros del renacimiento italiano. Sobresaliente estuvo la parte vocal, encabezada por la mezzosoprano Anna Bonitatibus quien ofreció una conmovedora y delicada interpretación actoral como Dido  y vocalmente un timbre claro, brillante y muy expresivo en su recitar cantando.  El tenor Kresimir Spicer agradó como Eneas por su opulento y lírico timbre vocal. Del extenso elenco de cantantes que mostraron un impecable desempeñó se puede además destacar el virtuosismo del contratenor Xavier Sabata como Iarbas, y la luminosidad vocal de la soprano Claire Debono quien dio vida a los personaje de Iris y de Venus. JR

Temporada 2012 del Teatro Colón de Buenos Aires

En una conferencia Pedro Pablo García Caffi director general y artístico del Teatro Colón anunció la Temporada Lírica del 2012 que estará integrada por ocho espectáculos.La Pasión según San Marcos (2000)

Música de Osvaldo Golijov

Basada en el Evangelio según San Marcos, los Salmos, las

Lamentaciones de Jeremías y poesía española

Encargo de la Internationale Bachakademie por el 250º aniversario de la muerte de Bach

Estreno argentino

Director musical: María Guinand

Coro: Schola Cantorum de Venezuela

Solistas del Coro: Virginia Largo, Ana María Raga y Elizabeth Maldonado

Orquesta “La Pasión” (metales y percusión)

Orquesta Estable del Teatro Colón (cuerdas)

Principales intérpretes: Biella Da Costa / Jessica Rivera / Luciana Souza / Reynaldo González-Fernández / Giaconda Cabrera / Manolo Mairena

Miércoles 14 (GA), jueves 15 (ANT), sábado 17 (ANN) y domingo 18 de marzo (AV)

La forza del destino Ópera en cuatro actos (Versión de 1869)

Música de Giuseppe Verdi

Libreto de Francesco Maria Piave, basado en Don Álvaro o la

fuerza del sino, del Duque de Rivas

Director musical: Renato Palumbo

Director de escena: Hugo De Ana

Diseño de escenografía, iluminación y vestuario: Hugo De Ana

Principales intérpretes: Dimitria Theodossiou / Angela Marambio / Ricardo Massi / Emmanuel Villarosa / Lucas Salsi / Fabian Veloz / Roberto Scandiuzzi / Paola Battaglia / Agnes Zwierko / María Lujan Mirabelli / Luis Gaeta / Luciano Miotto

Después de 25 años vuelve al escenario del Colón uno de los títulos más importantes de la producción verdiana. Con la intensidad propia de los dramas románticos españoles, su estreno llevó a Verdi al corazón de Rusia. Revisada después y con una obertura que se haría célebre, esta ópera desafía toda superstición para conmover hasta la médula con la forza del gran italiano.

Domingo 22 (AV), martes 24 (GA), jueves 26 (ANT) y sábado 28 de abril (ANN). Miércoles 2 y viernes 4 de mayo (FE)

Edipo (Oedipe) Ópera en cuatro actos (1936) Música de George Enescu

Libreto de Edmond Fleg, basado en Edipo Rey y Edipo en Colono de Sófocles. Coproducción del Teatro Colón de Buenos Aires con el Teatro Real La Monnaie de Bruselas, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Ópera Nacional de París

Estreno argentino

Director musical: Ira Levin

Director de escena: Alex Ollé

Colaborador del Director de escena: Valentina Carrasco

Diseño de escenografía: Alfons Flores

Diseño de vestuario: Lluc Castels

Diseño de Iiuminación: Peter Van Praet

Principales intérpretes: Andrew Schröder / Natasha Petrinsky / Robert Bork

Una de las historias fundantes de nuestra civilización cobra nueva vida de la mano de un compositor extraordinario del siglo XX: el rumano George Enescu. Estrenada en París en 1936, la obra fue luego olvidada para comenzar en la última década un revival del que el Colón no podía estar ausente. Es la primera ópera que relata la vida mítica de Edipo desde su nacimiento hasta su muerte, y lo hace con plumamaestra y profundo impacto dramático. La concepción de los artistas de La Fura dels Baus promete un envío de alto impacto.

Martes 29 de mayo (GA), viernes 1 (ANT), domingo 3 (AV) y martes 5 de junio (ANN)

RinaldoÓpera en tres actos (1711)

Música de Georg Friedrich Händel Libreto de Giacomo Rossi, basado en Aaron Hill, inspirado en la Jerusalén liberada, de Torquato Tasso

Versión de Concierto

Estreno argentino

Director musical: Martín Haselboeck

Principales intérpretes: Franco Fagioli / Verónica Cangemi / Inessa Galante / Daniel Taylor / Victor Torres

El gran maestro del revisionismo histórico Martin Haselboeck estará en el podio de la primera ópera italiana escrita por un alemán para el público inglés. Con evidente vocación internacional, Händel desarrolla una historia de amor, guerra y salvación en la época de la primera Cruzada con todo el espectacular vértigo de la mejor música barroca. A trescientos años de su estreno, Rinaldo vuelve a vivir en el Colón.

Martes 12 (GA), viernes 15 (ANT), domingo 17 (AV) y martes 19 de junio (ANN)

Erwartung (Expectativa) Ópera en un acto (1909, estrenada en 1924)

Música de Arnold Schönberg

Libreto de Marie Pappenheim

Director musical: Baldur Brönimann

Director de escena: Pedro Pablo García Caffi

Realización visual, diseño de iluminación y vestuario: Pedro Pablo García Caffi

Intérprete: Evelin Herlitzius

Hagith Ópera en un acto (1913, estrenada en 1922)

Música de Karol Szymanowski Libreto de Felix Dörmann, basado en el Libro de los Reyes de la Biblia

Estreno argentino

Director musical: Baldur Brönimann

Director de escena / Diseño de vestuario: Michal Znaniecki

Diseño de escenografía y proyecciones: Luigi Scoglio

Escenógrafo: Luigi Scoglio

Asistente de escenografía y dirección de escena: Zofia Dowjat

Diseño de vestuario: Joanna Medynska

Iluminación y proyecciones: Bogumil Palewicz

Principales intérpretes: Ewa Biegas / Roy Stevens / Christian Baumgärtel

La vanguardia se hace presente en la temporada lírica con dos títulos breves de alta concentración dramática. Erwartung supone la espera tensa de una mujer, que se expresa a través de un desesperado monólogo, la representación en cámara lenta de la excitación espiritual que puede encerrarse en apenas un segundo de vida. Hagith, en ocasiones comparada a la Salomé de Strauss, narra la historia del anciano Rey David enfrentado a la posibilidad de un amor joven que también es el de su hijo, el futuro rey Salomón. Todo se encamina hacia un desenlace brutal que dejará al espectador profundamente interpelado.

Domingo 22 (AV), martes 24 (GA), jueves 26 (ANT) y sábado 28 de julio

I due Figaro o sia Il soggetto di una commedia (Los dos Fígaros, o El tema de una comedia)

Ópera en dos actos (1826, estrenada en 1836)

Música de Saverio Mercadante Libreto de Felice Romani

Coproducción: Festival de Ravenna, Festival de Salzburgo y Teatro Real de Madrid

Estreno argentino

Director musical: Riccardo Muti

Director de escena: Emilio Sagi

Diseño de escenografía: Daniel Bianco

Diseño de vestuario: Jesús Ruiz

Diseño de iluminación: Eduardo Bravo

Diseño coreográfico: Nuria Castejón

Principales intérpretes: Antonio Poli / Asude Karayavuz / Rosa Feola /Annalisa Stroppa / Mario Cassi / Eleonora Buratto / Anicio Zorzi Giustiniani / Omar Montanari

Orchestra Giovanile Luigi Cherubini

Philharmonia Chor Wien

Maestro del coro: Walter Zeh

Pianoforte: Speranza Scappucci

El napolitano Riccardo Muti dirigirá ópera por primera vez ópera en el Colón y nada menos que con el rescate de una de las partituras de su coterráneo Saverio Mercadante. A partir del manuscrito descubierto en la Biblioteca de Madrid por el musicólogo Paolo Cascio, I due Figaro, estrenada en la capital española, vuelve a recorrer el mundo llevando la nostalgia italiana en clave de comedia. En ella, Inés, hija del Conde y la Condesa, se enamora de Cherubino, que hará todo por casarse con ella, inclusive cambiar su identidad...Reestrenada en los festivales de Ravenna y de Pascua de Salzburgo, la producción integral comandada por el maestro Muti llega a Buenos Aires para dar nueva vida a Figaro, Susanna, Cherubino y tantos personajes entrañables de la ópera de Mozart, de la cual este Due Figaro es una vibrante continuación.

Martes 28 (GA), jueves 30 de agosto (ANT), sábado 1 (ANN) y domingo 2 de septiembre (AV)

La Cenerentola (La Cenicienta) Ópera en dos actos (1817)

Música de Gioachino Rossini Libreto de Giacopo Ferretti

Director musical: Bruno Campanella

Director de escena: Sergio Renán

Diseño de escenografía: Emilio Basaldua

Diseño de vestuario: Gino Bogani

Diseño de animación: Alvaro Luna

Principales intérpretes: Serena Malfi / Kenneth Tarver / Gustavo De Gennaro /Aris Argiris / Carlo Lepore / Luciano Miotto / Marisú Pavón / Florencia Machado / Mónica Sardi / Carlos Esquivel / Fernando Radó

La historia de la Cenicienta cobra en manos de Rossini un sabor burbujeante. Modelada en tres semanas, por un autor de veinticinco años que acaba de triunfar con El barbero…, nuestra heroína promete las más bellas melodías, un humor ligero y una trama caprichosa que atrapará al espectador bajo la guía de uno de nuestros más imaginativos directores de escena: Sergio Renán.

Martes 25 (GA), viernes 28 (ANT) y domingo 30 de septiembre, (AV). Miércoles 3 (ANN) y viernes 5 de octubre (FE)

“Colón ~ Ring”

Versión compacta de 7 horas en una sola función de El anillo del Nibelungo en la víspera del bicentenario del nacimiento de Richard Wagner

Adaptación musical: Cord Garben

Producción General Artística y Escenotécnica

Teatro Colón de Buenos Aires

Estreno mundial: 27 de noviembre de 2012

Dirección Musical: Julien Salemkour

Dirección Artística y Dirección de Escena: Katharina Wagner

Una propuesta original para la vocación internacional de nuestro Teatro

El Teatro Colón de Buenos Aires, con sus cuerpos estables, su producción propia y una vasta tradición en el repertorio wagneriano, ofrecerá este innovador proyecto que da inicio a las celebraciones del bicentenario de Richard Wagner. No en vano fue escogido el Teatro Colón para este lanzamiento. En el Teatro Colón la obra de Richard Wagner ocupó ciertamente un lugar de privilegio, por lo tanto es una lógica plataforma para una nueva y original propuesta wagneriana, que, además, se inscribe en la vocación internacional de nuestro teatro y en la firme decisión de reconquistar un espacio para las programaciones innovativas y de mayor

personalidad en el circuito de la lírica nacional e internacional.

27 de noviembre (GA), 30 de noviembre (ANT), 2 de diciembre (AV), 4 de diciembre (ANN)

RICHARD WAGNER “EL ANILLO DEL NIBELUNGO” (en la adaptación de Cord Garben)

La ejecución de El oro del Rin, reducida a 71 minutos, se introduce en la 2° escena del Acto II de La Valkiria, donde Wotan le cuenta a Brunilda sobre los acontecimientos sucedidos en El oro del Rin y la única vez en que suena en motivo del Rin durante La Valkiria. Primera parte (14:30 a 16:00)

Comienzo 2º acto La valkiria (Die Walküre) El oro del Rin (Das Rheingold)

(como racconto) Intervalo: 30’ (Café, té, bocados). Segunda parte (16:30 a 18:00) Primer acto La valkiria (Die Walküre) (racconto) Segundo acto La valkiria (Die Walküre) (continuación) Tercer acto La valkiria (Die Walküre Intervalo 60’ (Buffet froid) Tercera parte (19:00 a 20:30)

Sigfrido (Siegfried) Intervalo 30’ (Café, té, bocados) Cuarta parte (21:00 a 22:50) El ocaso de los dioses (Götterdämmerung)

Repartos El oro del Rin. Wotan JukkaRasilainen Loge Stefan Heibach Alberich Andrew Shore

Mime Kevin Conners. Fafner Rafal Siwek. Freia Sonja Mühleck. Woglinde Silja Schindler Flosshilde Bernadett Fodor. La Valkiria Siegmund Torsten Kerl / Leonid Zakhozhaev. Wotan Jukka Rasilainen. Sieglinde Marion Ammann. Brunnhilde Linda Watson. Fricka Simone Schröder. Hunding Daniel Sumegi. Gerhilde Sonja Mühleck. Helmwige Sabine Hogrefe. Ortlinde Silja Schindler. Waltraute Susanne Geb. Rossweisse Manuela Bress. Grimgerde Uta Georg. Schwertleite Bernadett Fodor. Sigfrido. Siegfried Leonid Zakhozhaev. Mime Kevin Conners. Wanderer (Wotan) Jukka Rasilainen. Brunnhilde Linda Watson / Sabine Hogrefe

Alberich Andrew Shore. Fafner (Dragón) Rafal Siwek. Pájaro de la foresta Silja Schindler. El ocaso de los dioses. Siegfried Leonid Zakhozhaev. Hagen Daniel Sumegi. Brunnhilde Linda Watson / Sabine Hogrefe. Waltraute Susanne Geb. Gutrune Sabine Hogrefe / Sonja Mühleck

Woglinde Silja Schindler. Wellgunde Uta Georg. Flosshilde Bernadett Fodor. Alberich Andrew Shore

“Colón ~ Ring” Dirección Artística y Dirección de Escena Katharina Wagner. Adaptación

Cord Garben. Dirección Musical. Julien Salemkour, Diseño de escenografía: Frank Schlössmann. Diseño de vestuario: Thomas Kaiser

MESSA DA REQUIEM capolavoro di musica sacra di Giuseppe Verdi, Festival Verdi 2011. Parma - Teatro Farnese

Foto: Festival Verdi 2011

Giosetta Guerra

MESSA DA REQUIEM capolavoro di musica sacra di Giuseppe Verdi. 8 ottobre 2011. La recita dei premiati. Francesco Meli salva la replica

Il Coro e l’Orchestra del Teatro Regio di Parma, diretti rispettivamente dal M° Martino Faggiani e dal M° Yuri Temirkanov, e quattro solisti del calibro di Francesco Meli, Dimitra Theodossiou, Sonia Ganassi, Riccardo Zanellato hanno eseguito la Messa da Requiem (meglio dire Messa di Requiem) di Verdi in un teatro splendido di Parma solitamente riservato alle visite turistiche per la sua particolarità, il Teatro Farnese. Situato al primo piano del Palazzo della Pilotta, il Teatro Farnese nacque nel 1619 per volontà di Ranuccio I, duca di Parma e Piacenza e fu inaugurato nel 1628, in occasione delle nozze tra Margherita de' Medici e il duca Odoardo, con lo spettacolo allegorico-mitologico "Mercurio e Marte" (musiche di Claudio Monteverdi su testo di Claudio Achillini). Progettato dall'architetto ferrarese Giovan Battista Aleotti detto l'Argenta, il teatro fu costruito con materiali leggeri come il legno e lo stucco, che furono poi dipinti, nella vecchia "Sala d'arme", un grande "salone" con pianta ad U, circondata da quattordici gradoni che potevano ospitare oltre tremila spettatori. Dati i costi e la complessità degli allestimenti scenici, il teatro fu utilizzato solo nove volte, l’ultima nel 1732, poi il degrado e l’oblio fino alla semi distruzione delle parti lignee e di gran parte delle statue in stucco a causa dei bombardamenti del 1944. Fu ricostruito nel 1956 secondo il disegno originario, ma le parti lignee, in origine completamente decorate, furono lasciate grezze. Ma torniamo alla serata. L’ambiente è molto suggestivo, il colore e il calore della struttura lignea, accarezzati dal dialogo iniziale in pianissimo delle due sezioni del coro (maschile e femminile) sottolineato dalla delicatezza degli archi e di un violoncello in sordina e l’alternarsi delle voci soliste nel Kirie creano un coinvolgimento viscerale che durerà fino alla fine.

Poi la polverizzazione del silenzio con l’esplosione del Dier irae, straordinaria e desolante rappresentazione della vita offesa, con un vigore quasi violento martellato dalle percussioni, seguito da un rallentando fino al pianissimo, esplosione che si ripete nel Sanctus e si ritrae nel suono sommesso dell’orchestra e del canto a mezza voce di coro e solisti nell’invocazione dell’Agnus Dei, per approdare nella vetta della grande pagina del Libera me Domine (che Verdi aveva già composto per il finale di quella Messa di Requiem collettiva per la morte di Rossini mai presentata al pubblico), perorazione cantata da un soprano ispirato e sussurrata dal coro sopra un suono orchestrale coinvolgente. La lettura di Yuri Temirkanov, il maestro di San Pietroburgo, rientra nel calore e nelle linee smussate del teatro con tempi musicali distesi e rigorosi; l’Orchestra di cinquanta elementi e il Coro (37 maschi e 30 femmine preparati da Martino Faggiani, impressionante il suono denso, pieno, cupo dei bassi) del Teatro Regio di Parma rispondono con la nota professionalità. Per la parte vocale un vivo ringraziamento va rivolto al tenore Francesco Meli che tra due recite di Un ballo in maschera ha sostituito Roberto Aronica indisposto. Ed ha trionfato anche qui. La sua voce si espande con pulizia e lucentezza e le sue soavissime mezze voci sono sonore anche in un teatro che non ha un’acustica ideale, l’accurato modo di porgere ed ovviamente la qualità del mezzo vocale gli danno sicurezza sia nella melodiosità del canto sfumato sia nell’esuberanza del canto a piena voce.  La voce del basso Riccardo Zanellato (che ha ritrovato una forma fisica splendida) è talmente bella che ne vorresti sentire di più: calda, rotonda, ampia, ferma nella tenuta del suono, morbida nell’emissione, note gravi di grande rilievo, ottima la tecnica di canto, ma un pizzico di volume in più non avrebbe guastato. Sonia Ganassi è musicista raffinata e brava fraseggiatrice, l’eccellente tecnica di canto le consente di gestire bene una vocalità luminosa nei suoni acuti e negli slanci, sensibile nei pianissimi e nelle ottime modulazioni, un po’ cupa nella zona media, ma sicura nei gravi. Dimitra Theodossiou, eletta quest’anno Regina del Melodramma, si è distinta per la melodiosità del suono, lunghissimi fiati, filati celestiali, delicati pianissimi e possenti acuti a voce piena. A lei il compito di chiudere col “Libera me domine”, tra le ovazioni del pubblico per tutti gli artisti.  Incredibile ma vero: Theodossiou, Ganassi, Meli, Zanellato, Faggiani, Coro hanno avuto il Premio Tiberini.

Macbeth de Verdi: Muy buen cierre de Temporada de Buenos Aires Lírica

Fotos: Liliana Morsia

Dr. Alberto Leal

Macbeth Muy buen cierre de Temporada de Buenos Aires Lírica  BUENOS AIRES LIRICA Macbeth – Giuseppe Verdi. Libreto de Francisco María Piave 11-11-11 Dirección Musical: Javier Logioia Orbe. Puesta en Escena: Fabian von Matt. Diseño de Escenografía: Nicolás Boni. Vestuario: Daniela Taiana . Director de Coro: Juan Casasbellas. Orquesta y Coro: Buenos Aires Lírica. Macbeth, general del ejército del rey Duncan: Luis Gaeta. Lady Macbeth, su esposa: Mónica Ferracani. Banco, general del ejército del rey Duncan: Christian Peregrino. Macduff, noble escocés: Arnaldo Quiroga. Dama de Lady Macbeth: Sabrina Cirera. Malcolm, hijo de Duncan: Nazareth Aufe

Macbeth, espléndida ópera de Verdi, siempre trae aparejado un riesgo debido a su dificultad vocal, musical y escénica. Buenos Aires Lírica la eligió para cierre de su actual temporada, siendo la segunda vez que es parte de una de las mismas, la anterior fue en 2004. Estrenada originalmente en el Teatro della Pergola de Florencia el 14 de marzo de 1847, con notable suceso, fue reelaborada por el Maestro para París, donde fue estrenada – en francés - en el Teatro Lírico Imperial el 21 de abril de 1865. Luego fue traducida al italiano y estrenada en el Teatro alla Scala de Milán en 1874 y es la versión que se representa habitualmente. Tal vez los casi 20 años que pasaron desde su estreno original y su reedición en 1865 la tornan una opera mucho más lejana en estructura a otros títulos contemporáneos del autor. Ya en 1865 se encontraba en plena madurez creativa, y los cambios introducidos para la versión francesa – luego traducidos al italiano – ballet incluido, la convierten en una obra única y con un valor dramático notablemente. Todo nos lleva a pensar que trató de dejar las convenciones de lado - tanto musical como dramáticamente - acercándose lo más posible a su admirado Shakespeare, en su primer trabajo basado en forma directa en el dramaturgo inglés. Aquí no hay una historia de amor - tradicional en la época - ni un tenor con papel preponderante. Luego de su estreno en la Scala fue olvidada o poco frecuentada por muchos años pero, a partir de su estreno en el Metropolitan en 1959 se ha convertido en una ópera de repertorio en los principales teatros del mundo, cosa totalmente lógica debido a sus méritos. Buenos Aires Lírica presentó una muy buena versión, considerando que fue representada por un elenco totalmente local.  El Maestro Javier Logioia Orbe dirigió la Orquesta con buenos tiempos, algunos pequeños desajustes serán seguramente corregidos con el correr de las funciones. Tal vez un poco más de dramatismo verdiano hubiera favorecido la versión. La Orquesta respondió en buena forma y solo es la lamentar algunos momentos de desajuste con el Coro. Pero en general fue un trabajo profesional y positivo. Dentro de una bella y despojada escenografía de  y excelente vestuario de Daniela Taiana, con la cualidad de dar época y lugar solo con pequeños detalles, el responsable de la puesta en escena, Fabian von Matt combinó aciertos y desaciertos.

Desde el primer cuadro, donde cumpliendo con lo que dice Shakespeare empleó tres bailarinas para el cuadro de las brujas, cantando el coro en forma interna, lo que no deja de tener su interés en acercarse a la obra original, pero por otro lado hubo notables marcaciones caprichosas, escenas que el espectador no puede ver, solo imaginar y un notable abuso del telón transparente de boca lo mismo que las rejas. Tampoco creo, conociendo a los cantantes, que la marcación de los mismos fuera la más adecuada. Lo vocal tiene un papel súper importante en esta obra y el nivel de calidad nunca bajó de lo efectivo.Mónica Ferracani en el temible papel de Lady Macbeth, sigue siendo para mí una soprano lírica con un volumen y extensión fuera de lo común. Recorrió la partitura sin mayores problemas aparentes y fue correcta como actriz, aunque faltó algo más de ferocidad que el rol requiere. Algunos agudos de escucharon algo tirantes, pero cantar Lady Macbeth como está escrito es desde ya un gran mérito que debe ser valorado. Su voz no coincide con lo que pedía Verdi “Quiero una Lady con la voz áspera, sofocada, sombría “. Pero su prestación en general fue ampliamente meritoria, reconocida por el público asistente y uno de sus mejores trabajos que le he visto en lo personal. Luis Gaeta nunca ha tenido la voz para Macbeth, ya que es un barítono lírico. Pero siempre ha sabido compensar, cuando aborda roles más dramáticos, con su excelente nivel actoral. Creo que el viernes pasado no se encontraba en su mejor forma vocal. Logró emocionar en algunos pasajes pero su canto careció de los matices a los que nos tiene acostumbrados y su actuación fue correcta, cosa rara en un actor de su envergadura. Aquí surge – como siempre – cuanto es debido a la marcación y cuanto al artista. Pero un cantante con su trayectoria y todo lo que nos ha brindado nunca defrauda, podrá estar más o menos brillante, pero siempre es una garantía dentro de cualquier elenco. Christian Peregrino, con su hermosa voz de bajo, su impecable línea de canto y su sobriedad como actor fue sin duda la figura más completa del reparto. Además, ayudado por su excelente presencia, fue un hallazgo en sus apariciones mudas en el resto de la representación. Y se convirtió en el personaje más creíble de la representación. Bravo! Arnaldo Quiroga desplegó sus dotes de tenor lírico, canto franco, sin problemas técnicos y con segura afinación. Tal vez su estilo fue algo más verista de lo requerido, pero su desempeño fue positivo para la representación. Nazareth Aufe fue un excelente Malcolm, y manteniendo el mismo nivel de excelencia el resto del reparto. Por momentos excelente el desempeño del Coro, si no lució más en algunos fragmentos, creo que la puesta en escena fue determinante. Un muy buen cierre de temporada, una obra que por sus valores y el nivel de representación debe ser vista. No tenemos Macbeth con mucha frecuencia y esta versión no es para desaprovechar. Muy buen cierre de Buenos Aires Lírica.

El Murciélago (Die Fledermaus) de Johann Strauss Brillante cierre de temporada de Juventus Lyrica

Foto: Liliana Morsia

 

Alberto Leal

El Murciélago Brillante cierre de temporada de Juventus Lyrica El Murciélago (Die Fledermaus) de Johann Strauss (h) Libreto de RICHARD GENÉE Y KART HAFFNER. Intérpretes: Rosalinde Macarena Valenzuela. Adele Laura Polverini. Eisenstein Mariano Spagnolo. Príncipe Orlofsky Griselda Adano. Alfred Sebastián Russo. Dr. Falke Ernesto Bauer. Frank Fernando Álvar Nuñez. Dr. Blind Hernán Sánchez Arteaga . Ida Claudia Montagna. Frosch Carlos Kaspar. Orquesta Académica de Buenos Aires, Coro de Juventus Lyrica . Director: Carlos Calleja . Escenografía: Daniel Feijóo. Preparación y Dirección escénica: Ana D’Anna .Vestuario: María Jaunarena

Con una deliciosa versión de la clásica opereta “El Murciélago”, Juventus Lyrica dio cierre a su temporada anual. Sin dudas es la opereta más famosa y representada en el mundo y cuya extensa obertura es una pieza fundamental para el público en general. La versión, cantada completamente en idioma original, cosa que no pasaba hace un tiempo en nuestro país, donde las operetas eran cantadas en español o por lo menos las partes habladas, generando siempre un sabor a zarzuela, es el primer mérito de los muchos que esta puesta posee. Desde el principio se siente que ha sido concebida con libertad, como ocurre con el género en cualquier gran teatro del mundo, se ha incluido – cosa no habitual en nuestro medio, pero si en el resto del mundo, invitados en la fiesta del Príncipe Orlofsky y se vio en todo momento el disfrute de los cantantes durante la representación. El Maestro Carlos Calleja brindó una versión siempre en estilo, con excelentes tiempos y muy buen balance entre foso y escenario. La Orquesta, más allá de algunos pequeños desajustes respondió de manera muy positiva. Daniel Feijóo creó una escenografía simple pero efectiva, notablemente despojada, muy agradable a la vista y dejando un muy buen espacio para el movimiento de los cantantes. Ana D’Anna – en uno de sus mejores trabajos del último tiempo – se permitió las licencias válidas aceptadas en este tipo de obras. Gags inteligentes y con fuerte repercusión por parte del público asistente, agregando con acierto a los guiños escritos por el compositor tanto en el papel de Alfred como en la Gala. María Jaunarena diseñó un vestuario aggiornado en la época, pero de notable buen gusto y que permitió a los cantantes moverse con mayor comodidad.

Un excelente grupo de cantantes – actores dieron brillantez a esta versión. Macarena Valenzuela aportó la belleza de su voz, con un canto de notable afinación y estilo. Se movió muy bien en lo actoral, además de aportar su excelente figura. Un muy buen trabajo y donde pareció sentirse vocalmente más cómoda que en la Leonora de Il Trovatore de principio de este año.Mariano Spagnolo poseedor de excelentes dotes de comediante, generó un excelente Eisenstein. Canto con buena voz y volumen, un rol creado originalmente para tenor pero que en general es cantado por barítonos. Sebastián Russo lució una bella voz de tenor, una notable vena cómica y su actuación fue un pilar en el primer acto. Solo debería trabajar más el sector grave de su voz, donde no logra mantener el volumen del resto de su registro. Pero su trabajo como un todo fue notable. Laura Polverini como Adele cantó en forma excelente, su voz va creciendo en volumen sin perder su facilidad para la coloratura. A la belleza de su voz le unió su impecable técnica y fue correcta como actriz. En lo personal creo que, por temperamento, la prefiero para roles dramáticos. Ernesto Bauer como Dr. Falke brindó la mejor prestación que he visto de este artista. Cantó con total corrección, se movió con gran desenvoltura durante todo el tiempo que estuvo en escena y hasta bailó con notable facilidad. Siempre me ha parecido un cantante correcto pero algo “acartonado”, aquí mostró total soltura y compuso un personaje sumamente creíble y una figura adecuada. Solo espero que siga en esa línea. Griselda Adano como el Príncipe Orlofsky unió buen canto a un excelente desempeño actoral, logrando hacer totalmente creíble su papel, cosa que no es fácil. Muy buenas prestaciones del resto del elenco como así mismo del Coro, que cantó y actuó en forma muy positiva. Un párrafo especial para la sorpresiva Gala en la fiesta del Príncipe Orlofsky. Fue absolutamente placentero ver a un artista de los quilates de Gui Gallardo cantando la Serenata de Mefistófeles del Fausto de Gounod, a Darío Schmunk, quien con gran línea de canto se lució la bella aria de Martha de Flotow, pero sobre todo la sorpresa de ver a Soledad de la Rosa, una de las mejores voces de nuestro medio, cantar con onda emoción el tango “Nostalgias”, llevándose la mayor ovación a telón abierto. Un brillante cierre de temporada, donde se vio claramente el trabajo y la dedicación brindada. Bravo! Y que sea un adelanto de lo que podemos esperar de la temporada futura.

Fedra - Ópera comisionada por el Teatro Colón

Fotos: Teatro Colon de Buenos Aires

 

Christian Lauria

 

FEDRA Ópera comisionada por el Teatro Colón. Música de Mario Perusso , Compositor residente del Teatro Colón. Libreto de Marcelo Perusso. Estreno Mundial. ELENCO FEDRA Alejandra Malvino HIPÓLITO Marcelo Puente. TESEO Leonardo Estévez. LA NODRIZA Haydee Dabusti  ARICIA Daniela Tabernig SELENE Florencia Machado HÉCATE Alicia Alduncín TERÁMENES Gustavo Feulien ORQUESTA ESTABLE DEL TEATRO COLÓN Director: Mtro. Mario Perusso. Director de escena, escenografía y vestuario: Marcelo Perusso Coreografía: Guillermina Tarsi. Iluminación: Rubén Conde Función del 26 de Octubre de 2011, Teatro Colón de Buenos Aires

 

BUENAS NUEVAS Asistir a un estreno mundial es siempre un acontecimiento y más aún si se trata de una ópera argentina. La creación lírica nacional resulta siempre una rareza y debe luchar con las prevenciones de un público remiso a valorar lo propio y a Teatros que por lo menos resultan en exceso cautos a la hora de programar títulos de nuestros creadores. Las razones pueden ser diversas y no faltarán quienes cuestionen hasta dónde es posible la creación de óperas “nacionales” o al menos hasta dónde llega ese calificativo. Por mucho tiempo se asoció lo nacional sólo a piezas de inspiración folklórica y se condenó a un segundo orden a aquellas que presentaran una orientación más internacionalista considerándolas meros remedos, demasiado cercanas a corrientes ajenas a nuestra identidad. Marechal solía decir que el Arte argentino habría alcanzado su madurez cuando fuera capaz de mostrar algo tan internacional como una rosa pero haciéndolo como sólo un argentino pudiera hacerlo, con una mirada así de propia, así de única. Pareciera que el Maestro Perusso ha seguido por esa senda al recurrir para su última creación lírica a una de las historias míticas más conocidas y más consustanciadas con la cultura de occidente, la historia de Fedra. Esta mujer y su tragedia nos remite ineludiblemente a la Grecia antigua que le dio origen, pero también a las miradas que sobre ella nos brindaron los franceses, de Racine en adelante, y los italianos, por sólo citar dos casos. Pocos personajes mitológicos llegaron a nosotros a través de un prisma tan cosmopolita y tal vez ese cosmopolitismo sea una de las características más propias de los argentinos. De allí que hablar de Fedra es hablar del personaje en una ubicación espacio temporal precisa, pero también es una manera de hablar de nosotros mismos y del hombre y la mujer en general rodeados de sus dramas y agonías. La obra que subió al escenario del Colón tiene diversos aciertos partiendo de una lograda estructura dramática, no siempre acompañada por el texto que en algunos puntos se vuelve demasiado retórico, pero que sabe generar una progresión de la acción que se desarrolla sin fisuras y nos lleva a una conclusión no por previsible menos estremecedora.

A este basamento literario el Mtro. Perusso supo nutrirlo con una partitura que resulta interesante en general y espléndida en varias de sus escenas clave. Sin caer en el atonalismo pleno, el compositor sabe moverse con una libertad que, sin embargo, no desdibuja la esencia de la concepción musical. La modernidad del planteo no es un dogma sino un medio. No rehuye los momentos líricos como tampoco las pinceladas expresionistas. Sabe lograr que la música cobre un protagonismo revelador en escenas donde se vuelve la cronista de los sentimientos y sensaciones de los personajes más allá del texto (algo así como lo que nos planteaba Wagner ) y si un reparo pudiera hacérsele es que ese nivel de logro no siempre se mantenga a la misma altura. La puesta que hemos apreciada resultó en todo sentido inspirada. No hubo detalle sin tener en cuenta y cada elemento utilizado se puso al servicio del todo con tal nivel de belleza y coherencia que no podemos menos que decir: Bravo! La escenografía estupendamente iluminada creó el ámbito referencial propicio para el desarrollo de la acción lo mismo que el vestuario que, sin pretender recreaciones historicistas optó por aludir y acentuar la modernidad de los clásicos que no pierden vigencia. Otro acierto fue la coreografía que se lució en algunas escenas e intermedios. En lo referente a los cantantes hemos visto un aceitado trabajo en equipo para una obra que presenta parejas exigencias a protagonistas y co-protagonistas los que supieron estar a la altura de las dificultades y salieron airosos del desafío. Alejandra Malvino creó una Fedra deslumbrante, plena de una dramaticidad que fue in crescendo conforme se desarrolló el drama al que sirvió con una voz rica, pareja en todo el registro, de clara dicción y segura emisión. Inolvidables su escena final del I° Acto, la escena con Aricia en el II° Acto y el monólogo final que cierra la obra. El Hipólito de Marcelo Puente fue interpretado con acierto y cantado con una voz que superó una tesitura que se vuelve por momentos cruel. Su limpio fraseo, su caudal y su timbre resultaron armas de buen cuño para darle carnadura al héroe. Haydee Dabusti interpretó una nodriza interesantísima. Segura en los agudos, incisiva en la lectura del texto, con una voz que corre sin fisuras y una vena dramática cada vez más refinada. Su presencia fue sinónimo de calidad. En el rol de Teseo, Leonardo Estévez mostró sus méritos y supo sacar provecho a escenas que corren el riesgo de volverse anodinas si no se las trabaja a conciencia. Daniela Tabernig lució en Aricia su espléndido timbre, su registro parejo, su línea llena de matices y se confirmó una vez más como una de nuestras mejores sopranos. Muy bien Florencia Machado y Alicia Alduncín como Selene y Hécate, y otro tanto puede decirse de Gustavo Feulien. La Orquesta Estable tuvo una noche digna de sus méritos y respondió a la dirección del compositor con eficiencia y talento. Un nuevo título se suma al patrimonio musical argentino, un elenco de artistas nacionales de primerísimo nivel que merecen un lugar cada vez más destacado y un reconocimiento acorde a sus méritos, una puesta que hizo gala de buen gusto… Comprenderás lector que tengamos esperanzas en nuestro arte ante tantas buenas nuevas…