Götterdämmerung - Teatro alla Scala, Milano

Foto: Marco Brescia & Rudy Amisano

 

Massimo Viazzo

 

El ultimo capitulo de la Tetralogía wagneriana firmada por Guy Cassiers ha confirmado sustancialmente las impresiones positivas suscitadas en la ediciones anteriores.  Haciendo uso, aunque no abuso, de la tecnología, siempre virtuosas las proyecciones de video elaboradas por el dúo de Arjen Klerkx y Kurt D'Haeseleer, captaban imagines muy sugestivas, por momentos y en otros antropomorfas- y del lenguaje de coros y danzas (verdaderamente sorprendente en Wagner! Con mimos y bailadores que encontraron su mejor expresión bajo la cubierta del “timón mágico”, tan vivo, tangible y respirante, el director de escena belga captó su  mejor momento justo en la escena épica de la conclusión de la opera, bastante envolvente y emocionante. Formidable estuvo la Brunhilde de Irene Theorin, vocalmente segura y de gran temperamento. Generoso y sólido el Siegfried de Lance Ryan aunque cantó con un timbre pobre de colores y un fraseo uniforme. Mihhail Petrenko personificó un Hagen menos “negro” de lo normal, mientras que el Gunther de Gerd Grochowski fue cantado con la sutileza de un liederista. No particularmente seductor en su timbre estuvo la Gutrune de Anna Samuil, mientras que Waltraud Meier dio su habitual gran lección de canto wagneriano con una Waltraute de antología, aturdida y conmovida. Completaron el elenco el experto Alberich de Johann Martin Kraenzle y sus dos afiatados tercios de Nornas y HIjas del Reno (aun con Maier y Salmuil).  Dinámica y óptima por paso teatral y por variedad de fraseo fue la dirección de Karl-Heinz Steffans quien sustituyó a un indispuesto Daniel Barenboim.

Götterdämmerung - Teatro alla Scala, Milano

Foto: Marco Brescia & Rudy Amisano

 

Massimo Viazzo

L’ultimo capitolo della Tetralogia wagneriana firmata da Guy Cassiers ha confermato sostanzialmente le positive impressioni suscitate dalle giornate precedenti. Facendo uso, ma non abuso, della tecnologia - sempre virtuosistiche le proiezioni video elaborate dalla coppia Arjen Klerkx e Kurt D'Haeseleer, proiezioni che sapevano imprigionare immagini molto suggestive, a volte astratte a volte antropoforme - e del linguaggio coreutico (decisamente sorprendente in Wagner!) con mimi e danzatori che trovavano la loro miglior espressione sotto le spoglie dell’ “elmo magico”, mai così vivo, tangibile, respirante, il regista belga ha colto il suo momento più riuscito proprio nell’epica scena conclusiva dell’opera, assai coinvolgente ed emozionante.   Formidabile la Brunilde di Irene Theorin, vocalmente sicura e di grande temperamento. Generoso e solido il Siegfried di Lance Ryan che però ha cantato con una timbrica povera di colori e un fraseggio uniforme. Mikhail Petrenko ha impersonato un Hagen meno “nero” del solito, mentre il Gunther di Gerd Grochowski era cantato con la sottigliezza del liederista. Non particolarmente seducente timbricamente era la Gutrune di Anna Samuil, mentre Waltraud Meier ha dato la solita grande lezione di canto wagneriano con una Waltraute da antologia, turbata e commossa.  Completavano il cast l’esperto Alberich di Johann Martin Kraenzle e i due affiatati terzetti delle Norne e delle Fuglie del Reno (ancora con la Meier e la Salmuil). Dinamica e ottima per passo teatrale e varietà di fraseggio la direzione di Karl-Heinz Steffens che sostituiva un Daniel Barenboim indisposto.

Siegfried de Wagner en el Teatro alla Scala de Milán

Foto: Brescia & Amisano Teatro alla Scala

 

Massimo Viazzo

 El director de escena belga Guy Cassiers con su equipe estable trajo el tercer capitulo del Ring que se esta realizando en estos años en el eje Milán-Berlín. Siegfried, la segunda entrega, mostró una clara continuidad con lo que se ha visto anteriormente. Sobretodo con proyecciones echas siempre con extrema elegancia y gusto.  Se vieron imágenes muy bellas, o mejor dicho, fragmentos de imágenes (hojas, viento, fuego) proyectadas no solo en el fondo si no también sobre las instalaciones que constituían la funcional escenografía.  Bien lograda y sugestiva, fue por ejemplo, la apertura del tercer acto con Erda colocada bajo un amplio toldo, como también la caverna de Mime rodeada de miles de astillas de los cuchillos rotos por Siegfried, o el dragón personificado por mimos que accionaban sinuosamente una revoloteante tela. En suma, sobre la escena todo palpitó y tuvo vida, logrando amplificar, sin caer nunca en lo predecible o lo banal, la emoción que se vivía sobre el escenario con los cantantes y en el foso con la Orchestra del Teatro alla Scala dirigida magistralmente por Daniel Barenboim.  Este director, supo captar los matices más íntimos. Muy detallado fue por ejemplo, el acompañamiento de la Canción de la Educación de Mime en el primer acto, como también fue muy sugestivo el pánico y estupor del bosque en el segundo acto, y el enérgico estruendo de la herrería de Siegfried en el final del primer acto, y ni que decir del despertar de Brünnhilde. Barenboim logró encantar al público logrando graduar con precisión milimétrica el esplendido crescendo de la sublime página wagneriana. Pasando a los cantantes, Lance Ryan, en el papel estelar, dominó la parte con convicción, y aunque su fraseo no pareció ser tan fantasioso, supo delinear un Siegfried seguro y de buen volumen, pero sobretodo creíble.  Suntuoso fue el desempeño vocal de Nina Stemme, que fue  sobresaliente, imperioso y de timbre muy luminoso.  Autoritario y de grato color vocal fue el Wanderer de Terje Stensvold, que ciertamente estuvo más a sus anchas en la zona aguda.  Extraordinarias estuvieron los dos enanos: Mime, personificado por el multifacético Peter Bronder con infinitas tonalidades de carácter y de potente voz, y Alberich al cual prestó su robusta y timbrada voz Martin Kränzle. Anna Larsson (Erda) y Alexander Tsymbalyuk (Fafner) completaron un elenco de óptimo nivel. Finalmente, el pajarillo de Rinnat Moriah mostró cierta dureza en los agudos. El muy aplaudido espectáculo nos hace anhelar la representaciones de Götterdämmerung el próximo mes de mayo, antes de la reposición, en el mes de junio, del Ring completo.

Siegfried - Teatro alla Scala, Milano

Foto: Brescia & Amisano - Teatro Alla Scala

 

Massimo Viazzo

 

Il regista belga Guy Cassiers con la sua collaudata equipe giunge al terzo capitolo del Ring che si sta realizzando in questi anni sull’asse Milano-Berlino. La seconda giornata, Siegfried, mostra una chiara continuità con ciò che si è visto in precedenza. Proiezioni, quindi, soprattutto; e fatte sempre con estrema eleganza e gusto. Si sono viste bellissime immagini, o meglio, brandelli di immagini (foglie, vento, fuoco...) proiettate non solo sui fondali, ma anche sulle istallazioni che costituivano la funzionale scenografia. Riuscita e suggestiva, ad esempio, l’apertura del terzo atto con Erda sovrastata da un ampio velario, oppure la caverna di Mime circondata dai mille frantumi delle lame spezzate da Siegfried, o, ancora, il drago impersonato da mimi che azionavano sinuosamente un telo svolazzante. Insomma, sul palcoscenico tutto palpitava e aveva vita, riuscendo ad amplificare, senza mai cadere nello scontato o nel banale, l’emozione che si viveva sul palco con i cantanti e in buca con l’Orchestra del Teatro alla Scala guidata magistralmente da Daniel Barenboim. Barenboim sapeva cogliere le sfumature più intime: dettagliatissimo, ad esempio, l’accompagnamento della Canzone dell’Educazione di Mime nel primo atto, ma anche molto suggestivo il panico stupore della foresta nel secondo atto, o il clangore energico della fucina di Siegfried a chiusura di primo atto. E che dire del risveglio di Brünnhilde? Barenboim ha incantato il pubblico riuscendo a graduare con precisione millimetrica il superbo crescendo della sublime pagina wagneriana.Passando ai cantanti, Lance Ryan, nel ruolo del titolo, ha dominato la parte con baldanza. Anche se il suo fraseggio non è parso fantasiosissimo Ryan ha tratteggiato un Siegfried sicuro e di buon volume, ma soprattutto credibile. Sontuosa la prestazione vocale di Nina Stemme, svettante, imperiosa e  timbricamente luminosissima. Autorevole e di bel colore vocale il Wanderer di Terje Stensvold, invero più a suo agio in zona acuta. Straordinari, poi, i due nani: Mime impersonato dal poliedrico Peter Bronder con infinite sfumature caratteriali e con voce potente, e Alberich al quale dava voce robusta e timbrata Martin Kränzle. Anna Larsson (Erda) e Alexander Tsymbalyuk (Fafner) completavano un cast di ottimo livello. L’uccellino di Rinnat Moriah, infine, ha mostrato qualche durezza sugli acuti. Spettacolo applauditissimo che fa ben sperare per la Götterdämmerung conclusiva del maggio prossimo, prima della ripresa, il mese successivo (giugno), del Ring completo.

Interview avec Marianne Pousseur (chanteuse et actrice)

Foto: Marianne Poussuer, Ismene -copyright Michael Boermans.

RJ- Tout en étudiant le chant classique et la musique de chambre au Conservatoire de Liège, Marianne Pousseur a chanté dans les deux ensembles dirigés par Philippe Herreweghe, le Collegium Vocale et La Chapelle Royale. Elle se produit régulièrement avec des ensembles tels que le Schoenberg Ensemble de La Haye, (direction Reinbert de Leeuw), Remix de Porto, Die Reihe de Vienne, etc. ainsi qu'avec l'Ensemble Intercontemporain, notamment sous la direction de Pierre Boulez, dans un répertoire essentiellement tourné vers le XXe siècle, la création et le théâtre musical. Son expérience théâtrale lui permet d’être interprète récitante dans de grandes œuvres symphoniques comme Psyché de César Franck ainsi que "Peer Gynt" de Grieg en version concertante sous la direction de Kurt Masur avec l’Orchestre National de France et le London Philharmonic Orchestra. En collaboration avec Enrico Bagnoli, elle a monté plusieurs créations de théatre musical. C'est pour elle que Georges Aperghis compose en 2004 "Dark Side", créé à Athènes avec l'Ensemble Intercontemporain. C'est à la suite de cela, qu'ils décideront de travailler à nouveau ensemble sur "Ismène" poème de Yannis Ritsos, mué en opéra pour voix seule et créé en automne 2008. Elle est actuellement professeur de chant au Conservatoire Royal de Bruxelles, en Belgique.

Comment définiriez-vous Khroma, comment vous est venue l'idée de ce projet et quand avez vous commencé?

Khroma est une compagnie théâtrale formée de 2 personnes, Enrico Bagnoli et moi-même. Elle a été fondée voici dix ans environ, pour cristalliser une recherche que nous menions ensemble depuis plus de vingt ans. Cette recherche porte sur la relation entre musique et théâtre, image et temps, technologie et artisanat. Chez Khroma, les rôles sont extrêmement peu définis. Même si pour "Ismène, Enrico signe la mise en scène et j'en suis l'interprète, à chaque projet ces rôles et la hiérarchie que cela comporte, sont remise en question. Pour chaque projet, nous nous entourons de collaborateurs différents, liés au propos mêmes de ce projet. Pour Ismène, nous avons bénéficié en particulier de l'apport artistique très précieux de Guy Cassiers, Georges Aperghis (qui en signe la musique) et de Diederik de Cock, responsable du son dans sa conception et réalisation.

S'il vous plaît, pourriez vous nous parler de vous et du milieu artistique dont vous provenez?

J'ai toujours oscillé entre diverses disciplines artistiques. Je me destinais tout d'abord aux arts plastiques ou à l'architecture. J'ai ensuite complètement changé de direction en étudiant la musique au Conservatoire, mais en même temps, je chantais dans un ensemble de musique ancienne (le Collegium Vocale de Gand) qui a été probablement plus formateur que n'importe quelle école, et je commençais les expériences théâtrales avec ma soeur Isabelle. Mon père, Henri Pousseur, était compositeur, et j'ai baigné toute mon enfance dans un climat propice à la créativité etr à la relation avec les créateurs de notre temps. J'ai donc, dans ma vie de chanteuse, mis en avant la musique contemporaine. Aujourd'hui, j'essaie de mettre en relation toutes ces "vies" et de donner au rôle d'interprète une dimension créative et conceptuelle plus importante qu'elle n'a d'habitude.

De votre point de vue d'interprète principal dans l'opéra, qui est Ismène et que représente-t-elle pour vous? et qu'est ce qui rend pour vous cette pièce si unique?

Ismène est une figure "oubliée". dans la pièce de Sophocle, elle n'existe pratiquement que comme "faire valoir" d'Antigone. Cependant, on trouve chez ce personnage une pulsion vitale tout à fait unique. Elle refuse d'aider Antigone à enterrer leur frère, car elle sait que cet acte portera à une condamnation à mort. Or Ismène veut vivre, elle n'est pas une héroine, elle est une femme, sensible, qui désire profiter de ce que la vie peut lui apporter et voudrait avoir des enfants, et finalement, Polynice est mort, et on ne peut plus rien pour lui.

Elle incarne donc une espèce d'essence de féminité, et concentre en elle une série de questions: qu'est ce que l'héroisme? serais-je, moi, capable d'actes héroiques? Ou bien est-ce que je préfère me concentrer sur ma famille, élever mes enfants du mieux que je peux et leur enseigner les valeurs qui me semblent justes? Le binôme Antigone Ismène, résume ces questions. Par ailleurs, Ismène dégage une sensibilté unique, très touchante pour les petites choses, le jardin, les odeurs, la nature, la sensualité des jeux d'enfants. La position dans laquelle elle se met lui fait porter un regard très sévère et lucide sur les rapports de pouvoir, en analysant avec justesse et réfléchissant aux actes de son père Oedipe. Tout cela fait qu'elle reste seule, terriblement seule. C'est toute seule qu'on la trouve, 2500 ans plus tard, encore vivante, puisque aucun écriviain ne l'a jamais fait mourir.

Le texte de Ritsos donne magnifiquement la parole à ce personnage. Georges Aperghis a écrit pour moi une partition très persoinnalisée, il me connaissait bien, mes possibilités et mes limites. Nous avons pu aller très loin dans la relation entre parlé et chanté, ce qui permettait de donner au personnage de nombreuses facettes et d'être traversée par toutes les voix de ses souvenirs. Enrico Bagnoli a mis au point pour ce projet, une scénographie extrêmemnt essentielle, mais très riche de possibilités qui elle aussi, suit intimement les méandres de l'état mental d'Ismène.

Quelle est la contribution la plus importante de Guy Cassiers?

Guy Cassiers est un homme et un artiste d'une très grande expérience. Il nous a aidés à divers niveaux. D'abord, en nous poussant à suivre notre projet, à le mener à son terme de la façon la plus intègre possible. Ensuite dans le travail de lecture du texte et de sa dramaturgie. Enfin, il a été un directeur d'acteurs absolument remarquable.

Outre la stimulation des sens du spectateur, quelle idée, quelle pensée, quelle réflexion ou image voudriez-vous que le public garde dans son esprit quand il quitte la représentation?

Ce que nous voudrions, c'est justement que le spectateur ait eu l'impression d'entrer dans l'univers mental de notre personnage. qu'il ne puisse plus faire la distinction entre ce qu'il a vu, entendu, ressenti ou imaginé, mais que cela forme un tout sensoriel riche et proche de lui.

http://www.khroma.eu/

http://www.khroma.eu/biopousseurfrshort.htm

Die Walküre en el Teatro alla Scala

Fotos: Brescia e Amisano, Teatro alla Scala

Massimo Viazzo

La segunda cita del Anillo “scaligero” dio justo en el blanco con un espectáculo muy sugestivo ideado por Guy Cassiers, para la apertura de la temporada 2010-2011 del Teatro alla Scala de Milán. El uso de la tecnología, que es una peculiaridad en el arte de Cassiers, se transformó en un potente medio para entrar a las profundidades de la mente humana. Proyecciones, sombras, silhouette, globos que giraban, lanzas que caían de lo alto, líneas de rojo sanguíneo, equipos que distorsionaban la visión hacia un arte contemporáneo: todo ello contribuyó a hacer esta Walküre mas estimulante (aunque nunca invasiva) desde el punto de vista sensorial. Para Cassiers, Die Walküre es una opera nocturna, y no obstante que los ambientes estuvieron frecuentemente oscuros, la vista de los personajes estuvo siempre en primer plano y bien iluminada por las luces que fueron maniobradas con maestría por Enrico Bagnoli. Superlativo fue el éxito musical de un Daniel Barenboim en estado de gracia. Su visión tan lírica, casi “tristaniana” de la opera convenció del todo, coadyuvado por una orquesta que se encontró en optima forma (¡que suavidad de las cuerdas!) El elenco pareció ser uno de los mejores que se pueden escuchar hoy en día. Nina Stemme fue una deslumbrante Brünnhilde, de voz firme, segura, pero también expresiva y conmovedora en su largo dúo del tercer acto con Wotan, interpretado por un robusto y enérgico Vitalij Kowaljow, quien sustituyó en esta producción al previsto René Pape. Waltraud Meier no deja de sorprender, y su Sieglinde ¡nos ha conmovido una vez más! Si bien es cierto que la voz de la cantante alemana no pareció estar siempre impecable en el registro más agudo, la artista es invaluable por presencia escénica y carisma dramático. Muy bien estuvo Ekaterina Gubanova, una Fricka de mucha autoridad y de voz bien proyectada, mientras que Simon O’Neill fue un Siegmund de voz clara, de una correcta línea, que en general fue muy capaz. Al final, debe mencionarse que John Tomlinson se dedicó a marcar vocalmente la parte de Hunding a causa de una grave disminución en su voz, que fue anunciada desde la primera función. Se trato de un gran éxito con ovaciones para todos.

Die Walküre al Teatro alla Scala di Milano per l’apertura della stagione 2010-2011.

Fotos: Brescia e Amisano, Teatro alla Scala

Massimo Viazzo

La seconda puntata del Ring scaligero centra in pieno l’obiettivo. Spettacolo molto suggestivo quello allestito da Guy Cassiers al Teatro alla Scala di Milano per l’apertura della stagione 2010-2011. L’uso della tecnologia, peculiarità dell’arte di Cassiers, si trasforma in un potente mezzo per scandagliare le profondità della mente umana. Proiezioni, ombre, silhouette, globi girevoli, lance che calano dall’alto, strisce rosso sangue, installazioni che strizzano l’occhio all’arte contemporanea: tutto contribuiva a rendere questa Walküre molto stimolante (ma mai invasiva) dal punto di vista visuale. Per Cassiers Die Walküre è un’opera notturna. E nonostante gli ambienti fossero spesso scuri, i volti tormentati dei personaggi erano sempre in primo piano ben illuminati dalle luci manovrate con maestria da Enrico Bagnoli. Superlativo l’esito musicale con un Daniel Barenboim in stato di grazia. La sua visione così lirica, intimistica, quasi “tristaniana” dell’opera ha convinto tutti coadiuvato da un’orchestra in ottima forma (che morbidezza gli archi!). E il cast è parso uno dei migliori che oggi si possano ascoltare. Nina Stemme è stata una Brünnhilde smagliante, dalla voce ferma, sicura, ma anche espressiva e toccante nel suo lungo duetto del terzo atto con Wotan, un robusto ed energico Vitalij Kowaljow, subentrante all’inizio di questa produzione al previsto René Pape. Waltraud Meier non finisce di stupire. La sua Sieglinde ancora una volta ha commosso! Certo, la voce della cantante tedesca non è parsa sempre impeccabile nel registro più acuto, ma l’artista è impagabile per presenza scenica e carisma drammatico. Molto brava Ekaterina Gubanova, una Fricka autorevole dalla voce ben proiettata mentre Simon O’Neill era un Siegmund di voce chiara, di linea corretta e buona tenuta complessiva. Ricordo, infine, che John Tomlinson ha soltanto accennato la parte di Hunding a causa di un grave abbassamento di voce annunciato prima della recita. Grande successo ed ovazioni per tutti.

Das Rheingold en el Teatro alla Scala de Milán

Foto: Marco Brescia / Teatro alla Scala

Massimo Viazzo

Comenzó la aventura del nuevo Ring “scaligero” con un Das Rheingold que ciertamente dará mucho para discutir porque indudablemente ha marcado una nueva línea en la historia de la dramaturgia del teatro wagneriano. El director de escena belga Guy Cassiers, por primera ocasión al frente de una obra lírica, resultó ser el vencedor. Su idea de separar el cuerpo de la voz y de las ideas, pareció ser verdaderamente innovadora y sobre el escenario, al lado de los cantantes, vimos como incorporó mimos y bailadores muy movidos que encarnaron el físico de Wotan, de Fricka y de Loge, y logró seducir con este mundo “nibelungico” y por lo tanto con su propio magia – que fue guiado por la sapiente mano de Sidi Larbi Cherkaoui quien coordinó una serie de movimientos coreográficos muy estudiados y técnicamente atrevidos. Interesante fue también el uso de las proyecciones sobre el fondo que estratificaban aun más el mensaje, y muy bien lograda fue en tal sentido la primera escena de la opera con un Alberich atraído por imágenes de jóvenes mujeres, que se escapaban y se reincorporaban a la escena como webcam girls. La ligereza que Cassiers pudo infundir a la partitura wagneriana – por ejemplo en los intermedios musicales entre una escena y otra, se hicieron visiblemente corporales por los extraordinarios bailarines de la compañía Eastman de Amberes- y encontró una inaudita correspondencia en la conducción de Daniel Barenboim, que estuvo verdaderamente bien, sin sobrecargar nunca el tejido orquestal, siempre de manera ágil, transparente y dinámica.

También la parte vocal del espectáculo se presentó en un óptimo nivel, comenzando por el amargo y pesimista Wotan de René Pape (en su debut en el papel aquí en Milán) que hizo con emisión segura y solidez en el acento; como también el sinuoso, escurridizo y manipulador Loge de Stephan Rügamer; el Alberich de Johannes Martin Kränzle, optimo en el fraseo duro y agresivo en la energía escénica; y el Mime no tan lloroso pero de voz muy bien proyectada de Wolfgang Ablinger-Sperrhacke. Todos ellos lograron arrancar un meritorio aplauso del público. Carismáticas, mas allá del punto de vista escénico que del vocal estuvieron Doris Soffel (Fricka) y Anna Larsson, que hizo una Erda de timbre persuasivo. No más que correcta estuvo la Freia de Anna Samuil, mientras que muy “afiatadas” parecieron estar las tres Rheintochter de Aga Mikolaj, Maria Gortsevskaya y de Marina Prudenskaya, en un “Prologo” que nos genera muchas esperanzas. El Die Walküre se encuentra ya a la vuelta de la esquina, ya que de hecho, la“Primer jornada” del Ring, inaugurara la próxima temporada del Teatro alla Scala el 7 de diciembre del 2010.

Alla Scala Guy Cassiers fa danzare Wagner

Foto: Marco Brescia / Teatro alla Scala

Massimo Viazzo

E’ cominciata l’avventura del nuovo Ring scaligero con un Rheingold che certamente farà discutere, ma che indubbiamente ha detto una parola nuova nella storia della drammaturgia del teatro wagneriano. Il regista belga Guy Cassiers, per la prima volta alle prese con un’opera lirica, ha vinto la scommessa! La sua idea di separare il corpo dalla voce e dalle idee è parsa davvero innovativa e sulla scena accanto ai cantanti abbiamo assistito ad un avvicendarsi di mimi e danzatori di volta in volta impegnati a rendere la fisicità di Wotan, Fricka o Loge, oppure irretiti dal mondo nibelungico - e quindi loro stessi elmo magico, ad esempio - guidati con mano sapiente da Sidi Larbi Cherkaoui che ha coordinato una serie di movimenti coreografici studiatissimi e tecnicamente arditi. Interessante anche l’uso delle proiezioni sullo sfondo che stratificavano ulteriormente il messaggio. Riuscitissima in tal senso la prima scena dell’opera con un Alberich attratto da ragazze-immagine, sfuggenti e incorporee come le webcam girls. La leggerezza che Cassiers ha saputo infondere nella partitura wagneriana - ad esempio negli intermezzi musicali tra una scena e un’altra, resi visivamente corporei dagli straordinari danzatori della compagnia Eastman di Antwerpen - ha trovato una inaudita corrispondenza nella direzione di Daniel Barenboim, davvero bravo a non sovraccaricare mai il tessuto orchestrale, sempre agile, trasparente, dinamico. Anche la parte vocale dello spettacolo è stata d’ottimo livello, a cominciare dal Wotan amaro e pessimista di René Pape (al suo debutto nel ruolo qui a Milano) reso con emissione sicura e solidità d’accento.
Ma anche il sinuoso, viscido, manipolatore Loge di Stephan Rügamer, ottimo fraseggiatore, il duro, aggressivo e scenicamente energico Alberich di Johannes Martin Kränzle e il Mime non soltanto piagnucoloso e di voce ben proiettata di Wolfgang Ablinger-Sperrhacke hanno saputo strappare alla fine della recita un lungo e meritatissimo applauso del pubblico. Ancora carismatiche, più scenicamente che vocalmente però, Doris Soffel (Fricka) e Anna Larsson, un’Erda di timbro comunque suadente. Non più che corretta, invece, la Freia di Anna Samuil, mentre molto ben affiatate sono parse le tre Rheintochter di Aga Mikolaj, Maria Gortsevskaya e Marina Prudenskaya. Insomma, un “Prologo” che fa ben sperare. E Die Walküre è già dietro l’angolo… La “Prima Giornata” del Ring, infatti, inaugurerà la prossima stagione del Teatro alla Scala il 7 dicembre 2010.