La Clemenza di Tito en Chicago

Foto: Todd Rosenberg

RJ

De las grandes operas de Mozart, La Clemenza di Tito es una de las que más tiempo le ha costado encontrar un nicho dentro del repertorio internacional, por ello, no es de extrañar que la Lyric Opera de Chicago solo la haya escenificado una vez en su historia, en octubre de 1989, y con un memorable elenco conformado por Gösta Winbergh (Tito), Tatiana Troyanos (Sesto), Carol Vaness (Vitellia) y Susan Graham (Annio) bajo la conducción de Sir Andrew Davis; también encargado de dirigir esta función final de la temporada 2013-2014. El hoy titular de la orquesta tuvo una lectura inicial errática y lenta, por momentos letárgica, con desfases con la escena, pero una vez que pudo calibrar su lectura en el transcurso de la función alcanzó brillantez y una amplia gama de colores con la orquesta, y la ayuda de su solida sección de metales y alientos. La parte visual del espectáculo fue la producción diseñada por Sir David McVicar que fue estrenada en el festival francés de Aix en Provence, para el que fue concebida, en coproducción con el Capitole de Toulouse y la Opera de Marsella. Contadas son las producciones que se ven en los teatros estadounidenses de diseño y concepción 100% europea y aunque esta tuvo algo de estática, sirvió su propósito de agradar al conservador público. Con un muro con puertas y ventanas al fondo del escenario (réplica de la autentica pared del Palacio de Arzobispos de Aix-en Provence, donde se colocó el escenario en su estreno), escaleras que entraban y salían del lado derecho, rejas y columnas que lo hacían por el lado izquierdo y un busto cubierto del emperador al centro, la sobria puesta servida por una brillante iluminación, regaló bellas estampas de pinturas de Jacques-Louis David, de donde también se inspiró. Los elegantes vestuarios en negro y blanco correspondían al siglo 19, porque McVicar apuntó a crear personajes humanos, exaltando la relación entre ellos, su psicología y sus sentimientos. Del tenor Matthew Polenzani, en el papel de Tito, gustó la claridad en su canto, la brillantez en su timbre y su musicalidad, aunque desmereció su caracterización de un furioso, violento y poco mesurado emperador.  La soprano Amanda Majeski actuó con naturalidad y desenvoltura a Vitellia, a la que prestó una voz homogénea, clara y ágil. La atención estuvo centrada  en la mezzosoprano Joyce DiDonato, quien convenció por su entrega y compenetración con el personaje de Sesto, y conmovió profundamente en cada una de sus arias con su brillante, cálido y virtuoso canto.  El bajo Christian Van Horn fue un correcto Publio con voz de tonalidad oscura; Emily Birsan creó una frágil Servilia y la mezzosoprano Cecelia Hall mostró entusiasmo y exaltación cantando y actuando a Annio.

Lyric Opera of Chicago announces new Ring of the Nibelung

Lyric Opera of Chicago's new Ring of the Nibelung will open in fall 2016 with Das Rheingold and continue with one opera per year, ending with three sets of the complete four-opera cycle in April 2020. This will mark British director David Pountney's first complete Ring; Music Director Sir Andrew Davis conducts. Eric Owens will sing Wotan, Christine Goerke is Brünnhilde. Pountney provided few details about his concept, although he did emphasize that Wagner wrote the four operas over a 20-year span. "It's very important to think of these as four different pieces in terms of storytelling. There will be a narrative arc, but one which recognizes the richness and diversity of the individual 

Arabella, Rey Roger y Maometto II en la Ópera de Santa Fe, Nuevo México

Fotos: Ken Howard / Santa Fe Opera

Sebastian Spreng - Miami Clasica

No es un secreto, bajo el cielo inmortalizado por Georgia O’Keeffe, la ópera florece cada verano en el desierto de Nuevo México. Esta hazaña, que debe acreditarse al visionario John Crosby (1926-2002), ocurre puntual y afortunadamente desde hace cincuenta y seis años. La infalible combinación de títulos infrecuentes y estrenos mundiales con clásicos del repertorio, la calidad de las producciones y el concurso de consagradas o ascendentes figuras de la lírica mundial hacen del Santa Fe Summer Opera Festival una meca donde convergen públicos de todas latitudes. El entorno – las montañas Sangre de Cristo – rivaliza en espectacularidad con el soberbio teatro al aire libre con capacidad para dos mil espectadores; las representaciones comienzan a la puesta de sol, previo picnic en las inmediaciones, y la astuta programación permite ver tres óperas en un fin de semana o las cinco del festival en una, saciando así al operómano más empedernido.Este verano del 2012, a Tosca y Los pescadores de perlas, se sumaron tres novedades de particular interés: el estreno de la flamante edición crítica de Maometto II de Rossini por el venerable Phillip Gossett y Hans Schellevis, la puesta en escena de Rey Roger de Karol Szymanowski y la de la vienesa Arabella, que marcó el bienvenido retorno de la compañía a las óperas de Richard Strauss de las que ha sido baluarte americano desde su fundación. Y si en algo Viena y Santa Fe podrían parecerse es en la importancia del teatro de ópera para sus habitantes, un auténtico fenómeno para una ciudad de apenas sesenta mil en pleno desierto y a siete mil pies de altura, detalle no precisamente favorable para el cantante lírico. Sexta y última colaboración del genial binomio Strauss-Hofmannsthal, Arabella (1933) no puede ocultar cierta vetustez; las inconsistencias de su trama sólo se justifican gracias a la partitura straussiana y sus intermitentes picos de arrobador lirismo que la ubican junto a sus hermanas mayores. En este caso, como es arduo (e innecesario) acudir al revisionismo, Tim Albery optó por trazar una puesta detallada pero con visos glaciales, donde los austeros escenarios grises de Tobías Hoheisel sugirieron un imperio irremediablemente marchito y contribuyeron a la distante sensación general del espectáculo. Quizás porque la mayoría debutaba en sus papeles, la sutil e imperativa graduación del gris plata a la dorada pátina vienesa también pareció eludir al excelente equipo de cantantes. Con los medios adecuados pero aún sin acercarse a celebradas intérpretes del rol (léase Della Casa, Janowitz, Varady, Te Kanawa, Mattila, Fleming), Erin Wall fue una correctísima protagonista bien acompañada por Mark Delavan, un Mandryka rural y desenvuelto que enfatizó la tosquedad del personaje. El ingrato rol de la hermana Zdenka ubicó a Heidi Stober entre lo mejor de la velada y Kiri Deonarine defendió la coloratura de Fiakermili. Brillaron los tenores Zach Borichevsky (Matteo) y Brian Jadge (Elemer) y las contribuciones de los veteranos Victoria Livengood y Dale Travis, los arruinados padres de las damas en cuestión, redondearon prestaciones eficaces. En el mismo tono y aunque irreprochable, la dirección de Sir Andrew Davis no terminó de concitar la obligada magia straussiana capaz de dejar una impronta indeleble.

Estrenada en Varsovia en 1926, resulta paradójico que esta recién sea la segunda producción del Rey Roger en Estados Unidos (la anterior fue en 1988 y su première continental se remonta a 1981 en el Teatro Colón de Buenos Aires). Hermética, exótica, tortuosa, fascinante; con su multifacética carga de ambigüedad y misticismo actúa como ritual purificador al plantear el enfrentamiento del protagonista consigo mismo, un terremoto que hace tambalear su reino. Por una vez, la Sicilia medieval se oscurece eclipsada por una angustia kafkiana que fluye entre los entramados musicales de Szymanoswki y sus lejanos ecos de Schreker, Debussy, Korngold y Scriabin. La perturbadora aparición de un dionisíaco pastor en la corte del atormentado rey siciliano, no muy lejos del Teorema de Pier Paolo Pasolini, desatarán acontecimientos y preguntas sin respuestas que llevarán a su eventual iluminación. Paladín de la obra y motivo de la puesta, el barítono polaco Mariusz Kwiecien revivió su referencial Roger, encarnándolo con absoluta naturalidad actoral y vocal, aunque en este renglón el constante uso del forte quitó matices y una mayor dimensión expresiva al rol. A su caudal sonoro se acoplaron Erin Morley (Roxana, su esposa) y Dennis Petersen (Edrisi, su consejero) y en destacado pendant, el tenor miamense William Burden (pastor) demostró una feliz evolución vocal, su instrumento evidencia un bienvenido esmalte heroico. Consciente de la responsabilidad que implicó la literal presentación de la ópera al público americano, Stephen Wadsworth no se dejó tentar con cruzar la línea como Warlikowski en Paris, Alden en Long Beach y en menor medida, David Pountney en Barcelona; prefirió explorar e iluminar la complejidad de los personajes resultante del oscuro tapiz polifónico del compositor polaco. Sagazmente unió los tres actos en uno y bocetó una suerte de tríptico bizantino (I), oriental(II) y grecorromano(III) que a manera de largometraje, permitió apreciar en noventa minutos la evolución de la figura central. Broche de oro fue el coro y la orquesta de la ópera bajo la notable dirección del joven Evan Rogister, un nombre para tener muy en cuenta.

La partitura original del Maometto II napolitano de 1820 (suerte de Romeo y Julieta donde Rossini parecería trastocar la mordaz definición de Bernard Shaw “Ópera es soprano ama a tenor y barítono se opone” por “Bajo ama a soprano y tenor se opone”) es un fresco arriesgado, experimental y atípico que posteriormente revisará para Venecia y luego adaptará al francés como El sitio de Corinto. Liderada por un formidable cuarteto de solistas, es una monumental pieza de conjunto donde el cisne de Pesaro se deleita planteando una ininterrumpida sucesión de concertantes de impecable factura, y como a propósito, sin dejar lugar al incontenible aplauso del públicEsta virtual batalla donde “Montescos y Capuletos” son reemplazados por “Oriente versus Occidente” está dominada por la compleja figura del sultán Maometto II, feroz conquistador y vocalmente poco menos que inconquistable. Rol emblemático de Samuel Ramey en la década del 80, ha sido el sueño de Luca Pisaroni cuando adolescente admiró al americano en las funciones escalígeras. Más lírico que Ramey, el completísimo joven italo-venezolano no sólo salió airoso desde el aterrador Sorgete, sorgete inicial – y la seguidilla subsiguiente de endiabladas coloraturas-, triunfó en todos los aspectos del papel, equiparó a su ídolo y demostró las ventajas de un ascenso cuidadoso y ejemplar que como extra, incluyó un Liederabend Schubert de rara calidad en el festival de cámara santafesino. A su lado, la joven Leah Crocetto probó ser una estrella naciente de medios privilegiados que debe cuidar a toda costa. Espléndida en el registro agudo, fue ganando terreno con el transcurso de la representación, especialmente a partir de la sublime plegaria Giusto ciel in tal periglio. Otra excelente sorpresa fue el tenor Bruce Sledge, voz importante, robusta y con el brillo requerido. Quizás en una mala noche, el eslabón más débil fue Patricia Bardon cuya destemplada coloratura no se ajustó a las exigencias del veneciano Calbo pero lograron la adesión del público con el impactante Non temer d’un basso affetto. Bajo la atenta batuta del francés Frédéric Chaslin, nuevo director musical del festival, y la ajustada participación del coro dirigido por Susanne Sheston, la puesta de David Alden fue otro puntal de la versión. A menudo cuestionado por extragavante o excesivo, Alden entregó un trabajo sensacional y sin dudas contenido, auxiliado por la ecléctica escenografía, vestuario y luces frontales de Jon Morrell y Duane Schuler. Monocromático y elegante, no dejó de recurrir al certero efecto de color o al efecto mismo para deslumbrar a la audiencia (la aparición del sultán al mando de una cuádriga tirada por gigantescos corceles azabaches de piedra) y legitimar esta incontestable Grand-Opera donde Rossini insinúa al Verdi temprano. Tres noches de óperas muy diferentes: un ansiado regreso y dos bienvenidas rarezas que debieran incorporarse al repertorio internacional, en este caso vertidas con altísimo nivel y realzadas por los memorables trabajos de Kwiecien y Pisaroni. Si se añade la solidez de equipo y cuerpos estables que evidencian dedicación y confianza en el presente y futuro del género lírico, resulta obvio que otra vez el Festival de Santa Fe mereció ser el destino ineludible para el amante de la ópera en el tórrido verano americano.

Don Giovanni di Mozart - Metropolitan Opera House

Foto: Marty Sohl / Metropolitan Opera

Don Giovanni di Mozart è stata una delle opere presentate nella stagione inaugurale del Metropolitan nell’anno 1883, ed ora viene rappresentata in questo teatro con regolarità.Tutte le produzioni hanno annoverato la presenza dei migliori cantanti e specialisti mozartiani, ma ultimamente le stelle stanno gradualmente scomparendo da questo palcoscenico.Questo fatto è emerso in questa rappresentazione in cui il cast si è disimpegnato in modo alterno ed irregolare, diversamente da quanto ci si sarebbe aspettati da un teatro di tale livello. Mentre Gerald Finley nel ruolo di Don Giovanni ha cantato con voce robusta e omogenea di gradevole timbrica, il suo personaggio è stato caricato di esasperante esagerazione. Ellie Dehn nel ruolo di Donna Elvira ha mostrato un timbro di piacevole colore, ma è stata poco fine negli acuti e ha avuto notevoli problemi di intonazione nell’aria “Mi tradì quell’alma ingrata”. La coppia Zerlina – Masetto è stata interpretata da Isabel Leonard che ha dato vita ad una giovane vulnerabile e misteriosa dal canto chiaro e fluido, e dal basso – baritono cinese Shenyang, che ha costruito un personaggio rigido e senza temperamento. Il risultato del suo impegno vocale è stato discreto. Il tenore Matthew Polenzani è stato un elegante Don Ottavio che ha interpretato le sue arie con buona tecnica ed espressività, e il soprano Marina Rebeka una Donna Anna di bell’aspetto scenico e profondità musicale. Il leggendario James Morris ha portato la sua grande esperienza e dignità scenica nei panni del Commendatore. Menzione a parte per il basso-baritono Kyle Ketelsen come Leporello, un ruolo che ha dominato con autorevolezza sotto tutti gli aspetti. La lettura di Sir Andrew Davis è stata colorata e sfumata, ma soprattutto equilibrata. In questa epoca di modernizzazione e rinnovamento scenico si apprezza che la nuova produzione di Michael Grandage e Christopher Oram uscita lo scorso novembre, sia intelligente e collegata al libretto, ricreando una strada con balconi di Siviglia e con un coup de theatre finale in cui Don Giovanni viene letteralmente inghiottito sul palco da lingue di fuoco. RJ

  

 

Don Giovanni - Metropolitan Opera



Matthew Polenzani - Marina Rebeka
Photo: Marty Sohl/Metropolitan Opera

Don Giovanni de Mozart fue una de las operas presentadas en la temporada inaugural  del Metropolitan en el año de 1883, y desde entonces se ha repuesto en este teatro con regularidad. En todas las funciones realizadas los elencos han contado con la presencia de los mejores cantantes y especialistas en Mozart, pero desde hace poco tiempo las estrellas han ido desapareciendo paulatinamente de este escenario. Este hecho quedo en evidencia en esta representación en la que el elenco tuvo un desempeño disparejo e irregular, alejado de lo que se esperaría de un teatro de este nivel. Si bien Gerald Finley en el papel de Don Giovanni cantó con robusta y homogénea voz de grata tonalidad su actuación estuvo cargada de exasperante sobreactuación. Ellie Dehn en el papel de Donna Elvira mostró un timbre de grata coloración, pero fue poco sutil en los agudos y tuvo notables desafinaciones en el aria “Mi tradi quel alma ingrata”  La pareja Zerlina- Masetto tuvo a Isabel Leonard, quien dio vida a una joven vulnerable y misteriosa de canto claro y fluido, y al bajo-barítono chino Shenyang, que bordó un personaje rígido y falto de temperamento muy discreto en la parte vocal. El tenor Matthew Polenzani fue un elegante Don Ottavio que interpretó sus arias con buena técnica y expresividad, y la soprano Marina Rebeka una Donna Anna de bella apariencia escénica y profundidad musical.  El legendario James Morris  aportó su larga experiencia y dignidad escénica como el Commendatore. Mención aparte para el bajo-barítono Kyle Ketelsen como Leporello, un papel que domina con autoridad en todos los sentidos. La lectura de Sir Andrew Davis, fue colorista y matizada, pero sobretodo equilibrada.  En esta época de modernidad y renovación escénica, se agradece que la nueva producción de Michael Grandage y Christopher Oram, estrenada el pasado mes de noviembre, sea elegante y apegada al libreto recreando una calle con balcones de Sevilla, y con un coup de theatre final en el que Don Giovanni es literalmente tragado por el escenario en medio de llamaradas de fuego. RJ

Lyric Opera of Chicago announces 2015-16 world premiere: Bel Canto

commissioned as part of Lyric’s Renée Fleming Initiative.  Music by composer Jimmy López, libretto by playwright Nilo Cruz,  conducted by Sir Andrew Davis, directed by Stephen Wadsworth; based on the best-selling novel by Ann Patchett.  Soprano Danielle de Niese stars in central role.

Anthony Freud, general director of Lyric Opera of Chicago, today announced details of its latest world premiere. Bel Canto, by the gifted young Peruvian composer Jimmy López, with libretto by Pulitzer Prize-winning playwright Nilo Cruz, is based on the best-selling novel by Ann Patchett. To premiere in Lyric’s 2015-16 season, the new opera will be conducted by Lyric music director Sir Andrew Davis and directed by Stephen Wadsworth.

Both the 2001 book and the new opera are inspired by the Lima Crisis of 1996-97, when members of a revolutionary movement in Peru held hostages at the Japanese ambassador’s house for 126 days (Dec. 17, 1996-April 22, 1997). Central to the story is the fictional famed American soprano, Roxanne Coss, who will be portrayed by Australian-born American soprano Danielle de Niese. Like the novel, the opera will explore the tensions and unexpected alliances that develop when a group of culturally disparate strangers – the terrorists and their hostages – are confined in close quarters for months. Bel Canto will be the seventh world-premiere opera that Lyric Opera of Chicago has commissioned for its main stage since 1961. Joining Freud for the announcement were López, Cruz, Fleming, Patchett, Davis, and Wadsworth.

“The creation of new work is a fundamental, vital part of a major opera company’s activity,” Freud said. “I couldn’t be more excited at the start of my tenure here that Lyric is embarking on its latest mainstage commission.”

As Lyric’s creative consultant, Fleming is curator for this world premiere, which is a keystone of the company’s Renée Fleming Initiative. Fleming selected the book Bel Canto as the subject for the commission because she was moved by it and found it “opera-worthy. It’s about terrorism on one level, but it’s also about what happens when people are forced to live together for a long time, and how art can raise their level of humanity as a group,” Fleming said. “Most of us crave a cathartic emotional experience when we’re at the theater, and I believe Bel Canto has the components to do that.”

Fleming researched more than a hundred composers for the commission, coming up with a short list that she and Sir Andrew Davis further distilled in consultation with Anthony Freud. The composer they chose, Jimmy López, has a unique intimacy with the story’s setting and source material that will help to inform his work.  Of López, Davis said, “I was struck by his intelligence and the way he understands both the problems in bringing this piece to the stage, but also the possibilities that opera as a medium offers for illuminating a story. For example, the orchestra can accentuate the dramatic situation onstage, but it can also convey the underlying turmoil that one might not see. This is something that many composers miss and that Jimmy understands completely.”

In pairing López with Wadsworth, who has directed premieres of operas by composers such as Peter Lieberson and Sir Peter Maxwell Davies, Fleming and Davis were eager to give the first-time opera composer an experienced collaborator for meeting the challenge of taking the opera from score to stage. Fleming said, “Stephen has done this often in his career, where in addition to directing, he also has an important dramaturgical role in the creation of the piece.”

Speaking of Lyric’s world premiere, Stephen Wadsworth said, “I think there is a terrific opera in Bel Canto. There’s a vivid political story, at least two love stories, and a larger story about art and its healing power. There is also an intriguing mélange of languages in play – including English and Spanish. My job is to shepherd all parties through the period of creation and development with specific attention to the dramaturgy of the piece. We want it to be fresh and arresting, concentrated and tight in narrative and dramaturgy. All the while I will be imagining it onstage, developing the production.”

Jimmy López’s music has been heard at Carnegie Hall and the Aspen Music Festival, and performed by prestigious orchestras including the Chicago Symphony Orchestra, the Philadelphia Orchestra, the Boston and Atlanta symphony orchestras, and by the leading orchestras of Chile, Peru, and Finland. In May the Orchestre Philharmonique de Radio France will premiere his new orchestral piece, Synesthésie. López possesses a distinctive musical style and a broad musical worldview influenced by his studies in his native Peru, at the Sibelius Academy in Finland (2000-07), and the University of California at Berkeley (2007-12). His influences range from Bach and Mozart (“the ideal opera composer”) to Magnus Lindberg, Anders Hillborg, G. F. Haas, and John Adams.

The New York Times has described López as “an expert in orchestration,” while the Chicago Sun-Times declared that he is “one of the most interesting young composers anywhere today. “

Born in Lima in 1978, López has strong memories of the 1996-97 hostage crisis there, which was covered extensively by local and international media. The bonding between terrorists and hostages was an example of “inverted Stockholm syndrome,” he said. “The terrorists started falling in love with the hostages. Many of the terrorists were only teenagers. They looked up to the hostages as adult, educated, cultured people who spoke many languages.”  In 2003, Nilo Cruz became the first Latino to win the Pulitzer Prize for drama, for his play Anna in the Tropics. Other major works include Night Train to Bolina and Two Sisters and a Piano. For Cruz, the allure of Bel Canto as an opera libretto came from “this material at the center of the book where there are a couple of love stories,” he said. “Whenever there is love, there’s the possibility to sing and to create soaring music. And the clash of people from different social strata offers great possibilities for dramatic conflict. I feel a real affinity for Ann Patchett’s language,” Cruz continued. “There’s humor in this material, there’s lyricism and an enormous amount of beauty. She’s not afraid to be emotional, and I’m not afraid to be emotional. I feel an enormous amount of responsibility, and I’m going to work hard to make something beautiful and powerful.”

López was drawn to Cruz as a librettist by his play Two Sisters and a Piano, which is about siblings living under house arrest in Cuba. “The whole play happens within the house from beginning to end,” López explained. “This is what made me think Nilo might be the one, that he is someone interested in pieces with political overtones.”

Ann Patchett won the PEN/Faulkner Award in 2002 for her novel Bel Canto. Thinking back to 1996-97 and the inspiration for the book, she recalls being “focused on the incident in Lima from the start. It had so many elements that were compelling to me: confinement, survival, a group of strangers thrown together, the construction of family. Also, it was such an un-terrifying terrorist situation: it was a takeover where the terrorists were teenagers who kept asking for more soccer balls and take-out pizza. I was very attracted to that.”  While writing the book, Patchett listened to recordings of opera singers, including Fleming, as she created the character of American soprano Roxanne Coss. Before writing Bel Canto, the author knew “as much about opera as I did about baseball, which is nothing,” she said. “But once I came up with Roxanne, I threw myself into learning about it wholeheartedly, playing opera all the time and attending operas whenever possible. I absolutely fell in love with opera. It's been such a wonderful bonus of writing this book. I feel like I learned a second language.”

Over the past decade there have been various attempts to turn the best-selling novel into a movie, a Broadway musical, and an opera. Of the Lyric Opera commission Patchett said, “I am absolutely thrilled about this and about Lyric. It seems just a perfect fit. It’s an opera company I’ve always admired, and I think that if anybody can break the spell and get Bel Canto into three dimensions, it’s going to be Renée and it’s going to be Lyric.”

Danielle de Niese will sing the role of Roxanne Coss, Patchett’s fictional heroine in the book.  "I am honored to return to Lyric Opera of Chicago for the world-premiere commission of Bel Canto,” said de Niese. “I am very moved by the compositions of Jimmy López and am so excited to bring Ann Patchett's iconic diva, Roxanne Coss, to life through Mr. López's haunting music. I can't wait to collaborate with director Stephen Wadsworth, having worked with him as a young artist in the Metropolitan Opera’s Lindemann Young Artist Development Program. I am also thrilled to reunite with Sir Andrew Davis after performances together of Le nozze di Figaro at Lyric in 2010. It will be a privilege to create this new role under his tutelage. Making this role come alive with the Lyric Opera family will no doubt be a highlight of my life."

Renée Fleming said, “Danielle de Niese has the star quality, vocal charisma and spunk of Roxanne. She sings beautifully, and her star is rising fast. We are fortunate to have enlisted her to premiere this work.”

Information regarding further casting, production design, and sponsorship for Bel Canto will be announced at a later date.

Creating and cultivating new opera is a long-held tradition at Lyric, from the American professional stage premiere of Britten’s Billy Budd (1970) to the commissioning and world premieres of such diverse operas as Vittorio Giannini’s The Harvest (1961), Krzysztof Penderecki’s Paradise Lost (1978), Anthony Davis’s Amistad (1997, libretto by Thulani Davis, directed by George C. Wolfe) and William Bolcom’s McTeague (1992), A View from the Bridge (1999), and A Wedding (2004, Lyric’s 50th anniversary season). All three Bolcom operas had libretti by Arnold Weinstein. Robert Altman directed McTeague and A Wedding, and served as co-librettist; Frank Galati directed A View from the Bridge.

Lyric Opera of Chicago’s Music Director Sir Andrew Davis maintains full international performance and recording schedule

Photo: Sir Andrew Davis. Credit: Dario Acosta Photography

The curtain had scarcely fallen on the final performance of Lohengrin at Lyric Opera of Chicago last March when Sir Andrew Davis was off to New York to conduct Capriccio at the Metropolitan Opera (starring Renée Fleming, Sarah Connolly, Joseph Kaiser, Russell Braun, Morten Frank Larsen, Peter Rose), and to Toronto to lead rehearsals of Ariadne Auf Naxos for the Canadian Opera Company (starring Jane Archibald/Amber Wagner, Alice Coote, Adrienne Pieczonka, Richard Margison).

Between Ariadne performances #2 & 3 in early May, Davis traveled to Besançon, France, for a press conference regarding the 52nd International Competition for Young Conductors of which Davis is jury president. (The competition is part of the Besançon International Music Festival, of which he is artistic advisor.) He then led rehearsals and performances with the Toronto Symphony Orchestra (of which he is conductor laureate). Following Ariadne #6, Davis caught a midnight flight to London in order to begin Peter Grimes rehearsals at the Royal Opera House, Covent Garden (starring Ben Heppner, Amanda Roocroft, Catherine Wyn-Rogers) – but returned to Toronto for the final two Ariadnes before heading back to London for an uninterrupted string of rehearsals in early June.

Such is the life of Lyric’s peripatetic music director (who is featured in the July issue of Opera News).  The day after the Grimes dress rehearsal June 15, Davis began Rusalka rehearsals (starring Ryan Opera Center alumni Dina Kuznetsova and Elizabeth DeShong, plus Pavel Cernoch and Larissa Diadkova) at Glyndebourne Festival Opera (where he is former music director), an hour’s drive from London. Those alternated with Grimes performances through early July, followed by a mostly straight stretch of the Dvořák fairytale opera, with a few detours: rehearsals and a BBC Proms concert with the BBC Symphony Orchestra (of which he is conductor laureate), and preparations with London’s Philharmonia Orchestra for the Three Choirs Festival.

In mid-August Davis will commence preparations of Thaïs with the Edinburgh Festival (starring Ryan Opera Center alumni Erin Wall, Quinn Kelsey, and Stacey Tappan, plus Eric Cutler), popping back to Glydebourne for remaining Rusalka performances through the end of the month. Then it’s off to the South Pacific for performances with the Melbourne Symphony Orchestra and recording sessions for Chandos Records in early September.

Davis returns to Besançon for the finals of the International Competition for Young Conductors and for the International Music Festival. In early October he returns to London for performances with the BBCSO, then returns to Toronto in mid-October for performances with the Toronto Symphony Orchestra.

In mid-October Davis returns to Chicago to begin rehearsals for Boris Godunov and subsequently Ariadne auf Naxos and The Magic Flute at Lyric Opera. He will also collaborate with Reneé Fleming and Dmitri Hvorostovsky for a Subscriber Appreciation Concert January 7 honoring William Mason, Lyric’s general director, for his lifelong career with the company.

Following the final Flute in late January 2012, Davis departs for Bamberg (two concerts) and then London for concerts with the London Philharmonic and recordings and performances with the Royal Scottish National Orchestra. February through mid-March will find him at the Met for Don Giovanni, and then back to London with the BBCSO. Concerts in Rotterdam follow, and then Davis returns to Toronto for A Florentine Tragedy and Gianni Schicchi (starring Alan Held, Gun-Brit Barkman, Ryan Opera Center alumnus René Barbera, Michael Konig, Simone Osborne; directed by Catherine Malfitano) with the Canadian Opera Company, with a few Toronto Symphony Orchestra performances in between. Davis returns to the London Philharmonic in May 2012, and heads to the Bergen Festival in June for The Damnation of Faust and further recordings with Chandos. In June and late August 2012 he’ll be back in Melbourne, Australia, with a stint at The Santa Fe Opera in July and August.

Recent recordings on Chandos include Holst’s “Beni Mora,” Japanese Suite,” and “The Planets” with the BBC Philharmonic (released January 2011); Delius’s “Appalachia” and “Song of the High Hills” with the BBCSO (March 2011), and York Bowen’s Symphonies No. 1 & 2 with the BBC Philharmonic (April 2011) – which has been on the classical bestseller charts for the past month.