Gustavo Dudamel dirigió a la Sinfónica Simon Bolivar en Lucerna, Suiza

SJVSB,Gustavo Dudamel, Sala KKL, Festival de Lucerna,Suiza. 20-03-2010 Fotos: Nohely Oliveros FESNOJIV

Prensa Fesnojiv

Un despliegue de garra, talento y fuerza sonora caracterizó el concierto que, bajo la dirección de Gustavo Dudamel -cuya sola presencia sobre el podio generó aplausos que se prolongaron durante varios minutos-, ofreció a sala llena la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar en la segunda jornada del Festival de Lucerna en Suiza, que esta considerado como uno de los más importantes en el mundo de música clásica.

Fiesta, delirio colectivo, celebración clamorosa, fueron algunos de los calificativos utilizados por los cronistas suizos para describir el desempeño de las individualidades artísticas venezolanas en sus presentaciones de años anteriores, lo que suscitó un interés superlativo al punto de que las 1840 localidades de la sala de conciertos, fueron adquiridas con casi dos meses de antelación a lo que consideraron aquí como “un exito”.

Al igual que en ocasiones precedentes, el público europeo recibió a Gustavo Dudamel como “la nueva estrella en el firmamento de la música” , y como si fuera una radiante luminaria del pop, le tributaron el homenaje de la más rendida admiración. Más de 10 minutos de ovación y el público de pie, premio la conducción del maestro venezolano.

El programa interpretado fue gratificante y ambicioso e incluyó el poema sinfónico Francesca da Rimini Op. 32 de Tchaikovsky, y la majestuosa Sinfonía Alpina de Richard Strauss. Este programa, que afrontó la juvenirl orquesta venezolana, mereció encendidos vítores de unos melómanos habituados a escuchar los sonidos más trabajados y estilizados del mundo.

“Esta es una formación orquestal de gran calibre”, expresó un experimentado profesor suizo, justificando la emotividad de la velada y la atmósfera de complacencia que se advirtió durante todo su desarrollo. La conocedora audiencia de Lucerna dio rienda suelta a su entusiasmo –y al fervor que generó la Sinfónica Simón Bolívar y su carismático director- no sin antes mostrarse silenciosamente embelesada durante la ejecución, al igual que si se encontrara frente a la exactitud de un encefalograma clínico, pero a conciencia de la salud de los protagonistas, que terminaron seduciéndolos al conjuro de su sonoridad y gracias a la milimétrica dosificación de sus alientos.

“Él viene de Sudamérica, de un país como Venezuela, comprometido con el arte como arma efectiva de desarrollo social” señaló sobre Gustavo Dudamel el maestro suizo Charles Dutoit, quien canalizó durante algún tiempo las aptitudes interpretativas de la notable pianista Martha Argerich, otra de las grandes fanáticas del movimiento orquestal venezolano.

Luego de cosechar ovaciones con la Francesca da Rimini, obra en la que habita una reposada y a veces sólida vitalidad, Dudamel y sus dirigidos obsequiaron una versión de la Sinfonía Alpina de extraordinaria belleza sonora, exenta del ceremonioso amaneramiento que cultivan algunos de los directores sinfónicos más notables.

Delirio total y absoluto en una sala casi siempre ganada por la circunspección. Gran triunfo del sistema orquestal venezolano en la hermosa villa de inmensos lagos y montañas imponentes. Como bien lo indicó el Maestro Dudamel: “El que una orquesta juvenil como la nuestra sea la invitada de honor en este magno evento, representa lo mucho que hemos crecido como movimiento musical. Claro que somos un proyecto social, pero sin dudas la simbiosis entre lo artístico y nuestra responsabilidad con el colectivo nos ponen en un lugar muy importante en el mapa musical."

El premio Viotti de Oro para Ángela Hewitt Teatro Civíco de Vercelli, Italia

Foto: Angela Hewitt© Simon Fowler

Massimo Viazzo

Después de casi treinta y dos años, Angela Hewitt volvió a la ciudad que la vio ganar su primer competición importante para piano, que fue el concurso Viotti, que se lleva a cabo en Vercelli (situada en Piamonte, a la mitad del camino entre Milán y Turín) y que hoy alterna anualmente la realización de la versión para “piano” con la versión para “canto¨ El Viotti d’oro es un premio de reconocimiento a una carrera, que fue instituido en 1958, y que ha sido concedido a artistas del calibre de: Renata Tebaldi, Joan Sutherland, Marilyn Horne, Giuseppe di Stefano, Mario del Monaco, Arturo Benedetti Michelangeli, Yehudi Menuhin, Mtislav Rostropovich, Gianandrea Gavazzeni y Riccardo Muti.

En el concierto, Angela Hewitt acompañada de la orquesta Bach Collegium de Stuttgart (el ensamble fundado por Helmuth Rilling), propuso una velada monográfica dedicada a Johann Sebastián Bach, compositor que más que cualquier otro la ha colocado en la cúspide de la escena internacional. De este autor, se interpretaron: el primero, el tercero y el sexto Concierto para piano y orquesta y el triple concierto en la menor para piano, flauta y violín. Las ejecuciones fueron esplendorosas, muy brillantes, y cargadas de joie de vivre, y en las que la artista canadiense (quien vive en Londres, pero tiene una casa y un festival en el lago Trasimeno de Italia), mostró escasas contaminaciones filológicas, confiándose con gran seguridad y compostura en la capacidades tímbricas y comunicativas de su amado instrumento, el piano.

Rani Calderón el director israelí de la Orquesta Filarmónica de Santiago de Chile

Fotos: Rani Calderón. Crédito: El Mercurio y Alfredo Kirsch

Johnny Teperman A.

El joven director israelí Rani Calderón (37), que ha conducido varias óperas en el Teatro Municipal de Santiago, debutó como titular de la Orquesta Filarmónica de Santiago, con cuatro conciertos solidarios en el Teatro Teletón, para recaudar ayuda para los damnificados por el terremoto del pasado 27 de febrero.

."Estoy muy contento porque con el Municipal tengo una relación artística que ya suma siete años (partió en 2002, con 'Orfeo y Eurídice', de Gluck). He pensado varias ideas para el Bicentenario y ojalá se concreten", cuenta el músico y agrega que entre sus planes está llamar a audiciones y "seguir mejorando el nivel, para que la orquesta sea mucho más autónoma desde un punto de vista musical. En esa senda quiero avanzar".

Rani Calderón asumio su cargo oficialmente en enero de 2010 y estará conduciendo a la Filarmónica por un período de tres años. Conocido como talentoso a toda prueba, se ha fijado como primera meta, trabajar intensamente "hasta que la orquesta del Teatro Municipal madure un sonido propio".

Calderón, quien remplaza al maetro británico Jan Latham-Keonig, señala que aceptó el reto de ser titular de la Filarmónica "porque tuve una relación muy buena con la orquesta y con el coro; siempre he tenido un muy buen entendimiento con la dirección artística del Teatro Municipal; y el trabajo aquí es muy interesante".

Según el músico israelí, aquí todo se hace en forma seria, moderna, avanzada, se programan óperas de todos los estilos, hay una serie completa de conciertos sinfónicos, y también ballets. En esto último aún Calderón no tiene la experiencia de conducir, pero "me agradaría hacerlo más adelante", puntualiza.

El artista ha conducido a las más aplaudidas orquestas del mundo y la crítica lo ha tratado bien. A partir del año 2002, Calderón ha venido como invitado al Municipal en varias ocasiones, para dirigir óperas de Gluck, Mozart, Leoncavallo, Puccini, Verdi, Wagner y Rossini. El año pasado condujo dos importantes óperas en la temporada lírica del principal escenario cultural del país, 'Tristán e Isolda' (Wagner) y 'La italiana en Argel' (Rossini)

Calderón acaba de dirigir en Toulouse "Euryanthe" de Carl Maria von Weber, con muy buena crítica. El se interesa mucho en el repertorio alemán, pero igual no tiene problemas en dirigir obras italianas; o sea, puede ir perfectamente de Mozart a Verdi o viceversa. Por lo mismo es que ha profundizado en las tres escuelas operáticas.

En declaraciones a la prensa, Calderón ha señalado textualmente que "Entendí bastante temprano que el estilo de la música está muy ligado al idioma". Y él puede afirmar ello con conocimiento de causa pues en la actualidad habla fluidamente hebreo, inglés, italiano, francés, alemán, ruso y español, pues estima que "cada idioma tiene un sistema expresivo propio. Y sin entender eso no puedes entender la música, porque la música viene de la palabra", expresa.
.
Su vocación musical viene desde los 15 años y recuerda que decidió convertirse en director orquestal al escuchar una grabación de la Primera Sinfonía de Beethoven por Bruno Walter, lo que era tan distinto de todo lo que había conocido: transparente, pero también expresivo y lleno de calor, de humanidad.

Recuerda con mucho cariño al ex titular de la Filarmónica, pues "el maestro Latham Koenig dejó una gran herencia; creó una base sólida para la nueva Filarmónica, que igual pertenece a Chile y a todos los chilenos, aunque el Teatro Municipal tiene un buen ganado prestigio a nivel internacional". En los cuatro conciertos solidarios con los damnificados, Calderón exhibió además su calidad de solista, interpretando al piano el concierto número 24 de Mozart.

Durante la temporada 2010 del Teatro Municipal, la Filarmónica de Santiago, con Calderón a la cabeza, ofrecerá interpretaciones de obras de Brahm, Schumann, Haydn, Weber, Berlioz, Mozart y Prokofiev y de los autores chilenos Allende, Soro, Errázuriz y Vergara.

Viotti d' Oro ad Angela Hewitt - Teatro Civico di Vercelli

Foto: © Lorenzo Dogana

Massimo Viazzo

Dopo quasi trentadue anni Angela Hewitt ritorna nella città che la vide vincere, giovanissima, il suo primo importante concorso pianistico, il concorso Viotti, che si svolge a Vercelli (in Piemonte) e che alterna oggi annualmente la sezione di “pianoforte” con quella di “canto”. Il Viotti d’oro è un premio alla carriera istituito nel 1958 che è stato assegnato ad artisti del calibro di Renata Tebaldi, Joan Sutherland, Marilyn Horne, Giuseppe di Stefano, Mario del Monaco, Arturo Benedetti Michelangeli, Yehudi Menuhin, Mtislav Rostropovich, Gianandrea Gavazzeni, Riccardo Muti.

Angela Hewitt, supportata dal Bach Collegium di Stoccarda (l’ensemble fondato da Helmuth Rilling), ha proposto una serata monografica dedicata all’autore che più di ogni altro l’ha posta al vertice della scena internazionale, Johann Sebastian Bach, di cui ha eseguito il primo, il terzo, il sesto Concerto per pianoforte e orchestra e il Triplo Concerto in la minore per pianoforte, flauto e violino. Esecuzioni mercuriali, brillantissime, intrise di joie de vivre, in cui l’artista canadese (che vive a Londra, ma che ha anche una casa, e un Festival, in Italia sul lago Trasimeno) ha mostrato scarse contaminazioni filologiche, fidando invece con grande sicurezza e compostezza sulle capacità timbriche e comunicative del suo amato pianoforte.

La Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela dirigida por Claudio Abbado en Lucerna, Suiza

SJVSB. Director: Claudio Abbado. Solista: Anna Prohaska. Sala de Conciertos Teatro KKL. Festival de Lucerna, Suiza. 19-03-2010. Fotos: Nohely Oliveros/ Fesnojiv

La Sinfónica Simón Bolívar aportó emotividad y precisión en Lucerna, Suiza

Prensa Fesnojiv

La esperada actuación de la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, con el maestro Claudio Abbado guiando la batuta, se inició con una suite de Sérgei Prokófiev (Escita, Op.20) en cuya interpretación predominaron la claridad y el orden, con líneas rotundas y un nunca descuidado matiz de incandescencia. Equilibrio entre la gran familia de instrumentos, transiciones llenas de sabiduría y planos sonoros ejemplares para una estructura tímbrica que nunca mostró ni un ápice de flaqueza, fueron atributos que extasiaron a los cultísimos melómanos que ocuparon las casi dos mil butacas del Concert Hall de Lucerna, Suiza, asiento de uno de los festivales de música de mayor prosapia del planeta. La Simón Bolívar, orquesta residente y atracción estelar del evento, aportó trascendencia y precisión, embridada por la férrea batuta de quien está considerado como uno de los directores de mayor jerarquía de la historia. El público de Lucerna, habituado a los grandes acontecimientos musicales, se rindió ante el vigor y la solvencia técnica de los instrumentistas venezolanos, aplaudiendo de manera entusiasta su interpretación contrastada y colorista.

Igualmente aclamada fue la soprano Anna Prohaska, solista de la Sinfónica Simón Bolívar en la exigente Suite de la ópera Lulú de Alban Berg, abordada por el maestro Abbado y sus huestes venezolanas con un lirismo mesurado, no exento de exuberancia y aliento. Prohaska mostró un sonido eminentemente lírico, agradable, fresco, radiante y soleado, con un carisma que conjuga encanto y seducción. Su fraseo fue imaginativo y regulado, cualidades indispensables para el canto en forte y para la intimidad de los pianissimos.

La Patética de Tchaikovsky -obra seleccionada por el maestro Abbado como epílogo de este primer concierto del festival- fue un modelo de rigor constructivo. A partir del sobrecogedor susurro con el que la orquesta inició su accionar, la tensión interpretativa no decayó jamás. Además de patética, la gran composición de Tchaikovsky fue una sinfonía geométrica, delimitada hasta la exactitud. Los músicos venezolanos, guiados por la sabia batuta del maestro italiano, consiguieron seducir nuevamente al conocedor público local, brindando –como bien apuntó un importante periódico cultural suizo- “un divino ejercicio de emoción y belleza”.

La Sinfónica de la Juventud Venezolana invitada del Festival de Lucerna, Suiza

Foto: Dudamel- Los Angeles Philharmonic Association ; Abbado- Frank Di Polo. Fesnojiv; Lucerne Festival - Jürg Egli

Prensa Fensojiv

La sinfónica venezolana –orquesta cimera de un Sistema musical educativo y social que ha sembrado raíces ejemplares por el mundo- reaparecerá bajo la dirección del maestro Claudio Abbado, director artístico del Festival desde 2003, interpretando un exigente programa, la noche del 19, y luego en los días subsiguientes, actuará bajo la égida de Gustavo Dudamel (aclamado en el evento internacional de 2008 por su solvencia y energía) y de los emergentes conductores Christian Vásquez y Diego Matheuz, miembros de una saga de músicos virtuosos, incubados en el seno de la Fesnojiv. La ascendente soprano inglesa de origen austríaco, Anna Prohaska, intervendrá como solista de la Simón Bolívar en la velada inaugural del viernes 19, en la Suite de la ópera Lulú, de Alban Berg, encauzada por la batuta de Abbado, quien suele reunir en la hermosa población suiza a los ejecutantes más destacados del planeta.

Gustavo Dudamel, el director que ha recibido en los dos últimos lustros las más encendidas ponderaciones de los críticos europeos y asiáticos, regresará el sábado 20 a la KKL de Lucerna –sala modular, como ha sido llamada- para brindar otra inequívoca muestra de su arte en la ejecución del Poema Sinfónico Francesca da Rimini, del que acostumbra extraer matices insospechados. Inspirado, sin dudas, en la acogedora atmósfera del encantador paraje, el joven barquisimetano también empuñará la batuta, delante de la SJVSB, para dejar oír la imponente Sinfonía Alpina Op. 64 de Richard Strauss. El colofón del Festival de Lucerna, en cuyo seno el maestro Abbado incluye cada año nuevas obras de su celebrado Ciclo Mahler, lo constituirá la presentación de los dos ascendentes directores del Sistema: Christian Vásquez, de la cantera caraqueña, y Diego Matheuz, larense como Dudamel. Así el público del festival disfrutará de la calidad de esta orquesta que será conducida por esta constelación de directores. Lucerna, en Suiza, situada sobre el idílico Lago de los Cuatro Cantones y rodeada de imponentes montañas, albergará durante cuatro días –del 19 al 22 de marzo- a los instrumentistas de la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, invitada en condición de huésped del Festival de Pascua en el que la excelencia musical es la nota dominante, tanto en los nuevos puentes con la modernidad como en la mayor concentración, año tras año, de formaciones orquestales de referencia en Europa y América.

Christian Vásquez, asistente del maestro Mariss Jansons en la Bamberg Synphoniker de Alemania y avanzado alumno de José Antonio Abreu, interpretará con la Simón Bolívar la celebérrima obertura rossiniana de la ópera Guillermo Tell, más un repertorio latinoamericano conformado por obras de Alberto Ginastera (las Danzas del Ballet La Estancia), Evencio Castellanos (Santa Cruz de Pacairigua) y Arturo Márquez (el Danzón número 2). Para el epílogo de sus desempeños en el acreditado festival suizo de 2010, la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar seleccionó la Sinfonía nº 10 de Dmitri Shostakovich y el Concierto para violín y orquesta de Beethoven, ambas dirigidas por Diego Matheuz, con un solista de la talla de Kolja Blacher, nacido en Berlín, quien ha sido huésped de las orquesta más importantes del mundo, junto a las cuales ha exhibido una exuberancia concisa y poderosa.

Le Poème Harmonique - Lezioni di Tenebre di Couperin, Città del Messico

Fotos: Le Poème Harmonique - Crédito: Benedicte Desrus / Festival del Centro Histórico

Ramón Jacques

L’esibizione de Le Poème Harmonique, gruppo francese specializzato nell’interpretazione della musica dei secoli XVII e XVIII, era uno degli eventi della XXVI edizione del Festival de México (FMX), importante festival che si svolge sempre nei luoghi più antichi del centro di Città del Messico. La sede di questo concerto è stata il cortile centrale del Antiguo Convento y Hospital de Pobres y Convalecientes de la orden de los Betlemitas, edificio del XVII secolo che ospita oggi un museo di storia economica e dove, alla luce di qualche candela dietro il palcoscenico, si è creato un ambiente estremamente evocativo per l’esecuzione delle Leçons de ténèbres pour le mercredi Saint del compositore francese François Couperin. Le leçons de ténèbres sono degli adattamenti polifonici delle lamentazioni del profeta Geremia, que piangeva la distruzione di Gerusalemme da parte dei babilonesi e furono composte per le liturgie della Settimana Santa del 1714 nell’Abbazia di Longchamps, in Francia.

La splendida e commovente esecuzione del brano da parte dell’ensemble sotto la direzione di Vincent Dumestre, che suonava anche la tiorba, è riuscita a estrarre costantemente la serenità e la spiritualità insiti nel brano con un suono compatto e omogeneo. Nella prima delle tre parti, per soprano e basso continuo, è emersa l’intensità contenuta della linea vocale, senza che si perdessero il carattere e la tranquilla continuità del brano. Nelle due parti restanti si è aggiunta la voce di un secondo soprano e sia Eugénie Warnier che Claire Debono hanno esibito un timbro purissimo, nitido ed emozionante, in particolare nella più nota Troisième Leçon de Ténèbres à 2 voix che, con un ripieno armonico più ricco grazie alla viola da gamba e l’organo, è arrivata a toccare nel profondo l’ascoltatore, trasportandolo in un’altra dimensione e, forse, in un’altra epoca.

Semanas Musicales de Frutillar, Chile

Fotos: Teatro del lago, vista del lago en frutillar. Cortesia: Semanas Musicales Frutillar 2010‏

Santiago de Chile, marzo del 2010.

42 AÑOS DE MÚSICA FRENTE AL LAGO LLANQUIHUE

Johnny Teperman A.

Las Semanas Musicales de Frutillar, (a 982 kms al sur de Santiago) que nacieron como un camping musical en 1968 hoy se han convertido hoy en uno de los festivales de música más prestigiosos de América Latina. Acaba de culminar la cuadragésima segunda versión de este encuentro en un marco espectacular con la presentación del oratorio “Carmina Burana” a cargo de la Orquesta Sinfónica de Chile, Coro Sinfónico de la Universidad de Chile y destacados solistas nacionales dirigidos por el joven y carismático Maestro polaco Michal Nesterowicz. Fue una noche inundada de emociones, la última realizada en el sencillo Gimnasio de Frutillar que, convertido en Sala de Conciertos, acogió digna y lealmente a los artistas y público durante más de tres décadas.

La próxima versión, la N º 43, se vestirá de gala porque las Semanas Musicales de Frutillar 2011 se efectuarán por primera vez en la moderna y flamante Sala de Conciertos del Teatro del Lago, que se inaugurará en noviembre de este año como uno de los más importantes escenarios de música clásica de América Latina. Se cumple así el ansiado sueño de los organizadores: Corporación Cultural Semanas Musicales de Frutillar, Universidad de Chile y Fuerza Aérea de Chile de contar con un recinto adecuado a las necesidades de los programas de alto nivel internacional, conciertos sinfónicos, sinfónico-corales, música de cámara y recitales. Y, además, ahora se podrá pensar en espectáculos líricos y de ballet que enfatizarán en la diversidad que ha caracterizado este evento.

MUSICA Y NATURALEZA

Este Festival de buena música, para todos los gustos, y que ha llegado a concitar un interés mundial, basa su atracción en la unión de la música, la naturaleza y la calidez de su gente porque el hermoso paisaje que ofrecen el Lago Llanquihue y el Volcán Osorno adquiere un brillo especial con la llegada de la música clásica cada verano a Frutillar. En este balneario lacustre ubicado en las Regiones de Los Lagos y de los Ríos de Chile nacieron hace 42 años las Semanas Musicales, festival de música clásica que ha alcanzado un merecido prestigio internacional.

Frutillar es una pequeña ciudad ubicada a 982 kilómetros de Santiago, la capital de Chile. Con la llegada de las primeras familias de colonos alemanes establecidos en la ribera del Lago Llanquihue, la pequeña comuna de Frutillar, fundada en 1857, se transformó en su punto de reuniones. Se hizo habitual juntarse en el Club Alemán o en el Colegio Alemán de Frutillar para realizar celebraciones sociales, visitas importantes, bodas, bautizos y fiestas tradicionales. En estas reuniones tanto los colonos, como sus familiares demostraban sus cualidades artísticas cantando, danzando, tocando violín, acordeón, pianolas, armonios o flautas; instrumentos que habían traído desde Europa. Poseedores de la tradición musical europea, cultivaban el repertorio clásico e interpretaban a los grandes maestros como Mozart y Beethoven.

Treinta años después de la fundación de Frutillar nació el Coro “Liederkranz” que se presentaba en el Club Alemán atrayendo a colonos y amigos que recorrían largas distancias a caballo, en botes o a pie para escucharlo. La vida del coro se centró alrededor del Colegio Alemán, bajo la dirección de Roberto Dick, pedagogo, director musical y organista que durante 20 años lo condujo con gran entusiasmo.

La amistad entre Roberto Dick y Arturo Yunge, quien era el director del Coro “Singkreis” de Santiago y funcionario de la Liga Chileno-Alemana de Cultura permitió la organización de los “Campings Musicales de Verano” en Frutillar. Así nacieron en 1968 las “Semanas Musicales” de Frutillar.

Durante los once primeros años las Semanas Musicales fueron presididas por el vecino de Frutillar Alfredo Daetz. En 1978 se creó oficialmente la Corporación Cultural “Semanas Musicales” de Frutillar que preside desde esa fecha Flora Inostroza García, reelecta en varias ocasiones. La institución Cultural, con Personería Jurídica y sin fines de lucro, está integrada por once directores voluntarios, apoyados por un grupo de asesores técnicos y respaldados por socios y amigos del evento, quienes aportan su creatividad, esfuerzo, trabajo y entusiasmo.

En 1981 la Corporación Cultural firmó convenios con la Universidad de Chile y la Fuerza Aérea de Chile, pasando a ser las tres instituciones co-organizadoras del evento “Semanas Musicales” de Frutillar.

“Frutillar se destaca hoy como la Ciudad de la Música por el alto nivel artístico alcanzado gracias a la importante colaboración de la empresa pública y privada; el respaldo entusiasta del público amante de la música clásica y la generosa cobertura informativa de los medios de comunicaciones”, destaca Flora Inostroza.

Inostroza valora asimismo generosos aportes que han permitido el desarrollo sostenido del evento. En 1995 la Corporación recibió un piano de conciertos Steinway traído al país directamente de Hamburgo, gracias a aportes y gestión de la Embajada de Alemania en Chile junto a un grupo de empresarios chileno-alemanes. En 1994 recibió de parte de la Ilustre Municipalidad de Frutillar, un sitio con ubicación estratégica en el centro del Balneario de Frutillar, a orillas del Lago Llanquihue y frente al Volcán Osorno; donde se construyó el Teatro del Lago, cuya Sala de Conciertos albergará cada año a las Semanas Musicales a partir de 2011.

El 5 de febrero de este año se cerraron las cortinas de las 42 Semanas Musicales e inmediatamente se comenzó a trabajar en la próxima versión que impondrá grandes desafíos a cada uno de los responsables del encuentro. “A partir de ahora se comenzará a escribir otra historia”, dijo en la inauguración Flora Inostroza al público avizorando los cambios que necesariamente impondrá el nuevo escenario.

La entrada a esta nueva etapa se hace con un positivo balance de la última jornada. Más de 25.000 espectadores asistieron a los 43 conciertos realizados, número que aumenta notoriamente con las personas que siguieron el evento a través de la transmisión televisiva y radial que realizan diversos medios de comunicación que cubren el evento.

“Estamos contentos porque nuestras metas están siendo cumplidas y el sueño del nuevo teatro es ya una realidad y tristes porque son muchos años en el gimnasio que tiene muy buena acústica, una cercanía especial con el público y una magia que la gente valora”, manifestó Flora Inostroza.

“El próximo año tenemos un gran desafío que enfrentar, ya que hoy 5 de febrero de 2010 abandonaremos definitivamente el Gimnasio Municipal de Frutillar que por años nos permitiera desarrollar nuestra programación. Con alegría los próximos años podremos recibir a nuestro público en el soñado Teatro del Lago. Se trata de una tarea que requerirá de todos nuestros esfuerzos, creatividad y experiencia por lo cual nuestro trabajo para el 2011, empieza hoy mismo”, agregó.

En las 42 Semanas Musicales se presentaron en total 43 conciertos, de los cuales 26 se realizaron en Frutillar en dos escenarios: la Sala de Conciertos del Gimnasio Municipal y el Anfiteatro del Teatro del Lago. Estos se dividen en diez Conciertos de Música de Cámara, ocho de solistas vocales e instrumentales, tres Conciertos Sinfónicos a cargo de la Orquesta Sinfónica de Chile, un concierto de la Banda Sinfónica de la Fuerza Aérea de Chile, dos elencos corales, dos de grupos de jazz, una muestra folclórica y un espectáculo de bailes y danzas tradicionales. En ellos participaron más de 400 artistas nacionales y extranjeros que interpretaron aproximadamente obras de un centenar de compositores de todos los tiempos. El marco de público alcanzó en Frutillar una cifra cercana a los once mil espectadores.

Este año los Conciertos de Extensión se ofrecieron en una quincena de localidades de las Regiones de los Ríos y de Los Lagos. Estas presentaciones, que están a cargo de los mismos músicos que participan en los conciertos oficiales de Mediodía, Vespertinos y Nocturnos, se realizan con entrada liberada y están destinados a todo público. En estos Conciertos se calcula una audiencia estimada en catorce mil espectadores.

Entre los espectáculos de mayor impacto destacaron el Concierto inaugural a cargo de la Banda Sinfónica de la Fuerza Aérea de Chile dirigida por Fabrizzio de Negri, quien estrenó su obra “Meditación Nº 2” , escrita en homenaje de Jaime Valenzuela, quien se desempeñó durante 21 años como coordinador general de las Semanas Musicales y el músico Ramón Ávila, arreglador de la Banda Sinfónica de la FACH , ambos fallecidos en 2009.

El público premió también con su asistencia y aplausos los tres conciertos de la Orquesta Sinfónica de Chile, el último de éstos junto al Coro Sinfónico de la Universidad de Chile con la interpretación del oratorio “Carmina Burana”, cuyas entradas se agotaron semanas antes de su realización.

Entre los conciertos vespertinos destacó además la presentación de la pianista rusa Sofja Guelbadamova, ganadora del Primer Premio del Concurso de la Academia Pianística de Aix en Provence y del Primer Premio del Concurso Internacional de Piano Francis Poulenc en Francia. Durante este certamen recibió del pianista chileno Mario Cervantes, miembro del jurado internacional, el premio especial del Conservatorio de Música Sergei Prokofiev de Viña del Mar para realizar una gira de conciertos en Chile, incluyendo su exitosa actuación en Frutillar. Asimismo cumplieron una exitosa presentación el Fauré String Trío de Estados Unidos, que entre uno de sus miembros tiene al chileno Raúl Fauré, quien ha desarrollado una brillante carrera en ese país. Muy elogiado y aplaudido resultó también el concierto del Trío Felici, de Estados Unidos, con la pianista chilena Paulina Zamora y el ofrecido por el Ensamble de Cuerdas Equinox, integrado por músicos de la Sinfónica de Chile.

En los conciertos de mediodía y nocturnos el trovador español Amancio Prada fue una de las figuras internacionales preferidas. Entre los chilenos, el guitarrista chileno Carlos Pérez y Quinteto de Vientos Arrau cumplieron un magnífico desempeño.

La revelación fue la Conchalí Big Band, orquesta juvenil de Jazz de la Corporación Municipal de Conchalí integrada por niños y jóvenes de entre los 11 y 20 años, quienes asombraron por su calidad interpretativa y se lucieron junto al saxofonista y director invitado, alemán Peter Brand.

Una elogiada actuación también cumplió el Ensamble Terra Australis que brindó un espectáculo de Música Colonial Latinoamericana en el que la música y las danzas ofrecidas demostraron el profundo nivel de preparación y profesionalismo de sus integrantes.

Le Poème Harmonique - Lecciones de tinieblas en el fmx-Festival de México

Fotos: Robin Davies y Benedicte Desrus / Festival del Centro Histórico - fmx- Festival de México

Ramón Jacques

La presentación de Le Poème Harmonique, el ensamble francés especializado en la interpretación de música de los siglos XVII y principios del XVIII, fue parte de la edición 26 del fmx-Festival de México, importante festival cuyos eventos se han realizado siempre en las recintos mas antiguos del centro de la ciudad de México.

La sede de este concierto fue el patio central del Antiguo Convento y Hospital de Pobres y Convalecientes de la orden de los Betlemitas, construcción del siglo XVII que hoy alberga un museo de historia económica, y en el que a la luz de unas velas alrededor del escenario, se creó un ambiente verdaderamente evocador para la ejecución de Lecciones de tinieblas (Leçons de ténèbres pour le mercredi Saint) del compositor francés François Couperin. Las lecciones de tinieblas son adaptaciones polifónicas de las ‘Lamentaciones’ del profeta Jeremías, quien sollozaba la destrucción de Jerusalén por los Babilonios, que fueron compuestas para las liturgias de la Semana Santa de 1714 en la Abadía de Longchamps, Francia.

La espléndida y conmovedora ejecución de la obra por parte del ensemble y bajo la segura dirección de Vincent Dumestre, quien interpretó la tiorba, logro extraer en todo momento la serenidad y espiritualidad que contiene la pieza con un sonido compacto pero homogéneo. En la primera de las tres partes, para una soprano y bajo continuo, se sintió la intensidad contenida en la línea vocal, sin perderse el carácter ni la apacible continuidad de la pieza. En las dos partes restantes se incorporó la voz de una segunda soprano, y tanto Eugénie Warnier como Claire Debono, exhibieron un timbre cristalino, nítido y conmovedor, particularmente en la mas conocida tercera lección (Troisième Leçon de Ténèbres à 2 voix) que con un relleno armónico mas rico, con la viola de gamba y el órgano, logró tocar fibras profundas transportando el espectador a otra dimensión o quizás otro tiempo.

De la casa de los muertos de Leóš Janáček - Teatro alla Scala de Milán

Foto: Ros Ribas - Fondazione Teatro alla Scala di Milano

Massimo Viazzo

La visión del mundo de los campos de prisioneros de Patrice Chéreau es muy humana. En este espectáculo, creado hace dos años y medio en Aix-en-Provence y coproducido, entre otros, por el teatro milanes, el director francés realizó una obra maestra de una intensidad psicológica fuera de lo común, logrando hacer que un trabajo sustancialmente sin trama fuera fascinante. Toda la ambientación fue atemporal y las altas y suspendidas paredes, (típico de la estética de Richard Peduzzi colaborador habitual Chéreau) delimitaron un espacio escénico que nunca fue invasivo. Tres momentos para recordar de la producción son: la lluvia de desechos (algo casi nunca actual) con la que se paso del primero al segundo acto, la muy eficaz pantomima del segundo acto que fue apartada y melancólica, y el águila de madera, sostenida a la fuerza, que se liberó con un vuelo catártico al final de la opera. De la casa de los muertos, que cuenta una serie de eventos sustancialmente ligados al pasado de los prisioneros, esta cimentada en la mecánica repetitiva de los gestos cotidianos de la vida de un campo, y que están ligados entre si por un delgado hilo conductor, para concentrarse en tres magníficos monólogos, uno por acto, que fueron unos verdaderos micro dramas de enérgica sustancia musical. Toda la obra fue dominada por un interminable conmoción de franco vigor, y por una expresiva y devoradora fuerza. Esa-Pekka Salonen mostró una vitalidad rítmica, seguida con pertinencia desde los primeros movimientos de su batuta, y un control casi infalible de los empastes timbricos y de incontenible paso teatral. En su debut al frente de una producción en el máximo teatro milanes, el director finlandés privilegió una cierta abreviatura en su labrado, sin hacer menos el cuidado de las dinámicas; y en la búsqueda de la eufonía, todo sonó afilado, cortante, agresivo, pero nunca diabólico.

Su ejecución que fue más movida, y mas clara-oscura respecto a la original y cartesiana realizada por Pierre Boulez en el 2007. Pero esta vez, como nunca, en la ultima obra maestra de Leóš Janáček ¡el trabajo de de equipo terminó pagando! No fue solo merito de Chéreau que los retratos de los carcelarios hayan quedado impresos en la memoria, si no que que también la formidable adherencia al dictado dramatúrgico que tuvo el elenco vocal. Por ello, no se puede olvidar: la demencia de Skuratov del sobrexcitado John Mark Ainsley, la muy amaga perturbación y agresividad del Filka de Stefan Margita, la gallardía del Šiškov de Peter Mattei, de seductor y suave canto; como tampoco la nobleza de Gorjančikov del elegante Willard White, ni la inocencia di Aljeja de un Eric Stoklossa, que fue verdaderamente conmovedor. Se debe subrayar también la muy compacta y deslumbrante prueba, muy segura en los timbres del Coro del Teatro alla Scala. En suma, ¡fue un espectáculo victorioso!

Da una casa di morti di Janáček - Teatro alla Scala, Milano

Fotografie di Ros Ribas- Teatro alla Scala, Milano

Janáček compone, Chéreau umanizza

Massimo Viazzo

E’ umanissimo il mondo dei campi di prigionia nella visione di Patrice Chéreau. Il regista francese in questo spettacolo - creato ad Aix-en-Provence due anni e mezzo fa e coprodotto, tra l’altro, proprio dal teatro milanese - realizza un capolavoro di intensità psicologica fuori dal comune riuscendo a rendere avvincente un’opera sostanzialmente senza trama. L’ambientazione è tutto sommato atemporale con alte pareti geometriche, incombenti (tipiche dell’estetica del collaboratore di sempre Richard Peduzzi) delimitanti uno spazio scenico mai invasivo. Tre momenti da ricordare: la pioggia di rifiuti (mai così attuale) che sigla il passaggio dal primo al secondo atto, l’efficacissima pantomima del secondo atto straniante e malinconica, e l’aquila di legno sostenuta dai forzati che si libra in un volo catartico al termine dell’opera. Da una casa di morti racconta un serie di vicende sostanzialmente legate al passato dei prigionieri, calate nella meccanica ripetitività dei gesti quotidiani della vita del campo, legate tra loro da un esilissimo filo conduttore e che si coagulano in tre superbi monologhi, uno per atto, veri microdrammi di energica sostanza musicale. Ma tutto il lavoro è pervaso da un fremito inarrestabile, da una vigoria franca, da una forza espressiva divorante. Esa-Pekka Salonen sfodera una vitalità ritmica perseguita con pertinacia fin dalle prime battute, un controllo pressoché infallibile degli impasti timbrici ed un passo teatrale travolgente. Il direttore finlandese (al suo debutto in una produzione operistica nel massimo teatro milanese) predilige una certa stringatezza nell’incedere senza venir meno la cura delle dinamiche e, non ultimo, la ricerca dell’eufonia: tutto suona affilato, tagliente, aggressivo, ma mai cattivo, in un’esecuzione più mossa, più chiaroscurata rispetto a quella originale e cartesiana realizzata da Pierre Boulez nel 2007.

E mai come nell’ultimo capolavoro di Leóš Janáček il lavoro d’équipe paga! Non è solo per merito di Chéreau che i ritratti dei carcerati restano impressi nella memoria. Come dimenticare, per esempio, la demenza di Skuratov (un tarantolato John Mark Ainsley), l’alienazione amarissima di Filka (un aggressivo Stefan Margita) o la gagliardia di Šiškov (seducente il morbidissimo canto di Peter Mattei) e poi ancora la nobiltà di Gorjančikov (un elegante Willard White) o l’innocenza di Aljeja (un Eric Stoklossa davvero commovente) se anche il cast, vocalmente, non fosse stato di formidabile aderenza al dettato drammaturgico? E non ultimo è da sottolineare la prova di grande compattezza, timbricamente scurissima, del Coro del Teatro alla Scala, in forma smagliante. Insomma uno spettacolo vincente!

Concerto di José Carreras - Auditorio Nacional, Città del Messico

Foto: José Carreras - Sabina Puértolas - El porvenir- copyright

Ramón Jacques

Nonostante il ritiro di José Carreras dal circuito operistico internazionale, non è possibile dimenticare il grande apporto del tenore, attraverso una prolifica carriera, al mondo della lirica, dove è leggenda vivente del canto. Ed è questa la ragione per cui la sua presenza continua ad attrarre tanto pubblico ai suoi concerti, com’è successo al Auditorio Nacional di Città del Messico. Per questo concerto è stato scelto un gradevole programma, senza richiedere un eccessivo impegno vocale, iniziato con quattro canzoni di autori italiani, molto conformi al gusto e al temperamento di Carreras: L’ultima canzone di Francesco Tosti, Pecchè di Francesco Pennino, Silenzio Cantatore di Gaetano Lama e Passione di Nicola Valente. Il programma continuava con un brano più prossimo allo spirito del tenore come la romanza catalana Rosó da Pel teu amor di Josep Ribas. In tutti i pezzi l’artista ha sfoderato bella dizione, ardore ed emozione, col suo inconfondibile timbro vocale. Il ciclo seguente comprendeva affascinanti brani in spagnolo come Lejana tierra mía e El día que me quieras di Carlos Gardel, addentrandosi successivamente nella zarzuela con la jota Ya mis horas felices da La del Soto del Parral di Soutullo y Vert e suggellando la serata colla sua celebre e infiammata interpretazione di Granada di Lara, scatenando a quel punto una tumultuosa ovazione.

Notevole il soprano navarrese Sabina Puértolas, che ha sfoggiato una linea vocale corretta, un timbro chiaro e cristallino, fornita delle agilità richieste dall’aria Je veux vivre dall’opera Romeo e Giulietta di Gounod, con espressività in Les filles du Cadix di Delibes, una grazia speciale in Carceleras da Las hijas del Zebedeo di Chapí, malizia in Me llaman la primorosa dal Barbero de Sevilla di Giménez y Nieto. A fianco di Carreras il soprano ha cantato assai gradevolmente il Dúo e la Jota dal Dúo de la africana di Manuel Fernández Caballero.

La Orquesta Pro Arte ha creato una bella cornice musicale durante la serata sotto l’esaltata ma sicura bacchetta di Enrique Ricci, con l’esecuzione sinfonica della Suite 2 de L’Arlesianne di Bizet, l’Intermezzo da Pagliacci e l’intermezzo da La Boda de Luis Alonso. Davanti all’entusiasmo del pubblico sono stati offerti cinque bis, tra cui O mio babbino caro, Core ’ngrato e il brindisi da La Traviata di Verdi

Concierto de José Carreras - Auditorio Nacional de México D.F.

Fotos: José Carreras y Sabina Puértolas - cortesia el porvenir ©

Ramón Jacques

A pesar de que José Carreras se encuentra retirado del circuito operístico internacional, es imposible olvidar la gran aportación que tuvo, a lo a lo largo de su prolífica carrera, al mundo de la lírica que lo ha convertido en una leyenda viviente del canto. Por ello, su presencia continúa atrayendo tanto público a sus conciertos, como sucedió en el Auditorio Nacional de la ciudad de México.

Para este concierto se conformó un grato programa musical, no tan exigente desde el punto de vista vocal, que inició con la interpretación de cuatro canciones de compositores italianos, muy afines al gusto y al temperamento de Carreras, como: L’ultima canzone de Francesco Tosti, Pecchè de Francesco Pennino, Silenzio Cantatore de Gaetano Lama y Passione de Nicola Valente, y se incluyó una pieza mas cercana a su espíritu como la romanza catalana Rosó de Pel teu amor de Josep Ribas. En todas ellas exhibió buena dicción, ardor y emoción, y su inconfundible y distintivo timbre vocal. En el siguiente ciclo cantó deleitables obras en español, como: Lejana tierra mía y El día que me quieras de Carlos Gardel. Para adentrarse un poco en la zarzuela eligió la jota Ya mis horas felices de La del Soto del Parral de Soutullo y Vert, y selló la velada con su celebre y enardecida interpretación de Granada de Lara, que causó una tumultuosa ovación.

Notable estuvo la soprano navarra Sabina Puértolas, quien mostró una correcta línea vocal, con un timbre claro y cristalino, así como agilidad en el aria Je veux vivre de la opera Romeo y Julieta de Gounod; expresividad en Les filles du Cadix de Delibes, una gracia particular en Carceleras de Las hijas del Zebedeo de Chapí, y picardía en Me llaman la primorosa del Barbero de Sevilla de Giménez y Nieto. Al lado de Carreras, cantó de manera placentera, el Dúo y Jota del Dúo de la africana de Manuel Fernández Caballero.

La Orquesta Pro Arte creó un satisfactorio marco musical durante la velada bajo la exaltada, pero segura conducción de Enrique Ricci, y ejecutó en solitario, la Suite 2 de L’Arlesianne de Bizet, el Intermedio de la opera Pagliacci, y el intermedio de la Boda de Luis Alonso. Ante tanto entusiasmo, se ofrecieron cinco propinas resaltando: O mio babbino caro, Core’ngrato y el brindis de La Traviata de Verdi.

Hey Girl! Socìetas Raffaello Sanzio - Città del Messico

Fotos: Silvia Costa (Hey Girl!)- Crédito Ariette Armella / Festival del Centro Historico y Alejandro Barragán

Ramón Jacques

La ventiseiesima edizione del Festival de México ha ospitato la compagnia italiana di teatro contemporaneo Socìetas Raffaello Sanzio, che ha presentato nel Teatro de la Ciudad Esperanza Iris la messa in scena della sua produzione Hey Girl! L’idea di quest’opera si manifestò per la prima volta al controverso regista della compagnia, Romeo Castellucci, mentre osservava tre giovani donne alla fermata dell’autobus, ognuna persa nel proprio mondo, e fu quest’immagine che lo spinse a pensare alla condizione delle donne d’oggi.

Il lavoro si svolgeva in una sequenza di scene senza un argomento definito, con elementi essenziali (enormi maschere, sculture, dipinti, spade) e simbolismi esagerati che creavano una visione enigmatica, surreale e assurda della realtà. Non esistendo dialoghi, le parole ridotte solo a un mormorio, gridi e sussurri, l’attenzione si concentrava principalmente negli effetti visivi e sonori che avvenivano in scena.

L’attrice principale, Silvia Costa, era la giovane donna che un bel giorno si sveglia avvolta in un materiale viscoso, come un insetto che stesse per nascere liberandosi del bozzolo, e che, accompagnata da una leggera melodia che a poco a poco cresceva di volume e intensità, ha reso questa scena come la più suggestiva della serata. A partire da quel momento iniziavano suoni, incubi, allucinazioni e la perturbante realtà della ragazza che, dopo essersi guardata allo specchio, iniziava a deambulare in scena sconsolata e disperata, come se le sue espressioni e le sue azioni significassero qualcosa. Si inginocchiava per mettersi il rossetto, si vestiva con una tela come un mantello protettore e impugnava una spada incandescente che stava di fronte a lei: forse si poteva interpretare come se fosse una lotta per il suo sesso, cosa resa più evidente attraverso l’uso di alcune icone femminili di riferimento proiettate su uno schermo, come le regine decapitate Anna Bolena, Maria Stuarda, Maria Antonietta, uno stralcio di Romeo e Giulietta e le due domande con cui è terminata la recita Che devo fare? Che devo dire?

Come nelle sue opere precedenti, soprattutto Purgatorio, ispirata alla Commedia di Dante, Castellucci ricorreva ancora una volta all’uso della violenza, alla musica di crescente intensità, al fracasso, all’impatto e alla freddezza delle immagini, a una tensione provocata dall’illuminazione, sempre cercando di irritare, provocare, disturbare e sconcertare il pubblico in sala più che facilitargli una riflessione o raccontargli una storia digeribile.

Alla fine l’opera ha lasciato aperte tutte le interpretazioni che ogni spettatore avesse voluto darle.

Socìetas Raffaello Sanzio - Hey Girl! en el Teatro de la Ciudad, México

Fotos: Silvia Costa (Hey Girl!)- Crédito Ariette Armella / Festival del Centro Historico; y Alejandro Barragán

Ramón Jacques

La edición 26 del fmx Festival de México, tuvo como invitada a la compañía italiana de teatro contemporáneo Socìetas Raffaello Sanzio, que presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, la puesta escénica de su obra Hey Girl! La idea de la creación de este montaje se le ocurrió al controvertido director de la compañía Romeo Castellucci, mientras observaba a tres chicas en la parada de un autobús, cada una adentrada en su propio mundo. Fue esta imagen lo que lo hizo pensar en la condición de las mujeres de la actualidad.

La obra se desarrolló en una secuencia de escenas sin un argumento definido, con pocos elementos (como unas enormes mascaras, esculturas, pinturas, espadas) y exagerados simbolismos que crearon una visión enigmática, surrealista y absurda de la realidad. Sin la existencia de diálogos, las palabras se redujeron a algunos balbuceos, gritos y susurros, por lo que la atención se centró principalmente en los efectos visuales y sonoros que se presentaron sobre la escena.

La actriz principal Silvia Costa, es la chica que se levanta en un día de su vida envuelta en un material viscoso, como un insecto que nace y se libera, y que con el acompañamiento de una tenue melodía que fue subiendo de volumen e intensidad, creó la escena mas sugestiva en toda la obra. A partir de ese momento, comenzaron los sueños, pesadillas, fantasías o la perturbadora realidad de la chica, quien después de mirarse en un espejo, deambuló de manera desconsolada y desesperada por la escena, como si sus movimientos y ademanes quisieran decir algo. Arrodillándose, para pintarse los labios, se colocó una tela como manto protector y empuñó una espada caliente que encontró frente a ella, en lo que podría interpretarse como una lucha por su género, que fue más evidente con el uso de algunos iconos femeninos a los que se hizo referencia, en la proyección sobre una pantalla, como las reinas decapitadas: Ana Bolena, María Estuardo, María Antonieta, a un pasaje de Romeo y Julieta y las dos preguntas con las que se concluyó la función ¿Qué debo hacer? y ¿Qué debo decir?

Como en sus obras anteriores, notablemente Purgatorio inspirada en la obra de Dante, Castellucci recurrió nuevamente al uso de la violencia, a la música que sube de intensidad, a los ruidos estruendosos, al impacto y a la frialdad de las imágenes, a la tensión uso de la iluminación, buscando siempre irritar, provocar, molestar y desconcertar al publico presente mas que facilitarle el razonamiento o contarle una historia digerible.

Al final, la obra queda abierta a la interpretación que cada espectador le quiera dar.

Concierto de José Carreras en Monterrey

Imagen concierto, foto: José Carreras y Sabina Puértolas - El Porvenir.- copyright.

José Angel Cervantes

En su regreso a Monterrey México, el tenor español José Carreras complació con creces al publico al ofrecer una velada de bel canto, recuerdos y emociones que envolvieron el ambiente en la Arena Monterrey. El aclamado cantante presentó ante cerca de cinco mil asistentes un variado repertorio de melodías que pasaron desde algunas clásicas operísticas hasta interpretaciones de Carlos Gardel, zarzuelas y melodías mexicanas que tuvieron una acalorada respuesta por parte del publico.

Acompañado por la Orquesta sinfónica de la UANL, dirigida por David Giménez, Carreras inició con L`ultima canzione y Pecchè en las que mostró una parte de su virtuosismo interpretativo. De traje negro, con gesto sonriente pero concentrado en sus interpretaciones, tuvo escasa interacción con el público limitándose a agradecer con movimientos de cabeza y ocasionales saludos a las ovaciones. Aunque mostró cierto cansancio, en ningún momento minó su deseo de entrega al máximo en cada nota y destacó durante la primera parte, su interpretación de Passione y Rosso-Pel teu amor.

En la conclusión del programa, Carreras se despidió con un homenaje a México y España con la interpretación de Granada, y ante la aclamación general volvió para retomar a la ópera y cantar al lado de la soprano española Sabina Puértolas el clásico romántico Solamente una vez. La participación de Puértolas en el concierto merece mención aparte, ya que la intrprete de Navarra interpretó cuatro melodías en solitario con lo que mostró calidad vocal y dejó extasiados a los presentes con su canto y su desenvolvimiento en el escenario sobretodo en: Me llaman la primorosa y Les filles de Cadix. La orquesta sinfónica del UANL estuvo a la altura al ejecutar obras como el Intermezzo de Cavallería Rusticana y La boda de Luis Alfonso.

Intervista a Mirco Palazzi

Foto: Mirco Palazzi; Incoronazione di Poppea - Liceu de Barcelona; Lucia di Lammermoor- Avignone. ©

Nato a Rimini, Il basso Mirco Palazzi inizia giovanissimo lo studio del pianoforte per poi dedicarsi al canto, diplomandosi con lode e menzione d’onore al Conservatorio Rossini di Pesaro, sotto la guida di Robleto Merolla. Acclamato inteprete del repertorio belcantista, ha intrapreso una carriera que l´ha portato a cantare nei piu importante teatri italiani: Teatro alla Scala, Regio di Parma, Alighieri di Ravenna, Bellini di Catania, Carlo Felice di Genova, San Carlo di Napoli, Comunale di Bologna, Regio di Torino, Opera di Roma, Maggio Musicale Fiorentino, Festival di Spoleto, Teatro delle Muse di Ancona, Teatro la Fenice di Venezia, Rossini Opera Festival, Accademia di Santa Cecilia. E all'estero: al International Festival di Edimburgo, Staatsoper di Stoccarda, Wexford Festival, Konzertgebouw di Amsterdam, Avignon, Drury Lane di Londra, Liceu di Barcellona, Lipsia, Avignon, Messico, Giappone.

Tra i suoi prossimi impegni: Maria Stuarda e Lucia di Lammermoor al Teatro Massimo di Palermo, Caterina Cornaro (Mocenigo) al Concertegbouw di Amsterdam, Demetrio e Polibio (Polibio) al Rossini Opera Festival, Requiem di Mozart al Gran Teatro La Fenice di Venezia, Missa in tempore belli di Haydn al Teatro San Carlo di Napoli, Don Giovanni (Leporello) alla Dallas Opera, Il diluvio universale (Noè) ed Il Barbiere di Siviglia (Don Basilio) a St. Gallen (con incisione dvd), Messa di Gloria di Puccini con l'Orchestra Regionale Toscana, Il Trovatore (Ferrando) a Koln, Linda di Chamounix (Prefetto) al Liceu di Barcellona, Lucia di Lammermmor (Raimondo) alla Washington National Opera. Mirco ha acettato amabilmente di rispondere ad alcune domande sulla sua carriera.

Ramón Jacques

Quando hai deciso di fare del “canto” la tua carriera e come hai iniziato?

«Ho scoperto il canto quasi per caso alle lezioni di canto corale previste dallo studio del pianoforte, che era il mio strumento principale. L'insegnante di canto corale noto' la mia voce, già per natura impostata, e mi consiglio di studiare canto perché secondo lui ne possedevo le qualità. Da quel momento ho iniziato quasi per divertimento e nuovo entusiasmo lo studio del canto iscrivendomi in seguito di li' a poco al conservatorio di Pesaro dove ho conseguito il diploma in canto sotto la guida del tenore Robleto Merolla. Il canto è diventato la mia carriera da quando ho vinto tre concorsi internazionali (Tagliavini, Zandonai e Masini), da quel momento, infatti sono entrato nel "mondo" professionista anche con l'aiuto di un agenzia che mi aveva notato al concorso "Masini" di Reggio Emilia.»

Vocalmente come ti definiresti?

«Se parliamo del registro vocale direi "basso cantante", in senso lato mi sento un musicista e poco conta per me se si è basso, baritono tenore... La voce è per me uno strumento che serve a raggiungere e realizzare la musica che si interpreta e che questa, poi, arrivi alla sensibilità dell'ascoltatore. Mi piace molto e credo piaccia allo stesso modo anche alla mia voce, il repertorio belcantistico che va da Rossini (opere serie soprattutto) a Donizetti e Bellini, pur amando molto anche autori del 700 come Haendel e Mozart.»

A chi non conoscesse la tua voce, cosa le faresti ascoltare?

«Sicuramente più di una cosa; un'aria di Rossini, nello specifico quella di Lord Sidney del Viaggio a Reims, un'aria da concerto di Mozart che amo moltissimo che è "Mentre ti lascio", un'aria di Donizetti tratta dal Diluvio universale: " Dio tremendo, onnipossente". Farei ascoltare anche qualche cosa di cameristico come il Don Quichotte a Dulcinee di Ravel.»

Come nasce il tuo interesse verso il belcanto?

«È una questione di sensibilità e natura vocale, per dirla più semplicemente è il repertorio in cui mi sento più a mio agio sotto diversi punti di vista.»

Quali sono i ruoli cui ti senti maggiormente legato?

«Sono molto affezionato al Conte Rodolfo della Sonnambula di Bellini, che è stato il mio primo ruolo importante cantato in un teatro altrettanto importante quale il Regio di Parma. Un altro ruolo a cui sono affezionato Raimondo della Lucia di Lammermoor di Donizetti che ho cantato diverse volte con colleghi eccezionali ed in teatri importanti. Per finire un ruolo che mi è rimasto nel cuore è stato Lord Sidney del Viaggio a Reims di Rossini per le difficolta' a cui mi ha fatto andare in contro e per le soddisfazioni che mi ha dato poi. Naturalmente non vedo l'ora di cantare Leporello e Figaro!»

Un ruolo che ti ha portato fortuna. Lo canti ancora?

«Direi Raimondo della Lucia di Lammermoor che cantero' nuovamente l'anno prossimo per il mio debutto a Washington.»

Quali sono le produzioni fra quelle a cui tu hai partecipato che ricordi con particolare piacere?

«Ricordo con particolare piacere la Sonnambula al Regio di Parma con la regia di Pierfrancesco Maestrini e la Lucia di Lammermoor di Graham Vick al Carlo Felice di Genova di cui esiste anche un dvd. Un'altra produzione che mi ha lasciato un bellissimo ricordo è stata la Pietra del Paragone di Rossini con la regia di Gianni Marras. Affettivamente ricordo sempre la Bohéme con la regia di Marco Pucci Catena fatta a Catania, la quale è stata la mia prima Boheme ed anche l'opera ed il luogo in cui ho conosciuto mia moglie (il soprano Raffaella Milanesi, ndr.).»

C’è un cantante, un regista o un direttore che ha influenzato positivamente la tua carriera?

«Direi di si, ed in particolare un direttore artistico: Patric Schimid. Questa persona ha creduto nelle mie qualità artistiche più di ogni altro e mi ha dato l'opportunità di incidere ruoli ed opere meravigliose per la sua casa discografica "Opera Rara". Devo il suo incontro al mio attuale agente Marco Impallomeni che allora era solo un amico e non aveva ancora intrapreso la carriera manageriale. Tra i cantanti che ho conosciuto sono stati molto influenti nel mio cammino artistico ma anche in quello personale, il mio maestro Robleto Merolla ed il basso Bonaldo Giaiotti. Tra i colleghi ammiro sopra tutti il tenore americano Gregory Kunde.»

A te è mai capitato qualche fatto curioso sul palcoscenico?

«Si, una volta nella Lucia di Lammermoor nella scena appena dopo il famoso sestetto, il tenore nell'irruenza della scena ha rischiato di ferirmi veramente urtandomi il naso con l'impugnatura della spada. Per fortuna non è successo nulla di grave tranne lo spavento mio, dei colleghi e del direttore d'orchestra che ha visto meglio di tutti la scena.»

hai altri progetti per l’immediato futuro?

«Si, tra i più interessanti per me ci sono il Demetrio e Polibio al Rossini Opera Festival di Pesaro ed il debutto nel ruolo di Leporello nel Don Giovanni di Mozart per il mio debutto in America ed all'opera di Dallas.»

Teatro Municipal de Santiago reprograma y reubica espectáculos del primer semestre

Johnny Teperman A.

El Teatro Municipal de Santiago determinó reprogramar y reubicar espectáculos del primer semestre, tras cierre temporal por daños a raíz del terremoto, con lo que la temporada oficial comienza el miércoles 7 de abril, con el ballet Giselle.

En comunicado oficial, la dirección del teatro señala hoy que tras el cierre temporal del Teatro por los daños sufridos por el terremoto, su director general Andrés Rodríguez anunció que para que el público no se pierda de los espectáculos planificados para el primer semestre, éstos se reprogramaron y reubicaron en diferentes teatros de Santiago que cumplen con estándares de calidad para cada una de estas presentaciones. De esta manera, todas las funciones programadas para después del 24 de abril se realizarán en el Teatro de la Corporación Cultural de Carabineros, el cual cuenta con una capacidad para 650 personas y los espacios necesarios para presentaciones de alta envergadura y calidad como son las del Teatro Municipal.

Entre los títulos que se presentarán en este Teatro destacan las óperas Cavallería Rusticana/Pagliacci, Elektra, Alcina, y el ballet Coppelius, El Mago, entre otros. Hubbard Street Dance Chicago, inicialmente programado para finales de marzo, no podrá ser presentado este año ya que la compañía no tenía fechas disponibles. En su reemplazo el público podrá disfrutar del Ballet de Jazz de Montreal, el cual se presentarán entre el 8 y el 11 de noviembre de 2010, ambas fechas inclusive, en el Teatro Municipal.El ballet 'Giselle' será ofrecido en el Teatro Teletón en las fechas programadas entre el 7 y el 10 de abril.

El III programa de Conciertos, que incluye los Wesendonck Lieder de Wagner, Stravinskiana de Alcalde y El pájaro de Fuego, de Stravinski, se presentará en la misma fecha programada, los días 13 y 14 de abril; al igual que el IV programa de Conciertos, que incluye el Concierto para Violín y Orquesta de Mendelssohn, con Patrick Chemla como solista; Rileys Merrimen de Orrego Salas y la Sinfonía N° 6 Patética de Tchaikovsky, planificado para el 23 y 24 de abril, ambos en el Aula Magna de la Escuela Militar.

Para el segundo semestre quedaron el I programa de Conciertos, Un Réquiem Alemán, de Brahms y Busco una Estirpe Nueva, de Sebastián Errázuriz; y el II programa de Conciertos, con el Concierto para Cello y Orquesta de Schumann, con el solista Emmanuel López; La Voz de las calles, de P.H. Allende y la Sinfonía N°103 de Haydn. Ambas fechas se avisarán oportunamente.Las presentaciones del prestigioso músico estadounidense Philip Glass, serán entre el 6 y 9 de octubre con el espectáculo llamado "Philip Glass, Retrospectiva de 40 Años" en cuatro funciones en el Teatro Municipal, dos de las cuales serán privadas para la Universidad SEK, institución que es auspiciador de su visita.

Andrés Rodríguez aclaró que se están "haciendo todos los esfuerzos necesarios para normalizar la programación y para que nuestro público pueda disfrutar de los espectáculos que ofrece el Teatro Municipal. Agradecemos sinceramente la compresión tanto de las personas como de los mismos artistas en estos difíciles momentos que vive el país, quienes han manifestado su disponibilidad para colaborar y trabajar en las circunstancias que sea necesario".El ejecutivo agregó "para colaborar en alguna medida con las víctimas de este lamentable terremoto hemos decidido realizar cuatro conciertos solidarios en el Teatro Teletón, invitando a todas las personas a ayudar con alimentos no perecibles en vez de pagar una entrada". Las fechas serán lunes 15 y miércoles 17 de marzo, a las 19:00 horas, en el Teatro Teletón, con un programa que incluye la Novena Sinfonía de Beethoven, con la Orquesta Filarmónica y el Coro del Teatro Municipal, dirigidos por su titular Rani Calderon. Solistas serán Patricia Cifuentes, Lina Escobedo, Gonzalo Tomckowiack y Marcelo Otegui.

El segundo concierto solidario será los días viernes 19 y sábado 20 de marzo, a las 19:00 horas, en el Teatro Teletón. La Orquesta Filarmónica de Santiago, dirigida por Rani Calderon, interpretará la Séptima Sinfonía de Beethoven y el Concierto para Piano y Orquesta N° 24 de Mozart, con el propio Calderon como solista.También se informó que Después de la evaluación de los daños causados por el terremoto en el Teatro, ya han comenzado los trabajos en la sala principal, en la cual se están quitando más de 8 filas de butacas para poner los andamios y comenzar a arreglar esta parte del recinto.