Il Ritorno di Ulisse in Patria de Monteverdi en Turín, Mito Settembre Musica

 

Foto:    Roberto Alvares (C) MITO SettembreMusica

Renzo Bellardone

IL  RITORNO  DI  ULISSE  IN  PATRIA de Claudio Monteverde. Festival MITO Setiembre Musica 2012 realizada en el Teatro Regio de Turín el 8 de septiembre del 2012. Elenco: Ulisse, Furio Zanasi – Penelope, Sara Mingardo – l’Umana Fragilità, Andrea Arrivabene – Il Tempo, Luigi de Donato – Fortuna, Monica Piccinini – Amore, Anna Simboli – Giove, Luca Cervoni – Nettuna, Luigi de Donato – Minerva, Monica Piccinini – Giunone, Anna Simboli – Telemaco, Luca Dordolo – Eurimaco, Raffaele Giordani – Melanto, Francesca Cassinari – Eumete, Gianluca Ferrarini – Iro, Gian Paolo Fagotto – Ericlea, Elena Biscuola – Pisandro, Andrea Arrivabene – Anfinomo, Luca Cervoni – Antinoo, Salvo Vitale – Feacio I, Andrea Arrivabene – Feacio II, Luca Cervoni – Feacio III, Salvo Vitale. Concerto Italiano Rinaldo Alessandrini – conducción y clavecín.

 Los dioses amenazan y deciden el destino de los hombres atentando contra sus debilidades, así es como inicia la opera exactamente con el celebre prologo de la humana fragilidad, en la experta interpretación de Andrea Arrivabene. La fragilidad fue amenazada por el Tiempo que ofrecía una calidad y redonda voz del bajo Luigi De Donato, apreciado después en el exigente papel de Neptuno. Pero las amenazas no terminaban aquí y de hecho hizo su entrada Fortuna, interpretada por una convincente Monica Piccinini, después llegó el Amor de Anna Simboli, quien mostró un afligido en su interpretación.  Una de las páginas mas amadas y conmovedoras, fue el lamento de Penélope que se elevó explosivo y profundo con la segura y redonda, con el sensible colorido en la voz de Sara Mingardo ‘Di misera regina’ y la interprete misma se convirtió en una verdadera reinda manteniendo el papel con línea de canto homogénea y sufrida en su interpretación. Elena Biscuola fue la fiel Ericlea armoniosa y participe. Giove, y después Anfinomo, fueron confiados al joven Luca Cervoni, adaptado al papel que interpreto de manera agradable.  Salvo Vitale posee una voz potente y profunda con la que delineó bien a Antinoo y a al Feaccio III.  El tenor Gian Paolo Fagotto diseñó su Iro con dúctil voz y una interpretación muy segura, mientras que Gianluca Ferrarini prestó su canto de grato timbre a Eumente.  Raffaele Giordani fue Eurimaco, personaje que hizo con alegre frescura y apreciable entonación.  Francesca Cassinari fue una placentera Melanto.  En la opera resaltó como momento tópico el encuentro entre Ulises y Telémaco cuyo desarrollo tuvo la segura y bien apreciada voz de Luca Dordolo quien realizo el exigente dueto con Furio Zanasi, quizás el interprete mas apreciado en el papel principal.  Voz suave con refinadas coloraciones, ofreció armonía y dulzura y autoridad con su timbre profundo y firme. Sobre el escenario y con su habitual fraseo, que es de los más apreciados del panorama operístico en este repertorio, fue el único que no utilizó una partitura porque la conoce perfectamente porque es un intérprete de referencia de Ulises. El ensamble Concerto Italiano, compuesto de músicos de comprobada valía y con la puntual dirección de Rinaldo Alessandrini un estudioso y experto del repertorio de Monteverdi, y la de dos pilares Sara Mingardo y Furio Zanasi, permitió presenciar un Ulises muy claro, nítido, y la forma semi-escénica contribuyó a exaltar su esencialidad y su pureza. ¡La música vence siempre!

The Two Widows by Smetana Creation in Angers

Photo: Jef Rabillon - Angers Nantes Opera

 

Suzanne Daumann

 

Smetana’s opera was written in 1873/74 and one really wonders, on seeing this wonderfully witty, playful and yet deep work, how it is possible that it is being produced in France for the first time only now, in 2012. Especially since the libretto by Emmanuel Züngel is based on a play by French playwright Mallefille. If I were more of a feminist, or given to conspiracy theories, the answer would be easy: the main characters of this piece are women, are two widows, and one of them clearly enjoys her single state and refuses to remarry in order to stay free. Jo Davies has set her production in the years after the first World War. A very fine black and white video installation by Andrezej Goulding, that faithfully follows Smetana’s overture, shows proud aviators and tragic events, so we know that Karolina’s and Anezka’s husbands have died during the war, but we do not know how long ago that was, nor how their relationships were before the war. We soon find out, however, how the two woman deal with their situation: Act I opens on a beautiful salon, 19^th century furniture, consisting mainly of a desk, a sofa and a long dining table, blue leaf- patterned wallpaper, a stag’s head over one of the three doors and a spiral staircase to the right, these are the main elements and the whole piece will be played out in this set. On the sofa, a human figure is lying still, covered by a blanket. The servants come and go, rejoicing in the coming harvest festival. Karolina comes in and sitting down at the dining table and taking her breakfast, sings her joy about her life as the free mistress of her domain and her servants, ready to join in their harvest festival. Lenka Macikova is simply splendid in this part, her silvery soprano and vivacious personality are the very embodiment of the wit and irony of Karolina. The covered person on the sofa now turns out to be her cousin, Anežka. She is wearing black, and in fact is still mourning her husband. Or if she isn’t, at least she doesn’t seem to allow herself Karolina’s joy of life.

 

Sophie Angebault, lovely soprano tainted with gold and melancholy, conveys, along with the music, the impression that her affliction is maybe a bit more due to convention than to personal feelings. No time is lost however in reflections of that kind. Smetana’s opera, full of Slavic charm and polka, is led along with almost devilish drive and force by the Orchestre National des Pays de la Loire, conducted by Mark Shanahan. And now comes Mumlal, the gamekeeper, come to complain about an especially obnoxious poacher. I have to admit that he was almost my favourite character of the opera. Whoever loves Mozart’s Antonio and is frustrated to get so little of his views on life will be rewarded with Mumlal. Interpreted with happy abandon and a velvety growling bass, supply and subtly by Ante Jerkunika, Mumlal is the bass part of the vocal quartet (the tenor is not far now!) and also the personification of the humour and irony that are so present throughout in the music. Karolina sends him to catch the intruder who comes along quite docilely. In fact he is a young neighbour, Ladislav Podhàjský, and Karolina understands soon enough that he has been roaming the grounds in order to see Anežka, because he is in love with her. He is the romantic lover and of course he is the tenor. Aleš Briscein interprets the part with a beautifully clear warm strong voice, unwavering on the narrow line between sincerity and irony. Karolina sees through him right away and, as mistress of the grounds, condemns him to a fine and a time of imprisonment in her house. He retires to his room and everybody sings an ode to love. In Act II, Karolina and Anežka are discussing Ladislav Podhàjsky. Anežka wants him gone and Karolina wants her to marry him. Ladislav finally manages to declare his love to Anežka, but she turns him down. Karolina goes to the servants’ ball with Ladislav and after a few detours through jealousy and misunderstandings, Ladislav and Anežka will be happily united. We learn now that Anežka has loved him for longer than conventions would allow it, for she has been in love with him already when her husband was alive. Everybody rejoices and a lively polka ends the piece.Applause, well-earned applause for everyone: Bedrich Smetana for his wonderful opera, and his fine and witty music that is so entertaining and amusing and yet never shallow. Deep feelings are lying under the surface, never far away, but are hardly ever openly expressed. Like the light filtering in through the large French windows (Simon Corder is responsible for the lighting and a fine job he does), so love and regrets sometimes filter through the irony of the music, especially at the very end of Act I. In Act II it is the other way round, love and longing are everywhere, but always tempered by the subtle shade of wit and irony.  Thundering applause for Anger Nantes Opéra, for bringing this lovely work to life and back to France – may it be taken up again and again everywhere and all the time!  And bravos and thanks to the whole cast and crew for a most enjoyable evening!

Las dos viudas de Smetana estreno en Francia en Angers

Foto: Jef Rabillon / Angers Nantes Opera

Suzanne Daumann



 

Dvě Vdovy (Las dos viudas) de Bedřich Smetana (1824-1884)  Entreno en Francia. Función realizada el 28 de septiembre del 2012 en Angers Le Quai, Francia en la temporada 2012-2013 de la Angers Nantes Opera. Director Musical: Mark Sanan, Director de escena: Jo Davies. Escenografia y vestuario: Joanna Parker. Diretor del coro: Sandrine Abello.  Lenka Máciková (Karolina), Sophie Angebaul (Anežka), Aleš Briscein (Ladislav Podhájsky), Robin Tritschler (Tonik), Khatouna Gadelia (Lidunka). Ante Jerkunica (Mumlal)

Después de ver lo maravillosamente astuta, divertida y profunda que es esta opera compuesta por Smetana en 1873-1984,  uno se pregunta como es que fue representada por primera vez en Francia hasta el 2012, si además se considera que el libreto de Emmanuel Züngel esta basado en una obra del dramaturgo francés Mallefille. Si yo fuera feminista, o quisiera crear confabulaciones la respuesta seria fácil y diría que es porque los personajes principales de la obra son mujeres, dos viudas, de las cuales una disfruta ser soltera y se niega  a casarse de nuevo.  Jo Davies ubicó su producción en los años posteriores a la Primera Guerra Mundial. Una muy fina transmisión en blanco y negro de Andrezej Goulding, que fielmente siguió la obertura de Smetana mostraba escenas trágicas y de pilotos de aviación, daba a entender que los maridos de Carolina y de Anezka murieron durante la guerra, aunque no se sabe exactamente cuando ni como eran sus relaciones antes de morir. Aun así, se puede deducir que las dos mujeres superaron la situación.  La obra completa se realizó dentro de un hermoso salón cuyos elementos principales fueron muebles del siglo diecinueve: como un escritorio, un sofá y una larga mesa, paredes decoradas con dibujos de hojas azules de árbol, además de la cabeza de un venado sobre una de las tres puertas, y una escalera en espiral.  Sobre el sofá se veía la figura de una persona recostada y cubierta con una manta mientras que los sirvientes entraban y salían,  festejando el festival del pueblo. El personaje de Karolina hizo su entrada y sentándose a la mesa cantó reflexionando sobre su vida como una mujer libre, sus bienes y sus sirvientes, que festejaban. Lenka Macikova estuvo simplemente esplendida en esta parte, ya que su brillante voz de soprano y su vivaz personalidad fueron la esencia misma de la astucia y la ironía de Karolina. La persona cubierta sobre el sofá, resultó ser su prima Anežka, quien vistiendo de negro aun de luto por la muerte de su marido y no mostrando felicidad de Karolina. Sophie Angebault encantadora soprano con voz de tinte dorado y melancolía trasmitió la impresión, junto con la música que su pena se debía mas a costumbre que a un sentimiento personal.  Sin embargo, no se perdió nada de tiempo en reflexiones de ese tipo en esta opera de Smetana, plena de encanto eslavo y polkas, y que fue llevada con endiablada fuerza por la Orchestre Nacional des Pays de la Loire, bajo la dirección de Mark Shanahan.  

 

 También apareció el guardabosques Mumlal, quejándose de un molesto cazador, del que debo admitir que fue mi personaje favorito de la opera. Quien adora al Antonio de Mozart y se frustra de escuchar tan poco sus puntos de vista de la vida quedaría satisfecho con Mumlal, que fue Interpretado con alegre abandono y brillo aterciopelado en su voz de bajo por Ante Jerkunika. Mumlal es la voz de bajo del cuarteto vocal (el tenor se acercaba ya) y la personificación del humor y la ironía que están tan presentes en toda la música.  Karolina le ordena a atrapar a un intruso que merodea la casa, y que es de hecho el joven vecino Ladislav Podhàjský, entendiendo que ha buscaba ver a Anežka de quien esta enamorado. El romántico enamorado era el tenor Aleš Briscein quien cantó con hermosa, clara  y calida; moviéndose en una delgada línea entre la sinceridad y la ironía. Karolina viendo sus intenciones y como dueña de la propiedad, lo invita a quedarse en  la casa.  El se retira a su habitación y todos interpretan una oda al amor.  En el segundo acto Karolina y Anežka discuten por Ladislav Podhàjsky; Anežka quiere que se marche y Karolina quiere que ella se case con el.  Ladislav finalmente le declara su amor a Anežka, quien lo rechaza.  Karolina asiste a la celebración de sus sirvientes acompañada de Ladislav y después de algunas situaciones de celos y malentendidos, Ladislav y Anežka terminan felizmente unidos.  En este punto nos enteramos que Anežka lo ha amado durante un largo tiempo, aun desde que su marido vivía. Todos los personajes celebran y alegres con una movida polka termina la obra. El autor Bedrich Smetana se merece un aplauso por su maravillosa opera de fina y alegre música que fue muy entretenida y nunca superficial.  Profundos sentimientos se encuentran sobre la superficie, nunca lejos, pero que difícilmente son expresados abiertamente, un poco como la luz que se filtraba débilmente por las grandes ventanas francesas (Simon Corder fue el responsable del buen trabajo de iluminación), de modo que el amor y los arrepentimientos algunas veces se filtran en medio de la ironía de la música, especialmente al final del primer acto.  En el segundo es lo contrario, el amor y el deseo se encuentran por todos lados pero siempre son templados por la sutil sombra de la alegría y la ironía.  Un aplauso particularmente fuerte para la Opéra Angers Nantes por haberle dado vida a esta hermosa obra en Francia, que ojala se repita siempre por todos lados y bravo y gracias para el elenco y equipo técnico por una amena velada.

 

Les deux veuves – Création française d’un opéra de Smetana à Angers

Foto: Jef Rabillon - Angers Nantes Opera

 

Suzanne Daumann

 

Smetana a écrit « Les Deux Veuves » en 1873-’74, et en voyant cet opéra plein de vitalité, d’ironie et de profondeur, on se demande comment il se fait que sa création française survienne seulement maintenant, au 21^ème siècle, d’autant plus que le livret d’Emmanuel Züngel se base sur une pièce du Français Mallefille.  Si j’étais un peu plus féministe, ou encore portée sur les théories de conspiration, j’aurais bien une réponse : les personnages centraux en sont deux  femmes, deux veuves, une d’entre elles se déclare ouvertement très heureuse de sa condition de célibataire et nullement encline à renoncer à sa liberté pour se remarier. La production de Jo Davies est située dans les années suivant la Première Guerre mondiale. Une très belle installation vidéo par Andrezej Goulding montre, en suivant fidèlement l’ouverture de Smetana, de fiers aviateurs et de tragiques événements. Nous savons ainsi que les maris de Karolina et Anežka sont morts à la guerre. Nous ne savons pas cependant combien de temps s’est écoulé depuis, ni comment se sont entendus les couples du vivant des maris. Par contre, nous allons bientôt savoir comment les deux veuves s’accommodent de leur situation : le premier acte s’ouvre sur un magnifique salon style 19^ème, avec pour meubles principaux un bureau, un sofa et une table à manger. Trois portes, du beau papier peint bleu orné de feuillages, une cage d’escalier hélicoïdal, voici le décor où se déroulera toute l’action. Sur le sofa, nous voyons une figure humaine, allongée, couverte d’un plaid. Les domestiques vont et viennent, en chantant leur joie de la fête de la moisson. Entre Karolina. Elle s’assied à la table et, tout en prenant son petit-déjeuner, chante sa joie de vivre en tant que maîtresse de sa maison, de son domaine et de ses serviteurs dont elle s’apprête à partager la fête. Lenka Macikova est splendide dans ce rôle, sa voix argentée de soprano, sa personnalité vivace font d’elle l’incarnation idéale de l’esprit ironique et espiègle de Karolina. La personne couverte sur le divan se révèle être Anežka, sa cousine. Elle est en noir car elle est encore en deuil de son mari. Ou pour le moins elle ne s’autorise pas la joie de vivre de Karolina. Sophie Angebault, soprano teinté de mélancolie dorée, transmet, ainsi que la musique de Smetana, l’impression que son affliction est peut-être autant due aux conventions qu’à ses propres émotions. Nous n’avons pas de temps pour de telles réflexions cependant. L’opéra de Smetana, tout en charme slave et polkas, est mené avec une verve presque diabolique par l’Orchestre National des Pays de la Loire, dirigé par Mark Shanahan. Et voici qu’arrive Mumlal, le gardien du parc, pour se plaindre d’un braconnier particulièrement impertinent. Je dois avouer que Mumlal est presque mon personnage préféré dans cet opéra. Quiconque aime l’Antonio des Noces mozartiennes, et se sent frustré de ne pas avoir eu droit à davantage des ses opinions et idées, sera comblé avec Mumlal. Ante Jerkunika l’interprète avec un joyeux abandon et une voix de basse souple et subtile au grondement  de velours.

 

Mumlal est la partie de basse du quatuor vocal (le ténor n’est pas loin !) et aussi la personnification de l’humour et de l’ironie qui sont si présents dans cette oeuvre. Karoline l’envoie capturer l’intrus qui vient bien docilement. Il s’agit en fait de Ladislav Podhàjský, un voisin et Karolina a vite compris qu’il rode dans les parages pour voir Anežka dont il est amoureux. C’est le jeune premier, l’amant romantique et bien sûr c’est le ténor. Aleš Briscein l’interprète avec une belle voix chaude et claire, en parfait équilibre sur la corde raide entre ironie et sincérité. Karolina a donc compris son manège et, en tant que maîtresse du domaine, le condamne à une amende et une journée de détention dans sa maison. Il se retire dans sa chambre et tous chantent une ode à l’amour. Dans le second acte, Karolina et Anežka sont en train de discuter de Ladislav Pohàjský. Anežka veut qu’il parte et Karolina veut qu’elle l’épouse. Ladislav finit par trouver Anežka seule, lui déclare son amour et la demande en mariage, mais elle refuse. Karolina emmène Ladislav au bal des domestiques et après quelques détours par malentendus et jalousies, Anežka et Ladislav seront enfin unis. Nous apprenons qu’Anežka était déjà amoureuse de Ladislav du vivant de son mari. Tout le monde se réjouit, et une polka énergique clôt allègrement la pièce. Applaudissement plus que mérités pour tous : Bedrich Smetana pour sa musique divertissante et amusante qui n’est jamais gratuite. De profonds sentiments sont juste sous la surface, jamais loin, mais à peine révélés. Amour et regrets filtrent à travers l’ironie du premier acte, comme la lumière du jour filtre à travers les portes-fenêtres (Simon Corder est responsable de la belle lumière).  Dans le deuxième acte, c’est plutôt l’envers, amour et désir sont partout, mais  toujours tempéré par de subtiles nuances d’esprit et d’ironie.  Applaudissements tonnants pour Angers Nantes Opéra, pour avoir rendue cette œuvre merveilleuse  à la vie et au public français. Puisse-t-elle voir maintes et maintes reprises partout et tout le temps  ! Bravos et remerciements aux solistes, chœur et orchestre, et à tous ceux qui ont contribué à une soirée mémorable !

 

Le due vedove - L'opera di Smetana al Teatro di Angers.

Foto: Jef Rabillon - Angers Nantes Opera

 

Suzanne Daumann

 

Bedrich Smetana scrisse quest'opera solo verso la fine dell'Ottocento ma è lecito chiedersi, assistendo a quest'arguta, spiritosa e allo stesso tempo profonda composizione, come sia possibile che la si scopra in Francia, nel 2012, per la prima volta. A maggior ragione per il fatto che il libretto di Emmanuel Züngel è basato sul un lavoro del francese Félicien Mallefille. Che disattenzione! La domanda sarebbe superflua per le femministe, che si baserebbero certamente sulle teorie di un complotto maschile: i personaggi principali di quest'opera sono donne, due vedove, e una di esse è davvero contenta di star da sola e per di più rifiuta di risposarsi. Jo Davies ha ambientato la sua messa in scena negli anni successivi alla Prima Guerra Mondiale. Una bella video installazione in bianco e nero di Andrezej Goulding che scorre con l'ouverture dell'opera, mostra i prodi aviatori e i tragici eventi, e da ciò si capisce che Karolina e Anezka sono vedove di guerra, seppure non si sappia da quanto tempo lo siano rimaste né se si conoscessero da prima della guerra. Si scopre presto come le due donne affrontino la loro situazione. Il primo atto si apre un un bel salone arredato in stile ottocentesco, con una scrivania, un sofà e un lungo tavolo da pranzo, carta da parati con foglie blu, una testa di cervo su una delle tre porte, una scala a chiocciola sulla destra… sarà la scena sulla quale si svolgerà tutta l'opera. Sul sofà si nota una figura distesa, dormiente, coperta da un plaid. Arriva Karolina e si siede al tavolo per far colazione, cantando la sua gioia per la vita da donna libera, per avere la sua ricchezza e la sua servitù, pronta a raggiungerla a una festa campestre che avrà luogo di lì a poco. Lenka Macikova è semplicemente sublime in questo ruolo: la personalità vivace e la sopranile voce argentina formano già lo spirito e l'ironia di Karolina. La figura coperta sul sofà svela essere sua cugina Anežka. Anežka è vestita di nero perché porta ancora il lutto di suo marito, o, anche se non lo portasse, non sembra essere autorizzata ad avere la stessa gioia di Karolina nei confronti della vita. Sophie Angebault, dalla voce di soprano dorata e malinconica, trasmette più l'impressione che la sua afflizione sia piuttosto dovuta alle convenzioni che ai suoi sentimenti personali. Ma non ci si dilunga troppo in simili riflessioni: l'opera di Smetana mostra immediatamente lo strabordante e vitale fascino slavo, con la diabolica energia delle sue polke proveniente dall'Orchestre National des Pays de la Loire diretta da Mark Shanahan.  Ecco che arriva Mumlal, il guardacaccia, per lamentarsi di un inopportuno bracconiere, e devo dire che si è dimostrato immediatamente quasi il mio personaggio preferito. Chiunque ami l'Antonio delle Nozze mozartiane e ne sia anche un po' frustrato perché è solo un personaggio secondario che non può esprimere pienamente le sue visioni della vita, sarà ripagato da Mumlal. Interpretato con un felice abbandono e una piena voce vellutata ma capace di sottigliezze da Ante Jerkunika, il basso del quartetto vocale dei protagonisti (il tenore non tarderà ad apparire…), Mumlal è la personificazione dell'umorismo e dell'ironia che pervadono questa partitura. Karolina invia quindi il guardacaccia ad acciuffare l'intruso, che peraltro arriva lì di seguito molto docilmente.

Infatti il bracconiere altri non è che un vicino, Ladislav Podhàjský, e Karolina capisce subito che il giovane stava vagando per i campi alla ricerca di Anežka, della quale è innamorato, ed essendo il tenore gli viene affidata senz'alcun dubbio il ruolo dell'amante romantico. Aleš Briscein interpreta il personaggio colla sua voce possente e piacevolmente calda, indugiando sullo stretto limite tra sincerità e ironia. Karolina, davanti a tutto questo, vede oltre… e condanna il supposto bracconiere, in qualità di padrona della tenuta, a una contravvenzione e a una prigionia temporanea nella sua casa. Ladislav si ritira nella sua stanza e ognuno dei personaggi canta un'ode all'amore. Il secondo atto si apre con una discussione delle due cugine su Ladislav Podhàjsky. Anežka preferirebbe che lui partisse ma Karoline glielo vorrebbe nientedimeno far sposare. Ladislav alla fine dichiara il suo amore a Anežka, ma lei non lo ascolta. Karolina va quindi alla festa campestre con Ladislav e dopo una serie di fraintendimenti e di gelosie, Ladislav e Anežka si sposeranno felicemente. Nel frattempo si apprende che Anežka ha amato Ladoslav più a lungo di quanto le convenzioni sociali permettessero: essi erano già amanti mentre il marito era ancora vivo! Tutti gioiscono della lieta novella e una vivace polka termina l'opera.  Meritati applausi per tutti: primo di tutti Bedrich Smetana per quest'opera splendida, per la sua musica piacevole e spiritosa che non ha mai avuto un momento statico. I sentimenti profondi sono spesso nascosti sotto la superficie, anche se non troppo, ma di rado si riesce a esprimerli apertamente: questa la lezione dell'opera.  Come la luce filtrava attraverso l'ampia finestra (ottima l'illuminazione di Simon Corder) così l'amore e il desiderio filtravano attraverso l'ironia della musica, specialmente nel finale dell'atto I. Quell'amore e il desiderio accennati nel primo atto si sviluppano e pervadono interamente e prepotentemente il secondo atto, sottilmente temperati dall'arguzia delle invenzioni musicali di Smetana. Un applauso scrosciante ad Angers Nantes Opéra, per aver riportato alla luce e in Francia quest'opera, che dovrebbe assolutamente diventare di repertorio, così come all'intero cast e a tutti quelli che hanno collaborato per l'incantevole serata.

 

 

IL RITORNO DI ULISSE IN PATRIA - MITO Settembre Musica 2012, Torino

Foto: Roberto Alvares MITO SettembreMusica

Renzo Bellardone

MITO Settembre Musica 2012 Torino Teatro Regio 18 settembre

 

IL RITORNO DI ULISSE IN PATRIA - Claudio Monteverdi. Ulisse, Furio Zanasi – Penelope, Sara Mingardo – l’Umana Fragilità, Andrea Arrivabene – Il Tempo, Luigi de Donato – Fortuna, Monica Piccinini – Amore, Anna Simboli – Giove, Luca Cervoni – Nettuna, Luigi de Donato – Minerva, Monica Piccinini – Giunone, Anna Simboli – Telemaco, Luca Dordolo – Eurimaco, Raffaele Giordani – Melanto, Francesca Cassinari – Eumete, Gianluca Ferrarini – Iro, Gian Paolo Fagotto – Ericlea, Elena Biscuola – Pisandro, Andrea Arrivabene – Anfinomo, Luca Cervoni – Antinoo, Salvo Vitale – Feacio I, Andrea Arrivabene – Feacio II, Luca Cervoni – Feacio III, Salvo Vitale.Concerto Italiano. Rinaldo Alessandrini - direzione e clavicembalo.

Gli dei incombono e decidono il destino degli uomini, aggredendo le loro debolezze e l’opera inizia appunto con il celebre prologo dell’Umana Fragilità, nell’esperta interpretazione di Andrea Arrivabene; la fragilità viene minacciata dal Tempo cui offre una calda ed arrotondata vocalità il basso Luigi De Donato, apprezzato poi anche nel ruolo impegnativo di Nettuno. Ma le minacce non finiscono qui ed infatti arrivano anche Fortuna, convincente Monica Piccinini, e poi Amore, Anna Simboli accorata nella rappresentazione del personaggio. Una delle pagine più amate e toccanti, ovvero il lamento di Penelope si eleva prorompente e profondo con la sicura ed arrotondata, in tutta la sensibile colorazione possibile, della voce di Sara Mingardo ‘Di misera regina’ e diviene l’interprete stessa una vera regina mantenendo il ruolo con linea di canto omogenea ed interpretazione sofferta. Elena Biscuola è la ‘fedele Ericlea’ armoniosa e partecipe. Giove, e poi Anfinomo, sono affidati al giovane Luca Cervoni adatto al ruolo che rende gradevolmente. Salvo Vitale ha voce possente e profonda che ben tratteggia Antinoo ed il Feacio III. Il tenore caratterista Gian Paolo Fagotto disegna il suo Iro con duttile vocalità ed interpretazione molto netta, mentre Gianluca Ferrarini da voce ad Eumete con gradevolezze timbriche. Raffaele Giordani è Eurimaco, che rende con freschezza gioiosa ed intonazione apprezzabile. Francesca Cassinari è gradevole in Melanto. Nell’opera risalta come momento topico l’incontro di Ulisse con Telemaco cui da volto e voce sicura e ben modulata Luca Dordolo che ben rende nel’impegnativo duetto con Furio Zanasi, forse il più apprezzabile nel ruolo del titolo. Voce morbida con colorazioni raffinate, offre armoniosità e dolcezza o imperio dal timbro profondo e fermo. Sul palco, con il consueto fraseggio tra i più chari del panorama operistico, è l’unico a non doversi avvalere dello spartito, conoscendolo perfettamente, essendone interprete di riferimento. L’Ensemble ‘Concerto italiano, si avvale di musicisti di comprovata bravura e con la puntuale direzione di Rinaldo Alessandrini, studioso ed esperto del repertorio monteverdiano ed i due pilastri Sara Mingardo e Furio Zanasi si è assistito ad un ‘Ulisse’ molto chiaro, nitido e la forma semiscenica ha contribuito ad esaltarne l’essenzialità e l a purezza. La Musica vince sempre.

Interview avec la soprano française Julie Fuchs

Fotos: © Julie Fuchs

La jeune soprano française Julie Fuchs est en train de conquérir public et critiques grâce à une voix chaude, ronde et pleine, une présence scénique intense et un talent de comédienne remarquable et une personnalité sincère et modeste. En 2012, elle gagne les Victoires de la Musique dans la catégorie "Révélation lyrique de l'année" et intégrera l'opéra de Zurich à partir de la saison 2013/14. Nous lui avons posé quelques questions:

Avez-vous toujours rêvé d’être cantatrice ?

 

Pas du tout. J'ai d'abord rêvé d'être danseuse, bergère, poète, styliste, journaliste, infirmière... Comme j'ai commencé des études musicales jeune par le violon, j'ai cotoyé le milieu de la musique classique sous cette angle avant de me mettre au chant et au théâtre à 18/19 ans. A cette époque je n'imaginais pas une seconde que j'allais devenir chanteuse. Je voulais tout au plus me diriger vers la direction de choeur. L'expression vocale me plaisait déjà beaucoup certes, mais cantatrice ne me semblait pas réel et réaliste comme avenir.

Pouvez-vous nous parler de votre voix ? Avez-vous des "modèles vocaux" ?

 

C'est la question la plus difficile qu'on puisse poser à un chanteur... d'autant plus qu'à mon age la voix évolue rapidement. Il m'est difficile de parler de ma voix en l'isolant du reste de ce que je suis. Ma voix est comme moi, elle aime aller fouiner partout. Au niveau de la tessiture, des styles, des couleurs... Mais pour répondre concrètement à la question, disons que pour l'instant je suis Soprano lyrique-léger avec de l'appétit pour les colorature; A partir de là, il est évident que Diana Damrau est un exemple vocal mais beaucoup d'autres chanteuses sont exemplaires. Je dois avouer que je n'ai pas trop ni la "fan-attitude" ni le gout de "Youtube". En revanche, j'admire par exemple ce qu'a fait Natalie Dessay pour rendre accessible l'Opéra. J'aime aussi beaucoup le mélange de fraîcheur et de profondeur du timbre de Cotrubas.
 

Avez-vous un répertoire de prédilection ? Quels sont les compositeurs qui vous attirent le plus?

 

Je suis encore trop jeune et trop curieuse pour avoir un répertoire de prédilection. J'ai déjà fait pas mal de Baroque et de Mozart. C'est vrai que je me sens avec Mozart comme à la maison. Mais je commence aussi à aborder le Bel canto avec beaucoup de bonheur, un bohneur différent, peut-être plus organique, mais moins spirituel... J'apprécie également chanter dans ma langue, le français. Les chanteurs français ne profitent pas assez de cette chance que nous avons de pouvoir interpréter et rendre cette langue aisément et fidèlement. J'aime aussi Strauss, le musical, Poulenc... Mais cet été je me consacre à Debussy et Mahler dont nous enregistrons les lieder de jeunesse avec le pianiste Alphonse Cemin. Donc, en ce moment, je savoure, et redécouvre ce répertoire magnifique.

Quelles sont les rencontres qui ont le plus influencé votre carrière ?

 

C'est vrai que je dois beaucoup à quelques personnes. Je citerai mon 1er professeur de chant, Pierre Guiral, qui m'a donné, en plus de nombreuses "heures supplémentaires", toute la confiance dont j'avais besoin et qui continue d'être un soutien précieux pour moi. La plupart de mes enseignants ont d'ailleurs été de vrais déclencheurs en m'encourageant et me donnant beaucoup d'eux-même. J'ai beaucoup de chance. Alain buet, Susan Manoff, Olivier reboul... de belles personnes avant tout. J'ai aussi eu la chance que des chefs d'orchestre me fasse confiance rapidement: Hervé Niquet, Jean-Claude Malgoire, Jérémie Rhorer, Christophe Rousset.
 

Quels sont les rôles que vous rêvez d'aborder ?

Il y en a beaucoup trop. Outre les rôles que je n'interprèrai jamais (Carmen, Tosca...), il y a Violetta, Lucia, Cleopatra, Lulu, Mélisande, Illia, Ophélie... Je suis impatiente de gouter à ces personnages fabuleux!

Comment vivez-vous votre rôle d'artiste lyrique dans le monde d'aujourd'hui ?

 

Je le vis sereinement, avec une réelle foi en ce bonheur partagé. Chaque jour de travail, je me sens soutenue par quelque chose qui me dépasse. Je souhaite que chacun vive cela au moins une fois. Notre société n'a pas besoin d'humains riches, elle a besoin d'humains heureux.  En ce qui concerne la place de la musique classique et de l'Opéra dans notre époque, je crois que moi-même comme presque toute ma génération est désormais désireuse d'agir sur ce merveilleux héritage avec toute la modernité qui nous anime. RJ

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OFUNAM Concierto de Gala con la soprano Marina Poplavskaya – México D.F.

 

OFUNAM

Concierto de Gala

 

Jan Latham-Koenig, director artístico; Marina Poplavskaya, soprano

Obertura El carnaval romano y aria de La condenación de Fausto de Berlioz, Obertura de Luisa Millery aria de Otelo de Verdi, Polonesa y aria de Eugene Onegin y Marcha eslava de Tchaikovsky     

 

Sala Nezahualcóyotl, Mexico D.F.

 

Sábado 13 / 20:00 horas

Domingo 14 / 12:00 horas

Stresa Festival 2012 - Maisky & Maisky

Foto: Stresa Festival

Renzo Bellardone

Stresa – Isola Bella – Salone degli Arazzi – 30 agosto. MAISKY & MAISKY Mischa Maisky-violoncello, Lily Maisky-pianoforte. Franz Schubert - Sonata in la minore ‘Arpeggione’ D821, Claude Debussy- Sonata per violoncello e pianoforte in re minore, Enrique Granados- Intermezzo da Goyescas, Oriental, Andalusa- danze, Pablo de Sarasate- Playera, danza spagnola, Isaac Albéniz - Tango op. 165 n. 2 e Cordoba op.232 n4, Gaspar Cassadò- Requiebros, Manuel de Falla- Danza rituale del fuoco

Due colori versati in un'unica ampolla d’acqua trasparente, si incontrano sempre e pur senza fondersi mai in un unico colore stigmatizzato, si incontrano dando vita a sfumature nuove, a colorazioni inusuali, lasciando che i colori più tenui galleggino in sospensione temporale. Sostanzialmente il concerto di Maisky e Maisky ha lasciato questa immagine, grazie anche alla scelta del programma molto attenta a suscitare emozioni ed a trascinare. Mischa Maisy nell’intera estensione esprime trasporto e passione nelle frasi melodiche e sa trarre la profonda voce del basso. Ha eseguito diversi suoi arrangiamenti (Granados, De Sarasate, Albéniz) studiati per la miglior efficacia dello strumento. Eclettico e scenografico ben si raffigura nel quadro con la figlia Lily Maisky che con suono forte e pieno riesce risolvere al pianoforte una ampia gamma dinamica. Ognuno dei due strumenti conserva intatta la propria personalità apportando all’insieme dell’offerta il senso della pienezza e del completamento. La Musica vince sempre.

Stresa Festival 2012 - Gustav Mahler Jugendorchester

Foto: Stresa Festival

Renzo Bellardone

Stresa –Palazzo dei Congressi – mercoledì 29 agosto. GUSTAV MAHLER JUGENDORCHESTER – GATTI. Frank Peter Zimmermann, violino. Gustav Mahler Jugendorchester. Daniele Gatti, direttore. Richard Wagner- da Parsifal preludio atto II , Incantesimo Venerdì Santo, Alban Berg - Concerto per Violino ed orchestra, Richard Strauss- da ‘Il Cavaliere della rosa’ suite per orchestra op.59, Maurice Ravel- La Valse, poema coreografico per orchestra op. 72

 

Solenne misticismo e note penetranti suggellano l’inizio di un concerto che toccando diversi mondi ed epoche musicali scorre sul filo dello spirituale e del sogno. Gesto elegante e misurato, ma ben definito Daniele Gatti sul podio conduce con amabile serenità la preziosa Gustav Mahler Jugendorchester. Dai misticismi ed incantesimi spirituali eseguiti con intimistica condivisione si passa brutalmente al superbo concerto per violino ed orchestra di Alban Berg dove i colori temperati lasceranno il posto a tratti decisi e impressionisticamente futuristi che solo l’abilità di un grande violinista quale Frank Peter Zimmermann è, possono far scaturire dallo strumento.Temi temporalmente distanti fra di loro si coniugano attraverso l’abile uso dell’arco in punta o tallone su imprevedibili corde ridotte. La seconda parte del concerto è un omaggio al valzer che si ritrova nella suite ‘Il Cavaliere della rosa’ a cui Strauss non ha saputo rinunciare e poi nel celeberrimo valse di Ravel. La poetica bacchetta di Gatti ha tratto la sontuosa maestosità della partitura attraverso una lettura poetica che ha esaltato la costruzione coloristica. La Musica vince sempre.

Stresa Festival 2012 - Canadian Brass

Foto: Stresa Festiva
Renzo Bellardone

Isola Madre – Loggia del Casmere – 28 agosto . CANADIAN BRASS Christofer Coletti, Brandon Ridenour- trombe, Achille Liarmakopoulos- trombone, Eric Reed- corno, Chuck Daellenbach- tuba. Claudio Monteverdi - da Orfeo, W.A.Mozart - da Le Nozzze di Figaro, Ave Verum, Il Flauto magico, George Gershwin - Suite da porgy and Bess, G. Rossini - Largo al Factotum da Il Barbiere di Siviglia, George Bizet - da Carmen.

Ricco della presenza di uno dei fondatori della formazione, ovvero Chuck Daellenbach, l’ensemble più scanzonato del mondo si propone con i giovanissimi quanto abili professionisti strumentisti dell’attuale gruppo. Per ‘inconvenienza teatrale’ iniziano il concerto con un paio di bis…..che dissemineranno durante l’intera serata e tra questi, degni assolutamente di rilievo il celebre ‘When the Saints go marching on…’ implementato di colte contaminazioni dall’Alleluia di Haendel….ed un ‘Volo del Calabrone’ entusiasmante. Venendo ai brani in locandina danno prova di tecnica qualificata con i brani dall’Orfeo di Monteverdi e con il Tributo a Mozart trascritti per una formazione inconsueta rispetto alla stesura originale; brillanti e coinvolgenti trascinano il pubblico fino alle performances teatralizzate con il Barbiere di Siviglia ed ancor più con la Suite da Carmen di Bizet, dove ognuno degli ottoni da singolarmente voce ad ognuno dei personaggi dell’opera, con la scherzosa aggiunta del toro cui da vita Daellenbach con tanto di corna in testa e coda. Vezzosimme Carmen e Michaela (le trombe) con tanto di parrucche….. Serata divertente e di buona piacevolezza. La Musica vince sempre

Stresa Festival 2012 - European Union Youth Orchestra

Foto: Stresa Festival

Renzo Bellardone

Stresa, Palazzo dei Congressi 27 agosto. EUYO – Noseda. Garrick Ohlsson, pianoforte. Wuropean Union Youth Orchestra. Gianadrea Noseda, direttore Pëtr Il’Ič Čajkovskij – Conc. per pianoforte e orchestra n. 1 , op 23; Claude Debussy – da Nocturne : Nuages – Fêtes; Ottorino Respighi – Feste Romane

EMOZIONI, SUGGESTIONI e VISIONI

La scelta del programma è fuor di dubbio ricca e penetrante nelle varie sensibilità. Le prime celeberrime note del Concerto n. 1 per pianoforte ed orchestra dell’impareggiabile compositore russo, non lasciano scampo alla platea che si ritrova immersa nella magia del sospeso, dell’appartenenza, del conosciuto e dell’inarrivabile. La vigorosa quanto profondamente sensibile direzione del Maestro Gianandrea Noseda non lascia spazio a commenti e superbe valutazioni: assolutamente ineccepibile e penetrante conduce la EUYO con vibrante emotività ed emergente tecnica. Il suo gesto è sempre ampio e coinvolto ed i giovani orchestrali rispondono con amalgamata professionalità. Partitura che sembra essere stata composta per essere diretta con il temperamento vitale di Noseda che dolcissimo dapprima, raggiunge poi vette di maestosità e partecipazione focosa. Al pianoforte Garrick Ohlsonn imprime vigore esaltante al tocco della tastiera grazie alla tecnica magistrale. Con Nuages di Debussy l’aria si fa rarefatta e l’atmosfera sospesa oltre il visibile mentre con Fêtes si riacquistano colori più temperati che diverranno scoppiettanti con le Feste Romane di Respighi; i giovani strumentisti dell’orchestra si cimentano con una scrittura descrittiva e ricca di rimandi al popolare che Noseda sa ancora una volta cogliere nelle pieghe più emotive per esaltazioni dai vividi colori. La Musica vince sempre

STRESA FESTIVAL 2012 - Budapest Festival Orchestra

Foto: StresaFestival

Renzo Bellardone

 

STRESA FESTIVAL 2012 Stresa – Palazzo dei Congressi, 25 agosto. Budapest Festival Orchestra - Fischer. Barnabás Kelemen, violino. Iván Fischer, direttore. Béla Bartok –Canti Contadini ungheresi Sz100, concerto violino n. 1 Sz 36.Gustav Mahler – Sinfonia n. 5

La Budapest Festival Orchestra è senza ombra di smentita una delle formazioni più compatte ed affiatate nel panorama musicale europeo e larga parte del riconosciuto merito va al direttore Ivan Fischer. Alla serata inaugurale dello Stresa Festival con brillante presenza di spirito, Fischer inizia con un fuori programma – la Czarda di Monti- dedicandola al Primo Ministro del Governo italiano –Mario Monti- presente in sala. Con polso vigoroso ed appassionato trasporto Fischer dirige i Canti Ungheresi che culminano con il concerto per violino ed orchestra N. 1 che vede sul palco il virtuosistico, quanto sensibile Barnabás Kelemen al violino. L’abilità del direttore sta nel pennellare i colori popolari con la migliore tecnica evocativa che conduce alla riscoperta di ricordi e tradizioni dai contorni inizialmente lirici, per culminare nella gaiezza.. Il secondo brano ovvero la Quinta di Mahler attanaglia la platea dalla Trauermarsc al Rondò finale in un emozionante alternarsi di sensazioni e sentimenti come in attraversamento di una intera vita. La Musica vince sempre!

Rossini Opera Festival 2012

Quest’anno il Rossini Opera Festival di Pesaro ha presentato due nuove produzioni (Ciro in Babilonia e Il Signor Bruschino), un riallestimento (Matilde di Shabran) e il consueto Viaggio a Reims curato dall’Accademia Rossiniana. Ciro in Babilonia giungeva, anzi, per la prima volta assoluta sul palcoscenico del Rof, opera di argomento biblico, drammaturgicamente forse un po’ scontata, ma musicalmente assai interessante. Composta nel periodo delle farse giovanili, ebbe la sua première a Ferrara durante la Quaresima del 1812 non riuscendo mai ad entrare stabilmente in repertorio. Anche le riprese moderne sono state piuttosto rare. La responsabilità del Rossini Opera Festival era, quindi, evidente. Il regista Davide Livermore rifacendosi ai primi kolossal di inizio Novecento sistemava il pubblico del Teatro Rossini in una vera e propria sala cinematografica. I personaggi, con i visi incorniciati da barbe posticce, e che indossavano gli splendidi costumi disegnati Gianluca Falaschi caratterizzati da ampie tuniche mosse da motivi geometrici in bianco e nero, enfatizzavano così la recitazione proprio sullo stile del cinema muto, mentre sullo sfondo la proiezione di immagini sbiadite e tremolanti, alternate alle caratteristiche didascalie, completavano la scena. L’estroso regista torinese prevedeva anche la presenza di figuranti in palcoscenico a rappresentare il pubblico del cinematografo che commentava, emozionandosi al prosieguo della vicenda del «film» che si svolgeva sotto i propri occhi. Insomma, una gran bella idea sviluppata con estrema coerenza e un po’ di ironia. Molto apprezzata anche la parte musicale dello spettacolo guidata da una Ewa Podles, nel ruolo del titolo, ancora in grado di entusiasmare il pubblico con quel suo timbro «antico», di grana grossa, ma caldo e battagliero nonostante la carenza di omogeneità nel registro più grave (comunque elettrizzante) e qualche difficoltà nei fiati. Jessica Pratt, nei panni della sposa Amira, ha realizzato un capolavoro di tecnica e finezza. La purezza dell’emissione, l’intraprendenza nella coloratura e la indubbia maturità interpretativa la pongono oggi ai vertici del panorama belcantistico internazionale. L’ardente Michael Spyres ha donato la sua voce da baritenore al «cattivo» dell’opera, il crudele Baldassarre, con una emissione omogenea in tutta la gamma e una manifesta facilità nell’affrontare il canto più virtuosistico senza perdere in peso vocale. Buone anche le parti di fianco, lo Zambri di Mirco Palazzi, l’Argene di Carmen Romeu, l’Arbace di Robert Macpherson e il sonoro Daniello di Raffaele Costantini. Il Coro e l’Orchestra del Teatro Comunale di Bologna diretti con precisione e proprietà stilistica da Will Crutchfield hanno dato, infine, il loro prezioso contributo alla notevole riuscita della serata.

Musicalmente, il nuovo Bruschino, si è retto quasi completamente sulle spalle di Carlo Lepore e di Roberto De Candia, due vecchie volpi del canto rossiniano. Il primo ha donato la sue voce rotonda e ben timbrata (buone risonanze nel grave) al buffo Gaudenzio, mentre il secondo, in scena con una ridicola gamba ingessata, caratterizzava con una dizione perfetta al meglio le smanie e le eccentricità di Bruschino padre. Più uniforme, seppur corretta, la prova di David Alegret nei panni dell’innamorato Florville, mentre Sofia era impersonata dall’evanescente Maria Aleida, dotata di interessanti sovracuti, ma un po’ troppo flebile nel registro medio-grave. Daniele Rustioni ha guidato l’Orchestra Sinfonica G. Rossini con precisione, ma senza molta fantasia. L’allestimento, curato dal Teatro Sotterraneo, ambientava la farsa in una immaginaria Rossiniland, terra in cui i turisti venivano accompagnati alla scoperta delle meraviglie rossiniane. Ma nonostante l’impianto scenico divertente (sul palco oltre alla locanda «Da Filiberto» c’erano anche un distributore automatico di bibite, un negozio di souvenir, una mappa con le indicazioni per trovare la Gazza Ladra, il Gugliemo Tell o il Barbiere di Siviglia, una toilette...) la prova registica non è parsa completamente riuscita a causa di una serie di gags vecchio stile e un po’ scontate, in un ritmo narrativo complessivo privo di verve.

Grandi ovazioni, invece, per la ripresa della Matilde di Shabran, l’opera che quindici anni fa aveva lanciato Juan Diego Florez tra le stelle del canto rossiniano, e che ancora oggi è strettamente legata alla sua carriera. Florez, ancora una volta, ha incantato il pubblico per la perfezione del suo canto in uno dei ruoli tenorili, il bisbetico Corradino, più impervi e faticosi del repertorio: ha saputo essere spavaldo e tenero, prepotente e sognante, in un vero tour de force pirotecnico di emozioni. Olga Peretyatko è stata all’altezza nel difficile compito di rivaleggiare con un interprete di tal raffinatezza, e la sua Matilde è piaciuta per bellezza timbrica, sicurezza nelle agilità e brillantezza. Nei sovracuti, invece, il soprano russo ha palesato qualche difficoltà. Di grande temperamento e ardimentosa, anche se non sempre vocalmente a fuoco in alto, la prova di Anna Goryachova nel ruolo en travesti di Edoardo, ed esilarante l’Isidoro di Paolo Bordogna, fermo negli acuti e simpaticissimo. Debordante Nicola Alaimo (Aliprando), seppur con qualche forzatura nel registro superiore, e sicuro Simon Orfila come Ginardo. Insomma, un cast di alto livello completato dall’eccezionale direzione di Michele Mariotti a capo dei complessi del Teatro Comunale di Bologna. Mariotti ha diretto con fantasia inesauribile, galvanizzando l’orchestra con gesto preciso e intenso. E così anche un semplice accompagnamento con lui poteva acquistare un insolito motivo di interesse. L’ormai classico spettacolo di Mario Martone, costruito intelligentemente attorno ad una grande scala a chiocciola girevole al cui vertice, incombente ma invisibile, sta il castello di Corradino, è stato registrato dai tecnici della DECCA e troverà prossimamente la via del DVD.

In conclusione, ecco il Viaggio a Reims del giovani cantanti dell’Accademia con la semplice, ma efficace regia di Emilio Sagi, allestito ormai da più di un decennio e palestra per i futuri interpreti rossiniani. Nella prima parte dello spettacolo, ambientato in un «centro benessere», in palcoscenico c’erano solo sedie a sdraio disposte una accanto all’altra, mentre nella seconda a ravvivare la scena trovavamo una fila sospesa di luci accese per la festa imminente. Da sottolineare la coerenza stilistica di tutto il cast nel quale emergeva il Don Profondo di Davide Luciano, già maturo vocalmente e dal punto di vista attoriale e pronto per affrontare esperienze più importanti. E’ piaciuta anche la vocalità sana di Filippo Fontana anche se per propria inclinazione la parte buffa di Trombonok non gli si addiceva molto. Di bel timbro e tecnicamente salda la Corinna di Ilona Mataradze e vocalmente esuberante la Melibea di Raffaella Lupinacci. Elegante e ben timbrato nei centri, ma in difficoltà in zona acuta, il Lord Sidney di Baurzhan Anderzhanov mentre un po’ discontinua seppur dotata di ampia estensione la Contessa Folleville di Hulkar Sabirova, e espansivo il Belfiore di Davide Giusti. Corretta, infine, la prova orchestrale affidata alla bacchetta di Pietro Lombardi.

MATTHIAS GOERNE Y CONCERTO KÖLN OFRECEN UN BARROCO DE ALTA CATEGORÍA EN SU VISITA A CHILE.‏

Foto: Matthiar Goerne

 

Johnny Teperman

La visita de Matthias Goerne y el Concerto Köln, dentro de su programación de conciertos de abono de la temporada musical 2012 del Teatro Municipal, significó, sin duda, otro hito de elevada jerarquía en la serie de espectáculos que se han ofrecido este año en el principal escenario cultural del país. El solista y conjunto germanos, ofrecieron en dos días seguidos, una programación de elevada estatura técnica, la cual incluyó un abánico de obras representativas de lo más importante del barroco, considerando a los más célebres compositores de la música de ese género –Johann Sebastian Bach, Georg Philipp Telemann y Georg Friedrich Haendel–. El Concerto Köln, una agrupación nacida en 1985 en Alemania, goza de gran prestigio en el mundo entero y se ha ganado juticieramente,el favoritismo tanto de la audiencia como de la crítica. El repertorio de la doble presencia del grupo germano incluyó las obras, Concerto Grosso, Op. 6 Nr. 1 en sol mayor de Georg Friedrich Haendel, el Concierto para flautas, cuerdas y continuo TWV 52:e1 en mi menor de Georg Philipp Telemann y tres composiciones de Johann Sebastian Bach: Cantata: “Ich will den Kreuzstab gerne tragen” ("Llevo mi cruzada feliz"), el Concierto Brandeburgués BWV 1049 en sol mayor y la Cantata “Ich habe genug” (Tengo suficiente) BWV 82 en do menor, Cantata para Bajo, Oboe y Orquesta. El solista en las dos cantatas de Bach fue el barítono alemán Matthias Goerne, sin duda otro aporte de gran valor a estas dos presentaciones. Alabado por su voz de barítono, cálida y fluida y por sus profundas interpretaciones, el artista es uno de los vocalistas más requeridos internacionalmente y es un invitado frecuente en conocidos festivales y salas de conciertos que incluyen el Carnegie Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres y el Teatro alla Scala de Milán. Junto a la presencia de Goerne, debemos asimismo destacar como solistas, a los eximioa flautistas Martin Sandhoff (flauta traversa) y Cordula Brehuer (flauta dulce), el clavecinista Markus Marki y al Concertino Markus Hoffmann, que a la vez se desempeñaba como el director de este conjunto de 17 exxtraordinarios maestros de la música barroca. El consagrado barítono Goerne y el conjunto barroco de Köln, presentaron previamente el mismo programa, en el nuevo centro cultural del sur de Chile, el Teatro del Lago de Frutillar, con gran éxito de público y de especialistas en música barroca. Al cantante lo describieron como “un barítono excepcional , quien en persona o en sus grabaciones para Decca o para Deutsche Grammophon, seduce, transporta, propone una musicalidad y una calidad únicos. Él es uno de los artistas más increíbles del momento en el mundo”.

Gala Lírica en el Teatro Colón

Foto: Teatro Colon

Dr. Alberto Leal

DARÍO SCHMUNCK ORQUESTA ACADEMICA DEL INSTITUTO SUPERIOR DE ARTE DEL TEATRO COLÓN. DIRECTOR: ENRIQUE ARTURO DIEMECKE
 

Celebrando los cincuenta años de relación entre Argentina y Corea, el Teatro Colón programó un concierto con la soprano coreana Sumi Jo y el tenor argentino Dario Schmunck. Varios años pasaron desde que disfrutáramos la presencia de la cantante coreana, ya que se lució en nuestro Coliseo en “Ariadna en Naxos”, “La flauta mágica” y “Rigoletto”. El tiempo ha pasado, pero sus encantos siguen intactos, más allá de algunas diferencias vocales. Puede aún manejar el fiato de una forma admirable, posee los estupendos pianissimos  que la han caracterizado y su facilidad para la coloratura sigue siendo la misma. Además de su gracia, lo que contribuyó con su actuación en cada aria y lució una espléndida figura. Con una sala totalmente colmada, en gran parte por miembros de la comunidad coreana en Argentina, el concierto tuvo sabor a verdadera fiesta. Por supuesto que el tiempo no pasa en vano. Con independencia de todo lo brindado, en ningún caso dio un sobreagudo en forte, siempre en pianissimos. Su dicción sigue siendo un punto flojo en su canto y su falta de entrega se hizo notable en algunas arias. Brilló en el aria de “Le toréador” de Adolphe Adam, covenció menos en un “Caro nome”, impecable en lo vocal pero poco sentido y lució ampliamente en el aria de Olimpia “Les oiseux dans la charmille” de “Los cuentos de Hoffmann” de Offenbach. Los agregados al programa, tuvieron suerte diversa, desde un «O mio babbino caro», que no es el aria más conveniente para sus medios hasta canciones típicas coreanas y una expresiva y emotiva «Canción a la bandera» de «Aurora» de Panizza, cantada a dúo con el tenor Dario Schmunck, en un totalmente entendible español. El tenor Dario Schmunck cantó una correcta versión de Una furtiva lacrima”, tal vez, los tiempos demasiado rápidos que imprimió el Maestro Enrique Arturo Diemecke no le permitieron matizar más su canto, pero se recompuso brindando un magnífica versión del “Kuda,kuda” de “Eugenio Oneguin”. El Maestro Diemecke se constituyó en una figura más, interactuando con los cantantes. La ORQUESTA ACADEMICA DEL INSTITUTO SUPERIOR DE ARTE DEL TEATRO COLÓN estuvo siempre a la altura del concierto, realizando un plausible trabajo. El cierre, como era de esperar, llegó de la mano del brindis de Traviata. Un concierto particular, con mucho sabor a afecto por la lejana tierra de sus orígenes y muy disfrutable para los que no pertenecemos a la comunidad coreana.