Lago Maggiore Musica 2012 - Quartetto di Aosta

Renzo Bellardone

Stresa, Isola Pescatori, Chiesa di San Vittore – 6 agosto ore 19,30 QUARTETTO DI AOSTA

Giuliano Rizzotto, Stefano Viola, Rémy Vayr Piova, Francesco Parini

Da Mouret ai Beatles attraverso Verdi e Puccini

Con il lento e sofferto Summertime di Gerschvin è iniziato il concerto del Quartetto di Aosta all’interno della chiesa di San Vittore all’Isola dei Pescatori sul Lago Maggiore. Formazione versatile e duttile che con i quattro tromboni è riuscita a creare momenti di vero divertimento con brio ed allegria sprizzante anche dalle gags e dalle presentazioni che di volta in volta hanno fatto per ciascun brano ! Entusiastici e sicuri della loro tecnica hanno offerto brani di tutta piacevolezza quali il ragtime istrionico e goliardico che Henry Fillmore ha composto traendo ispirazione dall’Alleluia di Haendel, piuttosto che il celebre Rondeau di Mouret cui è stata lasciata la pomposità celebrativa tipica di quei brani, con una interpretazione classica molto probabilmente fedele all’originale. La rivisitazione di Francesco Parini della celeberrima marcia trionfale dell’Aida attraverso lo swing ha contemporaneizzato il brano con liricità, arricchita con dissonanze.La passeggiata attraverso l’opera del repertorio italiano è continuata con ‘Bella figlia dell’amore’ dal Rigoletto di Verdi dove lo stesso Parini si è riservato la partedel basso, mentre la voce soprano è stata affidata al trombone di Stefano Viola. I marcati glissando e variazioni in ‘Torna a Surriento’ hanno ridisegnato la napoletanità con eleganza, lasciandole il tipico phatos. Con gli altri componenti del quartetto, Rémy Vayr Piova e Giuliano Rizzotto hanno sottolineato ogni brano con la spontanea simpatia che hanno riversato anche nella brillante esecuzione del ‘Nessun Dorma’ pucciniano, cui tolta buona parte dell’enfasi operistica, hanno lasciato melodica liricità carica di emozione. Le coloristiche variazioni del ‘Volo del Calabrone’ hanno elettrizzato la platea …… convincendola della comunicatività dell’ensemble e della salda tecnica di studiosi, docenti ed interpreti di vaglia che sanno trarre suoni netti ed agili ancorchè maestosi e possenti. La Musica vince sempre.

Renzo Bellardone

Stresa Festival 2012 - Quartetto per le fine dei Tempi

Renzo Bellardone

Mercoledì 1 agosto – Verbania, Chiesa Madonna di Campagna. Quartetto per la Fine dei Tempi.Roberto Prosseda - pianoforte. Fabrizio Meloni - clarinetto. Gabriele Pieranunzi - violino. Christophe Coin - violoncello * * * Carlo Boccadoro, Le Sette Stelle – prima esecuzione assoluta. Olivier Messiaen , Quatuor pour la fin du Temps. Per violino, clarinetto, violoncello e pianoforte

Lo Stresa Festival, considerato a buon diritto un festival di caratura internazionale, riconferma la vocazione di grande festival, anche attraverso le commissioni compositive e le esecuzioni in prima assoluta, come in questa serata delle Meditazioni in Musica, che discostandosi diametralmente dalla consuetudine della musica antica, eleva l’ascoltatore alla Meditazione Contemporanea…… Le Sette Stelle di Carlo Boccadoro: si tratta di una composizione generalmente soft ed intima, intermezzata poi da movimenti addirittura impetuosi (2° movim.) con diversi spunti di interessante riflessione. Archi lamentosi (3° movim.) che si ravvivano con il pizzicato e poi utilizzare la miglior voce –in particolare del violoncello- di Christophe Coin per evocare addirittura le trombe di Gerico interrotte solo dai vibrati del violino di Gabriele Pieranunzi a modernizzare e riequilibrare una dissonante melodia. Al 4° movimento, sotto l’abile tocco di Roberto Prosseda, il pianoforte suona timbricamente quali campanellini squillanti che scandiscono il tempo che va, il tempo che resta. L’importante clarinetto di Fabrizio Meloni è sovente voce solista invocante che preziosamente si inserisce sia nell’esplosione catastrofica (6 movim.) che nel tempo senza tempo dove la musica scende verso la voragine che tutto inghiotte (7 movim.) per concludersi in un finale sommesso e rassegnato che non escluperò il pensiero di Foscolo ‘Anche la speme ultima dea fugge i sepolcri’. Ovviamente ben più conosciuto è il Quatuor pour la Fin du Temps di Olivier Messiaen ! Impetuoso ed ineluttabile il bel duetto tra gli archi e l’implacabile pianoforte (2 movim.), un gran bel assolo di clarinetto con eclettiche variazioni in un estenuante crescendo presagico, danze che si perdono nell’aria dolce e poi focosa (3 movim.), velocissimo fraseggio del pianoforte nella fitta conversazione con il clarinetto dove ognuno pare seguire una propria storia convergente solo nel finale tronco. Melodie con rimandi classici, frasi di sospensione, chiara bravura degli interpreti, fanno dimenticare che in fondo Messiaen nulla aveva fatto che trascrivere a memoria alcune sue precedenti scritture, ma quello che resta è il senso dell’attesa, così come l’attesa era il senso dominante nei Lager, dove il Quatuor nacque. La Musica Vince sempre

Gira Sudamericana de la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino‏



Gustavo Otero

La Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino realizará con motivo de de las celebraciones del 500º Aniversario de la muerte de Amerigo Vespucci (1454-1512) una gira de conciertos por Sudamérica. Están previstos once conciertos en seis ciudades diferentes de Chile, Uruguay, Argentina y Brasil, siempre con la dirección del maestro Zubin Mehta. Los conciertos se iniciarán los días viernes 10 y sábado 11 de agosto de 2012, siempre a las 19, en el Teatro Municipal de Santiago de Chile. La gira incluye una presentación en el Auditorium Nacional del SODRE en Montevideo (Uruguay) el lunes 13 de agosto, cuatro conciertos en Buenos Aires (Argentina) y cuatro en la República Federativa de Brasil. En Buenos Aires la Orquesta ofrecerá dos conciertos en el Teatro Colón para el Mozarteum Argentino, otro en el Teatro Opera City el 16 de agosto y uno en la Plaza San Martín el 17 de agosto a las 13. Mientras que en Brasil se presentará el  18 de agosto en el Auditorum de Paulinha, el 19 y 20 en San Pablo y el 21 de agosto a las 20.30 en el Teatro Municipal de Río de Janeiro como cierre de la tournée. El repertorio estará integrado por la Sinfonía Júpiter de Mozart, las Sinfonías 3ra. y 8va. de Beethoven, el Capricho Español de Rimskij-Korsakov, la Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvorák y la 4ta. Sinfonía de Bruckner dentro del repertorio centroeuropeo. Del repertorio italiano ofrecerán oberturas e intermezzos de óperas de Verdi, Puccini y Mascagni. Mientras que del repertorio sudamericano ofrecerán las Variaciones Concertantes del argentino Alberto Ginastera y diversos tangos de Carlos Gardel.

ORQUESTA DEL MAGGIO MUSICALE FIORENTINO Apreciada tanto por la audiencia internacional, como por los más importantes directores del mundo, la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino es una de las más famosas y representativas agrupaciones musicales de Italia. Fundada en 1928 por Vittorio Gui bajo el nombre de Stabile Orchestrale Fiorentina, desde 1933 el organismo está a cargo de la interpretación musical en uno de los más antiguos y prestigiosos festivales musicales de toda Europa: el Festival del Maggio Musicale Fiorentino. A partir del advenimiento de Zubin Mehta como Director Principal del organismo, en el año 1985, la agrupación encaró numerosas producciones sinfónicas y giras, hechos que le merecieron el prestigio internacional. Desde la década de 1950 la orquesta ha realizado innumerables grabaciones por las cuales ha recibido cuantiosos premios, incluyendo el Premio Grammy.

ZUBIN MEHTA, director Director Principal de la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino, el célebre Zubin Mehta, tiene en su haber una carrera jalonada de éxitos y signada por el profesionalismo y un profundo compromiso con la interpretación musical como con las causas humanitarias y pacifistas. Nacido en Bombay, India y formado como director en Viena bajo la guía de Hans Swarowsky, se dio a conocer internacionalmente al ganar el Concurso Internacional de Dirección Orquestal de Liverpool en 1958 y el Primer Premio del prestigioso Concurso Koussevitsky en Tanglewood. Desde entonces construyó una estrecha relación con agrupaciones del prestigio de la Filarmónica de Berlín y la Filarmónica de Viena, organismo del cual fue nombrado Director Honorario, además de haber asumido la dirección musical de orquestas entre las cuales se incluyen la Sinfónica de Montreal, la Filarmónica de Los Ángeles, la Filarmónica de Israel, la Filarmónica de Nueva York y la Ópera del Estado de Baviera. En el año 2011, Zubin Mehta tuvo a su cargo la extensa gira que realizara la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino a través de doce países con motivo de la celebración del 150º aniversario de la Unificación Italiana.

Chavela Vargas (1919-2012)

La cantante mexicana Chavela Vargas, falleció este domingo víctima de padecimientos severos que la mantuvieron en cuidados intensivos durante varios días, en los que la intérprete siempre impidió cualquier invasión a su cuerpo que intentara devolverle la salud. Isabel Vargas Lizano, de 93 años de edad y más de 70 vividos en México, soportó hasta el final los embates de sus múltiples padecimientos cardiacos, pulmonares y renales, que la mantuvieron postrada durante siete días en una cama de un hospital privado de la ciudad de Cuernavaca. "Quiero informarles que hace unos minutos, Chavela murió... Se fue en paz", dijo María Cortina, amiga y biógrafa de "La Chamana", al confirmar el deceso de la cantante. Chavela Vargas fue una de las artistas que con mayor éxito, sentimiento, pasión y orgullo llevó la cultura mexicana, su música y sus tradiciones, a todos los rincones del mundo. Isabel Vargas Lizano (Costa Rica, 17 de abril de 1919), nombre de pila de Chavela Vargas, adoptó la nacionalidad mexicana e hizo de México su plataforma para dar a conocer su música. Su primera grabación salió a la luz en 1961 y desde entonces realizó más de ochenta discos. Se retiró de los escenarios a finales de los años setenta y regresó con nuevos bríos en 1991. Durante los últimos años tuvo un resurgimiento y una gran aceptación, sobre todo entre los jóvenes, gracias a que varios artistas amigos suyos que la tienen como ídolo, dieron a conocer sus canciones, como el compositor y cantante Joaquín Sabina y el director de cine Pedro Almodóvar. Chavela Vargas fue una artista querida y multipremiada. Recibió, entre otros, la Gran Cruz de Isabel la Católica en 2000, el Grammy Latino en 2007, la Medalla de Oro de la Universidad Complutense de Madrid, la Medalla al Mérito de la Universidad de Alcalá de Henares, el reconocimiento como Huésped de Honor de Buenos Aires, Argentina, y en 2009 fue nombrada Ciudadana Distinguida de la Ciudad de México, cuando se le rindió un emotivo homenaje en el Teatro de la Ciudad.

Después de casi tres décadas regresa ópera "Tannhäuser" al Teatro Municipal de Santiago de Chile

Foto: Eva Maria Westbroek

Johnny Teperman

A casi tres décadas de su última presentación en este escenario, hoy domingo a las 17 horas regresa al Teatro Municipal, la ópera "Tannhäuser" de Richard Wagner, cuarto título de la temporada lírica 2012, la cual contará con una nueva producción del afamado director de escena alemán Michael Hampe y del chileno German Droghetti, en la escenografía y el vestuario. Fue la sobrina de Wagner, Johanna, quien interpretó el rol de Elizabeth por primera vez, cuando se estrenó "Tannhäuser" el año 1845 en Dresden. En esta temporada, el Teatro Municipal de Santiago trajo a interpretar este importante rol, a la cantante holandesa Eva- Maria Westbroeck, una de las sopranos más solicitadas del momento en los principales teatros del mundo. Junto a ella estarán, su marido, el tenor Frank van Aken, de la misma nacionalidad, en el rol del trovador que se debate entre el amor sagrado y el profano, el barítono alemán Markus Brück y la mezzosoprano austríaca Natascha Petrinsky. El director titular de la Orquesta Filarmónica de Santiago, el israelí Rani Calderón, continuará su incursión en el universo del compositor alemán. Otras funciones de la presente versión de la ópera "Tannhäuser" están programadas para los días jueves 9, lunes 13 y jueves 16, a las 19 horas y domingo 19 (versión estelar), a las 17 horas.

Arabella, Rey Roger y Maometto II en la Ópera de Santa Fe, Nuevo México

Fotos: Ken Howard / Santa Fe Opera

Sebastian Spreng - Miami Clasica

No es un secreto, bajo el cielo inmortalizado por Georgia O’Keeffe, la ópera florece cada verano en el desierto de Nuevo México. Esta hazaña, que debe acreditarse al visionario John Crosby (1926-2002), ocurre puntual y afortunadamente desde hace cincuenta y seis años. La infalible combinación de títulos infrecuentes y estrenos mundiales con clásicos del repertorio, la calidad de las producciones y el concurso de consagradas o ascendentes figuras de la lírica mundial hacen del Santa Fe Summer Opera Festival una meca donde convergen públicos de todas latitudes. El entorno – las montañas Sangre de Cristo – rivaliza en espectacularidad con el soberbio teatro al aire libre con capacidad para dos mil espectadores; las representaciones comienzan a la puesta de sol, previo picnic en las inmediaciones, y la astuta programación permite ver tres óperas en un fin de semana o las cinco del festival en una, saciando así al operómano más empedernido.Este verano del 2012, a Tosca y Los pescadores de perlas, se sumaron tres novedades de particular interés: el estreno de la flamante edición crítica de Maometto II de Rossini por el venerable Phillip Gossett y Hans Schellevis, la puesta en escena de Rey Roger de Karol Szymanowski y la de la vienesa Arabella, que marcó el bienvenido retorno de la compañía a las óperas de Richard Strauss de las que ha sido baluarte americano desde su fundación. Y si en algo Viena y Santa Fe podrían parecerse es en la importancia del teatro de ópera para sus habitantes, un auténtico fenómeno para una ciudad de apenas sesenta mil en pleno desierto y a siete mil pies de altura, detalle no precisamente favorable para el cantante lírico. Sexta y última colaboración del genial binomio Strauss-Hofmannsthal, Arabella (1933) no puede ocultar cierta vetustez; las inconsistencias de su trama sólo se justifican gracias a la partitura straussiana y sus intermitentes picos de arrobador lirismo que la ubican junto a sus hermanas mayores. En este caso, como es arduo (e innecesario) acudir al revisionismo, Tim Albery optó por trazar una puesta detallada pero con visos glaciales, donde los austeros escenarios grises de Tobías Hoheisel sugirieron un imperio irremediablemente marchito y contribuyeron a la distante sensación general del espectáculo. Quizás porque la mayoría debutaba en sus papeles, la sutil e imperativa graduación del gris plata a la dorada pátina vienesa también pareció eludir al excelente equipo de cantantes. Con los medios adecuados pero aún sin acercarse a celebradas intérpretes del rol (léase Della Casa, Janowitz, Varady, Te Kanawa, Mattila, Fleming), Erin Wall fue una correctísima protagonista bien acompañada por Mark Delavan, un Mandryka rural y desenvuelto que enfatizó la tosquedad del personaje. El ingrato rol de la hermana Zdenka ubicó a Heidi Stober entre lo mejor de la velada y Kiri Deonarine defendió la coloratura de Fiakermili. Brillaron los tenores Zach Borichevsky (Matteo) y Brian Jadge (Elemer) y las contribuciones de los veteranos Victoria Livengood y Dale Travis, los arruinados padres de las damas en cuestión, redondearon prestaciones eficaces. En el mismo tono y aunque irreprochable, la dirección de Sir Andrew Davis no terminó de concitar la obligada magia straussiana capaz de dejar una impronta indeleble.

Estrenada en Varsovia en 1926, resulta paradójico que esta recién sea la segunda producción del Rey Roger en Estados Unidos (la anterior fue en 1988 y su première continental se remonta a 1981 en el Teatro Colón de Buenos Aires). Hermética, exótica, tortuosa, fascinante; con su multifacética carga de ambigüedad y misticismo actúa como ritual purificador al plantear el enfrentamiento del protagonista consigo mismo, un terremoto que hace tambalear su reino. Por una vez, la Sicilia medieval se oscurece eclipsada por una angustia kafkiana que fluye entre los entramados musicales de Szymanoswki y sus lejanos ecos de Schreker, Debussy, Korngold y Scriabin. La perturbadora aparición de un dionisíaco pastor en la corte del atormentado rey siciliano, no muy lejos del Teorema de Pier Paolo Pasolini, desatarán acontecimientos y preguntas sin respuestas que llevarán a su eventual iluminación. Paladín de la obra y motivo de la puesta, el barítono polaco Mariusz Kwiecien revivió su referencial Roger, encarnándolo con absoluta naturalidad actoral y vocal, aunque en este renglón el constante uso del forte quitó matices y una mayor dimensión expresiva al rol. A su caudal sonoro se acoplaron Erin Morley (Roxana, su esposa) y Dennis Petersen (Edrisi, su consejero) y en destacado pendant, el tenor miamense William Burden (pastor) demostró una feliz evolución vocal, su instrumento evidencia un bienvenido esmalte heroico. Consciente de la responsabilidad que implicó la literal presentación de la ópera al público americano, Stephen Wadsworth no se dejó tentar con cruzar la línea como Warlikowski en Paris, Alden en Long Beach y en menor medida, David Pountney en Barcelona; prefirió explorar e iluminar la complejidad de los personajes resultante del oscuro tapiz polifónico del compositor polaco. Sagazmente unió los tres actos en uno y bocetó una suerte de tríptico bizantino (I), oriental(II) y grecorromano(III) que a manera de largometraje, permitió apreciar en noventa minutos la evolución de la figura central. Broche de oro fue el coro y la orquesta de la ópera bajo la notable dirección del joven Evan Rogister, un nombre para tener muy en cuenta.

La partitura original del Maometto II napolitano de 1820 (suerte de Romeo y Julieta donde Rossini parecería trastocar la mordaz definición de Bernard Shaw “Ópera es soprano ama a tenor y barítono se opone” por “Bajo ama a soprano y tenor se opone”) es un fresco arriesgado, experimental y atípico que posteriormente revisará para Venecia y luego adaptará al francés como El sitio de Corinto. Liderada por un formidable cuarteto de solistas, es una monumental pieza de conjunto donde el cisne de Pesaro se deleita planteando una ininterrumpida sucesión de concertantes de impecable factura, y como a propósito, sin dejar lugar al incontenible aplauso del públicEsta virtual batalla donde “Montescos y Capuletos” son reemplazados por “Oriente versus Occidente” está dominada por la compleja figura del sultán Maometto II, feroz conquistador y vocalmente poco menos que inconquistable. Rol emblemático de Samuel Ramey en la década del 80, ha sido el sueño de Luca Pisaroni cuando adolescente admiró al americano en las funciones escalígeras. Más lírico que Ramey, el completísimo joven italo-venezolano no sólo salió airoso desde el aterrador Sorgete, sorgete inicial – y la seguidilla subsiguiente de endiabladas coloraturas-, triunfó en todos los aspectos del papel, equiparó a su ídolo y demostró las ventajas de un ascenso cuidadoso y ejemplar que como extra, incluyó un Liederabend Schubert de rara calidad en el festival de cámara santafesino. A su lado, la joven Leah Crocetto probó ser una estrella naciente de medios privilegiados que debe cuidar a toda costa. Espléndida en el registro agudo, fue ganando terreno con el transcurso de la representación, especialmente a partir de la sublime plegaria Giusto ciel in tal periglio. Otra excelente sorpresa fue el tenor Bruce Sledge, voz importante, robusta y con el brillo requerido. Quizás en una mala noche, el eslabón más débil fue Patricia Bardon cuya destemplada coloratura no se ajustó a las exigencias del veneciano Calbo pero lograron la adesión del público con el impactante Non temer d’un basso affetto. Bajo la atenta batuta del francés Frédéric Chaslin, nuevo director musical del festival, y la ajustada participación del coro dirigido por Susanne Sheston, la puesta de David Alden fue otro puntal de la versión. A menudo cuestionado por extragavante o excesivo, Alden entregó un trabajo sensacional y sin dudas contenido, auxiliado por la ecléctica escenografía, vestuario y luces frontales de Jon Morrell y Duane Schuler. Monocromático y elegante, no dejó de recurrir al certero efecto de color o al efecto mismo para deslumbrar a la audiencia (la aparición del sultán al mando de una cuádriga tirada por gigantescos corceles azabaches de piedra) y legitimar esta incontestable Grand-Opera donde Rossini insinúa al Verdi temprano. Tres noches de óperas muy diferentes: un ansiado regreso y dos bienvenidas rarezas que debieran incorporarse al repertorio internacional, en este caso vertidas con altísimo nivel y realzadas por los memorables trabajos de Kwiecien y Pisaroni. Si se añade la solidez de equipo y cuerpos estables que evidencian dedicación y confianza en el presente y futuro del género lírico, resulta obvio que otra vez el Festival de Santa Fe mereció ser el destino ineludible para el amante de la ópera en el tórrido verano americano.

DOBLE PROGRAMA DE OPERAS DE “VANGUARDIA” EN EL TEATRO COLON

Fotos: A. Colombaroli / Teatro Colón

Dr. Alberto Leal

Erwartung de Schönberg director musical :Baldur Brönnimann / Regie, Vestuario e iluminación: Pedro Pablo Garcia Caffi. Intérprete: : Elena Nebera.  Hagith: de Szymanowski  Director musical: Baldur Brönnimann Regie y  Vestuario: Michal Znaniecki. Escenografía y proyecciones: Luigi Scoglio / Director del coro: Peter Burian  Intérpretes: Hans Schöpflin, Enrique Folger, Ewa Biegas, Aleksander Teliga, Luciano Garay, Federico Moore, orquesta y Coro del Colon.

Continuando con la presente temporada el Teatro Colón presentó un doble programa con dos óperas de “vanguardia”, Erwartung de Arnold Schönberg, que fue estrenada en el mismo coliseo con la dirección del recordado Maestro Roberto Kisnky y la parte vocal a cargo de la soprano Sofía Bandin, y Hagith en estreno argentino. El maestro Schönberg, un adelantado en lo que a música atonal se refiere y creador de la técnica del dodecafonismo, no tiene una gran producción operística y Erwartung fue su primera obra en este género. Tal vez por esa causa su estilo no es muy definido y algo lejano de sus composiciones posteriores. Compuesta en 1909, pero estrenada en 1924, en Praga, es una obra de un solo acto de treinta minutos, concebida como un monólogo para soprano. El segundo título fue también una ópera en un acto de Karol Szymanowski, compuesta en 1912-13, primero en alemán y luego traducida en polaco, ha tenido muy pocas representaciones. Luego de su estreno en Varsovia en 1922 recién fue repuesta en 2006. Musicalmente se puede considerar algo anacrónica dentro de la obra del autor, tal vez para adaptarla al gusto vienés de la época. El maestro Baldur Brönnimann conoce a la perfección el estilo, dirigió en forma férrea y fue muy bien acompañado por la orquesta estable, en un excelente trabajo. Solo es de lamentar por momentos la falta de balance entre el foso y el escenario, forzando en algunos casos al límite de sus posibilidades vocales a algunos de los cantantes. Para Erwartung, el Maestro Garcia Caffi creó una escena simple pero sugerente, con una interesante iluminación. Contó con una muy buena soprano, Elena Nebera, reemplazo a último momento de la anunciada Evelyn Herlitzius. Con buena voz, conocimiento del estilo y notables dotes de actriz supo transmitir todos los estados anímicos por los que pasa su personaje en busca de su amante.

Un gran trabajo. En lo visual no corrió la misma suerte Hagith. La puesta de Michal Znaniecki fue estéticamente poco grata, por momentos sin visión para los que se encontraban en el sector izquierdo del teatro en palcos y pisos superiores. El vestuario diseñado, con personajes en trajes de época y otros con ropa actual, poco ayudaron a ser creíble la trama en lo visual. Tampoco ayudó la escenografía de Luigi Scoglio, de diversos estilos, demasiado contrastantes y con muy poca coherencia aparente. El grupo de cantantes cumplió una muy buena labor en general, aunque por momentos fueron literalmente tapados por la orquesta. Cuesta entender la contratación del tenor alemán anunciado. Como puede verse en su biografía canta habitualmente roles de tenor ligero o lírico ligero y la parte exige una voz de mucho más peso y volumen para dominar una orquestación contundente. Fue reemplazado por el tenor argentino Enrique Folger quien realizó un excelente trabajo. Seguro en lo vocal, con el volumen adecuado, en estilo y muy suelto como actor, en una parte nada fácil. Hans Schöpflin, tenor que asume habitualmente roles característicos, es un excelente actor, cantó con notable fraseo y fue muy expresivo en todo momento. La soprano Ewa Biegas posee una voz tal vez algo liviana para el rol, pero su voz corre sin dificultad por la amplia sala de nuestro coliseo. Posee una gran capacidad para matizar y buenas dotes de actriz. El bajo Aleksander Teliga mostró una voz importante, rica en armónicos y muy buen volumen. Completó con corrección el elenco el barítono Luciano Garay.

“Otra vuelta de Tuerca” de Britten - Juventus Lyrica, Buenos Aires Argentina

Fotos: Liliana Morsia

Dr. Alberto Leal

Estrenada el 14 de septiembre de 1954 en el Teatro La Fenice de Venecia, “Otra vuelta de Tuerca” es una encantadora ópera de cámara que, junto a Peter Grimes son de las obras más representadas del compositor. Britten realizó una gran cantidad de obras, muchas de las cuales fueron dedicadas a Peter Pears.  Esta es una obra que conjuga por momentos el terror, el surrealismo y que logra mantener al espectador todo el tiempo pendiente de la acción. La versión brindada por Juventus Lyrica constituye una de las mejores prestaciones de la institución. Realmente cuesta imaginarse una puesta más acertada, una mejor elección de elenco y nivel musical. En lo personal creo que estas óperas de cámara son ideales para el ámbito en que se desarrollan sus funciones, pero los títulos de repertorio logran llevar un público que no se logra en estos casos. Aunque la perfección sea algo utópico, creo que está versión está muy cerca y es indispensable ser vista por todos los amantes del género. El Maestro André Dos Santos dirigió la pequeña orquesta totalmente en estilo, creando siempre los climas requeridos y fue totalmente captado por el grupo sinfónico. Un excelente trabajo. Creo que la sorpresa de la versión fue el estupendo trabajo de María Jaunarena. Vestuarista de infinidad de puestas en Juventud se reveló como una gran puestista. Con pocos elementos, muy bien elegidos, con una excelente marcación de los cantantes, logró crear los climas exactos para cada situación, continuidad absoluta en lo musical y belleza visual cuando era necesaria. Excelente trabajo.

Esperamos con ansiedad otra puesta de su autoría. En su trabajo no podemos dejar de lado la excelente iluminación y diseño escenográfico de Gonzalo Córdova. Macarena Valenzuela, en un trabajo para recordar, cubrió ampliamente en lo vocal, siempre afinada, con hermoso timbre de voz y en estilo. Pero tal vez lo más importante de su trabajo fue la parte escénica. Su Institutriz pasó de la alegría a la angustia, al desconcierto, transmitiendo todos sus sentimientos a flor de piel. Excelente trabajo en todo concepto. Soledad de la Rosa, en un papel que poco le dejó lucir su excelente técnica vocal, logró darle a su Mrs Grose una gran ternura, una presencia escénica inmejorable. Cecilia Pastawski y Mariana Mederos, ambas espléndidas como los niños. Excelentes vocalmente, lograron un trabajo totalmente creíble, dentro de una perfecta marcación. No podemos obviar el certero trabajo de Pastawski, totalmente compenetrada y creíble en su rol de varón. Escuchando la descripción del texto de Piper, Quint parece hecho a la medida de Carlos Ullán.  No solamente aportó su físico y su presencia, su canto, pleno de matices y sinuosidades resultó perfecto para el papel.  Eugenia Fuente mostró, sobre todo en el segundo acto, una voz de hermoso timbre, importante volumen y compenetración del personaje.  Mariano Spagnolo cantó un muy plausible prólogo, aunque su parte no le diera mayores oportunidades. En síntesis, una magnifica versión de una opera atrapante, uno de los mejores trabajos de Juventus en estos años. Una versión que será sin dudas recordada.  Para los que no se animan a un trabajo más contemporáneo, deberían ir. Estoy totalmente seguro que no saldrán defraudados y seguramente hondamente emocionados

IL TROVATORE AT THE ICELANDIC OPERA IN FALL 2012‏

Photo: Tómas Tómasson

The Icelandic Opera will stage Giuseppe Verdi‘s Il trovatore this Fall, with a premiere at Harpa Concert Hall on October 20th. In leading roles are Johann Valdimarsson as Manrico, Auður Gunnarsdóttir as Leonora, Alina Dubik / Elsa Waage as Azucena and Icelandic baritone Tómas Tómasson as Il conte di Luna. Tómas will sing the role in the first  three performances; after which he will make his debut at La Scala as Telramund in Lohengrin, with Daniel Barenboim as conductor. Anooshah Golesorkhi will at that point take the role of di Luna. Viðar Gunnarsson will sing the role of Ferrando. American conductor Carol I. Crawford conducts Il trovatore, director will be Halldór E. Laxness, Gretar Reynisson designs sets and costumes are designed by Þórunn María Jónsdóttir. The Icelandic Opera Choir and Orchestra will furthermore participate in the production.A total of six performances of Il trovatore will take place in Harpa; on Saturday October 20^th  (premiere), Friday October 26^th, Saturday October 27^th, Sunday November 4^th, Saturday November 10^th and Saturday November 17^th. All performances start at 8 pm. General ticket price is ISK 8.000.

The Icelandic Opera

Fall Season 2012

in its new home in Harpa Reykjavík Concert Hall and Conference Centre

Il trovatore

Composer: G. Verdi

                                     

Premiere: October 20^th 2012 at 8 pm

Other dates: October 26^th, 27^th, November 4^th,10^th, 17^th all at 8 pm

Conductor: Carol I. Crawford

Director: Halldor E. Laxness

Set Designer: Gretar Reynisson

Costume Designer: Thorunn Maria Jonsdottir

Lighting: Bjorn Bergsteinn Gudmundsson

Cast:

Manrico: Johann Valdimarsson

Leonora: Auður Gunnarsdóttir

Il conte di Luna: Tómas Tómasson / Anooshah Golesorkhi

Azucena: Alina Dubik / Elsa Waage

Ferrando: Vidar Gunnarsson

Ines: Gréta Hergils / Hanna Þóra Guðbrandsdóttir

Ruiz: TBA

The Icelandic Opera Choir

The Icelandic Opera Orchestra

Performances will take place in The Icelandic Opera’s Harpa Reykjavík Concert Hall

For tickets, please visit www.opera.is

 or www.harpa.is

Doña Francisquita - Teatro Argentino de la Plata, Argentina

Fotos; Genitti - Teatro Argentino de la Plata

Dr. Alberto Leal

Que placer produce ver una de las más importantes “Zarzuelas” en una excelente producción. Es una pena que un género enraizado en gran parte de nuestro pueblo tenga tan poca difusión y en general – salvo años atrás en el Teatro Colón – puestas de bajo nivel. Amadeo Vives, compositor catalán, supo pintar en forma espléndida el Madrid del Siglo XIX. Es curioso pero esta obra fundamental del género fue generada con la ayuda de otros grandes compositores de la época. Debido a un accidente sufrido por Vives colaboraron en distintas partes de la partitura, Joaquín Taurina y Conrado Campos, entre otros. Basado el la “La discreta enamorada” de Lope de Vega, los libretistas Sarachaga Y Fernández-Shaw Iturralde, captaron perfectamente el clima y la picardía de la época y junto a Vives lograron una obra maestra del género. El Teatro Argentino no escatimó esfuerzos en generar una espléndida puesta, que arropó a esta “Doña Francisquita”. Partiendo de muy lograda escenografía de Daniel Feijóo, totalmente en época, con facilidad de cambios y con momentos casi cinematográficos. Bella en lo visual, realizada con preciosismo totalmente madrileño. Gran trabajo. La labor de Pedro Moreno es de una gran belleza, colores y texturas excelentemente combinados, sin falso “españolismos”, contribuyó en gran parte a la suntuosidad de esta puesta. Otro trabajo para atesorar. Jaime Martorell basó su puesta en un planteo claro, tanto para los solistas como para el coro, logrando un notorio hilo dramático, sin dejar nunca de lado la parte cómica de la obra y también aquí se vio que fue dejado todo detalle folclórico, cosa que desde el punto de vista integral se agradece. En lo musical, el Maestro Darío Domínguez Xodo dirigió en estilo y la orquesta le respondió en todo momento. Tal vez – viendo el volumen de las voces con que contaba – una mejor adecuación entre foso y orquesta hubiera mejorado sensiblemente la función como un todo. No es nada fácil para los cantantes abordar este género. La mezcla de canto con diálogos hablados no es fácil de superar desde el punto de vista vocal. Por eso en España existen intérpretes que se dedican solamente a este género. Las tres mejores prestaciones llegaron de la mano de los tres roles cómicos. Luis Gaeta, que como pocos cantantes puede ir de Wagner, pasando por Verdi y llegar a Vives con el mismo nivel de efectividad, afirmó su vigencia como Don Matías. Creo en lo personal que se divirtió haciéndolo y logró divertir a la audiencia, siempre con genuinos efectos y desarrollando una gran vitalidad en escena.

Santiago Burgi, como Cardona realizó un trabajo de primera línea, claro y siempre afinado en lo vocal, desplayó genuinas dotes de actor – incluyendo la parte de la Maja – y su trabajo lo coloca a nivel internacional.  Marta Cullerés, como Francisca madre, cantó y actuó con gran solidez y produjo momentos de gran comicidad en los dúos con Luis Gaeta. En los papeles principales el resultado fue algo más desparejo. Marisú Pavón, a quien hemos visto en excelentes trabajos, fue aquí una correcta Fancisquita. Superó con algo de esfuerzo la esperada canción del Ruiseñor y fue poco audible en los textos hablados y en el centro de su voz. Seguramente en un teatro de menores dimensiones hubiera lucido mucho más. Pero compuso un personaje totalmente creíble. Mónica Sardi cantó con corrección su Aurora. No es un personaje fácil, exige mucho desparpajo y sensualidad. Nuevamente aquí su centro fue algo débil y por momentos poco audible, pero creo que su mayor falencia fue no mostrar más desenfado en esa mujer fatal que exige una gran dosis de sensualidad y carácter. El tenor mexicano Ricardo Bernal cumplió acertadamente con su Fernando. Su timbre no es de los más agraciados, pero canta con buen volumen, buena afinación y salvó su aria, tal vez la más conocida de la obra – ya que fue grabada por los más importantes tenores hispanos – logrando un agudo final que con esfuerzo pudo controlar. Tiene una buena planta y se movió en muy buena forma en el escenario. Ricardo Crampton, con la voz más potente de todo el elenco, con excelente dicción y un canto franco, compuso un muy buen personaje y esperamos tenga pronto la oportunidad de mostrar todo su talento en un rol más importante. No podemos dejar de nombrar a Patricio Olivera y Maximiliano Agatiello, ambos un lujo en papeles comprimarios. Correcto el resto del elenco. Excelente trabajo del Coro tanto desde el punto de vista vocal como de actuación. Magnífico, bajo todo punto de vista, el Ballet. En una puesta donde lo remanido y tradicional fue dejado de lado, fue más que inteligente que el ballet presentara en gran parte de su prestación estilo “Escuela Bolera”, un legado del gran artista que fue Don Angel Pericet. Llevándose la mayor ovación de la noche.Un párrafo especial para los artesanos del Teatro Argentino por su excelente trabajo. En resumen, una excelente puesta, una Zarzuela donde no se escatimaron gastos, un gran placer para la vista y para nuestros oídos. Solo es de lamentar la falta de público en un gran espectáculo. Tengo entendido que esto no fue así en las funciones de fin de semana. Solo nos resta agregar, que se repita! Manteniendo el nivel de calidad de lo visto.

EL TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA REPROGRAMA SU TEMPORADA 2012 y CANCELA UN TÍTULO LÍRICO

El Teatro Argentino de La Plata (república Argentina) reprogramó su Temporada 2012 lo cual implica la cancelación de la puesta en escena de la ópera 'I capuleti e I Montecchi' de Bellini prevista originalmente para los meses de agosto y septiembre. La reprogramación implica cambios en los títulos a ofrecer por el Ballet Estable y la cancelación de la ejecución de la Petite Messe Sollenelle de Rosini prevista originalmente para el 12 de agosto.

Las medidas de fuerza del personal que se llevaron a cabo durante el mes de julio, pues la provincia no abonó en tiempo y forma la totalidad de los salarios de junio, seguramente son una de las causas de la reprogramación. Aunque el comunicado oficial no lo explicita la crisis financiera de la provincia de Buenos Aires y los cambios en la dirección del Instituto Cultural del cual el Teatro depende también pueden ser causas de los cambios.

El final de la Temporada Artística 2012 ha quedado constituida del siguiente modo:

El viernes 10 de agosto , a las 20.30, se ofrecerá el cuarto programa del ciclo anual de conciertos, cuando con dirección de Alejo Pérez se interpreten “Les offrandes oubliées” de Olivier Messiaen, el Concierto para piano y orquesta Nº 1 de Alberto Ginastera (con la actuación como solista del pianista Sergio Tiempo) y la Sinfonía Nº 2 de Sergei Rachmaninov (reprogramación del concierto previsto para el 4 de agosto).

El viernes 31 de agosto, a las 20.30; el sábado 1º de septiembre, a las 20.30; el domingo 2, a las 17; el viernes 7 y el sábado 8, a las 20.30 y el domingo 9, a las 17, subirá a escena el ballet “Coppelius, el mago”, con música de Leo Delibes y coreografía de Marcia Haydée (cambio del programa mixto previsto para septiembre-octubre).

El sábado 15 de septiembre, a las 19.30, y el domingo 16, a las 17, se presentará el quinto programa del ciclo de conciertos, dedicado íntegramente a la ejecución de “Un Réquien Alemán” de Johannes Brahms, con la dirección de Stefan Lano, la preparación del Coro a cargo de Miguel Martínez y la intervención como solistas de la soprano Carla Filipcic Holm y del barítono Luciano Garay (cambio de programa y anulación del concierto del 12 de agosto con la 'Petite Messe Sollenelle' de Rossini).

El jueves 4, viernes 5 y sábado 6 de octubre, a las 20.30, y el domingo 7, a las 17, se realizarán las funciones del ballet “La bella durmiente del bosque”, con música de Piotr Illich Tchaikovsky y coreografía de Mario Galizzi (cambio de fechas en la programación de este Ballet previsto, originalmente, para diciembre).

El domingo 28 de octubre, a las 17; el sábado 3 de noviembre, a las 20.30, y el domingo 4, a las 17, le llegará el turno a la ópera “Pepita Jiménez” de Isaac Albéniz (coproducción con los Teatros del Canal de Madrid), con dirección musical de Manuel Coves y puesta en escena de Calixto Bieito (cambio de fechas y cancelación de 'Capuleti' de Vincenzo Bellini).

El domingo 2 de diciembre, a las 18.30; el viernes 7, a las 19.30; el domingo 9, a las 18.30; el viernes 14 y sábado 15, a las 19.30 y el domingo 16, a las 18.30, proseguirá la tetralogía de Richard Wagner con las representaciones de la ópera “La Valquiria”, que contarán con la dirección musical de Alejo Pérez y la dirección escénica de Marcelo Lombardero.

Finalmente, el sábado 22 de diciembre, a las 20.30, y el domingo 23, a las 18.30, culminará el ciclo anual de conciertos y la temporada con la Novena Sinfonía de Beethoven, con la dirección de Alejo Pérez y la preparación del Coro de Miguel Martínez (reprogramación del concierto previsto originalmente para el 9 de diciembre).

Erwantung de Schönberg y Hagith de Szymanowski en el Teatro Colón de Buenos Aires

Fotos: Elena Nebera (soprano) Erwartung. A. Colombaroli - Teatro Colon de Buenos Aires

Martín Leopoldo Díaz (Claridge Hotel)

Poner en escena obras de vanguardia o títulos no muy conocidos por el público local requiere audacia y coraje. Por eso es muy meritoria la puesta y el acierto en la elección de estos dos nuevos títulos de la Temporada Lírica 2012 del Teatro Colón. Así, se recibió con calidez a “Erwartung” de Arnold Schönberg y “Hagith” de Karol Szymanowski en una apacible tarde invernal. Schönberg compuso esta breve ópera durante sus vacaciones de verano en 1909. Fue su primera obra para la escena, basada en un libreto de Marie Peppenheim. Este monodrama está considerado como una obra maestra del atonalismo libre. Todo se reduce al monólogo desesperado de una mujer, buscando en el bosque a su amante, a quien luego encuentra muerto. Fue sobresaliente la actuación de la soprano rusa Elena Nebera, quien tuvo que reemplazar a Evelyn Herlitzius a último momento. Nebera cantó con excelente emisión y volumen y pasó por todos los estados de ánimo que requiere la obra: furia, pasión, melancolía y desenfreno. Su mérito es doble, considerando lo extremadamente difícil que es el estudio de estas obras atonales, y el hecho de que salió a escena casi a último momento, logrando el éxito merecido. Muy delicada y sutil fue la puesta en escena y la realización visual, asi como el diseño de iluminación y vestuario de Pedro Pablo García Caffi. Con escasos elementos, pero muy bien pensados, usados y dosificados, García Caffi creó el clima ideal para esta extraordinaria y difícil partitura. 

La ópera de Karol Szymanoswski fue una grata y emocionante sorpresa. Compuesta entre 1912 y 1913, sólo se estrenó en el Gran Teatro de Varsovia en 1922 en idioma polaco. Con gran orquestación, el director Baldur Brönnimann tuvo un desempeño excelente y la Orquesta Estable del Teatro Colón respondió magníficamente, sorteando con bravura las difíciles partituras. Hagith conmovió con sus tintes épicos y el muy buen desempeño del director de escena y vestuario Michal Znaniecki. Tanto la soprano Ewa Biegas, en el rol de Hagith, como Enrique Folger personificando al Joven Rey cantaron excelentemente y se lucieron en sus roles. Hans Schöpflin fue un creíble e histriónico Viejo Rey, aunque su voz no tiene demasiado volumen; en tanto Alexander Teliga y Luciano Garay hicieron un muy buen trabajo. Como es costumbre, la labor del Coro Estable del Teatro Colón dirigido por Peter Burian, fue superlativa.

Ópera de Los Ángeles, Temporada 2012-2013

Foto: I Due Foscari - Rebbeca Rotenberg / LA Opera

Placido Domingo agregará un nuevo papel de barítono a su repertorio, el de Francesco Foscari en las primeras representaciones locales de I Due Foscari con las que dará inicio la nueva temporada de Los Ángeles.  Tanto esta poco conocida opera de Verdi, como el Holandés Errante de Wagner, con la soprano portuguesa Elisabete Matos interpretando el papel de Senta, se perfilan para ser los platos fuertes de un discreto ciclo, que estará apuntalado por tres caballos de batalla como Madama Butterfly, con Oksana Dyka en el papel de Cio Cio San;  Don Giovanni con Ildebrando D’Arcangelo y Tosca que marcará el esperado regreso a este escenario de la soprano Sondra Radvanovksy con dirección musical de Domingo. La conocida producción de La Cenerentolda creada por Joan Font y Els Comediants, se verá por primera vez en este teatro con Kate Lindsay y Ketevan Kemoklidze alternándose el papel de Angelina y con el tenor de origen mexicano Rene Barbera como Don Ramiro con la dirección musical de James Conlon, quien estará al frente de la orquesta en las demás producciones.  Finalmente, se realizará el estreno mundial de Dulce Rosa opera comisionada al compositor Lee Holdbride, basada en la obra Una Venganza de Isabel Allende, que será dirigida musicalmente por Placido Domingo y contará  con la presencia de la soprano uruguaya María Eugenia Antúnez y la del barítono mexicano Alfredo Daza en los papeles estelares. RJ

http://www.laopera.ocom/

Ópera de San Francisco, Temporada 2012-2013

Foto: War Memorial Opera House, San Francisco

Un variado e interesante ciclo de nueve títulos es lo que propone el segundo teatro más importante de Norteamérica después del Metropolitan.  Resalta la presentación de operas de compositores estadounidenses como: Moby Dick de Jake Heggie con el tenor Ben Heppner y conducción de Patrick Summers;  y los estrenos absolutos de The Gospel of Mary Magdalene de Mark Adamo, y The Secret Garden de Nolan Gasser. Nicola Luisotti director musical del teatro se hará cargo de las producciones de Rigoletto (con Zeljko Lucic, Aleksandra Kurzak y el tenor mexicano David Lomelí), de Tosca (con Angela Gheorghiu y Patricia Racette en el papel principal), de Così fan tutte de Mozart y del estreno de una nueva producción de Lohengrin con Brandon Jovanovich, Camilla Nylund y Petra Lang.  En coproducción escénica con el Liceu de Barcelona, concebida por Laurent Pelly, se montarán Los Cuentos de Hoffman de Offenbach con Natalie Dessay y Matthew Polenzani con dirección musical de Patrick Fournillier. No menos interesante será la nueva producción de I Capuleti e i Montecchi que encabezará Joyce Di Donato y conducirá Riccardo Frizza.  El ciclo se complementará  con un concierto sinfónico con música de Puccini, Rota y Brahms que la orquesta del teatro realizará en el teatro de la Universidad de Berkeley. RJ

http://sfopera.com/

Midssumer Jazz Concerts -Stresa Festival 2012

Foto: StresaFestival 2012.

Renzo Bellardone

Lungolago La Palazzola – Stresa

Venerdì 20 luglio Jan Garbarek Group festuring Trilok Gurtu Jan Garbarek-sassofoni. Rainer Brűnighaus-pianoforte tastiere. Yuri Daniel-basso Trilok Gurtu-percussioni

Sabato 21 luglio. Brad Mehldau Trio. Brad Mehldau –pianoforte. Larry Grenadier-contrabbasso. Jeff Ballard-batteria

Domenica 22 luglio. Abdullah Ibrahim-pianoforte

La modernità sta nel momento, ovvero nel presente!!! L’atteso Midsummer Jazz Concerts proposto dallo Stresafestival 2012 alla sua 51ma edizione veste i panni dell’elegante ambientazione lungo le rive del Lago Maggiore in un favoloso parco che assurge a scenografia naturale e dove il movimento creato dal vento pare muovere le fronde ritmicamente con la musica. Questa sensazione è prevalente soprattutto nella prima serata con Jan Garbarek Group featuring Trilok Gurtu, seppur contrastata da incessante pioggia. La grande vela sullo sfondo del palco varia di colori e di intensità con i colori e le intensità della modernissima proposta: fruscii, percussioni inusuali e di ricerca intelligente, tastiere con gamma dinamica straordinaria e virtuosistici sassofoni. Concerto molto emozionante e coinvolgente in un atmosfera surreale tra i suoni del vento, delle profondità marine per poi librarsi nell’etere più impalpabile. La seconda serata il palco ha ospitato Brad Mehldau Trio che indubbiamente di bravura ha proposto un jazz ritmicamente più conosciuto e se vogliamo ‘di consuetudine’; ritmicamente e timbricamente interessanti anche forse in virtù del fatto che Brad Mehldau ha fatto più volte rivedere l’emissione audio. Abdullah Ibrahim piace o non piace !!!! Non esistono vie di mezzo così come è senza via di mezzo la ricerca e la qualità dell’interpretazione. Senza necessità di far scorrere velocemente le mani sulla tastiera o esibizionistica gestualità propone una musica dolce, intima, quasi da camera !!!! Con movimenti che rimandano a Debussy piuttosto che Liszt è consequenziale che si percepiscano voci infantili e narrazioni di vite e di mondi, in una ampia gamma di riflessi di colore che illuminano l’atmosfera sospesa in cui i suoni si espandono. Professionista di altissima qualità, neppure ai ringraziamenti si scosta dall’eleganza del suo essere artista !!!! La Musica vince sempre.

Baveno Festival 2012 - Umberto Giordano - The Interpretation of Dreams

Foto: Baveno Festival 2012

Renzo Bellardone

Baveno, Cave 15 luglio Concerto nelle Cave ‘The Interpretation of Dreams’ Giovanni Sollima e Monika Leskovar – violoncelli

Le proiezioni di Sebastiano Romano, a tutta parete raffigurano paesaggi naturali e spazi oltre il tempo dentro a cui, in fusione vibrante, si inserisce la suite in re minore di Marais fedelmente eseguita dall’eclettico Giovanni Sollima e da Monika Leskovar al violoncello. L’incontaminata purezza delle immagini ospita poi, a celebrazione dei 150 anni dalla nascita di C. Debussy, il Prelude trascritto da Sollima ed interpretato dai due violoncelli vibranti in un infinito dissonante: pizzicati, spaziale liricità, senso del profondo e del sospeso, danze aeree. Poi Sollima diventa il Sollima che si conosce e che si attende: sollevato il violoncello lo trasporta per tutta la sala suonandolo in ampliamento di sonorità con il palco: i dieci episodi di The Interpretation fo Dreams prendono vita e la platea vibra all’unisono con le corde mastellate e la tavola armonica percossa. Il violoncello si trasforma in violino, tamburi, chitarra, contrabbasso: lasciato l’arco, il violoncellista pizzica e percuote tavola e corde con esuberanza od introspezione traendo tremoli e poi ruvide sonorità con l’arco ribaltato. Giungono ricordi di ballate popolari quasi propiziatorie di amori carnali, urla di sconforto nell’opprimente quotidiano, esuberanze giovanili ed ostinatezze senili; riecheggiano tamburi africani e danze del West tra un sogno infantile ed i colori della speranza. Per comprendere la varietà di mondi visitati è necessario citare alcuni dei brani interpretati: I Hide Myself (le parole di Emily Dickinson), Du Bist Wie Eine Blume (Robert e Clara Schumann), Virginia Woolf- il flusso di coscienza, Frida’s dream?; Calamity Jane . Il bis è un brano del compositore stesso che viene suonato su unico violoncello, quello di Monika Leskovar, ad archi incrociati: mentre Sollima suona su una corda, le altre vengono sfiorate dalla violoncellista: Gli archi si incrociano, ma non si sfiorano in una spasmodica ricerca l’uno dell’altra creando un quadro musicale inconsueto che trasforma il concerto in una ‘esperienza di vita’ che scava, esalta, nutre ed apre nuove strade di pensiero e di sentire. La Musica vince sempre.